Rokoko

Rokoko
betydningsfuld person Giambattista Pittoni og Giovanni Battista Tiepolo
Aktivitetsområde maleri , skulptur , arkitektur , boligindretning , dekoration [d] , litteratur , musik , teater og kostume
datoen for begyndelsen 1730'erne
udløbsdato 1780'erne
Beskrevet i linket artsy.net/article/christ...
På en måde bevægelse og farve
 Mediefiler på Wikimedia Commons

Rococo ( fr.  rococo ; ironisk arrangement af ordet rocaille ( rocaille ) - "brokker, småsten, stenfragmenter" (diminutiv af roc  - "klippe, sten")) [1]  - navnet på den vesteuropæiske kunstneriske stil , hovedsagelig fransk, kunst fra andet kvartal og midten af ​​1700-tallet. Et udtryk, der kom i brug i slutningen af ​​det 18. århundrede , under neoklassicismens periode , blev det derfor først brugt med en negativ konnotation i betydningen "prætentiøs, finurlig, forvrænget."

Historien om udtrykket

I 1736 udgav den franske guldsmed, prydtegner og træskærer Jean Mondon "Søn" et album med indgraverede tegninger med titlen The First Book of Rocaille and Cartel Forms ( Premier Livre: De forme Rocquaille et Cartel ). Kartel ( fransk  cartelle , fra italiensk  cartoccio  - "papirbundt, pose", italiensk  carta  - "papir") - et motiv, som en cartouche , der ligner det , der ligner en halvåbnet papirrulle med indviklet afrevne eller bøjede hjørner, men det ligner ikke rocaille . I modsætning til cartouches, volutter og renæssancesymmetriske kammuslingskaller er rocaille ikke en stilisering , men en abstrakt krølle i form af bogstavet "C", som regel, derudover kompliceret af vegetative krøller og skud.

Fransk neoklassisk arkitekt J.-F. Blondel den Yngre brugte ordet " rocaille " i 1770'erne i negativ betydning for at henvise til de bizarre former fra den æra, der gik forud for hans arbejde. Udtrykket "rokoko" i ironisk betydning (tilføje en dobbelt slutning som "abe" til ordet "rocaille") blev brugt af J.-J. Rousseau , da han latterliggjorde smagen og skikkene fra "markisens æra."

Ifølge Celon Delescluse blev det ironiske udtryk "rokoko" opfundet omkring 1797 i hån af Pierre-Maurice Cuet, en elev af Jacques-Louis David og forkæmper for klassicismen "ført til det yderste" [2] . Siden 1759 har man fundet et synonym for udtrykket "rocaille" i Tyskland - " Grillenwerk " ("kunstigt arbejde"). Udtrykkene "rocaille" og "rokoko" (i daglig tale bruges de ofte som synonymer ) bevarede en nedsættende betydning i lang tid, før de blev adopteret af kunsthistorikere omkring midten af ​​det 19. århundrede, i perioden med historicisme af kunstnerisk tænkning .


Stildefinition

I det 19. århundrede blev rokokostilen fejlagtigt betragtet som en fortsættelse af barokstilen , eller endda "det højeste stadie af barokkunst." En sådan forenklet forståelse blev også bevaret i separate publikationer fra det 20. århundrede: "Når de går ind i rokokoens fase, mister [barok] emblematik i stigende grad deres selvstændige betydning og bliver en del af den generelle dekorative dekoration sammen med nymfer, najader, overflødighedshorn, delfiner og tritoner [...] " Amorer af kærlighedens guddom "forvandles til - putti  - rokoko" [3] .

I mellemtiden, i Frankrig - Rokokoens fødested - var Louis XIV's tidligere stil (den såkaldte "store stil" i anden halvdel af det 17. århundrede) grundlæggende klassicistisk med en lille inklusion af barokke elementer. I modsætning til Italien modtog barokstilen i Frankrig ikke nævneværdig udbredelse. Rokokoen skal også skelnes fra regentstidens overgangsstil under regentperioden , under regentens, hertug Philippe d'Orléans (1715-1722) regeringstid.

Germain Bazin understregede forskellene mellem begreberne "rocaille" (som en form for ornament) og "rokokostil". Med henvisning til den franske historiker og kunstteoretiker Louis Otker understregede han, at "rokokostilen ikke kun kom fra et bestemt ornamentsystem, men også fra et nyt organisk arkitektonisk koncept, som kom til udtryk i nye organiserede planer" [4] .

