Barok musik

Barokmusik er  perioden med udvikling af klassisk musik i slutningen af ​​det 16. - første halvdel af det 18. århundrede [1] .

Oprindelse

Barokmusik dukkede op i slutningen af ​​renæssancen og gik forud for klassicismens musik . Ordet "barok" kommer angiveligt fra det portugisiske "perola barroca" - en uregelmæssigt formet perle; eller fra lat.  baroco  er en mnemonisk betegnelse for en af ​​typerne af syllogisme i traditionel logik [2] (det er bemærkelsesværdigt, at lignende latinske ord "Barlocco" eller "Brillocco" også blev brugt i en lignende betydning - en usædvanligt formet perle, der ikke har en symmetriakse [3] ). Faktisk var billedkunsten og arkitekturen i denne periode præget af meget udførlige former, kompleksitet, pomp og dynamik. Senere blev det samme ord anvendt på datidens musik.

Barokkens skrive- og opførelsesteknikker er blevet en integreret og væsentlig del af den klassiske musikalske kanon. Datidens værker er bredt opført og studeret. Baroktiden producerede værker som fugaerne af Johann Sebastian Bach , Alleluia-koret fra oratoriet Messias af Georg Friedrich Handel , De fire årstider af Antonio Vivaldi , Vesper af Claudio Monteverdi . Den musikalske udsmykning er blevet meget sofistikeret, musikalsk notation har ændret sig meget , måder at spille instrumenter på har udviklet sig. Grænserne for genrer er blevet udvidet, kompleksiteten i at udføre musikværker er vokset, og en sådan type komposition som opera er dukket op . En lang række musikalske termer og begreber fra barokken er stadig i brug i dag.

Stilarter og trends

Konventionelt kaldes barokmusik for de mange komponiststile, der eksisterede i 150 år (1600-1750; 1750 - året for J.S. Bachs død) i en enorm, i geografisk forstand, vesteuropæisk region. I forhold til musikken optræder ordet "barok" første gang i 1730'erne. i den ironiske polemik omkring Jean-Philippe Rameau 's operaer (især taler Jean-Baptiste Rousseau i et digt fra 1739 om "barokakkorder" i "Dardanus"). I 1746 var N. A. Plyush , i det næste bind af sin grundlæggende afhandling "Natural Spectacle", den første, der foreslog at forstå barokmusik som et begreb, der kontrasterede det med "syngende musik" som et, der "ønsker at overraske med lydens frækhed " ( fr.  veut surprendre par la hardiesse des sons ) [4] . Senere optræder dette udtryk i Musikordbogen (1768) af J.-J. Rousseau . I alle disse tilfælde betyder ordet "barok" "mærkelig", "usædvanlig", "bizar" musik. I G. Kochs "Musikordbog " (1802) er ordet barok ledsaget af musikkvaliteter som "forvirring", "pompøshed", "barbarisk gotik". Meget senere hævder B. Croce i The History of the Italian Baroque (1929), at "historikeren ikke kan vurdere barokken som noget positivt; dette er et rent negativt fænomen... dette er et udtryk for dårlig smag” [5] .

"Så skæbnen for ordet "barok" svarer til skyggen af ​​ekstravagance, der er iboende i det. Til at begynde med betegnede den slet ikke epokens stil (især da klassiske tendenser dominerede i den franske kunst i det 18. århundrede, som var eksemplarisk for hele Europa - poesi, maleri, teater), men var kun en vurderende kategori - et negativt øgenavn for "uforståelig" kunst (en lignende situation - og ikke tilfældigt! - optræder i det 20. århundrede med ordet "modernisme")." [6]

Kun Kurt Sachs i 1919 [3] anvendte systematisk barokteorien udviklet af Heinrich Wölfflin på musik , derefter blev der i 1940 i en artikel af Manfred Bukofzer gjort et forsøg på at udvikle begrebet musikalsk barok uden direkte sammenligning med andre kunstarter. Og indtil selve 1960'erne stilnede debatten ikke af i akademiske kredse, om det var legitimt at anvende et enkelt udtryk på værker af så forskellige komponister som Jacopo Peri , Antonio Vivaldi , C. Monteverdi , J.-B. Lully , Domenico Scarlatti og J.S. Bach ; men ordet sidder fast og er nu almindeligt brugt til at henvise til en bred vifte af musik. Så den sovjetiske musikforsker Konstantin Rozenshild protesterede kategorisk mod klassificeringen af ​​J. S. Bachs eller G. F. Handels værker som barokmusik. Den amerikanske forsker Manfred Bukofzer anså det for ret legitimt at anvende dette udtryk på disse forfatteres musik. Det er dog nødvendigt at skelne barokkens musik fra den foregående renæssance og efterfølgende klassicisme . Derudover mener nogle musikforskere, at det er nødvendigt at opdele barokken i selve barokken og i den maneristiske periode , for at være i overensstemmelse med den opdeling, der bruges i billedkunsten.

