Elektronisk musik

Elektronisk musik ( tysk  elektronische Musik , engelsk  elektronisk musik ) er musik skabt ved hjælp af elektriske musikinstrumenter og elektroniske teknologier (computerteknologier siden de sidste årtier af det 20. århundrede). Som en specifik retning i musikkens verden tog elektronisk musik form i anden halvdel af det 20. århundrede , og i begyndelsen af ​​det 21. århundrede var den blevet udbredt i akademisk og populærkultur.

Elektronisk musik fungerer med lyde, der er i stand til at frembringe elektroniske og elektromekaniske musikinstrumenter, samt lyde, der opstår ved hjælp af elektriske/elektroniske apparater og forskellige transducere (båndoptagere, generatorer, computerlydkort, pickupper, etc.), som i streng forstand er ikke musikinstrumenter.

Indtil den sidste tredjedel af det 20. århundrede var elektronisk musik hovedsageligt forbundet med eksperimenter (både i USSR og i udlandet) i akademisk musik , men denne tilstand ændrede sig med etableringen af ​​masseproduktion af lydsynthesizere i 1970'erne. Synthesizere blev på grund af deres moderate omkostninger tilgængelige for offentligheden. Dette ændrede billedet af populærmusik - synthesizere begyndte at blive brugt af mange jazz-, rock- og popmusikere. I begyndelsen af ​​det 21. århundrede omfatter elektronisk musik en bred vifte af stilarter og genrer - fra enkelteksperimenter af avantgarde-kunstnere til vidt gentaget anvendt musik .

Oprindelse: slutningen af ​​det 19. og begyndelsen af ​​det 20. århundrede

Evnen til at optage lyde er ofte forbundet med ideen om at producere elektronisk musik. Men det betyder ikke, at produktionen af ​​elektronisk musik er målet for indspilningsprocessen.

I 1857 patenterede den franske forlægger og boghandler Edouard Léon Scott de Martinville en enhed, han havde opfundet, fonoautografen .

Fonoautografen var den første enhed, der tillod lyde at blive optaget, men ikke kunne gengive dem.

I 1878 patenterede den amerikanske opfinder Thomas A. Edison fonografen . Edisons fonograf brugte ligesom Scotts fonoautograf cylindre til at optage lyde, men i modsætning til fonoautografen kunne lyd både optages og afspilles.

I 1887 præsenterede den amerikanske opfinder Emile Berliner sin opfindelse - en diskfonograf.

I 1906 dukkede en stor opfindelse op, som havde en dybtgående effekt på udviklingen af ​​elektronisk musik. Det var en triode rørforstærker ( audion ) designet af den amerikanske opfinder Lee de Forest . Det var det første vakuumrør, bestående af en glasbeholder med en termionisk katode indeni, som gjorde det muligt at generere og forstærke elektriske signaler. Opfindelsen af ​​vakuumrøret markerede begyndelsen på radioudsendelser og muliggjorde fremkomsten af ​​elektroniske computerprocesser.

Længe før der var elektronisk musik, var der blandt komponister et ønske om at bruge nye teknologier til musikalske formål.

Der blev skabt flere instrumenter, i hvis design der blev brugt både mekaniske og elektroniske komponenter. Det var disse instrumenter, der banede vejen for fremkomsten af ​​mere avancerede elektroniske instrumenter.

I perioden fra 1898 til 1912 arbejdede den amerikanske opfinder Tadeusz Cahill på skabelsen af ​​et elektromekanisk instrument kaldet telharmonium ( eng.  Telharmonium ). Men dette instrument blev ikke accepteret på grund af dets dimensioner: dets 1906-version vejede omkring 200 tons, dets bevægelse dækkede et areal på omtrent 18 m².

Theremin anses for at være det første elektroniske instrument . Theremin blev skabt af den russiske opfinder Lev Theremin omkring 1919-1920. Dette er et instrument, hvor lyden udvindes ved bevægelse af kunstnerens hænder i det elektromagnetiske felt af to metalantenner.

Tidlige elektroniske instrumenter omfatter også: lydkorset ( fr.  Croix Sonore ), opfundet i 1926 af den russiske komponist Nikolai Obukhov , og Martenot-bølgerne , opfundet af den franske musiker Maurice Martenot i perioden fra 1919 til 1928. Det mest berømte eksempel på brugen af ​​Martenot-bølgerne er Turangalila-symfonien af ​​Olivier Messiaen og hans andre kompositioner. Waves de Martenot-instrumentet er også blevet brugt til at skrive musik af andre overvejende franske komponister som André Jolivet .

Skitse til en ny æstetik af musikalsk kunst

I 1907, blot et år efter opfindelsen af ​​audion, udgav Ferruccio Busoni afhandlingen Sketch for a New Aesthetic of Musical Art (tysk: Entwurf einer neuen Ästhetik der Tonkunst ), hvori han overvejede muligheden for at bruge elektriske og andre lydkilder i fremtidens musik. Han antog, at oktaven i fremtiden ville blive opdelt i flere halvtoner, end den klassiske stemning, hvor oktaven består af 12 halvtoner, ville være mulig, og det ville blive muligt takket være Cahills dynamofon: ”Kun en lang og omhyggeligt udført serie af eksperimenter, og konstant øretræning vil hjælpe en ny generation med at gøre dette ukendte materiale velegnet til arbejde og kunst.