I fransk historieskrivning betragtes rocaille-ornamentet og rokokostilen samt regentsstilen og rokokostilen hver for sig. Desuden bemærkes en anden forskel: "Lodvig XV's stil" forstås udelukkende som hofkunsten for en snæver kreds af aristokratiske kunder i Paris og Versailles ; udtrykket "rokoko" udvides til en bredere vifte af kunstværker, såvel som mode og livsstil, holdning og verdensbillede fra første halvdel af det 18. århundrede, op til distribution til andre europæiske lande [5] . Regencyperiodens mest berømte kunstner i Frankrig er Antoine Watteau , hvis værk fungerer som en prolog til rokokostilen [6] .

Under overgangsperioden for Regency, efter luksusen af ​​den "store stil" under Ludvig XIV's regeringstid, som døde i 1715, flyttede kunsten sig fra slottets rum i Versailles til kammersalonerne og stuerne for den parisiske adel. Den anden grund til intimiteten af ​​"rocaille-stilen" er oprindelsen af ​​det vigtigste dekorative element fra en blomsterkrølle. Rokoko er en original fransk opfindelse, der falder ud af evolutionens hovedlinje for store arkitektoniske stilarter efter renæssancen: klassicisme  - barok  - neoklassicisme . Et andet træk er, at selv i Paris dannes rokokostilen i 1740'erne og videreudvikles parallelt med den fremvoksende nyklassicisme i den sene "Lodvig XV-stil" og Louis XVI's regeringstid (1774-1792). Under oplysningstiden var holdningen til ham meget kritisk. Så D. Diderot kaldte denne stil "den forkælede smags tid" [7] . Æstetikken i overgangsperioden afspejles i et brev dateret den 7. april 1770 fra den franske mester Jacques Rethier den Tredje , som lavede en sølvservice til Catherine II i 1770-1774, senere kaldet "Orlovsky" (de overlevende genstande opbevares i Statens Eremitage ). Dette brev afspejlede den smagsændring, der fandt sted i Frankrig på det tidspunkt: "... da Hendes Kejserlige Højhed ønsker, at alle former for figurer og karteller skal opgives, vil vi gøre alt for at erstatte dem med antikke smykker og følge de bedste smag, ifølge ønskerne ..." (citeret fra et dokument fra RGIA).

På trods af populariteten af ​​de nye "gamle former", der kom på mode i slutningen af ​​1750'erne (denne tendens blev kaldt " græsk smag "; genstande i denne stil forveksles ofte med "sen rokoko"), beholdt rokoko-stilen sin position i retten aristokratisk kunst indtil slutningen af ​​århundredet. I Frankrig blev rokokoperioden ironisk nok kaldt " Amors og Venus tid " [8] .

På trods af manglen på rationalitet, finurlighed og "capriccio" efterlod rokoko-stilen mange fremragende monumenter, der forfører med deres originalitet og muntre skønhed, og som levende transporterer os til æraen med rouge og hvidvask, fluer og pudsede parykker (deraf de tyske stilnavne: Perückenstil ("parykstil") og Zopfstil ( Zopfstil ) - "pigtailstil".

Historisk-regionale varianter af rokokostilen

Ud over de stilistiske varianter og tendenser fra den "første rokoko" i det 18. århundrede, er der neorokoko  - en af ​​neo-stilene i europæisk kunst fra historicismens periode . I forskellige lande i Vesteuropa og i Rusland havde denne neo-stil forskellige navne, ideologiske grundlag, ikonografiske kilder og kronologiske grænser. Eksperter skelner mellem den "anden", "tredje" og "fjerde" rokoko [9] . I Frankrig blev den anden rokoko kaldt "Restaurationsstil" eller "legitimistisk" (legitim) stil, "Charles X-stil" (1824-1830) og " Louis Philippe-stil " (1830-1848). I England er det " tidlig victoriansk ". Den tredje rokoko fra 1860'erne-1880'erne, mere eklektisk end den anden, med elementer af chinoiserie , blev ironisk nok kaldt "Pompadour-stilen". Den korte periode med den "fjerde rokoko" i Østrig, Tyskland og Rusland faldt på den moderne periode (1890-1910'erne) [10] .

