Postmoderne musik kan ses som musik fra den postmoderne æra, eller musik, der følger postmodernismens æstetiske og filosofiske linjer . Som musikstil omfatter postmoderne de karakteristiske træk ved kunstnerisk postmoderne – det er kunst efter modernisme (se Modernisme i musikken ). Det er kendetegnet ved en kombination af forskellige musikalske stilarter og genrer. Selvgravende og ironi er også karakteristisk, ønsket om at udviske grænserne mellem "høj kunst" og kitsch , (D. Albright. Daniel Albright, 2004).
Med hensyn til musikkens position i det postmoderne miljø, uanset stilen eller retningen af den eller den anden musik, er denne position karakteriseret ved følgende træk: hvis den moderne tids musik blev betragtet som en udtryksmåde, så i den postmoderne epokemusik er snarere et skuespil, et produkt af masseforbrug og en indikator for gruppeidentifikation, for eksempel et tegn, der hjælper med at bestemme ens tilhørsforhold til en bestemt subkultur .
I modernismens æra blev skabelsen af musik set som en afspejling af den ydre verden, ligesom en fotograf fangede en bestemt virkelighed. Men med opfindelsen af magnetbånd i 1930'erne blev det muligt at betragte lydoptagelse som slutproduktet af musikalsk kreativitet. I løbet af 1950'erne blev musik, herunder populærmusik , præsenteret som en fast forestilling, selvom slutresultatet blev opnået gennem en blandingsteknik .
Et formøde af denne proces kan findes et årti tidligere. Fra slutningen af 1940'erne skabte akademiske komponister som Edgar Varèse , Pierre Schaeffer , Karlheinz Stockhausen og John Cage kompositioner, der udelukkende eksisterede som lydoptagelser ved hjælp af multikanaloptagelse, redigering eller variation af lydens optagehastighed, hvilket betød at skabe musik, der kunne ikke spilles med traditionelle midler, men kunne kun eksistere som plade.
En lignende teknik kom efterfølgende til elektronisk musik . De omstændelige multi-track-optagelser af mange performere er blevet meget langt fra, hvad musikerne realistisk kan skildre på scenen.
Under modernismens æra blev populærmusik set som sekundær til mere "vægtige" genrer. Postmodernitetens filosofi har imidlertid sat spørgsmålstegn ved legitimiteten og acceptablen af opdelingen af kultur i "høj" og "lav".
Tredje runde af postmoderne musik er forbundet med en grundlæggende ændring af ideer om, hvad musik skal handle om. Med etableringen af postmodernismen blev ideen om, at musikken er "i sig selv" hævdet. Stilistiske hentydninger og citater er blevet ikke kun en teknisk anordning, men den væsentlige side af musikken, som er vokset fra en mulighed til et behov. Dette viser også en afvigelse fra det moderne paradigme , hvor intonation, rytme og motiver blev betragtet som hovedelementerne i musikkunsten; postmodernismen anser mediestrømme, industrielle objekter og individuelle genrer for at være kunstens hovedemne. Postmodernismen reducerer med andre ord kunstens rolle til at kommentere forbrugersamfundet og dets produkter, og opgiver det moderne ønske om at forstå universets "virkelighed" i dets grundlæggende former.
Mulighederne for lydoptagelse og yderligere blanding gav anledning til adskillige ideer om at inkludere forskellige kunstige lyde, støj, samples af den menneskelige stemme i musikværker. Individuelle innovatører, såsom Edgard Varèse , begyndte at eksperimentere med mulighederne for nye elektroniske teknologier, især synthesizere og lydsløjfer. John Cage brugte bånd, radio og optagelser af liveoptrædende til at bruge indspillede samples på en række forskellige måder, som eksemplificeret i værker som "Imaginary Landscape" og "Europera". Inden for populærmusikken blev disse teknologier i vid udstrækning brugt af Abbey Road , Pink Floyd og repræsentanter for dub-musikstilen, især Lee Perry . Med fremkomsten af digital teknologi , som i høj grad har lettet arbejdet med samples, er sådanne teknikker blevet almindelige i hiphop og især i Bastard-pop.