Også i sit værk "Sketch of a new aesthetics of musical art" skriver Busoni (der sammenligner musik med mere antikke kunstformer - maleri, arkitektur og skulptur):

Musikken som kunst bliver næppe 400 år gammel; musikkens tilstand i øjeblikket er blot et af stadierne i dens udvikling, måske den allerførste fase ud over det koncept, der er accepteret i dag, og vi - vi siger, at den musikalske form, der har udviklet sig i dag, er "klassikere" og "hellige traditioner" ! Og det har vi talt om i et stykke tid! Vi har lavet regler, etableret principper, pålagt love; Vi anvender på barnet de love, der er skabt for en moden person. Men barnet ved ikke noget om ansvar! Dette barn er ungt, vi indser, at han på en eller anden måde er speciel, og denne funktion får os til at forstå, at han allerede er gået længere end sine ældre søstre. Og lovgivere vil ikke se denne funktion, for ellers er deres love bestemt til glemsel. Denne baby svæver i luften! Han rører ikke jorden med fødderne. Dette barn er ikke underlagt tyngdeloven. Han er uhåndgribelig. Det består af noget gennemsigtigt stof. Dette barn er lavet af resonansluft. Dette barn er næsten legemliggørelsen af ​​naturen i al dens essens. Det er gratis! Men frihed er noget, som menneskeheden aldrig helt har forstået, aldrig har indset dens sande essens. Mennesker kan hverken forstå eller anerkende eksistensen af ​​frihed. Lovgivere benægter dette barns mission; de hænger et tungt læs af regler og love på hans skuldre. Han får næppe lov til at hoppe - mens det er hans natur - for at følge regnbuens linje og bryde sollysets strømme med skyer.

Busonis ideer udtrykt i denne afhandling havde en dyb indflydelse på mange musikere og komponisters sind. Men mest af alt påvirkede han sin elev Edgard Varèse :

Tidligere har vi sammen diskuteret, hvilken vej musikken vil gå i fremtiden, eller mere præcist, den skal gå, men kan ikke, fordi den er bundet på hænder og fødder af de regler, som den temperamentsfulde skala har sat. Han beklagede, at hans keyboardinstrument havde betinget vores ører til kun at opfatte en uendelig lille del af naturens uendeligt varierede lyde. Han var meget interesseret i de elektriske instrumenter, vi hørte om, og jeg kan huske, at jeg læste om dynamofonen. I hans afhandling kan du finde et stort antal forudsigelser om fremtidens musik, som gradvist bliver realiseret. Nu er der intet, han ikke kunne forudse. For eksempel: “Jeg er ret sikker på, at der bliver brug for maskiner til at skabe fantastisk ny musik. Måske vil branchen også bidrage til det kunstneriske opsving.«

Futurister

I Italien nærmede futuristerne forandringen i den musikalske æstetik fra forskellige vinkler. Hovedideen i den futuristiske filosofi er at værdsætte "støj" og placere de kunstneriske og ekspressive komponenter i lyde, der ikke engang tilnærmelsesvis kunne betragtes som musikalske.

I 1911 udgav den italienske musikforsker og komponist Balilla Pratella "Teknisk Manifest for Fremtidens Musik", ifølge hvilket Futuristernes credo er at: "Vise massernes musikalske sjæl, store fabrikker, jernbanelinjer, transatlantiske linjeskibe , krigsskibe, biler og fly. Til de evige hovedtemaer for musikalske værker tilføjes ånden af ​​maskiner og elektricitet, som er trængt ind i alle livets sfærer.

Den 11. marts 1913 udgav fremtidsforskeren Luigi Russolo sit manifest The Art of Noises . Den 21. april 1914 i Milano holdt han den første koncert med "støjkunst". Denne koncert brugte hans støjmaskiner, som Russolo selv beskrev som "akustiske støjinstrumenter, hvis lyde (hylende, brølende, kortblander, gurglen og lignende) blev lavet i hånden og nåede publikum gennem horn og megafoner" . I juni blev der givet lignende koncerter i Noterbung.

1920'erne-1930'erne

I løbet af disse ti år dukkede mange elektroniske instrumenter op og de første kompositioner til dem.

Det første elektroniske instrument var etherofonen, opfundet af Lev Theremin i 1919-20 i Leningrad, senere omdøbt til theremin [1] . Med theremins fremkomst dukkede også de første kompositioner til elektroniske instrumenter op. Disse kompositioner var meget forskellige fra "shumovikernes" værker. Og det har ført til, at formålet med at bruge maskiner i musikken har ændret sig.

I 1927 udviklede den amerikanske opfinder JA O'Neill en enhed, der brugte magnetbånd - dette bragte optagelsesprocessen til et nyt niveau. Men denne enhed bragte ikke kommerciel succes.

I 1928 opfandt Maurice Martenot , en fransk cellist, instrumentet " Martenot waves " og debuterede med det i Paris.