Arkitektonisk indretning og indretning

I modsætning til barokke kartoucher , volutter og entablatur -rake-ups, er rocaille-rullen atetonisk og destruktiv. Derfor den lave udbredelse af rokokostilen i arkitekturen (med undtagelse af interiører og efterfølgende stilistiske modifikationer af den forsinkede barok-rocaille-stil i midten af ​​det 18. århundrede i kunsten i Bayern, Sachsen og Rusland repræsenteret af B. F. Rastrelli ).

De barokke volutter udtrykker perfekt formernes konstruktive indsats, dynamik og spænding. Rocailles atektonisme forklarer, hvorfor dette element, i modsætning til volutter og konsoller, ikke findes i arkitektoniske strukturer, men kun i ornamenter , herunder arkitektoniske, som om det var lagt oven på væggen, og også i størst udstrækning i ornamental gravering, dekorativ udskæring , broderi, metaljagt smykker [11] [12] .

Ved at afvise pompøsiteten og pompøsiteten af ​​kunsten fra Louis XIVs tid, stræber arkitekturen af ​​små kammerformer i rokokostilen efter at være let, venlig, legende. Arkitekter og tegnere er ligeglade med den organiske kombination og fordeling af strukturens dele eller om deres formers formålstjenlighed, men kasserer dem vilkårligt, til det spidse punkt, undgår symmetri, sønderdeling og ornamentale detaljer varierer i det uendelige. Derfor kalder eksperter det grundlæggende princip om formning i rokoko-stilen ikke tektonisk, men "variationel". Den dynamik, der findes i begge stilarter (barok og rokoko), skrev V. I. Loktev , er ikke den samme. Barokkens dynamik står i skarpe kontraster, rokokoen er i variation og motoritet ... ". I rokokostilens interiører bruges enfilader , som er renæssancens opdagelse, men på en særlig måde. En " uendelige variationsserier" udfolder sig foran beskueren. "Renæssancebeskueren foretrak at blive ved begyndelsen af ​​enfiladen og beundre det falmende perspektiv, og rokokobeskueren - at bevæge sig langs det, "strenge" en variation på en anden" [13] .

Deraf betydningen af ​​spejle, som reflekteres i hinanden og som padugs laver umærkelige overgange fra et volumen til et andet. En person, der kommer ind i det indre af rokoko-stilen, befinder sig således i en rystende, vægelsindet og meget kompleks verden af ​​uendelige variationer.

I skabelsen af ​​denne arkitektur forsvinder lige linjer og flade overflader næsten eller er i det mindste maskeret af figurerede finish; gesimser placeres over gesimserne; høje pilastre , karyatider og telmoner støtter ubetydelige afsatser, pedimenter , oftere "revet", kronet med vaser, pyramider, skulpturelle figurer, trofæer. Overalt, indrammet af vinduer, døre, vægrum inde i bygningen, i plafonder og desudéportes , bruges indviklet stuk ornamentik, bestående af krøller, mascarons , blomsterguirlander og festoner . Samtidig skifter ornamentets indramnings- og udfyldningsfunktioner ofte steder, hvilket yderligere øger "motoriteten" i opfattelsen af ​​den arkitektoniske komposition.

Stukudsmykning, udskæring og forgyldning bruges på lofter og vægge. Væggene er dekoreret med træpaneler - lambri eller dækket med silkestoffer . På gulvet - mønstret parket og gulvtæpper. Farveskemaet for interiør i rokoko-stilen er som regel lyse "pastelfarver": pink "pompadour", farven på en nymfes lår , blå, lysegrøn i kombination med guld og sølv.


Ornamental gravering og dekorativ kunst

Som i alle andre franske "kongelige stilarter" (Ludvig XIV, Ludvig XV, Ludvig XVI) var kunsten at gravere ornament af stor betydning som "bærer af stil" . Forskere mener, at genren ornamental gravering i sig selv fik en stildannende betydning i Louis XIV's æra, selvom tegnere og gravører arbejdede inden for ornamentområdet tidligere, startende fra det 15. århundrede på grund af den intensive udvikling af kunsthåndværk [14] [15] .

Ved at arbejde i den genre var kunstnerne ikke reguleret af plottet og kundens krav, de gav deres fantasi frit spil, perfektionerede de formelle elementer af stil, som derefter blev brugt af andre mestre: keramikere, træskærere, metalgravere , vævere og juvelerer. I regentsperioden var Antoine Watteau beskæftiget med at komponere ornamenter ud over at male . Fremragende mestre i ornamentale kompositioner var Francois de Cuvilliers og J.-O. Meissonier , Nicolas Pinault , Jacques de Lajou , Gilles-Marie Oppenor .

