Moderne

Den aktuelle version af siden er endnu ikke blevet gennemgået af erfarne bidragydere og kan afvige væsentligt fra den version , der blev gennemgået den 21. juni 2022; checks kræver 10 redigeringer .
Art Nouveau stil
Fra venstre mod højre, top til bund: Paris metrostation "Abbes" , Hector Guimard , ( 1900 ); Litografi, Alphonse Mucha , ( 1898 ); Lampe, Louis Comfort Tiffany , ( 1900-1910 ) ; Vægskab, Louis Majorelle ; Trappe i Tassel's Palæ , Victor Horta , ( 1893 ). Inkluderet på listen over UNESCOs verdensarvssteder .
Koncept afvisning af symmetri; stilisering af naturlige former, blomsterdekorationer, brugen af ​​folkelige motiver, symbolisternes , prærafaeliternes , impressionisternes arbejde
Stiftelsesdato 1880'erne
Forfaldsdato 1914
 Mediefiler på Wikimedia Commons

Moderne ( fr.  moderne  - new, modern ) er en international kunstbevægelse ved overgangen til det 19.-20. århundrede, som havde til formål at udvikle et nyt kunstnerisk kunstsprog og herigennem skabelsen af ​​en ny kunstnerisk stil [1] . I engelsk og fransksproget litteratur blev udtrykket "art nouveau" ( fr.  art nouveau ), som betyder "ny kunst", knyttet til fænomenet . I forskellige lande har Art Nouveau fået andre navne.

Synet på Art Nouveau som en enkelt etableret kunstnerisk stil anses for at være noget forældet, analogt med klassificeringen af ​​kunststilarter, der er accepteret i akademisk videnskab - gotisk , barok , klassicisme , og så videre. Også betragtet som forældet er definitionen af ​​modernitet som en "bro" mellem historicisme og modernisme - et ekstremt populært tidligere begreb, udtrykt af Nicolus Pevsner i 1970'erne [2] .

Art Nouveau var et komplekst fænomen, der omfattede en bred vifte af kunstneriske tendenser og skoler, forenet af den anti-eklektiske idé om at overvinde kunsten fra den tidligere æra. De vigtigste kunstneriske træk ved Art Nouveau er ornamentalitet og dekorativitet.

Historien om udtrykket og dets fortolkninger

Art Nouveau fik en mærkbar international succes allerede i slutningen af ​​1890'erne, men havde ikke noget enkelt navn: forskellige lande udviklede deres egne termer for at henvise til fænomenet. Hovedproblemet ved valget af navnet var det faktum, at samtiden ikke havde nogen idé om oprindelsesstedet for stilen. Briterne, som ikke forstod deres eget vigtige bidrag til udviklingen af ​​stilen, kaldte det det franske udtryk "art nouveau" ( fr.  art nouveau  - "ny kunst"). Det menes, at leksemet er lånt fra navnet på det parisiske galleri "House of New Art" ( fr.  Maison L'Art Nouveau ), åbnet den 26. december 1895 af den fransk-tyske forretningsmand Siegfried Bing [3] .

I Frankrig blev stilen oprindeligt betegnet med en række forskellige navne: nogle gange blev den kaldt det engelske udtryk "moderne stil" ( engelsk  moderne stil ) [K 1] ; i grafisk kunst blev det sjovt omtalt som "nudlestil" ( fransk  stil nouille ); nogle gange - med et mere ligetil udtryk "stil af indgangspavilloner i metroen" ( fransk  stil de bouche de métro ). Arkitekten Hector Guimard , der tegnede pavillonerne i Paris Metro, mente, at fænomenet skulle opkaldes efter ham - "Guimard-stil" ( fransk  stil Guimard ). Forfatteren Edmond de Goncourt , der var på vagt over for modernitetens strømlinede linjer, opfandt det nedsættende udtryk "yacht-stil" for at betegne det . Som følge heraf blev udtrykket "art nouveau" ( fr.  art nouveau ) tildelt fænomenet i Frankrig [5] .

I Tyskland blev stilen oprindeligt kaldt "Belgishe" og "Veldeshe" efter belgieren Henri Van de Velde , der flyttede til Tyskland i 1897 og blev leder af Art Nouveau i dette land. Nogle gange blev Art Nouveau betegnet med udtrykket "Studio-Stil" ifølge en af ​​de engelsksprogede publikationer, der beskrev Arts and Crafts-bevægelsens arbejde. Nogle gange blev stilen kaldt mere fantasifuldt: "squiggle style" ( tysk  schnürkelstil ) eller " bændelorm stil " ( tysk  bandwurmtil ). Ikke desto mindre var udtrykket "Jugendstil" ( tysk  jugendstil ) - "ung stil", ved navnet på det illustrerede tidsskrift Jugend grundlagt i 1896 , mest brugt og fastlagt i tyske ordbøger [5] .

I Østrig blev stilen kaldt " Secession " ( tysk :  Secessionstil ), efter navnet på udstillingsorganisationen " Viennese Secession ". Skotske kunstnere fandt på et højt selvnavn " School of Glasgow " ( eng.  Glasgow school ). I Spanien har udtrykket "Modernismo" ( spansk  modernismo ) bidt sig fast. I Italien blev Art Nouveau oprindeligt kaldt "blomsterstil" ( italiensk  stile floreale ), men senere blev udtrykket "frihedsstil" ( italiensk  stilfrihed ) tildelt den, efter navnet på en butik i London og tekstiler, hovedsagelig i det orientalske stil, som blev solgt i denne butik. I Belgien kaldte man jugendstilen "ålestil" ( hollandsk.  paling stil ) eller " Samfundets XX -stil " ( hollandsk.  Le Style des Vinght ) eller "fri æstetik" ( hollandsk.  La Libre Esthétique ). De sidste to udtryk blev brugt til at identificere jugendstil med sammenslutninger af kunstnere af samme navn, hvilket bragte Bruxelles i front for den nye kunstbevægelse [3] .

Russisk kunstkritik fra 1900'erne brugte udtrykket "ny stil" i forhold til symbolisme og modernitet , og kunstkritikeren Vladimir Stasov , der talte negativt om begge dele, forenede dem under det fælles navn "dekadence" [6] . I russisk kunstlitteratur optrådte udtrykket "moderne" i 1920'erne, i værker af Eduard Stark ("Old Theatre", 1922) og Alexei Fedorov-Davydov ("Russian Art of Industrial Capitalism", 1929) [7] .

Nogle gange bruges udtrykket "nationalromantik" som betegnelse for den nationalromantiske gren af ​​moderniteten , der oftest forstås som Finlands og de skandinaviske landes arkitektoniske stil i slutningen af ​​det 19. og begyndelsen af ​​det 20. århundrede, men som også bruges i en bredere betydning, der betegner alle de nationale stilistiske strømninger i periodens historicisme i slutningen af ​​det 19. århundrede og moderniteten [8] . I Sverige refererer begrebet "nationalromantik" for eksempel til kunst og kunsthåndværk i 1870'erne-1920'erne, mens efter tysk forbillede perioden fra 1895 til 1905, hvor landets kunstneriske kultur strakte sig mest mod vesteuropæisk modernitet. omtales som "art nouveau" [9] . Fremkomsten af ​​et rent russisk udtryk "nordmoderne" [K 2] blev forbundet med udtrykket "nationalromantik" . Det dukkede første gang op i Vladimir Lisovskys afhandlingsarbejde i 1966; Lisovsky blev foreslået at bruge udtrykket af Andrey Punin . Under det "nordlige moderne" mentes den nationalromantiske gren af ​​moderne i Skandinavien og Finland, samt dens regionale gren i St. Petersborg [10] .

Teoretiske begreber i Art Nouveau

Spørgsmålet om emnet for begrebet "moderne" er kontroversielt. amerikanske kunsthistoriker Martin Eidelberg

Problemet med at definere art nouveau præcist har været en langvarig debat. Er Art Nouveau en udpræget stilart, eller repræsenterer den en generel tendens til fornyelse af kunsten ved århundredeskiftet? Denne kontrovers går tilbage til Bings egen tid. Bing mente, at udtrykket "Art Nouveau" kun betød søgen efter en ny stil. Men historien om hans galleri viser, at selvom der i begyndelsen ikke var noget klart koncept [om den nye stil], da han startede i 1895, var situationen allerede ændret i 1900, og Byng slog sig til ro med et ekstremt sammenhængende design, hvis hovedelementer var lånt fra udtrykket af Van de Veldes abstrakte, lineære stil. Faktisk nævner kritikere uvægerligt piskesmældstilen, når de forsøger at definere "høj art nouveau" og først derefter, som om de ikke er fornærmede, nævner andre kunstarter. Som følge heraf forbliver spørgsmålet om nøjagtig definition forvirrende. Æstetikken i Guimard og Galle kan kun beskrives med et udtryk, hvis dette udtryk betegner en kronologisk periode snarere end en enkelt stil. Men hvis vi beslutter, at udtrykket jugendstil kun skal betegne en kronologisk periode, forbliver et andet problem uløst - hvordan man skal navngive og forstå de stilarter, der opstod i denne periode.

— Martin Eidelberg, 1989 [11]

Problemerne identificeret af Eidelberg kan illustreres ved at forsøge at definere modernitet gennem Henri van de Veldes teoretiske essays: kunstnerens syn på moderne kunst hjælper med at forstå det "geometriske" stilbegreb i tysktalende lande, men hvis dette begreb er strengt fulgt, så falder Gaudí ud af kredsen af ​​moderne kunstnere. I den forbindelse var den norske kunsthistoriker Stefan Tschudi-Madsen en af ​​de første, der i 1967 bemærkede, at Art Nouveau faktisk var en hel række stilarter, der adskilte sig i deres originalitet i forskellige dele af Europa, men var det samme i deres grundlæggende principper [12] .

I russisk historieskrivning er der udviklet flere fortolkninger og teoretiske begreber om "moderne kunst". Den første, akademiske og mest almindelige, hævder udtrykket "moderne" som navnet på en bestemt kunstnerisk stil , der er blevet udbredt i en given kronologisk periode. En sådan tilgang blev især foreslået af D.V. Sarabyanov i bogen "Modern Style" (1989), uden at give et overbevisende teoretisk argument. Vanskeligheden ligger i, at der i denne korte, men intense periode af kunstnerisk liv, eksisterede forskellige stilistiske tendenser, kunstskoler og kreative foreninger. Indholds- og formmæssigt adskilte de sig væsentligt fra hinanden, hvilket strider mod kunstens generelle definition af stil.

Et andet koncept blev forsvaret af G. Yu. Sternin , baseret på det faktum, at hovedindholdet i kulturen i den moderne periode var "ønsket om at syntetisere forskellige kilder, ofte modstridende metoder og stilarter, forskelligartede former og teknikker" [13 ] . G. Yu. Sternin kom med en logisk konklusion, at "moderne kunst ikke kan forstås ved kun at beskrive dens generelle stilistiske træk... På trods af et vist plastisk sprog... er det ikke kun en kunststil, men frem for alt en livsstil." "Moderne" som et videnskabeligt begreb "er mere passende at rangere ikke med rent stilistiske kategorier, men med et så historisk og kulturelt begreb som Biedermeier ... Vi kan sige, at Biedermeier og Art Nouveau er begyndelsen og slutningen af ​​en hel historisk fase af romantikken" [14] .

Arkitekturforskerne V. S. Goryunov og M. P. Toubli nærmede sig dette problem endnu mere radikalt : "Kunst, som relativt for nylig blev kaldt dekadent, bliver mere og mere klart betydningen af ​​en fase, der fuldender den storslåede udviklingscyklus af europæisk kultur, som begyndte. tilbage i oldtiden. Der er ingen tvivl om, at det forsøg, der blev gjort ved århundredeskiftet på at generalisere menneskehedens æstetiske erfaringer, at syntetisere de kunstneriske traditioner fra Vesten og Østen, antikken og middelalderen, klassicismen og romantikken blev ledsaget og til en vis vis omfang, blev genereret af fænomenerne tilbagegang, krisen i systemet af videnskabelige, æstetiske og etiske værdier” [15] . Disse ord afspejler datidens entusiasme og idealistiske stemning. Det forekom for mange, at en helt ny kunst var ved at blive skabt for deres øjne, deraf udtrykket "moderne". "Vi er toppen af ​​en stigende bølge," skrev V. Ya. Bryusov, initiativtageren til symbolismen i russisk poesi i "sølvalderen" [16] .

Æstetiske og kunstneriske ideer om jugendstil

Den vigtigste kunstneriske idé, der dominerede denne periode, var en anti-eklektisk orientering, ønsket om at overvinde eklekticismens kaos i den forrige tids kunst, søgen efter harmoni mellem kunst og liv i den industrielle æra. Masters of Art Nouveau stræbte efter at kombinere de kunstneriske og utilitaristiske funktioner af de skabte værker, at inddrage alle sfærer af menneskelig aktivitet i skønhedens sfære, at realisere ideerne om at "forvandle livet gennem kunstens midler." Heri fulgte de traditionerne fra romantikken og symbolismen . Art Nouveau-periodens træk var blomstringen af ​​kunst og kunsthåndværk og den voksende interesse for nye teknologier. Symbolismen var en af ​​strømningerne i den moderne tids kunst og i høj grad dens ideologiske grundlag, om end ikke den eneste. Navnet "sølvalderen" eller det franske udtryk "belle époque" ("smuk æra"), som var knyttet til denne periode af russisk kultur, er også vejledende.

I den moderne periode var der en hurtig, radikal gentænkning af det gamle og opdagelsen af ​​nye kunstneriske former og teknikker, konvergens og sammensmeltning af forskellige typer og genrer af kunst. Art Nouveau-kunstnere, der stræbte efter en "stor syntese" og "stor stil", brød dristigt de sædvanlige normer og grænser. Det tyske udtryk "Jahrhundertwende" ("århundredeskiftet") i denne henseende, som bemærket af A. A. Rusakova , definerer periodens indhold bedre end det mere almindeligt anvendte franske "fin de siècle" ("slutten af ​​århundredet") [17] .

Ønsket om integritet er hovedmålet for kunsten i Art Nouveau-perioden. Samtidig tillod mangfoldigheden af ​​kunstneriske former og kompleksiteten af ​​overgangsæraen, dens korte varighed ikke princippet om integritet at blive fuldt ud realiseret i alle værker. Billedet af udviklingen af ​​kunst på det tidspunkt kompliceres af det faktum, at der i den moderne periode var værker ikke kun i "moderne stil". Inden for arkitekturen blev der fortsat skabt kompositioner i historicismens ånd og stiliseringer på linje med den nationalromantiske bevægelse [18] .