I 1929 skrev komponisten Joseph Schillinger en suite for theremin og orkester - "First Airphonic Suite" . Suiten blev først præsenteret med Cleveland Orchestra , med Lev Theremin som solist. Samme år skrev den amerikanske komponist George Antheil for første gang i sit arbejde dele til mekaniske instrumenter, elektriske støjmaskiner, motorer og forstærkere. Han skrev disse dele til operaen Monsieur Bloom, som han aldrig blev færdig med.

I 1930 grundlagde Lawrence Hammond (Hammond) sit elektroniske instrumentfirma. Han begyndte den udbredte produktion af " Hammond-orgelet ", som implementerede samme princip for lydproduktion som i Cahills telharmonium . Hammond satte også andre opfindelser i produktion, såsom den tidlige rumklang. Også Hammond opfandt i samarbejde med John Hanert ( John Hanert ) og CN Williams ( CN Williams ), et andet elektronisk instrument - "novacord". Novacord var den første kommercielle polyfoniske synthesizer. For første gang blev "novacord" præsenteret for offentligheden i 1939 på verdensudstillingen i New York, men allerede i 1942 blev den udgået.

Metoden til fotooptisk optagelse af lyd, der blev brugt i kinematografi, gjorde det muligt at se et grafisk billede af en lydbølge. Denne metode gjorde det også muligt at implementere processen med lydsyntese ved grafisk at vise den fremtidige lyd på filmens overflade. Musikeren skulle bogstaveligt talt male musikken.

I denne periode begyndte musikere som Tristan Tzara , Kurt Schwitters , Filippo Tommaso Marinetti og andre at eksperimentere med "lydkunst" eller lydkunst .

Udvikling: 1940'erne og 1950'erne

Elektroakustisk musik til magnetbånd

Magnetiske optagemaskiner af lav kvalitet har været i brug siden 1900. I begyndelsen af ​​1930'erne begyndte filmindustrien at anvende metoden til fotooptisk lydoptagelse på lydfilm. Omtrent samtidig udviklede det tyske elektronikfirma AEG det første magnetiske optageapparat, "Magnetophon" K-1, som blev præsenteret i august 1935 på den internationale radioudstilling i Berlin [2] .

I 1940 modtog den tyske ingeniør Walter Weber patent på højfrekvent vekselstrømsbiasteknologi, som i høj grad forbedrede kvaliteten af ​​optagelse og afspilning. I 1941 udgav AEG en ny model af båndoptageren (Magnetophon K4-HF), som var den første til at bruge den højfrekvente bias-teknologi, som Weber opdagede. I 1942 gennemførte AEG eksperimenter for at optage lyd i stereo [3] .

Magnetbånd åbnede et væld af nye muligheder for at manipulere lyd for musikere, komponister, producere og ingeniører. Magnetbånd var en relativt billig og meget pålidelig lydbærer. Og det lød bedre end nogen anden lydbærer på den tid. Men vigtigst af alt var magnetisk film lige så nem at bruge som film. Ligesom film kunne den modificeres efter forfatterens idé: uønskede dele af filmen kunne fjernes eller flyttes til et andet sted; det var muligt at kombinere film fra forskellige medier. Tapen kunne limes sammen på en sådan måde, at der skabes en looping-effekt af en eller flere lyde. Filmens hastighed kan sænkes eller øges. Båndet kunne afspilles frem og tilbage og spoles tilbage.

Signalforstærkere og redigeringsudstyr har yderligere udvidet båndets muligheder som optagemedie, hvilket gør det muligt at multiplicere optagelser (livelyde, tale, musik) for at blive mikset sammen og optaget på et andet bånd med relativt lille tab af lydkvalitet. En anden uventet overraskelse var, at båndoptagere kunne konverteres til ekkomaskiner, der kunne spille komplekse, kontrollerbare højkvalitets ekko- og rumklangseffekter . De fleste af disse effekter kunne simpelthen ikke simuleres af mekaniske enheder.

Produktionen af ​​magnetiske optageenheder, sat i drift, førte straks til fremkomsten af ​​en ny form for elektronisk musik - elektroakustisk musik .

Det første elektroakustiske stykke blev skrevet i 1944 af Halim El-Dabh, en studerende fra Kairo , Egyptens hovedstad [4] . Halim El Dabh, der var til stede ved det ældgamle mystiske renseritual zaar ( eng.  zaar ), optog lyden af ​​instrumenter og sangernes stemmer ved hjælp af en omfangsrig båndoptager på en solid bærer (på en wire). Han bearbejdede det indspillede materiale i studiet på en af ​​de lokale radiostationer og tilføjede ekko- og rumklangseffekter til optagelsen. Stykket hed "The Musical Image of the Zaar Ceremony" ( eng.  The Expression of Zaar ) og blev præsenteret i 1944 ved en af ​​de arrangementer, der blev arrangeret i Cairos kunstgalleri. Halim El-Dabhs magnetiske filmeksperimenter var ikke kendt uden for Egypten på det tidspunkt, men han er kendt for sit senere arbejde med elektronisk musik ved Columbia Universitys Princeton Center i slutningen af ​​1950'erne.