Det var under rokokotiden, at opdagelsen i 1708 af europæisk porcelæn af J.F. Bötger i Meissen (Sachsen) fandt sted. Rokokostilen havde en betydelig indflydelse på saksisk kunst i disse år. Tyndt, snehvidt og gennemsigtigt, resonant, med farverigt maleri under en strålende glasur, blev porcelæn, som af naturen selv, skabt for at legemliggøre rokokostilens æstetik. Den mest fremragende mester ikke kun i den berømte Meissen-fabrik , men også i den paneuropæiske rokoko, i porcelænsplast, er Johann Joachim Kändler . Også kendt er navnene på P. Rainike, I. F. Eberlein. Meisens produkter blev også påvirket af kinesiske påvirkninger, op til direkte efterligning: " kakiemon-stil " og forskellige stiliseringer (chinoiserie). Porcelænsfabrikken i Nymphenburg blev grundlagt i 1747 og beskæftigede den eminente kunstner, modeskulptøren Franz Anton Bustelli , fra 1754 . Bustellis værker - små, lyst malede figurer og skulpturelle grupper - " galante scener ", mine damer og herrer, karakterer fra det italienske teater Commedia dell'arte - er kendetegnet ved letheden og elegancen af ​​ægte rokoko.

I rokokotiden blev kunsten at "guldsmede" ( Germ.  Goldschmied ), guld- og sølvjagere, juvelerer og skabere af store sølvmiddagssæt intensivt udviklet . Nogle af de mest berømte var mestrene i Retier- familien , Caffieri og F.-T. Germain , Claude Ballin , Jeremiah Pozier og mange andre.


Rokokomøbler er kendetegnet ved raffinerede konturer, buede linjer, cabrioleben , intarsiadekorationer og forgyldte bronzerocailleovertræk . Små konsolborde, sekretærer, bureauer, kommoder, chiffonier, Duchesse breeze sofaer ( fr.  duchesse brisée  - en knækket hertuginde) er karakteristiske. De to mest almindelige typer stole er "Bergere" og "Marquise". Tidens berømte værk er Royal Bureau ( fr.  Bureau du Roi ) - et cylindrisk bureau , et mesterværk af møbelkunst i Frankrig i det 18. århundrede, skabt til kong Ludvig XV af den fremragende møbelsnedker J.-F. Eben i 1760 efter en tegning af Jean-Claude Duplessis og færdiggjort af Jean-Henri Rieser i 1769. Bureauet, med cylindrisk låg, er dekoreret med intarsia, forgyldte bronzedetaljer og Sèvres porcelænsplaketter .

Fremragende møbelmagere var David Roentgen , Charles Cressan , Jacques Dubois, J.-F. Eben , Pietro Piffetti, Ennemont-Alexandre Petito, Giuseppe Maggiolini. Den førende position inden for fremstilling af møbler i Italien blev besat af værkstederne i Torino og Venedig. Under indflydelse af fransk rokoko og chinoiserie arbejdede den fremragende engelske møbelsnedker Thomas Chippendale .

Maleri

I rokokomaleriet, som i andre former for kunst, blev ideologi, æstetik og smag afspejlet, baseret på pastorale temaer og idealiseringen af ​​scener fra det verdslige (især hof)livet. Hovedtemaerne er evig ungdom og skønhed, galant og melankolsk tidsfordriv, ønsket om at gemme sig fra virkeligheden i hyrdeidyller og opfundne "landlige glæder", elegiske , lyriske , idylliske stemninger, let ironi og erotik . Populære genrer : pastorale , bukoliske , verdslige portrætter og " galante festligheder " ( fr.  Fêtes galantes ) - som maler af en så usædvanlig genre i 1717 blev Antoine Watteau optaget på Royal Academy of Painting [16] .