Modernitetens forhistorie

Dannelsen af ​​en ny æstetik var påvirket af ideerne fra det foregående trin i udviklingen af ​​vesteuropæisk kunst: William Morris og Arts and Crafts - bevægelsen, samt begrebet " unity of arts " ( tysk:  Gesamtkunstwerk ), som indebærer ikke en syntese af forskellige typer kunst, men en organisk og holistisk vekselvirkning i én sammensætning af elementer af arkitektur, lys, farve og musik [19] .

De grundlæggende principper for den "nye kunst" (Art Nouveau) blev med succes implementeret af kunstneren og teoretikeren Henri Van de Velde i den såkaldte "blomsterstil" (baseret på stilisering af planteformer og buede linjer) og i " symbolsk koncept for kreativitet" udviklet af ham. Art nouveau-stilen blev efterfulgt af Henri Obrist, Hector Guimard , der blev berømt for ristene af overliggende indgange til Paris-metroen, Victor Horta , Louis Majorelle , Victor-Emile Prouvé .

En anden "geometrisk trend" blev dannet i Østrig, i den såkaldte wienske moderne skole af Otto Wagner , hans elever og tilhængere: Josef Hoffmann , Josef Olbrich , Jan Kotera og andre, samt Adolf Loos , der fremførte den berømte slogan "Form uden ornament". Et væsentligt bidrag til dannelsen af ​​en ny æstetik blev ydet af deltagerne i Wien-værkstederne (Wiener Werkstätte).

En separat plads er optaget af den franske skole i Nancy : værkerne af den berømte Emile Galle og Dom-brødrene , såvel som arbejdet af Charles Rennie Mackintosh og Glasgow-skolen ledet af ham .

I de nordlige lande: Sverige, Finland, de baltiske lande i Estland, Letland, Nordtyskland har det såkaldte nordlige moderne udviklet sig , som af eksperter tilskrives den nationalromantiske bevægelse, da konstruktive innovationer i denne kunst kombineres med nationale og folkelige temaer og motiver [20] [21] .

En lignende stilistisk tendens udviklede sig i samme periode i Skt. Petersborgs arkitektur , men eksperter tilskriver det ikke nationalromantikken, da den blev fodret af eksterne kilder, og den "ny-russiske stil" tog pladsen for nationalromantikken bevægelse [22] [23] .

De nationalromantiske strømninger i den moderne kunst i forskellige lande nærede sig af folkemusik, herunder litterære folklorekilder . Deraf navnet "vernacular style" ( lat.  vernaculus  - indfødt). En mærkbar indflydelse på dannelsen af ​​den europæiske modernismes kultur blev udøvet af orientalsk kunst, primært Japan , som blev tilgængelig i Vesten med begyndelsen af ​​Meiji-æraen  - farvetræsnit, opdaget af impressionisterne , og derefter af W. Van Gogh , den såkaldte japanisme , samt malerier af kinesisk porcelæn og silkestoffer . Under indflydelse af orientalsk kunst tog værket af den originale kunstner James Whistler form .

Orientalsk kunst blev handlet i Paris af en af ​​initiativtagerne til den nye kunstbevægelse, Siegfried Bing , som åbnede butikken China Gate (La Porte Chinoise), hvor han begyndte at sælge kunstværker fra Kina og Japan. I december 1895 skabte Bing sit berømte galleri "House of New Art" (Maison de l'Art Nouveau) i Paris, hvor han viste ikke kun produkter fra landene i Østen, men også værker af unge franske kunstnere i " ny stil". Butikkens navn var knyttet til stilen i den nye franske kunst: "Art Nouveau" [24] . Galleriet udstillede keramik og glasvarer, møbler, stoffer fra William Morris værksted , smykker fra lederen af ​​School of Nancy Emile Galle , samt Louis Comfort Tiffany , Henri Van de Velde Eugène Grasse , Edvard Colonna, René Lalique , kunstnere af Nabis -gruppen Pierre Bonnard , Jean-Edouard Vuillard , Henri de Toulouse-Lautrec , norske Edvard Munch , den engelske kunstner Frank Brengvin . Auguste Rodin og Constantin Meunier udstillede deres værker i galleriet . Reklamebrochurerne hævdede, at "House of New Art" var designet til at overvinde eklekticisme og dårlig smag i parisernes hjem og indgyde ægte skønhed i hverdagen. Livets transformation ved hjælp af kunst er hovedideen i moderne kultur.

I England, og derefter i Frankrig og Italien, blev den samme butik åbnet af Arthur Lasenby Liberty , fra hvis efternavn et af navnene på vesteuropæisk art nouveau kommer: "liberty style".

De vigtigste stadier i udviklingen af ​​moderne kunst

Konventionelt er der tre hovedstadier i udviklingen af ​​moderne kunst:

På det første trin af udviklingen af ​​kunsten i den "nye stil", ifølge sloganet fremsat af A. Van de Velde: "Tilbage til naturen", søgte kunstnerne at frigøre sig fra de udskejelser af dekoration , der ligger i eklekticisme af " victoriansk stil ", det andet imperium , nybarok og " nyrenæssance ". På anden fase gik modernistiske arkitekter videre til et holistisk design af bygningen "indefra og ud" (tidligere var den modsatte metode til separat design af facaden domineret ved at tilføje elementer af forskellige stilarter i henhold til "lagkage"-princippet) . Samtidig blev den gamle tradition genoplivet, da arkitekten tegnede alt "ned til sidste søm": fra den generelle skitse af bygningen til tegningerne af dørhåndtag, vindueskarme, lamper og pejse. Desuden kan enhver krølle eller andet lille element vælges som det vigtigste formative motiv. Så for eksempel kan mønsteret af en ventilationsgrill blive et dominerende motiv-symbol, der gentager sig selv som et ekko i andre former og i helhedens sammensætning. Dette gav noget mystik, mystik og reddede den "moderne stil" fra overdreven rationalitet. Derfor virker selv en abstrakt dekorativ komposition, der afbilder en buet krum cyclamenstængel på et gobelin af Henri Obrist (1895) - en linje, der af kritikere kaldes et "svøbeangreb" - ikke afslappet, men fuld af konstruktiv spænding. I Hector-Germain Guimards værker - designet af indgangene til Paris-metroen (1898-1904) - er den "organiske" begyndelse karakteristisk, der gør metalstrukturer til indviklet buede stængler og blomster af usynlige planter. De biosimilære, blomstrede former på Paris-metroens rækværk, skabt af Guimard, svarede til smagen af ​​den nye stil i en sådan grad, at Art Nouveau-kunst i Paris på et tidspunkt blev kaldt "metrostilen" eller "Guimard-stilen" ". I 1892-1899 byggede den belgiske arkitekt Victor Horta adskillige bygninger i Bruxelles, der er blevet berømte i arkitekturhistorien: Solvay, Tassel, Van Evelde palæer, "Old England" og hans eget hus (Atelier Horta). Elementer af bygningsstrukturen i Hortas bygninger smelter sammen med indviklet buede dekorlinjer: Strukturen forvandles jævnt til form, og formen til dekoration på planer eller buede overflader.

Den "nye stil" udviklede sig så intensivt, at i Victor Hortas relativt sene værk - "Folkets hus" i Bruxelles (1896-1899) - bliver elementer af konstruktivisme mere mærkbare. Arkitekten definerede sit credo som følger: "Jeg ønsker at udtrykke planen og konstruktionen af ​​bygningen i facaden, som den blev udført i gotisk, og ligesom gotisk at afsløre materialet og vise naturen i en stiliseret indretning" [ 26] .

På slutstadiet af udviklingen af ​​moderne kultur i arkitekturen, neoklassicismen , en neoklassisk tendens, den såkaldte "moderne klassicisme", rationalisme , på grundlag af hvilken funktionalisme og konstruktivisme opstod, såvel som en symbolsk tendens, repræsenteret ved værk af Erich Mendelssohn , hans tilhængere, og Antonio Sant'Elia , varsel om futurisme .

Udviklingen af ​​Art Nouveau i forskellige lande

I en række europæiske lande arbejdede både individuelle mestre og sammenslutninger af kunstnere inden for grænserne af moderne æstetik: Exhibition Society of Arts and Crafts ( 1888 ) i Storbritannien, World of Art ( 1890 ) i Rusland [27] , Dresden og München "United Artistic-craft workshops" ( 1897 ), " School of Nancy " ( 1901 ) i Frankrig, " Wiener workshops " ( 1903 ) i Østrig, " German workshops " ( 1907 ) i Tyskland.

Udvikling af Art Nouveau i Storbritannien

Art Nouveau-kulturen blev dannet tidligt i Storbritannien, i ideerne fra Arts and Crafts - bevægelsen, skabt i 1860'erne og opnåede international anerkendelse i 1880'erne . Bevægelsen opfordrede til en genoplivning af kunst og kunsthåndværk og hentede inspiration fra middelalderhåndværk og natur. [28]

McMurdos værk, den berømte mahognistol og omslaget til bogen "City Churches of Rennes", skabt i 1881 og 1883, er blandt de første værker af den "nye engelske stil" [29]

En anden vigtig fornyer i Storbritannien var Aubrey Beardsley, hvis tegninger og grafiske værker indeholdt de buede linjer, der blev det mest genkendelige træk ved stilen.

De britiske grafikere Walter Cranes og Charles Ashbys arbejde var også vigtigt i udviklingen af ​​stilen. [tredive]

Libertys stormagasin i London spillede en vigtig rolle i udviklingen af ​​kunst og kunsthåndværk, takket være de genstande, der er skabt specifikt til salg i butikken af ​​kunstneren Archibald Knox til forskellige formål: tekstiler med farverige stiliserede blomstermønstre, sølv, tin og smykker, hvor de anvendte former og materialer helt "bryder væk" fra de historiske traditioner inden for smykkedesign.

For Art Nouveau-arkitektur og møbeldesign var det vigtigste udviklingscenter i Storbritannien Glasgow, ledet af Charles Rennie Mackintosh og Glasgow-skolen , han skabte , hvis arbejde var påvirket af stilen fra de skotske baroner , japansk kunst og Wien-løsrivelsen . [31] McIntosh udstillede sine designs på internationale udstillinger i London, Wien og Torino. Hans arkitektoniske kreationer omfattede Glasgow Herald-bygningen (  1894 ) og biblioteket ved Glasgow School of Art (1897). Han etablerede sig også som møbeldesigner og dekoratør og arbejdede tæt sammen med sin kone, Margaret MacDonald Mackintosh . Sammen skabte de livlige designs, der kombinerede geometriske lige linjer med blødt buede blomsterudsmykninger.

Leon-Victor Solon ydede et vigtigt bidrag til udviklingen af ​​keramik i Art Nouveau. Han specialiserede sig i plaketter og rørformede vaser samt udvikling af tekstildesign. [32]

Udvikling af Art Nouveau i Belgien

Belgien var et tidligt centrum for udvikling i jugendstil, i høj grad takket være arkitekten Victor Horta, der tegnede et af de første jugendstilhuse, Tassel-palæet, som er et af de mest berømte vartegn for stilen [33] [34] , samt tre andre palæer i ny stil. Alle af dem er nu FN's verdensarvssteder. Horta havde en stærk indflydelse på den unge Hector Guimards arbejde, som kom for at se palæet under opførelse og senere hævdede, at Horta var "opfinderen" af art nouveau. I udformningen af ​​facader og interiør brugte Horta en overflod af glas til at udvide det åbne rum og oplyse rummene med lys, og jern til at dekorere søjler og rækværk med buede vegetative former. Orta designede også møbel- og tæppedesign.

Paul Ankar var en anden pioner inden for Bruxelles Art Nouveau. Hans eget hus , bygget i 1903, samme år som Tassels palæ, havde en sgraffito fresco på facaden . Ankaras arbejde var stærkt påvirket af ideerne fra Viollet-le-Duc og den engelske "arts and crafts"-bevægelse. Hans koncept var at kombinere kunst og kunsthåndværk og kunst til en helhed. Han bestilte billedhuggeren Alfred Crick og maleren Adolf Crespin til at dekorere husenes facader med deres arbejde. Det mest bemærkelsesværdige eksempel var huset og atelieret bygget til maleren Albert Ciamberlani i Bruxelles, for hvem han skabte en farverig facade dækket af sgraffito med malede figurer og ornamentik, og genskabte den dekorative arkitektur fra det 15. århundredes Italien . Ankaras arbejde opnåede anerkendelse efter hans død i 1901. [35]

En anden fremtrædende arkitekt i Bruxelles var Gustave Stroven , før han startede sin egen praksis som 21-årig var han Hortas assistent Hans mest berømte værk er Maison Saint-Cyr i Bruxelles. Med en bredde på kun fire meter er den fuldstændig dekoreret fra top til bund med et buet ornament, i jugend-barok stil.

Andre bemærkelsesværdige belgiske Art Nouveau-mestre var arkitekterne Henry van de Velde, dekoratøren Gustave Serruzier-Bovy og grafikeren Fernand Khnopff . [36] [37] .

Udviklingen af ​​Art Nouveau i Frankrig

Efter verdensudstillingen i 1900 blev Paris "hovedstad" i jugendstilen. De mest ekstravagante bygninger blev tegnet af arkitekten Jules Lavirot , hvis facader var fuldstændig dækket af keramisk skulpturel udsmykning. Det mest bemærkelsesværdige eksempel på hans arbejde er Lavirotti-huset . Kontorbygninger og stormagasiner havde høje døre dækket af farvet glas og keramik. Stilen var især populær i design af interiøret på restauranter og caféer.

Paris' status tiltrak udenlandske kunstnere til byen. Den schweiziskfødte kunstner Eugène Grasse var en af ​​de første skabere af franske art nouveau-plakater. Han deltog i indretningen af ​​kabareten "Black Cat" ( fr.  Le Chat Noir ) i 1885, han lavede også plakater til Paris-udstillingen og en plakat til Sarah Bernhardt . I 1896 skabte Theophile-Alexandre Steinlen den berømte plakat for Black Cat-kabareten. Den tjekkiske kunstner Alphonse Mucha ankom til Paris i 1888 , og i 1895 malede han en plakat til Victor Sardous skuespil Gismonda på renæssanceteatret .  Succesen med denne plakat førte til en kontrakt om at producere plakater til yderligere seks skuespil af Sarah Bernhardt.

Byen Nancy i Lorraine blev den anden hovedstad i Art Nouveau i Frankrig. I 1901 blev en provinsalliance af kunstindustrien, også kendt som " Nancy School ", grundlagt, som var dedikeret til at bryde hierarkiet - maleri og skulptur skulle placeres højere end kunst og kunsthåndværk. De vigtigste repræsentanter for skolen var: Emile Galle , Louis Majorelle , Henri Sauvage og andre.