Teknikken med at bruge eksisterende materiale afspejles også i traditionel instrumentalmusik. Citater som referencer til allerede eksisterende værker fandtes selv blandt komponister fra første halvdel af det 20. århundrede. For eksempel brugte Richard Strauss i sine symfoniske digte og Charles Ives i sine "lydstier" citater fra værker skrevet et århundrede tidligere. I anden halvdel af det 20. århundrede bliver sådanne eksempler meget flere. Eksempelvis indeholder D. Shostakovichs 15. symfoni et citat fra G. Rossinis "William Tell" og R. Wagners "Nibelungens Ring". Et andet velkendt eksempel på musikalsk collage er tredje sats af L. Berios Symfoni , som citerer Gustav Mahlers Opstandelsessymfoni . Komponisten selv afviser dog udtrykket collage , idet han hævder, at forbindelserne ikke er tilfældige, men symbolske i begrebet en kompositorisk helhed.
Olivier Messiaen refererer til en specifik måde at citere på - i værker som "Eksotiske fugle" og " Fuglekatalog " ved hjælp af et symfoniorkester forsøger komponisten at efterligne fuglesang, samtidig med at han stræber efter maksimal nøjagtighed.
Et karakteristisk fænomen i postmoderne akademisk musik har været faldet i komponistens rolle i den musikalske komposition, hvilket ikke kun kommer til udtryk i brugen af lånt musikmateriale, men også i brugen af tilfældigheder som komponists teknik. Forudsætningen for fremkomsten af aleatorisk musik var Arnold Schoenbergs dodekafoni , og senere serialismens teknik , brugt af en række komponister som P. Boulez, K. Stockhausen. Faktisk allerede i seriel musik er komponistens rolle "fortrængt" af rollen som matematiske algoritmer, på grundlag af hvilke serialistiske kompositioner skabes.
Senere opgiver disse komponister, især John Cage , komponistens totale determinisme og starter en aleatorisk retning, som sætter tilfældigheder som grundlag for musikalsk komposition. I en række værker "fjerner" J. Cage sig fuldstændigt fra komponeringsprocessen. I det berømte stykke 4′33″ giver pianisten ingen lyd, og selve kompositionen indeholder ifølge forfatteren kun omgivende støj. I den aleatoriske musik er grænserne mellem udøveren og publikum, eller mellem musikerne og omgivelserne, således udvisket, hvilket er en postmoderne tendens.
Samtidig er der en bølge af akademisk interesse for ikke-europæiske traditioner, førbarokmusik og populærmusik. Denne opmærksomhed på alle musiktraditioner er et typisk postmoderne træk; opdelingen i "høj" og "lav" kunst anses for illusorisk. György Ligeti blev interesseret i de rytmiske strukturer i Pygmæ-sangen, som senere påvirkede alle hans senere kompositioner. Olivier Messiaen studerede indisk raga og middelaldermusik grundigt, hvilket afspejlede sig i hans værker. Tan Dun , født i Kina, ledte i sit arbejde efter måder at kombinere kinesiske og vestlige musiktraditioner. Steve Reich har studeret vestafrikansk trommespil, indonesisk gamelan og hebraisk cantillation og er nogle gange blevet sammenlignet med Perotin eller rockmusik .
Hvis vi sammenligner den moderne og postmoderne tids komponisters holdning til den "eksotiske", ikke-europæiske musikkultur, kan vi se en væsentlig anderledes tilgang. Forskellen ligger i penetrationsdybden. For eksempel kan "Rondo alla Turca" af W. A. Mozart have været påvirket af tyrkisk musik, men denne indflydelse er meget overfladisk og passer ind i en ren klassisk form. Postmodernismen fortsætter den linje, som i modernismen blev legemliggjort i Bela Bartoks arbejde , som systematisk og grundigt studerede de grundlæggende principper for "eksotisk" musik. Som et resultat trænger "eksotiske" principper ind i komponistens håndskrift så subtilt, at det er umuligt selv at forestille sig oprindelsen af visse elementer, før de er tydeligt vist.