Repræsentativitet blev erstattet af udsøgt dekorativitet, finurligt spil af former. Rokokomaleriet kom tydeligst til udtryk i Frankrig og Italien. Stedet for kontraster og lyse farver blev taget af et andet, dæmpet udvalg af farver, lyse pastelfarver: pink, blålig, lilla. Et andet karakteristisk træk ved den tid var erotikken. Der er lavet mange malerier, der viser nøgenbilleder: nymfer , " venus ": badning eller afklædning før badning. Den største repræsentant for rokokomaleri i Frankrig er Francois Boucher , der arbejdede i genren portræt og landskab (pastoralt) landskab. En anden var J.-O. Fragonard . I Italien, Giambattista Tiepolo . En fremtrædende kunstner er Pietro Longhi . Hans hverdagsscener er helt i overensstemmelse med rokoko-stilens karakter - hyggelige stuer, ferier, karnevaler. Derudover var en anden trend ved at udvikle sig i Italien på det tidspunkt, som ikke helt passede ind i stilens rammer. Dette er en veduta , en nøjagtig skildring af bybilleder, primært af Venedig. Udsigten over Venedig blev malet af Canaletto og Francesco Guardi , Bernardo Bellotto .


Musik

I sin "rene form" manifesterede rokokomusikken sig i værket af de "store franske cembalospillere " Francois Couperin ("Den Store") og Jean Philippe Rameau (ikke mindre stor, men uden samme "titel"). Deres mindre kendte samtidige arbejdede på nøjagtig samme måde i dag: Louis Claude Daquin , Jean Joseph de Mondonville , Antoine Forcret , André Campra , Joseph Bodin de Boismortier , Louis Nicolas Clerambault , Marine Mare og mange andre. De annoncerede enstemmigt den store Jean Baptiste Lully som deres forløber . Ud over Frankrig udviklede rokokomusik sig også i landene i Tyskland, da denne stil blev begunstiget af Maria Theresa og Frederik den Store . Komponister af denne stil omfatter Johann Adolph Hasse , Emmanuel og Christian Bach , samt Leopold Mozart , stilens indflydelse er også mærkbar i musikken af ​​hans søn Amadeus og Joseph Haydn .

Rokokostilen i musikken er præget af nøjagtig de samme træk som i maleri og arkitektur . Overfloden af ​​små lyddekorationer og krøller (de såkaldte " melismer ", svarende til de snoede linjer i stiliserede "rocaille"-skaller), overvægten af ​​små (juvelerede i detaljer) og kammerformer, fraværet af lyse kontraster og dramatiske effekter, dominansen af ​​samme, kendt fra Bouchers malerier, temaer og billeder: legende, flirtende og galant . Ja, og selve instrumentet, cembaloen , som overlevede sit højeste punkt af velstand og popularitet i æraen med galant stil og rokoko, hvad er dette hvis ikke det højeste udtryk for alle træk ved den samme rokokostil? Kammer, lille (eller endda meget lille) instrument, med en lav lyd, falmer hurtigt og kræver et stort antal små toner for at fylde rummet. Det siger sig selv, at instrumentets ydre dekoration: kunstnerisk, rig, fuld af små dekorationer og de fineste detaljer, uundgåeligt komplementerede stilens enhed.

Men selv i store former ( operaer , balletter og kantater ) manifesterede alle disse træk sig fuldt ud. Så de store operaer af Rameau og Campra er også bygget af små numre, indbyrdes forbundne efter suiteprincippet, og nogle gange repræsenterer de endda en fortryllende suite , praktisk talt ikke forbundet med noget forståeligt generelt plot . De mest berømte værker af denne type er " Gallant India " af Rameau, " Venetianske festligheder " og " Gallant Europe " af Campra. Heltene i operaernes mytologiske plot var galante herrer og damer klædt i storslåede kostumer efter princippet om en maskerade . Pastoralgenren var også meget populær , hvor de samme galante hyrder og hyrdeinder naturligvis ikke havde noget til fælles med rigtige bondetyper , der beskæftigede sig med græsning .

I instrumentalmusik dominerede den samme galante genre, portræt - landskab , pastoral eller danseminiature (for cembalo , bratsch , nogle gange med tilføjelse af fløjte , violiner og obo ). De spillede musik, som regel, i suiteform , og fik gradvist antallet af dele over tid og berigede med talrige detaljer. Den klassiske baroksuite , som normalt bestod af 3-5 danse med simple genrenavne , blev først beriget med nye "indsatte" franske danse, såsom passe , bourre , menuet , pavane , galliard , og begyndte derefter at inkludere frie fantasipartier med landskab, genre eller endda personnavne . I rokokoens relativt korte æra blev selve suitens genre først bragt af cembalospillere og mestre af instrumentalgenrer til sin højeste udvikling, og derefter til udmattelse og forfald, hvorefter den blot forlod det professionelle musikmiljø i godt hundrede år .