Den franske stil blev bredt udbredt gennem magasiner, herunder Studio, Art and Ideas ( fransk:  Arts et Id'es ) og Art and Decoration ( fransk:  Art et D'coration ), hvis fotografier og farvelitografier gjorde stilen berømt overalt. verdenen.

I Frankrig nåede stilen sit højdepunkt i 1900 og faldt derefter hurtigt af mode og forsvandt nærmest fra Frankrig i 1905. Art Nouveau var en luksuriøs stil, som krævede højt betalte håndværkere for at lave, og varer lavet i denne stil kunne ikke være lige så nemme og billige at lave som masseproducerede varer. En af de få Art Nouveau-ting, der blev masseproduceret dengang, var René Laliques parfumeflasker, som den dag i dag er blevet masseproduceret i stor stil.

Udvikling af Art Nouveau i Tyskland

Art Nouveau i Tyskland opstod blandt forskellige sammenslutninger af avantgarde-kunstnere, arkitekter og kunsthåndværkere, såsom Darmstadt-kunstnerkolonien , München-løsrivelsen , Berlin-løsrivelsen , Werkbund m.fl. Centrene for stiludvikling i Tyskland var byerne: München , Darmstadt , Karlsruhe , Nürnberg , Leipzig , Berlin , Hagen osv.

Tysk Art Nouveau er kendt som Jugendstil ( tysk:  Jugendstil  - "Ung stil"). Navnet kommer fra navnet på kunstmagasinet Jugend, som udkom i München . Udgivelsen blev grundlagt i 1896 af Georg Hirt , der forblev redaktør af tidsskriftet til sin død i 1916 . Udgivelsen udkom indtil 1940 . I begyndelsen af ​​det 20. århundrede var magasinet udelukkende helliget kunst. [38] Senere blev udtrykket Jugendstil lånt af andre lande i Østersøen og Nordeuropa for at navngive stilen i disse lande. [39]

I 1892 valgte Georg Hirt navnet Munich Secession for sammenslutningen af ​​München-kunstnere. Vienna Secession og Berlin Secession lånte deres navne fra navnet på München-gruppen. Vigtige deltagere i udviklingen af ​​moderniteten i Tyskland var: bladene "Jugend" og " Simplicissimus " ( tysk:  Simplicissimus ), udgivet i München, samt magasinet " Pan " ( tysk:  Pan ), udgivet i Berlin.

Otto Eckmann var en af ​​de mest berømte tyske kunstnere med tilknytning til Jugend- og Pan-magasinerne. Ligesom sine forgængere i Storbritannien var han interesseret i japansk kunst, men han var især interesseret i den flade gengivelse af naturlige motiver. Hans yndlingsdyr, svanen, er blevet et af ledemotiverne i Art Nouveau.

Jugendstil kombinerede buede kurver med geometriske linjer, der blev brugt til at designe bogomslag, reklamer og udstillingsplakater. Designere skabte ofte originale skrifttyper, der blandede sig harmonisk med billeder, såsom Arnold Böcklins skrifttype fra 1904 .

I 1899 blev Darmstadt-kunstnerkolonien grundlagt af Ernest Ludwig , som byggede storhertugens hus, samt koloniens største bygning, Bryllupstårnet. Berømte medlemmer af kolonien var Joseph Maria Olbrich  - en af ​​grundlæggerne af Wiener Secession, Peter Behrens og Hans Christiansen .

En anden bemærkelsesværdig fagforening i Tyskland var " Deutsche Werkbund " ( tysk:  Deutscher Werkbund ), grundlagt i 1907 i München på initiativ af Hermann Muthesius . Fra 1896 til 1903 arbejdede Muthesius i England, hvor han studerede arkitekturen i et traditionelt engelsk hus og var tæt på ideerne fra Arts and Crafts-bevægelsen. Under indflydelse af resultaterne af den nye engelske kunst, rationalistisk arkitektur og værkerne fra Charles Macintoshs Glasgow School fik Muthesius ideen om en ny forening. Grundlæggerne af Werkbund var: Peter Behrens  - en af ​​grundlæggerne af industrielt design, Theodor Fischer , Joseph Hoffmann , Wilhelm Kreis , Max Lauger , Adelbert Niemeyer , Joseph Maria Olbrich , Bruno Paul , Richard Riemerschmid , Jacob Julius Scharvogel , Paul Schulze- Naumburg , Fritz Schumacher .

Udvikling af Art Nouveau i Østrig-Ungarn

Østrig

Se også Vienna Secession

Wien blev centrum for en separat variant af Art Nouveau, som er kendt som " Wiennese Secession ". Bevægelsen tog sit navn fra navnet på München-løsrivelsen, der blev oprettet i 1892 . Wien-løsrivelsen blev grundlagt i april 1897 af en gruppe kunstnere, der omfattede Gustav Klimt , Koloman Moser , Josef Hoffmann , Joseph Maria Olbrich , Max Kurzweil , Ernst Störi m.fl.. [40] Gustav Klimt blev leder af bevægelsen. Den nye bevægelse protesterede mod den konservative historicistiske orientering af Wiener Künstlerhaus , den  officielle sammenslutning af kunstnere. The Secession grundlagde et magasin, " The Sacred Spring " ( Latin  Ver Sacrum ), for at fremme hans arbejde. [41] Joseph Maria Olbrich tegnede den kuppelformede bygning af " Scession " i den nye stil, som blev et udstillingsvindue for Gustav Klimts og andre kunstneres værker.

Klimt var den mest berømte af de kunstnere, der var involveret i bevægelsen. I hans værker blev grænsen mellem fint og dekorativt maleri udvisket. Et andet vigtigt medlem af bevægelsen var Koloman Moser. Han var en ekstremt alsidig mester i jugendstil - hans arbejde omfattede magasinillustrationer, arkitektonisk bygningsdesign, sølvtøj, keramik, porcelæn, tekstiler, farvet glas og møbler.

Den mest berømte arkitekt for Wien-løsrivelsen var Otto Wagner [42] som sluttede sig til bevægelsen kort efter dens begyndelse for at følge sine elever Hoffmann og Olbrich. Hans hovedprojekter omfattede adskillige stationer på bybanenettet, Karlsplatz-stationen - i øjeblikket udstillingshallen for Wien-museet osv.

I 1899 flyttede Joseph Maria Olbrich til kunstnerkolonien i Darmstadt, og i 1903 grundlagde Koloman Moser og Joseph Hoffmann Wienerværkstederne  , en træningsskole og værksted for designere og kunsthåndværkere af møbler, tæpper, tekstiler og dekorative genstande. [43] I 1905 løsrev Koloman Moser og Gustav Klimt sig fra Wien-løsrivelsen, senere i 1907 forlod Koloman Moser også Wiener Werkstütte og dens anden grundlægger Joseph Hoffmann sluttede sig til det tyske Werkbund. Gustav Klimt og Joseph Hoffmann fortsatte med at samarbejde, og i 1908 organiserede de en udstilling i Wien og byggede Stocklet-paladset i Bruxelles (1905-1911), som forudså begyndelsen af ​​modernistisk arkitektur . [44] [45] I 2009 blev den optaget på FN’s verdensarvsliste.

Ungarn

Pioneren for den ungarske løsrivelse var arkitekten Ödön Lechner , hvis projekter markerede overgangen fra historicisme til den ungarske version af jugendstil. [46] Træk i dens arkitektur var brugen af ​​keramik og magyariske motiver. I sine værker brugte han pygorgranit, som blev produceret på Zsolnay- porcelænsfabrikken og brugt til opførelsen af ​​den ungarske parlamentsbygning og omstruktureringen af ​​Matyas-kirken. Lechners værker omfatter også Museum of Applied Arts , Institute and Museum of Geology og Post Office Savings Bank-bygningen. [47] Men på grund af modstand mod det ungarske arkitektoniske etablissement kunne Lechner efter indledende succeser ikke efterfølgende modtage byggeordrer, der kunne sammenlignes med de oprindelige bygninger. Lechners arbejde inspirerede dog yderligere den næste generation af arkitekter og spillede en stor rolle i populariseringen af ​​den nye stil.

En anden vigtig arkitekt var Kara Kosh , som var en tilhænger af John Ruskin og William Morris. Kosh brugte den finske nationalromantiske bevægelse som model for sine designs. [48] ​​Nogle af hans bygninger: kirken i Zebegeni, pavillonerne i Budapest Zoo og National Székely Museum i Shepshisentdörde.

Bevægelsen, der fremmede den ungarske kunstudskillelse, var kunstkolonien Gödöllő , grundlagt i 1901 af Aladar Körösföy-Krish , professor ved School of Applied Arts , også en tilhænger af Ruskin og Morris. [48]

Et medlem af Gödölle kunstkoloni, [49] Mikga Roth var involveret i flere projekter af bevægelsen, herunder Gresham Palace (mosaikvinduer, 1906) og Török Bank (mosaik, 1906), og skabte også mosaikker og farvede glasvinduer til Kulturpaladset (1911-1913) i Marosvasarhei .

Den berømte møbeldesigner Eden Farago kombinerede i sit arbejde traditionel og orientalsk arkitektur, såvel som den maleriske retning af moderniteten. Pal Horthy , en anden ungarsk møbeldesigner, præsenterede en meget mere behersket og funktionel stil i sit arbejde. Hans arbejde blev udført i eg med fine mønstre i ibenholt og messing.

Tjekkiet, Slovakiet, Slovenien, Galicien

Den mest produktive slovenske arkitekt var Cyril Metod Koch . [50] Han studerede hos Otto Wagner i Wien og tjente i byrådet i Laibach (nu Ljubljana , Slovenien ) fra 1894 til 1923. Efter jordskælvet i Laibach i 1895, mellem 1900 og 1910 [50] tegnede han mange verdslige bygninger i løsrivelsesstilen: Pogačniks hus (1901), Chudens bygning (1901), bondens lånebankbygning (1906-07), en restaureret bygning Hauptmann (1904). Hans karriere kulminerede med designet af en lånebankbygning i Radmannsdorf (nu Radovljica ) i 1906. [50]

De mest berømte jugendstilbygninger i Prag er eksempler på "total kunst" med original arkitektur, skulptur og malerier. [51] Hovedbanegården (1901-1909) blev designet af Josef Fanta , dekoreret med malerier af Vaclav Jansa , skulpturer af Ladislav Szaloun og Stanislav Sucharda . The Public House (1905-1912), med skulpturer af Josef Maratka og Ladislav Shaloun, blev designet af Oswald Polivka og Antonin Balshanek , udsmykningen blev udført af den berømte tjekkiske kunstner Alfons Mucha, og senere malede Mucha de farvede glasvinduer i St. Vitus-katedralen i sin originale stil. Polivka, Maratka og Shaloun deltog samtidig i opførelsen af ​​det nye rådhus (1908-1911) sammen med Stanislav Sucharda ,

Stilen, som kombinerede den ungarske løsrivelse og nationale arkitektoniske elementer, var karakteristisk for den slovakiske arkitekt Dušan Jurković . Hans mest originale værker er Kulturhuset i Šakolce (nu Skalica i Slovakiet , 1905), bygningerne til kurbadet i Luhacovice (nu Tjekkiet , 1901-1903). Samt 35 militærkirkegårde nær New Zmigrud i Galicien (nu Polen ), hvoraf de fleste er lavet med en stærk indflydelse af lokal Lemko (Rusyn) folkekunst (1915-1917).

Udvikling af Art Nouveau i Polen

Den polske version af "løsrivelsen" var en af ​​de internationale trends inden for jugendstil. Stilen blev mest udviklet i Polen i 1890-1910.

De vigtigste centre for polsk modernisme var byerne: Krakow , Lodz , Wroclaw , Poznań og Bydgoszcz . Warszawa var før Anden Verdenskrigs begyndelse også en by med et stort antal arkitektoniske bygninger i jugendstil, men kun et lille antal af dem er bevaret den dag i dag, da byen under krigen blev næsten fuldstændig ødelagt og de fleste bygninger gik tabt.

Berømte polske arkitekter var: Franciszek Monczynski , Tadeusz Stryienski , Ludwik Wojtychko , Slawomir Odzhivolsky , Benjamin Torbe , Romuald Miller , Viktor Myarchinsky og andre.

Også den polske retning af modernitet i arkitekturen blev suppleret af den arkitektoniske stil i Zakopane, som var en del af den polske modernitet. Derudover kan bygninger lavet i stil med Wien-løsrivelsen også findes i forskellige byer i Polen.

Polske kunstnere overtog mange af de blomstermotiver og organiske motiver i jugendstilen. Polsk Art Nouveau-maleri var hovedsageligt koncentreret i byen Krakow. Stanisław Wyspianski var den "hoved" art nouveau-kunstner i Polen. Hans malerier, teaterprojekter, farvede glasvinduer og bygningsinteriør vises nu bredt på Nationalmuseet i Krakow .

Udvikling af Art Nouveau i Holland

I Holland udviklede sig en anden retning i modsætning til den belgiske buede og blomstertrend i Art Nouveau - mere konstruktiv og funktionel. Han var påvirket af de geometriske og stiliserede former for den tyske Jugentstil og Wiener Secession.

Den vigtigste nederlandske arkitekt og møbeldesigner var Hendrik Petrus Berlage , der fordømte historiske stilarter og gik ind for funktionel arkitektur. Han skrev:

"Man skal bekæmpe illusionens kunst, genkende løgnen for at finde essensen, ikke illusionen."

[52]

Han var også tilhænger af Viollet-le-Ducs arkitekturteorier, [52] som stræbte efter streng funktionalitet og respekt for træets naturlige former uden vridning og vridning af metal. Ved fremstillingen af ​​møbler brugte han egyptiske møbler med rette vinkler som eksempel. Hans første og mest berømte arkitektoniske arbejde var Bers van Berlage Commodity Exchange-bygningen i centrum af Amsterdam ( 1896-1903 ), som han byggede i overensstemmelse med konstruktivismens principper. Alt var funktionelt, inklusive linjerne af nitter, der prydede væggene. Han inkluderede ofte høje tårne ​​i sine bygningsdesign for at gøre dem mere synlige. Denne praksis blev også brugt af andre art nouveau-arkitekter på den tid, herunder Joseph Maria Olbrich i Wien og Eliel Saarinen i Finland. [53] Et andet berømt værk af ham var American Hotel ( 1898-1900 ).

Andre bemærkelsesværdige nederlandske arkitekter var Hermann Hendrik Baanders og Gerrit van Arkel . De færdiggjorde designs for Astoria- bygningerne (1904-1905) i Amsterdam; banegård i Haarlem ( 1906 - 1908 ) og Holland America Lines tidligere kontorbygning ( 1917 ) i Rotterdam .