I slutningen af 1950'erne - 1960'erne opstår en række stilarter på grund af postmodernismens situation.
Inden for populærmusik, jazz , rhythm and blues og tidlig rock and roll, skyldes innovation introduktionen af fundamentalt nye indspilningsteknologier. Ved at skabe tredimensionel lyd forsøger dens producere ikke længere at efterligne det akustiske rum i en koncertsal, vokalistens stemme lyder i forgrunden, mens resten af stemmerne skaber en "væg" i baggrunden. Siden midten af 1960'erne er denne teknik blevet standarden for de fleste kommercielle radioer. Inkorporeringen af studiemixteknikker, elektronik og brugen af overdubbede lydspor er ved at blive en integreret del af rockmusikken. Popmusik undgår elektriske guitarers fremtræden, og favoriserer synthesizere , akustiske instrumenter og den generelt blødere lyd i rytmesektionen.
I begyndelsen af 1970'erne åbnede New York DJs en ny vej inden for postmoderne musik. De prøvede at spille dansegulvsplader, kontrollere afspilningshastigheden på en plade og bruge en mixerpult til at anvende rumklang og andre lydeffekter . Samtidig talte de i en mikrofon over musikken, som satte scenen for fremkomsten af hiphop .
En yderligere udvikling af hiphop i 1990'erne blev fremhævet under pladespillerisme , hvor musik er lavet næsten udelukkende fra blanding af vinylplader. Blandt de mest berømte pladespiller-DJ's er Q-Bert , Mixmaster Mike og J-Rocc og Babu fra The Beat Junkies . Dette skete i noget elektronisk musik - i genren "breakbeat-hardcore" og efterfølgende (gr. The Prodigy, etc.).
Udtrykket post-rock kom til at blive anvendt om bands, der brugte instrumenter forbundet med rockmusik, såvel som rytme, melodier, klang og akkordprogression, der ikke er typiske for traditionel rock. Et betydeligt antal post-rock-bevægelsesgrupper udviklede sig i de sidste år af det 20. århundrede, især Mogwai , Tortoise , Explosions in the Sky og andre. Deres melodiske, rige instrumentalisme og stærke følelsesmæssige rigdom er blevet et kendetegn for post-rock.
I akademisk musik kan minimalisme betragtes som et af de postmoderne fænomener . Minimalisme var til dels en reaktion på elitismen og den slags stramhed i moderne akademisk musik (fra Arnold Schoenberg og Anton Webern til Pierre Boulez og John Cage ). Tidlige minimalister omfatter Schoenbergs elev La Monty Young , der brugte elementer af serialisme i sine tidlige minimalistiske værker, og Terry Riley , hvis arbejde er påvirket af indisk musik og rockmusik.
Nogle af John Cages eksperimenter (især “ 4′33″ ”, eksperimentelle stykker baseret på et tilfældigt udvalg af lydfragmenter, “Europera”) kommer tæt på “grænsen mellem kunst og ikke-kunst” [1] , baseret på en legende gentænkning af den etablerede genre, formelle og meningsfulde stereotyper, gennemsyret af refleksion over mulighederne i de anvendte genrer [2] , sammensat af færdiglavede musikalske fragmenter eller tilfældigt ekstramusikalsk materiale (f.eks. radiostationernes aktuelle luft). ).
Den postmodernistiske metode til collage ( pasisha ) er meget brugt af Luciano Berio , hvis værker (for eksempel " Symfoni ", " Opera ") er collager fra klassiske værker af verdensmusik (fra Monteverdi til Mahler), såvel som heterogene. tekstfragmenter (fra Beckett og Levy -Strauss til telefonsamtaler).
Postmoderne spil med traditionelle koncertformer realiseres i det såkaldte " instrumentale teater " af Maurizio Kagel ) [3] , hvor musikere kan bevæge sig rundt på scenen, frit skifte noder og udføre andre handlinger designet til visuel perception.