Specifik musik

Kort efter introduktionen af ​​det nye optagemedie, båndoptageren og båndet, begyndte komponister at bruge disse medier til at skabe en ny teknik til at komponere musik, hvor den optagede lyd ville spille en stor rolle. Denne kompositionsteknik er blevet kaldt " konkret musik " ( fransk  musique concrète ). Opgaven for komponisten, der bruger denne teknik, er at skabe et fonogram ud fra de indspillede fragmenter af naturlige og industrielle lyde.

I 1918 skrev Arseniy Avraamov , under pseudonymet Revarsavr, "Hornesymfonien", som brugte skud, motorbrøl, fabrikshorn og bystøj [1] . De første værker lavet i denne teknik blev redigeret af den franske lydtekniker og ingeniør Pierre Schaeffer . Den 5. oktober 1948 sendte det franske radio- og tv-selskab ( Fr.  Radiodiffusion Française - RDF ) Schaeffers program med titlen "Concert of Noises". Programmet omfattede fem stykker, herunder et af komponistens første værker, Etude  aux chemins de fer . Denne begivenhed markerede begyndelsen på en ny musikalsk retning - "tape music" ( eng.  tape music ). Måden at udføre denne musik på er offentlig afspilning af det skabte fonogram.

I 1949 sluttede Pierre Henri sig til Schaeffer . Deres samarbejde havde en dyb og varig indflydelse på udviklingen af ​​elektronisk musik.

En anden kollega til Pierre Schaeffer var komponisten Edgard Varèse , som på det tidspunkt arbejdede på stykket "Deserts" ( fr.  Déserts ) - en komposition for kammerorkester og film. Dele af båndet blev optaget i Schaeffers studie og senere remasteret ved Columbia University .

I 1950 gav Pierre Schaeffer den første offentlige koncert med konkret musik på musikskolen i Paris. I denne optræden brugte Schaeffer et lydforstærkningssystem, flere pladespillere og flere mixerkonsoller. Forestillingen forløb ikke gnidningsfrit, da det er utroligt svært og nyt at kombinere alle de instrumenter, der normalt er sekventielt monteret i et studiemiljø live [5] . Samme år arbejdede Pierre Henri og Pierre Schaeffer på Symphony for a Lonely Man ( fransk:  Symphonie pour un homme seul ), det første større stykke konkret musik.

I 1951 åbnede RDF det første elektroniske musikproduktionsstudie. Efter det franske studie begyndte lignende optagestudier at åbne rundt om i verden. Samme år komponerede Henri og Schaeffer en opera for specifikke lyde og stemmer, Orpheus ( engelsk:  Orpheus ).

Elektronisk musik

I 1949 udgav den tyske fysiker Werner Meyer-Eppler bogen "Sound Radiation: Electronic Music and Synthetic Speech" ( tysk:  Elektronische Klangerzeugung: Elektronische Musik und synthetische Sprache ), hvori han fremsatte ideen om, hvordan man syntetiserer musik udelukkende fra signaler produceret af elektriske apparater. Heri adskilte begrebet tysk elektronisk musik sig fra begrebet konkret musik, hvor hovedideen var optagelsen af ​​lyd, ikke dens syntese.

For at undersøge muligheden for at syntetisere musikalske signaler i Köln blev der i 1950 grundlagt et optagestudie på WDR -radiostationen . På trods af at studiet netop var begyndt at blive bygget i 1950, var WDR Corporation allerede begyndt at udsende elektronisk musik i 1951. Herbert Eimert blev den første leder af Køln-studiet. Snart sluttede Karlheinz Stockhausen og Godfried Michael König sig til studieteamet, bestående af Werner Mayer-Eppler, Robert Bayer .

Den mest kendte og fremtrædende figur inden for tysk elektronisk musik er K. Stockhausen. Han er forfatter til mere end 350 musikstykker, hvoraf en væsentlig del hører til området eksperimentel elektronisk musik. Stockhausen beskrev den oplevelse, lytterne havde, når de lyttede til hans musik. Nogle af hans lyttere hævdede, at de havde følelsen af ​​at flyve, eller være i rummet eller en fantastisk uvirkelig verden.

Sovjetisk elektronisk musik

I 1929 opfandt Nikolaj Obukhov det "klingende kors" (la croix sonore), der kan sammenlignes med princippet om theremin [6] . I 1930'erne opfandt Nikolai Ananiev "sonar", og ingeniør Alexander Gurov - neoviolena , I. Ilsarov - ilston [7] , A. Rimsky-Korsakov og A. Ivanov - emiriton [6] . Komponisten og opfinderen Arseniy Avraamov var engageret i videnskabeligt arbejde med syntese af lyd og udførte en række eksperimenter, der senere skulle danne grundlag for sovjetiske elektriske musikinstrumenter [1] . I 1956 skabte Vyacheslav Meshcherin den første i USSR Ensemble of Electric Musical Instruments (EMI), som brugte theremin , elektriske harper , elektriske orgler, den første i USSR synthesizer " Ekvodin " [6] og skabte også den første sovjetiske rumklang . Den stil, som Meshcherin-ensemblet spillede i, blev kaldt " Space age pop " i Vesten.» [1] . I 1957 samlede ingeniør Igor Simonov en fungerende model af en støjtelefon (elektrolyfon), med hvilken det var muligt at udtrække forskellige klangfarve og harmonier af støjkarakter [6] .