En bemærkelsesværdig Art Nouveau-grafiker og illustrator var Jan Thorop , hvis arbejde orienterede mod mystik og symbolik. I hans arbejde med design og farve kan indflydelsen fra kunsten på øen Java spores . [53]

Vigtige mestre i fremstilling af keramik og porcelæn var Jurrian Kok og Theo Colenbrander . I deres værker brugte de et farverigt blomstermønster. Sammen med traditionelle Art Nouveau-motiver brugte de usædvanlige former for keramik, kontrasterende mørke og lyse farver, lånt fra Java batik smykker. [54]

Udvikling af Art Nouveau i Spanien

Se også catalansk moderne

En meget original version af Art Nouveau dukkede op i Spanien i Barcelona, ​​​​på nogenlunde samme tid som i Belgien og Frankrig. Det blev kaldt catalansk modernisme. Mere end 100 arkitekter tegnede bygninger i den nye stil, men de vigtigste er tre arkitekter: Antonio Gaudi , Lluis Domènech i Montaner og Josep Puig i Cadafalch .

Den mest berømte repræsentant for den catalanske Art Nouveau var Antoni Gaudí. Gaudi gjorde udstrakt brug af blomster og organiske former i sit arbejde, især i designet af Parc Güell . Arkitekturen i parken kombinerede elementer fra Arts and Crafts-bevægelsen, symbolisme, ekspressionisme og rationalisme og påvirkede mange former og teknikker i det 20. århundredes arkitektur. [55] [56] [57]

I sine værker: Pavilion Güell (1884-1887) og Park Güell (1900-1914) anvendte han en ny teknik kaldet Trencadis . Hans projekter, Casa Batlo (1904-1906) og Casa Mila (1906-1912), havde en tæt stilistisk forbindelse med jugendstil, men arkitektens hovedværk , Sagrada de Familia-katedralen , kombinerede elementer af jugendstil med nygotisk .

Ud over Gaudís dominerende stilling i Catalonien var Lluís Domènech y Montaner også en bemærkelsesværdig arkitekt. Han byggede også sine bygninger i Barcelona: Slottet med de tre drager (1888), huset Lleo y Morera (1902-1906), Paladset for catalansk musik (1905) og Sant Pau Hospital (1901-1930). Alle bygninger er optaget på FN's liste over verdens kulturarv.

En anden stor figur i den catalanske jugendstil var Josep Puig y Cadafalch, der tegnede House of Martí , House of Macaya , House of Amatler , Palau del Bare de Quadras og andre.

Ud over Catalonien i Spanien udviklede Art Nouveau sig i Valencia. Nogle af de bemærkelsesværdige arkitekter er: Demetrio Ribes Marco , Vicente Pascual Pastor , Timoteo Briet Monto og José María Manuel Cortina Pérez . Valencias jugendstil var kendetegnet ved brugen af ​​keramik i udsmykningen, både i facader og ornamenter, samt brugen af ​​regionale motiver.

En anden variant af jugendstil i Spanien var Madrid-varianten af ​​jugendstil ( spansk:  Modernismo madrileño ), med bemærkelsesværdige arkitektoniske bygninger såsom Longoria-paladset , kasinoet i Madrid eller Cementerio de la Almudena . De mest berømte Madrid-arkitekter var: José López Sallaberry , Fernando Arbos y Tremanti og Francisco Andrés Octavio .

Udvikling af Art Nouveau i Italien

Art Nouveau i Italien var kendt som "Liberty style". Stilen har fået sit navn fra navnet på butikken - Liberty & Co, grundlagt i 1874 i London af den britiske iværksætter og popularisator af Art Nouveau Arthur Lasenby Liberty , som specialiserede sig i at importere tekstiler og kunstgenstande fra Japan og Fjernøsten, hvilket var især populære i Italien.

Liberty-stilen var meget forskellig fra mainstreams i art nouveau og fulgte ofte historiske stilarter, især barokken. Husenes facader var ofte besat med dekorationer og skulpturer. Farverige fresker, malet eller keramik, og skulptur, både indendørs og udendørs, var et populært træk ved italiensk jugendstil. De stolede på både klassiske og blomstermotiver.

Den vigtigste italienske Art Nouveau-designer var Carlo Bugatti . Hans arbejde var eksotisk, inklusive sølvtøj, tekstiler og keramik, men han huskes bedst for sine innovative møbeldesigns, der først blev vist på Milano Fine Arts Fair i 1888 . Hans møbler adskilte sig ofte i konstruktion og havde usædvanlige finish, herunder pergament og silke, og elfenbensindlæg.

En tilsvarende kendt italiensk Art Nouveau-designer var Galileo Cini , der var kendt som maler og teatralsk scenograf; han designede kulisserne til Puccinis to berømte operaer Gianni Sicchi og Turandot . [58] [59] .

Udvikling af Art Nouveau i Rusland

Den russiske variant af jugendstil er en meget farverig variant af jugendstil, der dukkede op i Moskva og Skt. Petersborg i 1898, begyndende med en udgivelse af de russiske kunstnere Alexander Benois og Léon Bakst i kunstmagasinet Mir Iskusstva . Efterfølgende organiserede publikationen udstillinger af førende russiske kunstnere som Mikhail Vrubel , Konstantin Somov , Isaac Levitan , bogillustratoren Ivan Bilibin og andre ideer om russisk folklore og eventyr. Det største bidrag fra "Kunstens verden" til udviklingen af ​​jugendstil var skabelsen af ​​en ny ballettrup "Russian Ballet" ledet af Sergei Diaghilev med kostumer og kulisser designet af Bakst og Benois. Premieren på det nye balletkompagni fandt sted i Paris i 1909. I fremtiden blev hendes forestillinger holdt hvert år indtil 1913. De eksotiske og farverige kulisser designet af Benoist og Bakst havde stor indflydelse på fransk kunst og design. Kostumerne og kulisserne blev gengivet i de førende parisiske magasiner: " Illustration " ( fr.  L'Illustration ), " Paris Life " ( fr.  La Vie parisienne ), takket være hvilken den russiske stil blev kendt i Paris som stilen a la Bakst. Balletkompagniet forblev i Paris, først som følge af udbruddet af Første Verdenskrig og derefter den russiske revolution i 1917, og optrådte ironisk nok aldrig i Rusland [60] .

Af de russiske arkitekter var den mest fremtrædende arkitekt Fedor Shekhtel. Det mest berømte eksempel på hans arbejde er Ryabushinsky-palæet i Moskva. Det blev bygget med penge fra en russisk forretningsmand og avisejer, og blev derefter, efter den russiske revolution, bolig for forfatteren Maxim Gorky, hvor hans museum i øjeblikket ligger.

Andre russiske arkitekter på den tid skabte design, der trak på historisk russisk arkitektur. Disse bygninger blev hovedsageligt skabt af træ og var en reference til arkitekturen i Kievan Rus. Nogle eksempler er Teremok-huset i Talashkino (1901-1902) af Sergei Malyutin og Pertsov-huset i Moskva (1905-1907).

Petersborg-arkitekten Nikolai Vasiliev , før han emigrerede i 1923, byggede flere bygninger i forskellige stilarter. Disse bygninger er mest bemærkelsesværdige for stenudskæringerne lavet af Sergei Vashkov , som var inspireret af udskæringerne i det 12.  – 13. århundrede St. Demetrius-katedralen i Vladimir og St. George-katedralen i Uryevo-Polsky .

Adskillige kunstkolonier i Rusland i denne periode blev bygget i den russiske genoplivningsstil. De to mest berømte af dem var placeret i Abramtsevo (finansieret af Savva Mamontov ) og Talashkino (finansieret af prinsesse Maria Tenisheva ). Et eksempel på russisk renæssancearkitektur er Marfo-Mariinsky-klosteret (1908-1912), af Alexei Shchusev , som var en opdateret version af den klassiske russisk-ortodokse kirke. Senere tegnede denne arkitekt ironisk nok Lenins mausoleum i Moskva.

Art Nouveau manifesterede sig levende i St. Petersborg, hvor Singer-huset og Eliseevsky-butikken blev bygget på Nevsky Prospekt . Art Nouveau-arkitektur i Rusland var præget af tilstedeværelsen af ​​enorme panoramavinduer og finurlige metaldekorationer af funktionelle detaljer (lamper og rækværk).

Udvikling af Art Nouveau i Letland

Riga , den nuværende hovedstad i Letland , var en af ​​de største byer i det russiske imperium under jugendtiden, hvor jugendarkitekturen udviklede sig efter sin egen dynamik. Stilen blev ekstremt populær og dominerede byen efter den lettiske etnografiske udstilling i 1896 og udstillingen for industri og håndværk i 1901. Art Nouveau bygninger udgør en tredjedel af alle bygninger i centrum af Riga, hvilket gør den til byen med den højeste koncentration af Art Nouveau arkitektur i verden. [61] . Kvantiteten og kvaliteten af ​​Art Nouveau-arkitektur var et af kriterierne for optagelse af Rigas historiske centrum på UNESCOs verdenskulturarvsliste [62] .

Der var forskellige variationer af Art Nouveau-arkitektur i Riga:

  • i eklektisk (dekorativ) art nouveau var de mest populære blomsterdekorationer og dekorative elementer inspireret af naturen. Eksempler på denne variation er Mikhail Eisensteins værker .
  • i den vinkelrette variant af jugendstil blev geometriske ornamenter integreret i facadernes lodrette kompositioner. Flere stormagasiner i Riga blev bygget i denne stil.
  • National Romantic Art Nouveau var inspireret af lokal folkekunst, der brugte naturlige byggematerialer.

Nogle senere neoklassiske bygninger indeholdt også Art Nouveau-detaljer.

Udviklingen af ​​Art Nouveau i de skandinaviske lande

Moderne var populær i de skandinaviske lande, hvor det blev kaldt " Northern Modern ", og inkluderede i hvert enkelt land sin karakteristiske romantiske nationalisme .

Finland

Finland var et land med et stort antal arkitektoniske bygninger lavet i jugendstil, hvis udviklingsperiode faldt sammen med den finske kunsts guldalder og landets nationale vækkelse. Efter Paris-udstillingen i 1900 blev Akseli Gallen-Kallela den førende finske kunstner [63]

På Paris-udstillingen var forfatterne af den finske pavillon Hermann Gesellius , Armas Lindgren og Eliel Saarinen. De arbejdede sammen fra 1896 til 1905 og skabte mange berømte bygninger i Helsinki , herunder forsikringsbygningen Pohjola ( Finn. Pohjola ) (1899-1901), Finlands Nationalmuseum (1905-1910) [64] og deres fælles residens Wittresque på Kirkkonummi (1902). Arkitekterne var inspireret af skandinaviske sagn og natur. Den ru granitfacade er blevet et symbol på den stil, der tilhører den finske nation [65] .

En anden bemærkelsesværdig finsk arkitekt, der skabte flere bemærkelsesværdige værker i Finland, var Lars Sonk . Hans hovedværker omfattede katedralen i Tampere (1902-1907), Jean Sibelius ' hus (1903), hovedkvarteret for Helsinki Telefonforening (1903-1907) og andre.

Norge

Norge , såvel som Finland fra det russiske imperium , søgte uafhængighed fra Sverige , og den lokale version af jugendstil blev forbundet med en genoplivning inspireret af vikingernes folkekunst og kunsthåndværk.

Den berømte norske kunstner Lars Kinsarvik designede stole i traditionelle keltiske og vikingekunstmotiver.

En anden norsk kunstner , Gerhard Munte , designede en stol med et stiliseret dragehoved, emblem på de gamle vikingeskibe, og lavede også en lang række plakater, malerier og grafiske værker. [66]

Den norske by Ålesund betragtes som hovedcentret for jugendstil i Skandinavien, da den blev fuldstændig rekonstrueret efter en brand den 23. januar 1904 [67] . Bygningerne blev genopført mellem 1904 og 1907 efter et byplanprojekt af ingeniør Frederic Nesser . Sammensmeltningen af ​​enhed og mangfoldighed har givet anledning til en stil kendt som "Ol Steel". Bygningerne har en lineær udsmykning, der afspejler jugendstilen og indeholder elementer lavet i folketraditioner, såsom trækirketårne ​​eller tuftetage [67] .

Sverige og Danmark

I Sverige og Danmark var bemærkelsesværdige jugendstilbygninger Det Kongelige Dramatiske Teater (1901–1908) i Stockholm [68] og det tidligere stadsbibliotek (nu Dansk Erhvervsarkiv) i Aarhus , Danmark (1898–1901) [69] . Hack Kampmann , dengang tilhænger af den nationalromantiske stil, skabte Aarhus Toldbygning, Aarhus Teater og Villa Kampen i Aarhus. Den mest kendte danske Art Nouveau designer var Georg Jensen . Den baltiske udstilling i Malmø i 1914 var den sidste større udstilling af Jugentstil i Sverige [70] .

Udvikling af Art Nouveau i Rumænien

Et karakteristisk træk ved den rumænske jugendstil var tilstedeværelsen i arkitekturen af ​​reliefornamenter med naturalistiske blomstermotiver, karakteristiske for Nancy-skolen, samt marine faunamotiver, såsom skaller og delfiner, der prydede bygningernes facader. Den rumænske Revival-stil, som var til stede i arkitektur, møbler og grafisk design, omfattede elementer af Art Nouveau-varianten.

Et eksempel er et af husene i Bukarest - House of Dinu Lipatti af Petre Antonescu , hvis centrale motiv er indgangsbuen, over hvilken der er en kvindelig mascaron, lavet i højrelief. Andre eksempler på Art Nouveau-arkitektur i Bukarest er rækkehusene, som har hestesko- eller andre formede vinduer eller jugendstil-dekorationer, og huset til Romulus Porescu , som har Egyptian Revival-mosaikvinduer i hjørnevinduerne. Nogle af de neo-barokke bygninger i Bukarest er lavet med Art Nouveau- eller Neo-Roccoco-elementer, herunder Bukarest - observatoriet , hus nr . [71] Casino of Constanta er nok det mest berømte eksempel på Art Nouveau i Rumænien.