Da der blev spillet musik ved verdslige receptioner og under måltider, var forskellige opfindelser, karnevalsefterligninger og vittige underholdende tricks til morskab for aristokratiske lyttere særligt velkomne. Levende lyd-figurative stykker, såsom Rameaus Høne og Couperins Små Vindmøller (til cembalo) eller Leopold Mozarts Slædetur (for orkester), nød fortsat popularitet. Denne succes førte til adskillige efterligninger, gentagelser og gentagelser i andre forfatteres arbejde, hvilket generelt var karakteristisk for baroktiden som helhed. Nogle gange er underholdende effekter flyttet lige ind i det musikalske område, parodierer eller efterligner en medkomponist eller efterligner nogle af musikernes professionelle vaner. I denne henseende er Guillaume Guillemins "Sonatakvartet " særligt vejledende , der bærer undertitlen "Galante og underholdende samtaler mellem en tværfløjte, violin, basbratsch og cello" ( 1743 ). I salonerne blev der oftest opført sløve eller legende kærlighedssange samt populære arier fra operaerne Rameau, Campra og Lully, arrangeret for cembalo eller lille kammerensemble .

Mode

Rokokotidens mode var kendetegnet ved ønsket om forfining, sofistikering og bevidst forvrængning af den menneskelige krops "naturlige" linjer.

Rokoko-mode anses for at være feminin mode, da der i denne æra var en maksimal tilnærmelse af mandlig mode til typiske kvindelige mønstre.

Idealet for en mand er en raffineret hofmand, en dandy. Idealet for en kvinde er en skrøbelig, slank kvinde. På mode - hveps talje , smalle hofter, skrøbelige skuldre, rundt ansigt. Denne silhuet forblev uændret gennem hele rokokotiden. Kvinder bærer hævede nederdele - tasker , hvilket skaber effekten af ​​et "omvendt glas".

Kvinders frisure har gennemgået betydelige ændringer . Så i 1720'erne-1760'erne (efter at springvandet endelig gik af mode), var en glat, lille frisure med rækker af flydende krøller på mode. Så begyndte frisuren at "vokse" for at blive til de berømte "fregatter" og "haver", som Marie Antoinette elskede så højt i 1770'erne . Mænd slap først buklerne fra siderne og bar en lang fletning bagpå. Hvide pudrede parykker var på mode, med krøller krøllet i siderne, en pigtail og en sløjfe bagpå.

Den vigtigste type herretøj forblev justocor , fra barokmodens tid, men kom senere til at blive kaldt abi . Under den satte de en camisole på. De bar hvide skjorter, blonder og halstørklæder. Justocor havde en mere direkte form i begyndelsen af ​​århundredet, så gennemgik den en udvikling: dens gulve blev bredere, som om de stak ud i forskellige retninger. Ærmerne havde brede manchetter. Lommerne har store klap. Kvinders kjole gennemgik også en lignende udvikling: Først var den smallere, så begyndte den at udvide og udvide sig til grænsen. Den skæve hat forblev populær som hovedbeklædning.

Rokoko-æraen bragte en mode til pastel, dæmpede (sammenlignet med baroktiden ) toner: lyseblå, bleggul, pink, gråblå. Hvis alle kvinder i barokken ser betydningsfulde og modne ud (som om de alle var over tredive), så er rokoko tiden for unge nymfer og hyrdeinder, der aldrig bliver mere end tyve. Blush og pudder hjælper alle damer til at se unge ud, selvom disse ansigter bliver til livløse masker. Moderigtige dufte, parfumer - orrisrod, neroli, patchouli, rosenvand.

Litteratur

Rokokostilen i litteraturen var mest udbredt i Frankrig i det 18. århundrede . Litterære værker fra denne periode var kendetegnet ved raffineret elegance, blottet for civil-patriotiske motiver; de er kendetegnet ved letsindighed , legesyg og skødesløshed. Hedonismens ideer får relevans , som bliver en slags grundlag for arbejdet hos mange digtere og forfattere, der skabte deres værker i rokokostilen [17] . Rokokolitteratur er overvejende små former: yndefulde pastoraler, komedier af masker, erotiske digte, legende digte og noveller. De mest bemærkelsesværdige værker i rokokostilen omfatter The Bading of Zelida af Marquis de Pesai ( 1764 ), The Four Hours of the Lady's Toilet af Abbé de Favre ( 1779 ), galante romaner og eventyr af Louvet de Couvre , Grev Caylus , og andre.