Både "Ekvodyn"-synthesizeren og den optiske " ANS "-synthesizer blev produceret i små serier; Det første masseproducerede elektriske musikinstrument var Yunost-70 elektriske orgel, udviklet i 1965. Oprettet af Evgeny Murzin i 1966, Moscow Experimental Studio of Electronic Music (MESEM) blev grundlaget for en ny generation af eksperimentatorer - E. Artemiev , A. Nemtin , Sh. Kallosh , S. Gubaidulina , A. Schnittke , V. Martynov og andre [6] [1] .

I slutningen af ​​1960'erne dukkede musikgrupper op i USSR, der spillede let elektronisk musik ( Electron - kvartetten , Rococo -ensemblet og forskellige jazzensembler ). På statsniveau begyndte denne musik at blive brugt til at tiltrække udenlandske turister til landet og til radioudsendelser til udlandet [8] . Komponist A. Zatsepin designede i 70'erne et orkester - en version af mellotronen [9] .

I de baltiske lande optrådte deres pionerer også: i Estland  - Sven Grunberg , i Litauen  - VIA "Argo" under ledelse af Giedrius Kupryavicius, i Letland  - grupperne " Opus " og " Zodiac " [1] .

Japansk elektronisk musik

I førkrigstidens Japan var tidlige elektroniske instrumenter som Martenot-bølgerne , theremin og trautonium ( tysk:  Trautonium ) næppe kendt. Men nogle komponister, inklusive Minao Shibata, vidste, at sådanne instrumenter allerede eksisterede. Et par år efter afslutningen af ​​Anden Verdenskrig begyndte japanske musikere at eksperimentere med elektronisk musik. I nogle tilfælde førte disse eksperimenter til positive resultater udelukkende på grund af institutionel økonomisk støtte: musikerne havde mulighed for at arbejde med de nyeste modeller af lydoptagelses- og lydbehandlingsudstyr. Således er asiatisk musik blevet en del af den nye genre af elektronisk musik. Dette førte senere til, at Japan blev førende inden for udviklingen af ​​musikteknologi inden for få årtier.

Amerikansk elektronisk musik

I USA blev musik skabt med elektroniske midler, og det ses tydeligt i Morton Feldmans Marginal Intersection . Dette værk bruger lyden fra blæseren, percussion, strengeinstrumenter, lydfrekvensgeneratorer. Også dette skuespil er specielt ved, at det er skrevet i Feldmans specielle "grafiske" notation .

Stykkerne til Music for Magnetic Tape-projektet blev skrevet af medlemmer af New Yorks avantgarde-kunstgruppe ( New York School ), som omfattede: John Cage , Earl Brown , Christian Wolfe , David Tudor og Morton Feldman . Denne gruppe eksisterede i tre år: fra 1951 til 1954.

Princeton Center, Columbia University

I 1951 købte Columbia University en båndoptager, en professionel magnetisk optageenhed fra det amerikanske firma Ampex , til at optage koncerter.

Vladimir Usachevsky , der arbejdede i Institut for Musik ved Columbia University, fik ansvaret for den nye båndoptager og begyndte næsten øjeblikkeligt at eksperimentere med at indspille musik.

Således blev Princeton Center for Electroacoustic Music ved Columbia University åbnet. I 1959, efter at have modtaget et Rockefeller- stipendium , blev centret officielt åbnet. Grundlæggerne af centret er Vladimir Usachevsky og Otto Luening.

Stokastisk musik

Stokastisk musik er klassificeret som avantgarde akademisk musik . Grundlæggeren af ​​metoden for stokastisk komposition anses for at være den franske komponist af græsk oprindelse Janis Xenakis , "men i virkeligheden var grundlaget for denne metode kendt før, og Xenakis' historiske fortjeneste i denne henseende ligger i at kombinere disse fundamenter med et højt niveau af musikalsk kompositionsteknik (som kombineret med originalitet og indhold af selve kunstneriske ideer og gav hans værker betydningen af ​​klassiske)” [10] .

Xenakis begyndte at anvende matematik (matematisk statistik, loven om store tal, sandsynlighedsteori) og nogle generelle videnskabelige discipliner (informationsteori, mængdelære) i musik i 1954; navnet "stokastisk musik" dukkede op to år senere, i 1956 [11] .

Udtrykket "stokastisk" i sandsynlighedsteori betyder en tilfældig begivenhed. Set fra stokastisk musiks synspunkt er en tilfældig begivenhed en enkelt lyd eller tone. En enkelt lyd i en computer er repræsenteret som et tal. I form af tal kan du også få vist lydparametrene (tonehøjde, varighed).