En af de mest berømte rumænske kunstnere var Stefan Lucian , som tog de innovative og dekorative art nouveau-trends til sig. Dette øjeblik faldt sammen med grundlæggelsen af ​​Ilean Society i 1897, som han var en af ​​grundlæggerne af. I 1898 organiserede selskabet en udstilling på Union Hotel kaldet " Udstilling af uafhængige kunstnere " og udgav Ileana- magasinet. [72]

Også eksempler på art nouveau og rumænsk genoplivningsarkitektur kan findes i Transsylvanien, hvor de første eksempler går tilbage til den østrig-ungarske æra. De fleste er placeret i byen Oradea , med tilnavnet "Rumæniens Art Nouveau-hovedstad", samt i Timisoara , Târgu Mureș og Sibiu . [73] [74] [75]

Udvikling af Art Nouveau i Schweiz

En variant af Art Nouveau kaldet "Spruce Style" dukkede op på La Chaux-de-Fonds i kantonen Neuchâtel i Schweiz . Grundlæggeren af ​​stilen var kunstneren Charles L'Eplatenier , som var inspireret af naturlige motiver som fyrretræer, andre planter samt vilde dyr fundet i Jurabjergene. Et af hans hovedværker var Krematoriet, som brugte trekantede træformer, fyrrekogler og andre naturlige motiver fra regionen. Stilen blev også kombineret med de mere geometriske stilelementer i jugendstilen og den wienske løsrivelse [77] . En anden bemærkelsesværdig bygning i denne stil er Villa Falle La Chaux-de-Fonds  , en hytte designet og bygget i 1905 af L'Eplateniers elev, den atten år gamle Le Corbusier . Formen på huset mindede om en traditionel schweizisk hytte, men trekantede træer og andre naturlige elementer blev brugt i udformningen af ​​facaden. Le Corbusier byggede yderligere to hytter i området, i en mere traditionel stil [77] [78] [79] .

Udvikling af Art Nouveau i Portugal

Art Nouveau-varianten i Aveiro blev kaldt Arte Nova, og dens vigtigste kendetegn var prangende fremvisning: Denne stil blev brugt af borgerskabet, som ønskede at udtrykke deres rigdom på facaderne, samtidig med at interiøret var konservativt. [80] Et andet kendetegn ved Arte Nova var brugen af ​​lokalt producerede fliser med jugendmotiver. [80] Den mest indflydelsesrige Arte Nova-kunstner var Francisco Augusto da Silva Rocha [80] . Selvom han ikke var arkitekt, tegnede han mange bygninger i Aveiro og andre byer i Portugal [81] . En af dem er major Pessoas residens , hvor Arte Nova-museet i øjeblikket ligger. [80] Der er andre eksempler på Arte Nova i andre byer i Portugal [82] [83] . Nogle af dem: Anastasio Goncalves' residensmuseum Manuel Joaquim Norte Junior , Dr. Anastasio Goncalves' husmuseum (1904-1905) i Lissabon , cafeen Majestic Juan Queiroz (1921) og andre.

Udvikling af Art Nouveau i USA

I USA spillede Louis Comfort Tiffanys firma en central rolle i udviklingen af ​​den amerikanske stiltrend. I 1885 oprettede Tiffany sit eget firma, som var engageret i produktion af tynde glasprodukter og udvikling af metoder til farvning af det. I 1893 begyndte Tiffany at lave vaser og skåle, udvikle nye teknikker, der gav mulighed for originale former og farver, og eksperimenterede med dekorativt vinduesglas. I 1895 blev hans nye værk vist på Siegfried Bing Gallery , hvilket gjorde det muligt for ham at erhverve nye europæiske kunder.

Efter faderens død i 1902 overtog han den fulde ledelse af virksomheden, men viede stadig det meste af sin tid til design og fremstilling af glaskunstgenstande.

På foranledning af Thomas Edison begyndte han at lave elektriske lamper med flerfarvede glaslampeskærme lavet af bronze og jern, dekoreret med mosaikker, produceret i talrige serier. Et team af designere og håndværkere arbejdede på hvert produkt. Tiffany-lampen er blevet et af modernitetens "ikoner", men virksomhedens håndværkere designede ikke kun lamper, men lavede også usædvanlige vinduer, vaser og andre kunstværker af glas.

The Columbian Exposition var et vigtigt mødested for Tiffany; kapellet, han tegnede, blev vist i Pavillonen for Kunst og Industri. Tiffany Chapel, sammen med et af vinduerne i Tiffany House i New York, er i øjeblikket udstillet på Charles Hosmer Morse Museum of American Art i Winter Park, Florida.

Tiffanys glasvarer var også en stor succes ved 1900 verdensudstillingen i Paris. Hans farvede glasvindue med titlen "Flight of Souls" vandt udstillingens guldmedalje [84] .

En anden vigtig figur i amerikansk jugendstil var arkitekten Louis Sullivan . Sullivan var en pioner inden for amerikansk moderne arkitektur, idet han var grundlæggeren af ​​Chicago-skolen , arkitekten bag de første skyskrabere og læreren af ​​Frank Lloyd Wright . Hans mest berømte ordsprog var:

"Form følger funktion."

Mens formen på hans bygninger blev formet af deres funktion, var udsmykningen af ​​hans bygninger et eksempel på den amerikanske jugendstil.

I 1893, på World's Columbian Exposition i Chicago, bedst kendt for den neoklassiske arkitektur i den berømte White City, tegnede han Art Nouveau-indgangen til en af ​​de udstillede bygninger.

Udviklingen af ​​Art Nouveau i Argentina

Oversvømmet med europæiske immigranter absorberede Argentina alle de kunstneriske og arkitektoniske stilarter i Europa, inklusive jugendstil. Byerne med den mest bemærkelsesværdige Art Nouveau-arv i Argentina er Buenos Aires , Rosario og Mar del Plata [85] [86] .

Paris var den arkitektoniske prototype for Buenos Aires med opførelsen af ​​store boulevarder og alléer [85] . Den lokale stil, sammen med fransk indflydelse, var også påvirket af den italienske trend i modernitet, da mange arkitekter - Virginio Colombo , Francisco Gianotti , Mario Palanti  - var italienere.

I Julián García Núñez ' værker kan man bemærke den catalanske indflydelse [85] .

Indflydelsen fra Wien-løsrivelsen kan findes i Paso y Viamonte-bygningen .

Udviklingen af ​​Art Nouveau i Rosario er forbundet med navnet Francisco Roca Simo , som studerede i Barcelona [87] . Hans bygning "Spanish Club" ( spansk:  Club Español ) ( 1912 ) har en af ​​de største farvede glasvinduer i Latinamerika . Skulpturerne på bygningen er lavet af billedhuggeren Diego Masana fra Barcelona [88] .

Den belgiske stilretning i argentinsk jugendstil er repræsenteret af Villa Ortiz Basualdo , som i øjeblikket huser Juan Carlos Castagnino kommunale kunstmuseum i Mar del Plata , hvor møbler, interiør og belysning er af Gustave Serrurier-Bovi .

Udvikling af Art Nouveau i andre lande

Som i Argentina var Art Nouveau i resten af ​​verden, der ikke er præsenteret ovenfor, hovedsageligt påvirket af udenlandske kunstnere:

  • Spanierne stod bag projekterne i Havana , Cuba .
  • I Ponce og Puerto Rico blev lokale arkitekters arbejde påvirket af spanske arkitekter [89] .
  • Franskmændene udførte Art Nouveau-projekter i Tunesien (dengang var det et fransk protektorat).
  • tyskere i Lüderitz , Namibia [90] og i Qingdao , Kina .
  • Italienerne udførte arbejdet i Valparaiso , Chile [91] ; Montevideo , Uruguay ; Rio de Janeiro , Brasilien [92] .
  • Russerne stod bag Art Nouveau-arven i Harbin , Kina [93] .
  • Art Nouveau-arven i Lima består af værker af italienere - Masperi-brødrene, den franske arkitekt Claude Sahut og britiske mestre [94] .
  • Palace of Fine Arts i Mexico City var resultatet af et samarbejde mellem italienerne (arkitekten Adamo Boari og billedhuggeren Leonardo Bistolfi ), den lokale arkitekt Federico Mariscal , de ungarske kunstnere Aladar Körösföy-Krish , Geza Maroti og Mixa Roth , den catalanske billedhugger Agusti Kerol Subirats og Fransk mester Edgar Brandt [95] .
  • Art Nouveau-motiver kan også findes i fransk koloniarkitektur i hele Fransk Indokina .
  • En bemærkelsesværdig kunstnerisk bevægelse kaldet Bezalel-skolen dukkede op i den palæstinensiske region i slutningen af ​​det osmanniske og britiske protektorat. Det var "en fusion af orientalsk kunst og art nouveau" [96] . Adskillige kunstnere med tilknytning til Bezalel-skolen var ret berømte: Ze'ev Raban , Ephraim Moshe Lilien og Abel Pann [97] .

Art Nouveau i arkitektur, kunst og kunsthåndværk og kunst

Art Nouveau i arkitektur

Art Nouveau-arkitektur er kendetegnet ved afvisningen af ​​lige linjer og vinkler til fordel for mere naturlige, "naturlige" linjer og brugen af ​​nye materialer ( metal , beton , glas ).

Ligesom en række andre stilarter udmærker sig Art Nouveau-arkitekturen også ved ønsket om at skabe både æstetiske og funktionelle bygninger. Der blev ikke kun lagt stor vægt på bygningernes udseende, men også på interiøret , som var omhyggeligt udarbejdet. Alle strukturelle elementer - trapper, døre, søjler, altaner - blev kunstnerisk bearbejdet.

En af de første arkitekter, der arbejdede i jugendstilen, var belgieren Victor Horta . I sine projekter brugte han aktivt nye materialer, primært metal og glas . Han gav usædvanlige former til bærende strukturer lavet af jern , der minder om fantastiske planter. Trappegelændere, lamper hængende fra loftet og endda dørhåndtag var alle designet i samme stil. I Frankrig blev ideerne om Art Nouveau udviklet af Hector Guimard , som blandt andet skabte indgangspavillonerne til Paris Metro .

Den spanske arkitekt Antonio Gaudi gik endnu længere fra de klassiske ideer om arkitektur . Bygningerne bygget af ham passer så organisk ind i det omgivende landskab, at de synes at være naturens værk, ikke mennesket.

Art Nouveau i maleri

Art Nouveau var stærkt påvirket af symbolismen , som søgte at bevæge sig fra de traditionelle former i det 19. århundrede til de seneste europæiske tendenser, som nogle gange bar en betinget tilknytning til et bestemt land.

Art Nouveau er præget af ønsket om at skabe et selvstændigt kunstnerisk system. En af grundlæggerne af disse ideer var Pont-Aven-skolen med Paul Gauguin . I modsætning til andre stilarter blev Art Nouveau-malerier og -paneler betragtet som elementer i interiøret, hvilket gav det en ny følelsesmæssig farve. Derfor er dekorativitet blevet en af ​​de vigtigste kvaliteter ved Art Nouveau-maleri.

Maleriet er karakteriseret ved en paradoksal kombination af dekorativ konventionalitet, dekorative "tæppebaggrunde" og "skulpturelle" figurer og ansigter i forgrunden med skulpturel klarhed ( Gustav Klimt , Fernand Khnopf , Mikhail Vrubel ), samt store farveplaner ( Leon Bakst , Edvard Munch ) og tynde understregede nuancer (Mikhail Vrubel, Alexander Benois ). Alt dette gav billederne stor udtryksfuldhed. Symbolismen bragte også symbolikken af ​​linje og farve ind i moderne maleri; temaerne om verdens sorg, død, erotik var bredt repræsenteret; kunstneres tiltrækningskraft til mysteriets, drømmenes, legendernes, eventyrens verden osv. blev udbredt.Klimts lærreder er et slående eksempel på art nouveau-maleri. Art Nouveau-kunstnere arbejdede i alle lande i Europa og Amerika: Østrig, Storbritannien, Tyskland, Italien, Holland, Rusland, USA osv. (Se også listen over kunstnere fra Art Nouveau-æraen ).

Art Nouveau-grafik

Som en del af stilen blev bog- og magasingrafik , plakater og plakater udbredt . Der var et hidtil uset antal magasiner og anmeldelser inden for kunst, der fremmede jugendstilen: i München "Jugend" (1896), i Berlin "Pan" (1895), i Darmstadt "tysk kunst og dekoration" ( tysk:  Deutsche Kunst und Dekoration ) (1897), i London "Studio" (1893), i Flandern "Fra nu af og senere" ( hollandsk.  Van Nu an Straks ) (1893), i Paris "Kunst og udsmykning" ( fr.  Art . et d 'coration ) (1897) og "White Journal" ( fr.  La Revue Blanche ) (1889), i Wien "The Rite of Spring" (1898), i Prag "Free Directions" ( fr.  Volne Smery ) (1897) ), i Sankt Petersborg "Kunstens Verden" (1898) m.m.

Grafik blev det område, hvorfra stilmotiverne voksede og udviklede sig, og dens udvikling blev i høj grad påvirket af omslaget, der blev skabt til bogen kaldet "City Churches of Wren" af den engelske kunstner og arkitekt McMurdo. Dette design, som dukkede op i 1883, har farver og stærkt buede stilke og blade i monokrom. Da dette omslag tilhørte en arkitekturbog og sandsynligvis blev købt af mange britiske arkitekter, havde det en stærk indflydelse på skabelsen af ​​kurverne og former for Art Nouveau-arkitektur [98] .

I slutningen af ​​1800-tallet blev den type grafik dannet, som man almindeligvis kalder en plakat. Plakatens fødsel var drevet af innovationer i trykkeribranchen. Litografiens teknik åbnede vejen for plakatens sande kunst. Udgivelsen kan være flere tusinde tryk [99] .

Litografi, bogens kunst (bogdesign), grafik nåede en høj stigning i jugendtiden takket være englænderen Aubrey Beardsley , tyskerne Thomas Heine , G. Foleger og russiske mestre Alexander Benois og Konstantin Somov . Art Nouveau opnåede store kunstneriske resultater i skabelsen af ​​plakater og plakater (værker af Emile Grasset i Frankrig, Alphonse Mucha i Tjekkiet).

De første modernister i Frankrig var Gauguins disciple, og i England - tilhængerne af "prærafaelitterne".

De mest betydningsfulde personer i engelsk jugendstil var William Blake og Aubrey Beardsley, forfatter til illustrationer til Salome af Oscar Wilde og tegninger til magasinet Yellow Book . Beardsleys grafik er moderne klassikere. Den russiske grafiker Nikolai Kuzmin sagde, at Beardsley adskilte lys fra mørke. Til lys - hvidt papir, til mørke - sort blæk. Og ingen halvtoner. Linjen har fået en fantastisk kraft. En ny æra med grafik er begyndt. Ekstrem enkelhed af midler: kun sort og hvid, et ark papir, en pen, en flaske blæk. Men hvor han ville vise sin fantastiske "evne til at prøve", bliver hans teknik som de fineste blonder: frontispicerne til "Salome", til "Venus og Tannhäuser", " Volpone ", suiten "Låsens voldtægt" [ 100] .