Rokokotekster er meget lettere end klassicismens storslåede poesi , i forbindelse med hvilken den kaldes "let poesi" ( fr.  poésie légère ) eller "flygtig poesi" ( fr.  poésie fugitive ). De mest almindelige former for stilen var drikkesange, legende budskaber, madrigaler , sonetter og epigrammer (tekster af Evariste Parni, Marquis de Lafar, etc.)

I England blev rokoko-stilen ikke udbredt i litteraturen. I Italien og Tyskland var der tværtimod mange tilhængere af denne stil, især Paolo Antonio Rolli og Pietro Metastasio  - i Italien, og F. Hagedorn, I. Gleim, I. N. Gotz - i Tyskland [18] .

I Rusland

Noter

  1. ↑ Definition af rocaille. Merriam-webster [1] Arkiveret 26. juli 2019 på Wayback Machine Arkiveret 26. juli 2019 på Wayback Machine
  2. ↑ Morisot J.-M. Tableaux detaljer des prix de tous les ouvrages du bâtiment (charpente). — Carilian, 1814
  3. ↑ Chernov I. Erfaring med typologisk fortolkning af barokken // Samling af artikler om sekundære modelleringssystemer. - Tartu, 1973. - S. 38
  4. ↑ Bazin J. Kunsthistoriens historie. Fra Vasari til i dag. - M .: Fremskridt-Kultur, 1995. - S. 150
  5. ↑ V. G. Vlasov . Regency stil i Frankrig. New Encyclopedic Dictionary of Fine Arts. - St. Petersborg: Azbuka-Klassika, 2008. - VIII. - S. 82 - 89 / Rokoko, eller rocaille stil. - S. 236-254
  6. ↑ Daniel, 2010 , s. 90.
  7. ↑ V. G. Vlasov . Rokoko, eller rocaille-stil // Vlasov VG Ny encyklopædisk ordbog over billedkunst. Petersborg: Azbuka-Klassika, 2008. Bind VIII. s. 236-254
  8. ↑ Latinsk sprog og afspejlingen af ​​græsk-romersk mytologi i russisk kultur i det 18. århundrede . Hentet 11. april 2014. Arkiveret fra originalen 13. april 2014.
  9. ↑ Vlasov V. G. Neorococo // New Encyclopedic Dictionary of Fine Arts. I 10 bind Sankt Petersborg: Azbuka-Klassika. T. VI, 2007. S. 193-195
  10. ↑ McCorquodale C. Boligindretning. Fra oldtiden til i dag. M.: Kunst, 1990
  11. ↑ Kozhina E.F. Frankrigs kunst fra det 18. århundrede. - L .: Kunst, 1971. - S. 40-41
  12. ↑ Henri de Moran. Historien om dekorativ og brugskunst fra oldtiden til i dag. - M .: Kunst, 1982. - S. 365-375
  13. ↑ Loktev V. I. B. Rastrelli og barokproblemer i arkitektur // Barok i slaviske kulturer. - M .: Nauka, 1982. - S. 302-304
  14. ↑ Henze W. Ornament, dekor und zeichnen. - Dresden, 1958. - S. 69-72
  15. ↑ Ornamental gravering fra det 16. århundrede i Eremitagesamlingen: Udstillingskatalog. - L .: Kunst, 1981
  16. ↑ Vlasov V. G. "Gallante festligheder" // Vlasov V. G. Ny encyklopædisk ordbog over kunst. I 10 bind - Sankt Petersborg: Azbuka-Klassika. - T. III, 2005. - S. 10
  17. ↑ B. I. Purishev. Rokoko // A. A. Surkov "Kort litterær encyklopædi". - M . : Forlag "Soviet Encyclopedia", 1971. - T. 6 . - S. 339 .
  18. ↑ E. Ermatinger. "Barock und Rokoko in der deutschen Dichtung" . — Lpz. , 1928.

Litteratur

Links

  Gå til Wikidata-elementet  Ordbøger og encyklopædier