Matematisk statistik i musik bruges til at afsløre logikken i musikalsk tanke. Ved at analysere forskellige komponisters arbejde beregner de kompositionens struktur (for eksempel antallet af takter i kompositionen og intervallet for deres gentagelse), reglerne for kompositionen (f.eks. hvis fem toner går sekventielt i en stigende retning, så skal den sjette gå ned og omvendt). Når et bestemt sæt kompositionsregler dannes, kompileres et program (algoritme) til en computer, i henhold til hvilket toner vælges til at bygge en melodi.

Stokastisk musik er et særligt tilfælde af algoritmisk musik.

Anden halvdel af 1950'erne

De australske videnskabsmænd Trevor Pearcey og Maston Beard opfandt og byggede CSIRAC ,  en af ​​de første digitale computere .  Det første testprogram blev gennemført i 1949. Mellem 1950 og 1951 blev maskinen brugt til at spille musik. Matematiker Geoff Hill programmerede en computer til at spille populære musikmelodier fra begyndelsen af ​​50'erne. I 1951 spillede computeren den populære " Colonel Bogey 's March" militærmarch . Computeren spillede dog kun standardrepertoiret og var ikke involveret i musikskabende forskning. CSIRAC-repertoiret er aldrig blevet indspillet, men musikken, det spiller, er blevet møjsommeligt restaureret.   

Den britiske nationalsang og børnesangen om det sorte får var de første optagelser af musik spillet af en computer [12] . De blev gengivet af Ferranti Mark 1 computeren ( eng.  Ferranti Mark 1 ) - en kommerciel version af Manchester Mark 1 . Programmet til at spille musik er skrevet af den britiske videnskabsmand Christopher Strachey . 

I 1954 skrev Stockhausen stykket "Electronic Etudes-2" - det første værk af elektronisk musik, hvis partitur blev udgivet.

I 1955 dukkede flere studier op for at eksperimentere med elektronisk musik.

En vigtig begivenhed for verden af ​​elektronisk musik var åbningen af ​​tre studier: Studio "Fonologiya" (Studio di Fonologia) i Milano; studier i bygningen af ​​det japanske tv-selskab NHK , grundlagt af Toshiro Mayuzumi ; Philips -studier i den hollandske by Eindhoven (i 1960 blev dette studie flyttet til Utrecht University og omdøbt til Institute of Sound Studies ( eng.  Institute of Sonology )).

1956 gav verden en række betydningsfulde opdagelser og opfindelser inden for elektronisk musik:

1. Louis og Bebe Barron skrev musikken til filmen Forbidden Planet .  Louis Barron designede selv elektroniske kredsløb, blandt hvilke var ringmodulationskredsløbet . Kredsløbene blev skabt til at producere lyde som summende, knirkende, slibende og en række "kosmiske" effekter. Da alle de nødvendige lyde var optaget, afsluttede Barrons, for en endnu mere overbevisende lyd, dem med delay , reverb , reverse, hastighedsændringer.  

2. Kemiker, programmør og komponist Lejaren Hiller skaber  sammen med Leonard Isaacson Iliac  Suite for strygekvartet, den første computerkomposition. Hiller var seriøst interesseret i informationsteori og argumenterede for, at en computer kunne "lære" at skrive musik på egen hånd, hvis der blev skabt en speciel komponeringsalgoritme til den, som kunne isoleres ved at analysere store komponisters musik.

3. Karlheinz Stockhausen skriver stykket "De unges sang" (Gesang der Jünglinge), et fremragende stykke for sin tid ,  som bruger talesynteseteknologi. Værket er baseret på teksten i profeten Daniels bog .

4. Den amerikanske komponist og opfinder Raymond Scott patenterede sin opfindelse - Clavivox single-voice keyboard synthesizer, hvortil de elektroniske kredsløb blev designet, efter Scotts anmodning, af Robert Moog .

I 1957 skabte ingeniør Max Matthews , der arbejdede hos Bell , MUSIC-programmet, det første computerlydsynteseprogram.

I 1958 blev Edgard Varèses "Elektroniske digt" ( fr.  Poème électronique ) opført for første gang på den internationale udstilling i Bruxelles i Philips-firmaets pavillon .

Fra 1960'erne til i dag

1960'erne var frugtbare år for elektronisk musik. Succes blev ikke kun opnået af musikere fra akademisk elektronik, men også af uafhængige musikere - lydsynteseteknologi blev mere tilgængelig, og som et resultat dukkede de første synthesizere op på gratis salg.

På dette tidspunkt var et fællesskab af komponister og musikere, der arbejder med nye lyde og nye instrumenter, dannet og udviklet tilstrækkeligt.

I begyndelsen af ​​1960'erne kom to betydningsfulde værker fra to indflydelsesrige komponister til elektronisk musik:

I "kontakter" gik Stockhausen fra den traditionelle musikalske form, der bygger på kompositionens konsekvente udvikling i tiden og det dramatiske klimaks. Han udbredte ideen om "at være i musikken", der ikke kræver "forrige" og "næste" - at være statisk koncentreret om hvert givet øjeblik [13] . Stockhausen kaldte sin tilgang for "øjebliks-form" (den ligner den filmiske teknik med at lime filmen numse-til-butt, som blev brugt i kinematografi i begyndelsen af ​​det 20. århundrede).