Art Nouveau-grafik havde deres egne udtryksfulde virkemidler: en energisk generaliseret tegning, skarpe kontrasterende farveforhold og brugen af ​​store tekniske evner inden for litografi bidrog til udviklingen af ​​en så bred variation af grafik som en plakat. De er kendetegnet ved omhyggeligt designede kompositioner, dekorative og type [99] .

I Rusland spillede mestrene af foreningen " World of Art " en stor rolle i udviklingen af ​​plakaten . Plakaten gav dem en massiv platform, hvorfra de kunne engagere sig i æstetisk oplysning.

I 1896 begyndte Jugend-magasinet at udkomme i München . På dette tidspunkt havde en udviklet trykkeriindustri udviklet sig i Tyskland. Bog- og bladbranchen, der havde en lang tradition, blomstrede. Flerfarvetryk, litografiske plakater i stort format og samtidig miniaturereklameklistermærker er blevet udbredt. Andre små genrer udviklet: bogplade , folder. Museer i München og Berlin bestilte originale invitationskort fra trykkerier. Kataloger over forlagsselskaber, boghandlere var ofte rigtige grafiske mesterværker, der repræsenterede malerier af kunstnere [101] .

Mestre i tysk grafik ledte efter nye teknikker. Sådanne innovationer omfattede tegning på groft kornet papir med en foreløbig belægning af det med hvidt. For at opnå et blødt sløret strøg, begyndte München-grafikken for eksempel at gøre meget brug af den japanske børste. En anden innovativ teknik er at få på hvidt papir et aftryk af teksturen af ​​ru stof, let imprægneret med mørk maling. Baggrunden var som den kornede overflade af et lærred; det slag, der blev påført den, fik specifikke egenskaber. Grafikere lærte at behandle papir med forskellige syrer for at gøre det til en slags pergament. Linjer på et sådant papir så ud på en ny måde [101] .

Art Nouveau skulptur

Art Nouveau skulptur, såvel som maleri, var stærkt påvirket af symbolismen . Hovedtrækkene i Art Nouveau-skulpturen er en tilbagevenden til "naturlige" linjer. Flydende og dynamik af former, "indre energi" er karakteristiske. Art Nouveau skulptur er dekorativ, dens formål er at dekorere rummet, at underordne det til en enkelt rytme. Blandt moderne billedhuggere skiller to franske mestre sig ud: Auguste Rodin og Aristide Maillol .

Blandt et dusin værker af Rodin er det mest kendte Tænkeren . I sine værker forherliger han kærlighedens store kraft, dens skønhed og udødelighed. Hans andre berømte værker: "Det første kys", "Evigt forår", "Poeten og musen".

Catalaneren Aristide Maillol begyndte at skulpturere, mens han allerede var en velkendt malermester. Ved at eksperimentere med den nøgen kvindelige natur forsøgte han at skabe billeder af naturlig skønhed, understregede den naturlige harmoni i den kvindelige krop, sensualitet og følelsesmæssighed. Hans værker - "Pomona", "Nat, flod", "Three Nymphs" - er på de bedste museer i verden, og alt hans arbejde hører med rette til mesterværkerne af europæisk plastik.

Et usædvanligt syn på verden og fortolkningen af ​​mennesket er karakteristisk for den tjekkiske modernist Frantisik Bileks arbejde . Hans arbejde er præget af fuldstændig realisme og autenticitet af billedet. Karaktererne i hans værker - Moses, Gus - er kendetegnet ved nyhed og ikke-standard fortolkning.

Andre strålende eksempler på Art Nouveau i skulptur er Naum Aronsons værker  - portrætter af Komissarzhevskaya , Tolstoy, Pasteur . Han var den eneste af kunstnerne, der skabte et skulpturelt portræt, som nu opbevares på et af museerne i Israel. Hans værker pryder mange museer og gallerier rundt om i verden [102] .

En af de mest fremtrædende repræsentanter for denne stil i Italien var Adolfo Wildt , hvis arbejde gik i sin udvikling fra symbolisme gennem løsrivelsen fra Wien og Berlin til ekspressionismens begyndelse .

Art Nouveau glasvarer

Glaskunst i jugendstilen var et medie, hvor stilen fandt nye og varierede udtryksmåder. Intensive eksperimenter med glasfremstillingsteknikker fandt sted, især i Frankrig, på jagt efter nye effekter af gennemsigtighed og uigennemsigtighed: i cameo-gravering, dobbeltlags- og syregravering, en metode, der tillader produktion af produkter i serier.

Byen Nancy blev et vigtigt centrum for den franske glasindustri med Émile Gallés værksteder og Daum-værkstedet ledet af Auguste og Antonin Daum . De arbejdede med mange berømte designere, herunder Ernest Bussière , Henri Bergé (illustratør) og Amalric Walter . Sammen udviklede de en ny metode til at indlægge glas ved at presse fragmenter af forskellige farver til et ufærdigt produkt. De samarbejdede også ofte med møbeldesigneren Louis Majorelle, hvis hjem og værksteder også lå i Nancy. Et andet træk ved Art Nouveau var brugen af ​​farvede glasvinduer med blomstermotiver i boligsaloner, især i huse i Nancy. Mange af disse blev lavet af Jacques Gruber , som lavede vinduer til Majorelles villa såvel som andre huse. [103]

I Belgien var det førende firma "Val Saint-Lambert" ( fr.  du Val-Saint-Lambert ) glasværket , som skabte vaser i forme indeholdende organiske og blomstermotiver, hvoraf mange var designet af Philippe Wolfers . Wolfers var især kendt for at skabe stykker i glas med metaldekorationer.

I Bøhmen , dengang en region i det østrig-ungarske imperium, var en velkendt producent af krystal firmaet J. & L. Lobmeyr .  Han eksperimenterede med nye farvemetoder og skabte lysere og mere mættede farver Loetz Witwe .

I Tyskland blev glasforsøg udført af Karl Koepping , som brugte blæst glas til at skabe ekstremt tynde blomsterformede glas, så delikate, at få har overlevet den dag i dag. [104]

I Wien var Secession-bevægelsens glasstrukturer meget mere geometriske end i Frankrig eller Belgien; Otto Prutscher var den mest "strenge" glasdesigner i denne retning. [104]

I Storbritannien skabte Margaret Macdonald Mackintosh en række blomstrede farvede glasvinduer til en arkitektonisk udstilling kaldet "The Art Lover's Home".

I USA blev Louis Comfort Tiffany og hans designere berømte for deres lamper, som brugte almindelige blomstertemaer i glaslampeskærme, der var indviklet forbundet med hinanden. Tiffany-lamper vandt popularitet efter World's Columbian Exposition i Chicago i 1893, hvor Tiffany viste sine lamper i et byzantinsk kapel. Tiffany eksperimenterede meget med glasfarveprocesser og patenterede Favrile Glass-processen i 1894, som  brugte metaloxider til at farve indersiden af ​​smeltet glas, hvilket gav det en iriserende effekt. Der blev produceret flere forskellige serier af Tiffany lamper, i forskellige blomstermønstre, samt med farvede glasvinduer, skærme, vaser og en række andre pynteting. Hans arbejde blev først importeret til Tyskland, derefter til Frankrig af Siegfried Bing og blev derefter en af ​​de dekorative sensationer på 1900-udstillingen. Tiffanys amerikanske konkurrent, Steuben Glassworks ( tysk:  Steuben Glass ), blev grundlagt i 1903 i Corning, New York af Frederick Carter , der ligesom Tiffany brugte "Favril"-processen til at skabe overflader med iriserende farver. . En anden bemærkelsesværdig amerikansk glaskunstner var John La Farge , der skabte indviklede og farverige farvede glas med både religiøse og rent dekorative temaer. [104]

Art Nouveau metal

Det 19. århundredes arkitekturteoretiker Viollet-le-Duc gik ind for at vise snarere end at skjule jernrammerne af moderne bygninger, men andre jugendstilarkitekter som Victor Horta og Hector Guimard gik endnu længere: de tilføjede former for krumlinjet jernornamentik til formen af blomster- og plantemotiver, både i det indre og i det ydre af de bygninger, de har lavet.

Metal blev brugt i design af trappegelændere, lamper og andre interiørdetaljer samt altaner og anden udendørs dekoration. De er blevet et af de mest karakteristiske træk ved Art Nouveau-arkitekturen. Brugen af ​​metaldekorationer ved hjælp af vegetabilske former dukkede snart også op i sølvtøj, lamper og andre dekorative genstande. [105]

I USA designede designeren George Grant Elmsley ekstremt indviklede støbejernskonstruktioner til balustrader og andet bygningsinteriør af Chicago-arkitekten Louis Sullivan .

Mens franske og amerikanske designere brugte blomster- og vegetabilske former, skabte Joseph Maria Olbrich og andre Secession-kunstnere tekander og andre metalgenstande i en mere geometrisk og behersket stil. [106]

Art Nouveau smykker

Art Nouveau-smykker er mest karakteriseret ved sådanne almindelige stiltræk som: brugen af ​​glatte, naturlige linjer, der efterligner formen af ​​et blad eller en bølge, undgåelse af lige geometriske former, brug af dæmpede pastelfarver og matte farver og materialer. Uden at opgive guld, adskilte jugendstilen smykkestilen halvædle uigennemsigtige sten, såsom opal , månesten , turkis , samt perler, emalje, elfenben, blandt yndlingsmaterialerne. Diamanter og andre ædelstene bruges i Art Nouveau-produkter hovedsageligt som ekstra dekorative elementer. Vegetative, zoomorfe (libelle, firben, flagermus, sommerfugle) og fabelagtige (nymfer, feer) motiver er fremherskende.

Blandt de mest fremtrædende juvelerer i art nouveau-æraen er René Lalique , Alexis Falise , Louis Tiffany og Georges Fouquet .

Art Nouveau interiør

Interiøret i den moderne æra begyndte at spille en vigtigere rolle - dette blev dikteret af arkitektur, som skabte nye måder at arrangere det indre rum på og banede vejen for den fulde korrespondance mellem det ydre rum og det indre. Det allerførste Art Nouveau-interiør kan betragtes som det berømte " Peacock Room ", designet af James Whistler i London [107] . Interiøret blev bygget på en fuldstændig afvisning af de tidligere arkitektoniske principper for boligindretning. Væggene i lokalerne var dækket af bizarre, asymmetriske former, der ikke syntes at danne nogen regelmæssighed, lunefuldt bugtende linjer. Lofterne var som regel dekoreret med fladreliefgipsplast, væggene var dekoreret mere farverigt, gardinerne blev gjort lette [108] .

Art Nouveau møbler

Forskere bemærker traditionelt, at skaberne af moderne møbler holdt sig til en af ​​to linjer: repræsentanter for de franske, tjekkiske og ungarske varianter af moderne stil - dekorative (lunefulde former og konturer), tyske og engelske mestre - konstruktive (lige, klar konstruktion). Desuden er sidstnævnte mere typisk for tyske og engelske produkter. Objekter, der trækker mod konstruktiv klarhed af linjer og former, er enklere, indretningselementet er reduceret til et minimum i dem. Denne tendens er bedst repræsenteret i møbelmagerne Richard Riemerschmidt og Otto Pankoks arbejde . I Østrig og derefter i Tyskland blev produktionen af ​​sådanne møbelformer (især skabe) mestret, som allerede adskilte sig i alle henseender fra de tidligere typer [108] . Genstande fra tyske, wienske og engelske møbelproducenter, skabt i en geometrisk "puritansk" stil, er klarere i design og form, enklere, indretning i dem er minimeret. Denne moderne linje fører til autentiske moderne møbler.

Glatte, udelte Art Nouveau-møbeloverflader opnås ved at skifte til mekaniseret finering og montage. Det menes, at de buede former for jugendstil-møbler er hentet fra fødslen så tidligt som i midten af ​​det 19. århundrede, da den berømte wienerfabrik af Michael Thonet lancerede en stol konstrueret af dampbøjet træ, " wienerstolen " . .

En af præstationerne ved Art Nouveau er, at kunstnerne, der designede møbler, observerede implementeringen af ​​deres ideer direkte i værkstederne. Designernes tjenester blev brugt selv ved indretning af lejligheder i lejemålshuse. Dette åbnede muligheden for implementering af ideen om et headset, et sæt møbler. Kunstnernes-designernes nærhed til produktionen havde en gunstig effekt på værkstedernes arbejde.

Inden for møbler er der parallelt med jugendstil også udviklet en række relaterede stilistiske tendenser. For eksempel tog en af ​​dem japanske møbler som kilde. Den "gotiske" gren af ​​Art Nouveau udviklede sig også.

Franske, belgiske og spanske møbler er repræsenteret af udsøgte vitrineskabe og reoler af Louis Majorelle , Emile Gallé og Hector Guimard, Carlo Bugattis "cobra stol" og "sneglestol" , Antonio Gaudis fantastisk organiske møbelformer, jævnt flydende skabslinjer møbler og siddepladser af Henri Van de Velde . "Konstruktive" møbler er skabt af Charles Mackintosh og Margaret Mackintosh, mestre af de berømte "wienske" værksteder Colomon Moser , Adolf Loos og andre, og fortsætter derefter i F. L. Wrights møbelprojekter [109] .

Ideen om rummets stilistiske integritet bidrog til den udbredte brug af møbelsæt lavet i samme stil og indskrevet i rummets samlede rum. Et usædvanligt vigtigt sted blev indtaget af spisestuesæt, inklusive dens hoveddel - en skænk eller skænk, som på trods af dets ret utilitaristiske formål normalt blev placeret i stuen, hvilket bekræftede dens ejers status (en skænk i klassisk forstand: ordet forstås som højt, normalt mere end to meter højt, to-, tre- eller firefløjet konstruktion, hvis øverste del er udstyret med glasdøre, og den nederste del er et skab med blinddøre eller skuffer) . Den klassiske skænk adskiller sig normalt fra buffeten i den nederste højde af over- og underdelen. Det er vigtigt at identificere disse detaljer, fordi skænken, som et møbel, er kendetegnet ved den mest traditionelle form til enhver tid - selv en sådan "egensindig stil" som jugendstil kunne ikke ændre den. Men netop på grund af designets konservatisme blev skænken et glimrende grundlag for at legemliggøre de kreative ideer fra tidens kunstnere [110] .