Et eksempel tæt på Berio og Kagel i russisk musik er Alfred Schnittkes første symfoni , hvor citater fra klassiske og populære musikværker væves ind i kompositionens dramaturgi på en original og humoristisk måde, blandet med hinanden og danner en kompleks musikalsk symbiose , og musikerne bevæger sig ifølge partituret jævnligt på scenen (i de fleste andre værker er komponisten dog stadig langt fra postmodernismens æstetik og er mere tilbøjelig til seriøs etisk og æstetisk refleksion ved brug af etablerede kulturelle symboler).
Den postmoderne situation for "kulturens ende" varierer i Vladimir Martynovs teoretiske konstruktioner og musikalske værker . Startende med kompositionen " Opus posth " ( 1984 ) leger Martynov bevidst med færdige stilistiske stereotyper og understreger på enhver mulig måde udmattelsen af forfatterskabets æstetik og koncertstilen. I nogle kompositioner fra 1970'erne (Album Leaf for violin, klaver, kammerensemble og rockgruppe, rockoperaen Seraphic Visions of Francis of Assisi, Hymns cycle for solist and rock group) integrerer Martynov former for akademisk og ikke-akademisk musik; i nyere tid er disse eksperimenter blevet udviklet i fælles projekter med Leonid Fedorov .
Minimalisme og andre forsøg på at forenkle det musikalske sprog satte scenen for integrationen af lys og akademisk musik, som blev afbrudt med udviklingen af modernismen . I 1970'erne blev avantgarde rock- og popmusikere (såsom Suicide og Throbbing Gristle ) interesseret i elektronisk instrumentering, brugen af østlige musikrytmer og ikke-traditionelle instrumenter, monotone (Drone) eller gentagne musikalske fraser, der stilmæssigt ligner minimalisme ( såsom musikken fra The Velvet Underground , Tangerine Dream , Kraftwerk og senere Stereolab ). På den anden side nærmer sen minimalisme - postminimalisme - i mange af sine udslag for alvor ikke-akademisk musik. Udbredelsen af minimalisme i nutidig musik har givet anledning til lignende strømninger i elektronisk musik, såsom minimal house og minimal techno .
Et andet element i konvergensen mellem lys og akademisk musik er metoden med lydsløjfer ("cut-paste") af de senere værker af Stockhausen (som brugte elementer fra både "høj" og "lav" kunst). Metoden var meget relevant for rockmusikere fra 1970'erne - 1990'erne, for eksempel for The Residents , der senere fandt anvendelse i techno- og housemusik, og scratch (manuelt at trække lydsporet) tæt på det i mening - i hip-hop.
Postmoderne jazz har også påvirket moderne pop- og rockmusik. Der kan skelnes mellem to udviklingsfaktorer - det er Charlie Parkers innovationer i den midterste efterkrigsperiode og Arnold Schoenbergs arbejde; sandt, ikke så meget hans dodekafoni , men derimod hans præ-serie atonale stil, hvor alle former for tonal organisering blev afvist. Sammensmeltningen af disse to traditioner var en faktor i udviklingen af free jazz i 1950'erne , især i arbejdet af Ornette Coleman , som inspirerede en ny generation af musikere i 1960'erne og 1970'erne, herunder personer som John Coltrane , Albert Ayler og Sun Ra . Free jazz har haft en betydelig indflydelse på mange rockmusikere: The Stooges og Lou Reed er blandt dem . Til gengæld påvirkede disse kunstnere 1970'ernes og 1980'ernes generation af punkmusikere (såsom The Lounge Lizards og The Pop Group ).
Et af de klareste eksempler på en postmoderne jazzmusiker er saxofonisten John Zorn . Fra skuespil af Godard og Spillane til Naked City er Zorns musik kendt for at tage radikale stilistiske spring. Kritikere kan ikke passe hans arbejde ind i nogen musikalsk retning, og Zorn sagde selv, at konceptet med moderne stilarter er mere kommercielt.