I 1963 dukkede den første synthesizer op, forfattet af ingeniøren og opfinderen Don Buchla . 

Thereminen har været i brug siden 1920'erne, men den vandt stor popularitet, da den blev brugt til at score en række science fiction-film fra 1950'erne (for eksempel Bernard Hermanns partitur til The Day the Earth Stood Still).

I 1958 blev BBC Radiophonic Workshop grundlagt i Storbritannien. Dette studie begyndte i forbindelse med udgivelsen i begyndelsen af ​​1960'erne på BBC science fiction-serien Doctor Who. Seriens temamusik blev komponeret af Ron Grainer og indspillet af medarbejder Delia Darbyshire.

I 1961 grundlagde den israelske komponist Josef Tal Center for Elektronisk Musik i Israel ved det hebraiske universitet i Jerusalem .

1960'erne-1970'erne: fra psykedelia til elektronik

Begyndelsen til elektronisk musik som selvstændig retning blev lagt i slutningen af ​​1960'erne og 1970'erne gennem indsatsen fra kraut-rockartister Can , Popol Vuh , Klaus Schulze og Tangerine Dream , Organisation , Kraftwerk , Cluster , Neu! . Disse musikere trak hovedideer fra både rumrock og psykedelisk rock , samt den akademiske avantgarde Karlheinz Stockhausen og Janis Xenakis , og skabte eksperimentelle lydcollager. Hovedideen var at bruge elektronik som et nyt udtryksmedium, der var i stand til at fremtrylle surrealistiske billeder.

I slutningen af ​​1960'erne skabte Robert Moog sin første kommercielle synthesizer, MiniMoog . Gennem 1970'erne blev synthesizere en fashionabel og populær nyskabelse inden for musik, der gradvist erstattede elektriske orgler. Den elektroniske musik fra 1970'erne er for det meste keyboard-synth-musik.

I begyndelsen af ​​1980'erne blev der etableret tre hovedretninger i udviklingen af ​​elektronik:

  1. Instrumental musik, der bruger elektriske musikinstrumenter til at skabe udvidede stykker med "rum"-temaer. Lederne af denne trend er Tangerine Dream , Vangelis . Der var nationale træk: repræsentanter for Berlinerskolen greb mod psykedelisk musik (Tangerine Dream, Klaus Schulze ) og franske kunstnere - til en lettere, mere populær stil ( Jean-Michel Jarre , Space ).
  2. Baggrunds "miljømusik", blottet for en klar rytme og en bestemt melodi, kaldet " ambient ". Forfatteren til denne definition var Brian Eno , som med rette anses for at være grundlæggeren af ​​stilen.
  3. "Sang" former for elektronisk musik ( synth-pop , elektro-pop , techno-pop ) kendetegnet ved en klar, mekanisk danserytme, demonstrativ kunstighed af lyd (synthesizere efterligner ikke længere lyden af ​​rigtige musikinstrumenter), brug af vokal ( ofte robot) som kontrapunktsyntharrangement, minimalisme og ostinato- kompositionsstruktur. Tekster har ofte et socio-futurologisk og sci-fi fokus. Pionererne inden for denne stil er gruppen Kraftwerk . Med fremkomsten af ​​den nye bølge er denne retning blevet udbredt og populær og skubber ind på den store scene Depeche Mode- gruppen, som er blevet en trendsætter i verden af ​​elektronisk musik, og mange af deres kolleger i genren ( Pet Shop Boys , Gary Newman , OMD , The Human League , Ultravox og andre).

1980'erne-1990'erne

I slutningen af ​​1970'erne og begyndelsen af ​​1980'erne kom en række nye teknologier og nye genrer forbundet med dem. Med fremkomsten af ​​programmerbare trommemaskiner , såsom Roland TR-808 , er levende trommer næsten forsvundet fra elektronikken. Fremkomsten af ​​breakbeat (brudt beat) havde stor indflydelse på musikken . Kompositionerne begyndte at bruge optagelser af andre kunstnere, loopet eller bearbejdet. Erhvervet som DJ (DJ, Disk Jockey) har bevæget sig over i elektronisk musik fra diskoteker og radio , som opererer med plader på en speciel pladespiller.

I kølvandet på pionerernes succes er mange musikgrupper vokset op, som beriger elektronisk musik med nye ideer. " New Age " var påvirket af elektronisk musik. Evnen til at skabe lyriske elektroniske melodier blinkede japansk Kitaro . Polakken Marek Bilinsky og det østtyske band Pond , ungareren Laszlo Benkö, bulgareren Simo Lazarov, jugoslaveren Micha Krall bidrog til udviklingen af ​​den populære synthesizer-stil ; og i USSR/Rusland - Mikhail Chekalin , Janis Lusens og Zodiac -gruppen , Giedrius Kupryavicius og Argo -gruppen , Eduard Artemiev , Sven Grunberg , Lepo Sumera , Vadim Ganzha og den elektroniske musikduo New Collection (Igor Kezlya og Andrey Morgunov). Deres bedste værker er på ingen måde ringere end de anerkendte hits af ærværdige elektroniske ingeniører. Kraftfuld rytmisk musik med dansemotiver spilles af Laserdance og Koto . Men mest af alt indeholder forskellige understilarter og grene technomusik . Kraftwerks ideer blev modtaget med et brag i DJ-klubber, og der opstod gradvist en ny technostil fra klubbens undergrund, hvor rytme og effekter sættes i første række. Melodien er ikke obligatorisk, fordi formålet med sådan musik er at opnå teknotronisk ekstase. Det er ikke tilfældigt, at kemiske stimulanser ofte blev brugt til klubfester for at forstærke effekten.