Art Nouveau keramik

Keramisk kunst, herunder fajance, var et andet blomstrende område af jugendstil i engelsktalende lande, der faldt ind under den mere generelle kunstkeramikbevægelse. I sidste halvdel af det 19. århundrede var der mange teknologiske innovationer inden for produktion af keramik, især udviklingen af ​​højtemperaturkeramik, den såkaldte. "Great Fire" ( fransk  grand feu ) med krystalliseret og mat glasur. Samtidig blev flere tabte teknikker genopdaget, såsom "tyreblod"-glasuren ( fransk:  sang de boeuf ). Art Nouveau-keramik var også påvirket af traditionel og nutidig japansk og kinesisk keramik, hvis plante- og blomstermotiver blandede sig godt med jugendstil. [111]

I Frankrig "genopdagede" kunstnere traditionel keramik - "sandsten" ( fr.  grés ) og begyndte at anvende dem ved hjælp af nye motiver. Émile Gallé fra Nancy skabte lertøj i naturlige jordfarver med naturalistiske temaer om planter og insekter. Keramik fandt også nye anvendelser i arkitekturen: Art Nouveau-arkitekter, blandt dem Jules Lavirotte og Hector Guimard , begyndte at dekorere facaderne af bygninger med arkitektonisk keramik, hvoraf det meste blev lavet af firmaet Alexandre Bigot , hvilket gav dem et skulpturelt udseende. [111] En af pionererne inden for fransk jugend-keramik var Ernest Chaplet, hvis karriere inden for keramik strakte sig over tredive år. Han begyndte at producere keramik påvirket af japanske og kinesiske prototyper. Fra 1886 arbejdede han sammen med maleren Paul Gauguin på design til keramiske stykker med påsatte figurer, flere håndtag, malet og delvist glaseret, og samarbejdede med billedhuggerne Félix Bracquemont , Jules Dalou og Auguste Rodin . Hans arbejde blev vist på udstillingen i 1900.

Store nationale keramikfirmaer havde en vigtig plads på Paris-udstillingen i 1900: National Manufactory of Sèvres uden for Paris; Nymphenburg , Meissen , Villeroy og Boch i Tyskland og Doulton i Storbritannien. Andre førende franske keramikere omfattede Taxil Doat , Pierre-Adrien Dalpayrat , Edmond Lachenal , Albert Dammouse og Auguste Delaherche . [112]

I Frankrig gik Art Nouveau-keramik nogle gange over i skulptur. Et eksempel er porcelænsfiguren " Danser med et tørklæde " af Agathon Léonard , lavet til National Manufactory i Sevres, vandt anerkendelse i begge kategorier på Paris-udstillingen i 1900.

I Ungarn blev Zsolnay-fabrikken grundlagt af Miklós Zsolnay i 1853, ledet af hans søn Vilmos Zsolnay , sammen med chefdesigneren Tade Sikorski , for at producere keramiske produkter. I 1893 introducerede Zsolnay eosin porcelæn . Han førte fabrikken til verdensomspændende anerkendelse ved at demonstrere sine innovative produkter på verdensmesser og internationale udstillinger, herunder verdensudstillingen i 1873 i Wien, samt verdensudstillingen i 1878 i Paris, hvor Zsolnay modtog Grand Prix. Frostbestandige bygningsdekorationer Zsolnay blev brugt i mange bygninger, især under udviklingen af ​​Art Nouveau. [113]

Keramiske fliser var også et kendetegn for portugisisk jugendstil, der fortsætter den lange tradition med portugisiske traditionelle fliser - azulejos .

Mosaik Art Nouveau

Mosaikker er blevet brugt af mange kunstnere fra forskellige strømninger af jugendstil, især catalansk modernisme ( Sant Pau Hospital , Palau de la Música Catalana , Casa Lleo Morera og mange andre). Antonio Gaudí opfandt en ny materialebehandlingsteknik kaldet trencadís , som brugte keramisk affald. Farverige majolikafliser med blomsterdesign er et kendetegn for Otto Wagners Majolica-hus i Wien (1898) og bygninger udført af den russiske Abramtsevo-koloni såvel som Mikhail Vrubel.

Art Nouveau tekstiler og tapeter

Tekstiler og tapeter har været et vigtigt middel til at udtrykke jugendstilsmykker fra begyndelsen af ​​stilen og et integreret element i boligindretningen. I Storbritannien startede William Morris' tekstildesign Arts and Crafts-bevægelsen og senere selve stilen. Mange af hans værker blev lavet til varehuset Liberty i London, hvilket bidrog til populariseringen af ​​stilen i hele Europa. Et af eksemplerne kan også tjene som værket af "Silver Studio" ( English  Silver Studio ), som udførte farverige stiliserede blomstermønstre. Andet karakteristisk designarbejde blev skabt på Glasgow School af Margaret Mackintosh. Glasgow School introducerede flere karakteristiske motiver, herunder stiliserede æg, geometriske former og " Rosen fra Glasgow ".

I Frankrig blev et stort bidrag til udviklingen af ​​design af tekstiler og jugendstil ydet af designeren Eugene Grasset , som i 1896 udgav værket "Plantens frie æstetik og dens dekorative anvendelse" ( fr.  La Plante et ses Applikationer Ornatales ), der foreslår et design baseret på en kombination af forskellige farver og planter. Mange mønstre blev designet og lavet til de store franske tekstilproducenter i Mulhouse , Lille og Lyon på tyske og belgiske værksteder.

Den tyske designer Hermann Obrist specialiserede sig i blomstermønstre, især cyclamen og "pisk"-stilen baseret på blomsterstængler, som blev hovedmotivet i denne stil. Belgieren Henri van de Velde præsenterede tekstilværket "Vigil of the Angels" ( fr.  La Veillée d'Anges ) i salonen Free Aesthetics ( fr.  La Libre Esthéthique ) i Bruxelles, inspireret af Paul Gauguins og Nabis' symbolik . gruppe .

I Holland var tekstiler ofte påvirket af batik fra de hollandske kolonier i Ostindien.

Folkekunst har også inspireret gobeliner, tæpper, broderier og tekstiler i Centraleuropa og Skandinavien af ​​forfatterne Gerhard Münte og Frida Hansen i Norge . The Five Swans design af Otto Eckmann dukkede op i mere end hundrede forskellige versioner. Den ungarske designer Janos Vasari kombinerede art nouveau-elementer med folklore-motiver.

  • Side med åkande fra Eugène Grassets bog om den dekorative brug af blomster, 1899

  • Tekstildesign, Koloman Moser , 1899

  • Trykt bomuld til Liberty stormagasin, Silver Studio, UK , 1904

  • Tapet "Shepherd", Janos Vasari, 1906

  • Tæppe fra samlingen af ​​Kong Baudouin Fonden, Victor Horta .

Se også

Noter

Kommentarer

  1. ↑ Udtrykket "Moderne stil" blev første gang brugt af franske journalister i 1900-tallet til at beskrive arkitekturen og den dekorative kunst i Fin de siècle -perioden , som blev betragtet på en negativ måde og blev opfattet som udenlandsk (engelsk) indflydelse. Udtrykket blev ikke brugt uden for Frankrig, da udtrykket "art nouveau" på det engelske sprog straks blev tildelt art nouveau . På fransk blev "Moderne stil" endelig afløst af udtrykket "art nouveau" i 1980'erne, med en genopblussen af ​​interessen for dekorativ kunst i 1900'erne [4] .
  2. ↑ Udtrykket "nordlig moderne" findes udelukkende i russisksproget litteratur.