Men der er også flere musikalske varianter af techno. Da techno og ambient blev kombineret, blev IDM -stilen født  – seriøs technomusik, åben for alle mulige eksperimenter. Dette spilles af Orb , Autechre , Aphex Twin . Lederne af " psykedelisk trance " er Juno Reactor og Astral Projection . Og endelig, ved at kombinere elektronisk og rockmusik, fik vi " techno-industrial ", repræsentanter for Skinny Puppy , Front Line Assembly , Front 242 .

I denne periode begynder den elektroniske danses storhedstid, som inkluderer retninger som techno, elektro , drum and bas , house og trance . Elektronisk dansemusik blev skabt af elektroniske musikere, hvis primære mål var at levere kompositioner til deres DJs (DJs), typiske repræsentanter for denne kultur var: Robert Miles , Moby , Tiesto , Paul Van Dyk , BT , ATB , Paul Oakenfold , Armin van Buuren og ud over . Men elektronisk dansemusik kan ofte findes i formatet af et fuldgyldigt musikalbum, såsom "Pulse 1" og "512 KB" fra pionererne inden for russisk elektronisk musik Andrey Rodionov og Boris Tikhomirov .

21. århundrede

Begyndelsen af ​​det 21. århundrede for elektronisk musik er præget af ønsket om enhed gennem en endeløs variation af former. Rene stilarter forblev kun i teorien. I praksis indeholder næsten ethvert værk elementer af så mange typer musik, og komplekse sammensatte definitioner skal bruges til at beskrive albums. Ideen om at skabe techno-remixer på temaerne for berømte kompositioner fra 1970-1980'erne er meget populær. Musikken af ​​Jarre , Space , Vangelis , Tangerine Dream har gennemgået en sådan behandling . Mange technomusikere lærte elektronisk musik fra mesterværkerne fra grundlæggerne af genren, og nu inkluderer grundlæggerne selv innovatørernes ideer i deres værker. Jarres album " Metamorphoses " er lavet med en mærkbar infusion af techno/pop/new age, og Klaus Schulze eksperimenterer aktivt med techno/tromme- og baslyd (albummet " Dosburg Online " og " Trance Appeal "). Techno, trance, ambient og industrial flettet sammen på albummene Delerium , System 7 og Synaesthesia . Syntesen af ​​tung alternativ punkrock og techno præsenteres af Velvet Acid Christ og Wumpscut .

Se også

Noter

  1. ↑ 1 2 3 4 5 6 Sovjetisk elektronisk musik
  2. ↑ 1935 AEG Magnetophon båndoptager // Mix: Professionel lyd- og musikproduktion  (  mixonline.com). - 2006. Arkiveret 8. februar 2013.
  3. ↑ Friedrich Engel, Peter Hammar; yderligere redigering af Richard L. Hess. En udvalgt historie om magnetisk  optagelse . Richardhess.com (2006).
  4. ↑ Rob Young. Once Upon a Time: In Cairo  //  The Wire . - 2007. - Marts ( iss. 277 ). — S. 24 .
  5. ↑ Jeff Snyder. Pierre Schaeffer: Opfinder af Musique Concrete  (engelsk)  (ikke tilgængeligt link) . Arkiveret fra originalen den 15. maj 2008.
  6. ↑ 1 2 3 4 5 "ANS", noisephone og hermin: hvordan sovjetisk elektronisk musik blev født
  7. ↑ Magasinet "Teknologi - Ungdom", nr. 3 for 1960. Forfatter: B.Orlov
  8. ↑ Bakanov Konstantin. Glemt melodi. Musik dømt til ødelæggelse for 40 år siden blev fundet i et pladeselskabs arkiver  // Novye Izvestia . - 2005. - 8. juli.
  9. ↑ Tatyana Antsiferova: "Jeg havde intet ønske om at erobre verden ..."
  10. ↑ Xenakis J. "Formaliseret musik", s. 6
  11. ↑ Xenakis J. "Formaliseret musik", s. 17
  12. ↑ Fildes, Jonathan . 'Ældste' computermusik afsløret  (engelsk)  (17. juni 2008).
  13. ↑ Savenko S. I. Karlheinz Stockhausen // XX århundrede. Udenlandsk musik. Essays. Dokumenter - Udstedelse. 1.- M., 1995. S. 15-18.

Litteratur

Links

  Gå til Wikidata-elementet  Ordbøger og encyklopædier
 Stilarter af elektronisk musik