Kilder

  1. ↑ Howard, 1996 , s. 1-2.
  2. ↑ Howard, 1996 , s. 2.
  3. ↑ 1 2 Selz, Constantine, 1972 , s. 10-11.
  4. ↑ Moderne stil . universalis.fr . Encyclopedia Universalis . Hentet 16. juni 2022. Arkiveret fra originalen 27. december 2021.
  5. ↑ 1 2 Selz, Constantine, 1972 , s. ti.
  6. ↑ Kiselev, 2002 , s. 220.
  7. ↑ Nechaeva, 2006 , s. 7.
  8. ↑ Antoshchuk, 2017 , s. fire.
  9. ↑ Komarova, 2008 , s. 3.
  10. ↑ Gerasimov, 2017 , s. 1-2.
  11. ↑ Warren, 2018 , s. 5.
  12. ↑ Warren, 2018 , s. 4-6.
  13. ↑ Vlasov V. G. Moderne, "moderne stil" // New Encyclopedic Dictionary of Fine Arts. I 10 bind - Sankt Petersborg: Azbuka-Klassika. - T. V, 2006. - S. 557
  14. ↑ Sternin G. Yu. Om moderne // Museum, 1989. Nr. 10. S. 7
  15. ↑ Goryunov V.S., Tubli M.P. Moderne tids arkitektur: koncepter. Vejbeskrivelse. Mestre. Sankt Petersborg: Stroyizdat, 1992, s. 9
  16. ↑ Vlasov V. G. Moderne, "moderne stil". — S. 557
  17. ↑ Rusakova A. A. Ved århundredskiftet // Leningrads kunst. 1991. Nr. 3. S. 49
  18. ↑ V. G. Vlasov . Triaden "historicisme, stilisering, eklekticisme" og postmillennisme i kunstens historie og teori] // Elektronisk videnskabeligt tidsskrift " Architecton: university news ". - Ural State Art Academy of Arts , 2018. - Nr. 3 (63) [1] Arkiveksemplar dateret 8. november 2019 på Wayback Machine
  19. ↑ Fornoff R. Die Sehnsucht nach dem Gesamtkunstwerk. Studien zu einer ästhetischen Konzeption der Moderne. — Zürich: Hildesheim, New York: Olms 2004
  20. ↑ Frampton K. Moderne arkitektur: et kritisk blik på udviklingens historie. — M.: Stroyizdat, 1990
  21. ↑ Linnik Yu. V. Arketyper af finsk modernitet // Northern Modern. Dialog mellem kulturer. - St. Petersborg: European House, 2005. - S. 36
  22. ↑ Kirikov B. M. Arkitektur i St. Petersborg moderne. Palæer og lejeboliger. - St. Petersborg: Kolo, 2008. - 576 s. — ISBN 5-901841-41-1
  23. ↑ Lisovsky V. G. Northern Modern: National-Romantic Trend in the Architecture of the Baltic Sea Countries at the turn of the 19th and 20th century. - Skt. Petersborg: Kolo Publishing House, 2016. - 520 s.
  24. ↑ Rosenthal R., Ratzka H. Ny tids brugskunsts historie. - M .: Kunst, 1971. - S. 42-53
  25. ↑ Fodnote fejl ? : Ugyldig tag <ref>; автоссылка2ingen tekst til fodnoter
  26. ↑ Rosenthal R., Ratzka H. Ny tids brugskunsts historie. — S. 99
  27. ↑ Moderne. karakteristiske træk . StudFiles. Dato for adgang: 9. december 2016. Arkiveret fra originalen 15. december 2016.
  28. ↑ V&A Arts and Crafts: En introduktion . Hentet 4. januar 2022. Arkiveret fra originalen 15. februar 2020.
  29. ↑ Art Nouveau af Rosalind Ormiston og Michael Robinson, 58
  30. ↑ Art Nouveau – Art Nouveau Art (22. februar 2013). Arkiveret fra originalen den 22. februar 2013.
  31. ↑ Art Nouveau af Ormiston og Robinson, 61
  32. ↑ Han blev bestilt af Wardle-familien af ​​farver og trykkere, der handlede som "Thomas Wardle & Co" og "Bernard Wardle and Co". Arkiveret fra originalen The Wardel Pattern Books Revealed den 3. december 2013.
  33. ↑ Oudin, Bernard, Dictionnaiare des Architectes (1994), s. 237
  34. ↑ Sembach, L'Art Nouveau s. 47
  35. ↑ Fahr-Becker, 2015 , s. 140.
  36. ↑ Lahor, 2007 , s. 91.
  37. ↑ Sterner (1982), s. 38-42
  38. ↑ A. Philip McMahon, "anmeldelse af F. Schmalenbach, Jugendstil ", Parnassus , vol. 7 (okt. 1935), 27.
  39. ↑ Reinhold Heller, "Recent Scholarship on Vienna's "Golden Age", Gustav Klimt, and Egon Schiele, The Art Bulletin , vol. 59 (mars. 1977), s. 111-118.
  40. ↑ Association of Visual Artists Vienna Secession - Officiel hjemmeside . Hentet 4. januar 2022. Arkiveret fra originalen 25. april 2019.
  41. ↑ Lahor, 2007 , s. 63.
  42. ↑ Magasinet "Coup de Fouet", bd. 27 (2016), s. 14–25 . Hentet 4. januar 2022. Arkiveret fra originalen 28. juli 2019.
  43. ↑ Lahor, 2007 , s. 120.
  44. ↑ Oudin, Bernard, Dictionnaire des Architectes (1994), s. 33-34
  45. ↑ Sembach, L'Art Nouveau (2013), pp. 203-213
  46. ↑ Magasinet "Coup de Fouet", bd. 23 (2014), s. 2-35 . Hentet 4. januar 2022. Arkiveret fra originalen 14. juli 2020.
  47. ↑ Ödön Lechner Arkiveret 11. april 2021 på Wayback Machine  - Art Nouveau World
  48. ↑ 1 2 Magasinet "Coup de Fouet", bd. 14 (2009), s. 16 . Hentet 4. januar 2022. Arkiveret fra originalen 16. juli 2020.
  49. ↑ [2] Arkiveret 10. juli 2019 på Wayback Machine The Gödöllő Artists' Colony - artikel af David A. Hill
  50. ↑ 1 2 3 Magasinet "Coup de Fouet", bd. 13 (2009), s. 36–41 . Hentet 4. januar 2022. Arkiveret fra originalen 16. juli 2020.
  51. ↑ Prag arkiveret 11. april 2021 på Wayback Machine  - Art Nouveau World
  52. ↑ 1 2 Fahr-Becker, 2015 , s. 171.
  53. ↑ 1 2 Fahr-Becker, 2015 , s. 170-171.
  54. ↑ Fahr-Becker, 2015 , s. 166-167.
  55. ↑ Citation af Parc Guell i UNESCO-klassificering
  56. ↑ James Grady, Special Bibliographical Supplement: A Bibliography of the Art Nouveau , i "The Journal of the Society of Architectural Historians", vol. 14 (maj 1955), s. 18-27.
  57. ↑ Cronologia Arkiveret 19. september 2020 på Wayback Machine  - Palau Güells officielle hjemmeside
  58. ↑ Sicilian Liberty - Italianate Art Nouveau - Best of Sicily Magazine . Hentet 4. januar 2022. Arkiveret fra originalen 29. januar 2020.
  59. ↑ Henry R. Hope, anmeldelse af H. Lenning, The Art Nouveau , The Art Bulletin , vol. 34 (juni 1952), 168-171 (særlig 168-169): I 1952, hvor han diskuterede art nouveau-tilstanden, bemærkede forfatteren, at jugendstil endnu ikke var et acceptabelt studie for seriøs kunsthistorie eller et emne, der var egnet til større museum udstillinger og deres respektive kataloger. Han forudsagde en forestående forandring
  60. ↑ Duncan, Alistair, Art deco , Thames og Hudson (1988), s. 147-48
  61. ↑ Rigas historiske centrum . UNESCO . Hentet 11. marts 2016. Arkiveret fra originalen 11. juli 2017.
  62. ↑ Rigas historiske centrum . UNESCO . Hentet 11. marts 2016. Arkiveret fra originalen 22. juni 2020.
  63. ↑ Martin, T. & Pusa, E. 1985, s. 12.
  64. ↑ Finlands Nationalmuseum Arkiveret 26. juli 2019 på Wayback Machine  - Museums of EU
  65. ↑ Europæisk rute i jugendstil: Helsinki . www.artnouveau.eu _ Hentet 4. januar 2022. Arkiveret fra originalen 26. april 2016.
  66. ↑ Riley, 2004 , s. 312.
  67. ↑ 1 2 Europarute i jugendstil: Ålesund . www.artnouveau.eu _ Dato for adgang: 4. januar 2022. Arkiveret fra originalen 4. juni 2016.
  68. ↑ Stockholm Arkiveret 11. april 2021 på Wayback Machine  - Art Nouveau World
  69. ↑ Aarhus Arkiveret 11. april 2021 på Wayback Machine  - Art Nouveau World
  70. ↑ Baltiska utställningen 1914 - Malmø stad . Hentet 4. januar 2022. Arkiveret fra originalen 24. oktober 2020.
  71. ↑ Konstantin, Paul. Arta 1900 i Românien: [ rum. ] . - Editura Meridiane, 1972. - S. 83, 84, 86, 87 & 90.
  72. ↑ Elena Olariu…s. 16
  73. ↑ Heritage of Timisoara–Cladiri . heritageoftimisoara.ro . Hentet 23. maj 2021. Arkiveret fra originalen 16. maj 2021.
  74. ↑ Ungvári, Zrínyi Imre De offentlige bygninger i jugendstil i Tîrgu Mureș . wondersoftransylvania.com . Hentet 23. maj 2021. Arkiveret fra originalen 23. maj 2021.
  75. ↑ Str. Metropoliei no. 20 . Hentet 23. maj 2020. Arkiveret fra originalen 23. maj 2021.
  76. ↑ Mariana Celac, Octavian Carabela og Marius Marcu-Lapadat. Bukarest Arkitektur - en kommenteret guide ] . - Ordinul Arhitecților din România, 2017. - S. 85. - ISBN 978-973-0-23884-6 .
  77. ↑ 1 2 Magasinet "Coup de Fouet", bd. 16 (2010), s. 2-10 . Hentet 4. januar 2022. Arkiveret fra originalen 25. juli 2019.
  78. ↑ Ecole d'art et Style sapin Arkiveret 26. juli 2019 på Wayback Machine  - La Chaux-de-Fonds
  79. ↑ Fondation Le Corbusier . Hentet 28. juli 2019. Arkiveret fra originalen 14. marts 2014.
  80. ↑ 1 2 3 4 Magasinet "Coup de Fouet", bd. 11 (2008), s. 2-7 . Hentet 4. januar 2022. Arkiveret fra originalen 18. juli 2020.
  81. ↑ Francisco Augusto da Silva Rocha Arkiveret 31. oktober 2020 på Wayback Machine  - Art Nouveau World
  82. ↑ Lissabon arkiveret 17. marts 2021 på Wayback Machine  - Art Nouveau World
  83. ↑ Porto Arkiveret 5. marts 2021 på Wayback Machine  - Art Nouveau World
  84. ↑ Lahor, 2007 , s. 167.
  85. ↑ 1 2 3 Europæisk rute i jugendstil: Buenos Aires . www.artnouveau.eu _ Hentet 4. januar 2022. Arkiveret fra originalen 23. juli 2020.
  86. ↑ Europæisk rute i jugendstil: Kort . www.artnouveau.eu _ Hentet 4. januar 2022. Arkiveret fra originalen 17. april 2019.
  87. ↑ Europæisk rute i jugendstil: Rosario . www.artnouveau.eu _ Hentet 4. januar 2022. Arkiveret fra originalen 23. juli 2020.
  88. ↑ Magasinet "Coup de Fouet", bd. 10 (2012), s. 44–47 . Hentet 4. januar 2022. Arkiveret fra originalen 16. juli 2020.
  89. ↑ Magasinet "Coup de Fouet", bd. 12 (2008), s. 28–29 . Hentet 4. januar 2022. Arkiveret fra originalen 15. juli 2019.
  90. ↑ Europæisk rute i jugendstil: Lüderitz . www.artnouveau.eu _ Hentet 4. januar 2022. Arkiveret fra originalen 23. juli 2020.
  91. ↑ Europæisk rute i jugendstil: Valparaiso . www.artnouveau.eu _ Hentet 4. januar 2022. Arkiveret fra originalen 23. juli 2020.
  92. ↑ Villino Silveira Arkiveret 11. april 2021 på Wayback Machine  - Art Nouveau World
  93. ↑ Harbin Arkiveret 11. april 2021 på Wayback Machine  - Art Nouveau World
  94. ↑ Magasinet "Coup de Fouet", bd. 30 (2018), s. 77–83 . Dato for adgang: 4. januar 2022. Arkiveret fra originalen 15. februar 2022.
  95. ↑ Palacio de Bellas Artes Arkiveret 11. april 2021 på Wayback Machine  - Art Nouveau World
  96. ↑ AATC-kunstnere - Ze'ev Raban . Hentet 4. januar 2022. Arkiveret fra originalen 10. maj 2004.
  97. ↑ Mishofy, Alec. Sekularisering af det hellige. Brill, 2019.
  98. ↑ Art Nouveau (utilgængeligt link) . TARTLE.NET. Hentet 18. november 2016. Arkiveret fra originalen 19. november 2016. 
  99. ↑ 1 2 Moderne. karakteristiske træk . StudFiles. Hentet 18. november 2016. Arkiveret fra originalen 19. november 2016.
  100. ↑ Administrator. Brugskunst, Dekorativ kunst, Grafik og bogdesign, Maleri og skulptur - Kunstnerisk kultur i det 20. århundrede - Undervisningsmateriale til studerende . studme.org. Hentet 18. november 2016. Arkiveret fra originalen 18. november 2016.
  101. ↑ 1 2 Art Nouveau. Tysk grafik fra XIX - XX århundreder. Kunstneres malerier - Design & Kultur Magasinet . www.5arts.info Hentet 18. november 2016. Arkiveret fra originalen 19. november 2016.
  102. ↑ Art Nouveau-skulptur , verdensmuseer og malerier af berømte kunstnere . Arkiveret fra originalen den 19. november 2016. Hentet 18. november 2016.
  103. ↑ Riley, 2004 , s. 318.
  104. ↑ 1 2 3 Riley, 2004 , s. 320.
  105. ↑ Riley, 2004 , s. 322.
  106. ↑ Riley, 2004 , s. 324.
  107. ↑ Moderne. Karakteristiske træk - Side 3 . StudFiles. Hentet 9. december 2016. Arkiveret fra originalen 14. december 2016.
  108. ↑ 1 2 D. Kes. Møbelstile. — Budapest, 1981.
  109. ↑ Møbler i jugendstil - Interiørhistorie . dominterior.org. Hentet 9. december 2016. Arkiveret fra originalen 20. december 2016.
  110. ↑ La_belle_epoque. Buffeter i moderne stil. Diskussion om LiveInternet - Russian Online Diary Service . www.liveinternet.ru Hentet 18. november 2016. Arkiveret fra originalen 19. november 2016.
  111. ↑ 12 Riley , 2004 , s. 314-15.
  112. ↑ Edmond Lachenal and His Legacy , af Martin Eidelberg, Claire Cass, Hudson Hills Press; illustreret udgave (25. februar 2007)
  113. ↑ Tidslinje Arkiveret 19. august 2013. , tilgået 1/23/08

Litteratur

  • Antoshchuk T.I. Nationalromantikkens traditioner i den hellige arkitektur i det 19.-20. århundrede  // Colloqium-Journal. - 2017. - Nr. 8 (8) . - S. 4-6 .
  • Berseneva A. Moderne arkitektur. - Jekaterinburg, 1992.
  • Berseneva A. Europæisk Art Nouveau: Wiens Arkitektskole. - Jekaterinburg, 1991.
  • Borisova E. A., Sternin G. Yu. Russian Modern. - M . : Sovjetisk kunstner, 1990. - 360 s. — ISBN 5-269-00028-8 .
  • Volodina T. Moderne: Synteseproblemer // Kunsthistoriens spørgsmål. - 1994. - S. 2-3 .
  • Gerasimov A.P. "Northern Modern" i fortolkningen af ​​træhuse i byen Tomsk  // Architecton: nyheder om universiteter. - 2017. - Nr. 3 (59) . - S. 1-10 .
  • Goryunov V.S., Tubli M.P. Modernistisk arkitektur. Begreber. Vejbeskrivelse. Mestre. - Sankt Petersborg. : Stroyizdat, 1992.
  • Dyachenko A. Tysk grafik fra slutningen af ​​XIX - begyndelsen af ​​XX århundrede. - M. , 1989.
  • Kirichenko E.I. Arkitektoniske teorier fra det 19. århundrede i Rusland. - M. , 1993. - T. 1.
  • Kirichenko E. I. Problemer med udviklingen af ​​russisk arkitektur i midten af ​​det 19. - tidlige 20. århundrede. - M. , 1989.
  • Kirichenko E. I. russisk arkitektur fra 1830'erne-1910'erne. - M . : Kunst, 1978.
  • Kiselyov M.F. Symbolisme og Art Nouveau i den kunstneriske kultur i slutningen af ​​det 19.-20. århundrede. Problemet med stil // Kostinsky-læsninger. Alene med samvittigheden. Artikler om kunst: Samling af artikler af samtidskunstkritikere: Dedikeret til minde om den fremragende kunstkritiker V. I. Kostin. - M. : Musaget, 2002. - S. 219-238. — 395 s.
  • Kolotilo M.N. Kvindekostume fra den moderne æra i Rusland. - Sankt Petersborg. , 1999.
  • Komarova M. M. Svensk boligbygning fra nationalromantikkens æra i slutningen af ​​XIX - begyndelsen af ​​XX århundreder: traditioner og innovation: abstrakt af dis. ... Kunsthistoriekandidat: 17.00.04 . - M. : MGU, 2008. - 17 s.
  • Krastinsh Ya. A. Art Nouveau-stil i arkitekturen i Riga. - M. , 1988.
  • Lisovsky V. G. Moderne stil i arkitektur. — M. : Bely Gorod, 2016.
  • Lisovsky V.G. Northern Modern: National-romantisk trend i arkitekturen i Østersølandene ved overgangen til det 19.-20. århundrede. - Sankt Petersborg. : Kolo, 2016.
  • Møller Judith. Samlervejledning. Moderne. - AST, 2005. - ISBN 5-17-028689-9 .
  • Nashchokina M.V. Architects of the Moscow Art Nouveau. - 1998.
  • Nashchokina M. V. Moscow Modern. - M . : Zhiraf, 2005. - ISBN 5-89832-042-3 .
  • Nashchokina M. V. Moscow Modern. Problemet med vesteuropæiske påvirkninger. - M. , 1999.
  • Nashchokina M. V. Et hundrede arkitekter i Moskva Art Nouveau. - M. , 2000.
  • Nechaeva N. A. Æstetisk teori om modernitet i Rusland: Abstrakt af afhandlingen. ... kandidat for filosofiske videnskaber: 09.00.04. - Sankt Petersborg: Russisk stat. Pædagogisk Universitet. A. I. Herzen, 2006. - 28 s.
  • Nikolaeva S. I. Æstetik af symbolet i arkitekturen i russisk modernitet. — M. : Directmedia Publishing, KnoRus, 2003.
  • Rosenthal R., Ratzka H. Moderne tids brugskunsts historie. - M . : Kunst, 1971.
  • Sarabyanov D.V. Moderne stil. Oprindelse. Historie. Problemer. I 2 dele. - M . : Kunst, 1989.
  • Sarabyanov D. V. Moderne. Stilhistorie. - Galart, 2001.
  • Sarabyanov D.V. Russisk maleri fra det 19. århundrede blandt europæiske skoler. - M. , 1980.
  • Sternin G. Yu. Russisk kunstnerisk kultur i anden halvdel af det 19. - tidlige 20. århundrede. - M. , 1984.
  • Sternin G. Yu. Om moderne // Museum. - 1989. - Nr. 10 .
  • Toubli M. P. Modernitetens æra er et eksempel på et synergistisk kulturelt rum // Teoretisk tidsskrift for det russiske æstetiske samfund: tidsskrift. - Sankt Petersborg. : Terra Aestheticae, 2018. - nr. 1(1) . - S. 145-169 .
  • Tubli M.P. Så lige meget - "Style" eller "Epoke"? // Arkitektonisk almanak: tidsskrift. - Sankt Petersborg. : SPbGASU, 2018. - Nr. 3 . - S. 19-27 .
  • Far-Becker G. Art Nouveau. - Konemann, 2004. - ISBN 3-8331-1250-6 .
  • Hardy W. Art Nouveau-guide. - Rainbow, 2008. - ISBN 978-5-05-006996-2 , 1-85627-832-8.
  • Ukendt Faberge. - 2003. - ISBN 5-901772-08-3 .
  • udg. Shestakov V.P. Morris Æstetik og modernitet. - M. , 1987.
  • Art Nouveau = Art Nouveau  (engelsk) / Peter Selz, Mildred Constantine. — New York: The Museum of Modern Art, Arno Press, 1972. — 238 s. — ISBN 0-405-01573-9 .
  • Fahr-Becker, Gabriele. L'Art Nouveau: [ fr. ] . - HF Ullmann, 2015. - ISBN 978-3-8480-0857-5 .
  • Howard, Jeremy. Art Nouveau: Internationale og nationale stilarter i Europa = Art Nouveau: Internationale og nationale stile i Europa  (engelsk) . - Manchester, New York: Manchester University Press, 1996. - 240 s.
  • Lahor, Jean. L'Art nouveau: [ fr. ] . — Baseline Co. Ltd, 2007. - ISBN 978-1-85995-667-0 .
  • Riley, Noel. Grammaire des Arts Décoratifs: [ fr. ] . — Flammarion, 2004.
  • Warren, Richard. Art Nouveau and the Classical Tradition = Art Nouveau and the Classical Tradition  (engelsk) . — London, New York: Bloomsbury, 2018. — 232 s.

Links

  Gå til Wikidata-elementet  Ordbøger og encyklopædier
I bibliografiske kataloger