Forskelle mellem barokken og renæssancen

Barokmusik overtog fra renæssancen praksisen med at bruge polyfoni og kontrapunkt . Imidlertid blev disse teknikker anvendt forskelligt. Under renæssancen blev harmoni bygget på det faktum, at i polyfoniens bløde og rolige bevægelse optrådte konsonanser sekundære og som ved et tilfælde . I barokmusikken blev rækkefølgen, hvori konsonanser optrådte, imidlertid vigtig: den manifesterede sig ved hjælp af akkorder bygget efter et hierarkisk skema af funktionel tonalitet . Omkring 1600 var definitionen af, hvad tonalitet var, stort set unøjagtig, subjektiv. For eksempel så nogle en vis tonal udvikling i madrigalernes kadencer , mens tonaliteten i de tidlige monodier faktisk stadig var meget ubestemt. Den svage udvikling af teorien om lige temperament system påvirket . Ifølge Sherman foreslog og indførte italieneren Giovanni Maria Lanfranco for første gang først i 1533 et system med lige temperament [7] . Og systemet blev meget senere udbredt. Og først i 1722 udkommer det veltempererede klaver af J.S. Bach (bind I). En anden forskel mellem barokkens og renæssancens musikalske harmoni var, at i den tidlige periode forekom det toniske skift oftere i tredjedele , mens det i barokken dominerede modulering i fjerdedele eller femtedele (udseendet af begrebet funktionel tonalitet påvirkede). Derudover brugte barokmusik længere melodiske linjer og en mere stringent rytme. Hovedtemaet udvides enten alene eller med basso continuo akkompagnement . Så dukkede hun op med en anden stemme. Senere begyndte hovedtemaet at blive udtrykt gennem basso continuo, ikke kun ved hjælp af hovedstemmerne. Hierarkiet af melodi og akkompagnement var sløret.

Stilistiske forskelle bestemte overgangen fra renæssancens ricercars , fantasier og canzonaer til fugaer , en af ​​de vigtigste former for barokmusik. Monteverdi kaldte denne nye, frie stil seconda pratica (anden form), i modsætning til prima pratica (første form), der karakteriserede motetter og andre former for kor- og ensemblemusik af renæssancemestre som Giovanni Pierluigi da Palestrina . Monteverdi brugte selv begge stilarter; hans messe " In illo tempore " er skrevet i den gamle stil, og hans " Vesper af den hellige jomfru " i den nye stil.

Der var andre, dybere forskelle i barokkens og renæssancens stilarter. Barokmusik stræbte efter et højere niveau af følelsesmæssig tilfredsstillelse end renæssancemusik. Barokke skrifter beskrev ofte en bestemt følelse (jubel, tristhed, fromhed og så videre; se affektteorien ). Barokmusik blev ofte skrevet til virtuose sangere og musikere og var normalt meget sværere at udføre end renæssancemusik, på trods af at detaljeret indspilning af instrumentdele var en af ​​barokkens vigtigste nyskabelser. Brugen af ​​musikalsk udsmykning , ofte improviseret af musikeren, blev næsten obligatorisk . Sådanne udtryksfulde anordninger som noter inégales blev universelle; fremført af de fleste musikere, ofte med stor anvendelsesfrihed.

En anden vigtig ændring var, at passionen for instrumentalmusik overgik passionen for vokalmusik. Vokalstykker, såsom madrigaler og arier , blev faktisk oftere ikke sunget, men fremført instrumentalt. Dette bevises af beviser fra samtidige, såvel som antallet af manuskripter af instrumentalværker, hvis antal oversteg antallet af værker, der repræsenterer verdslig vokalmusik [9] . Den gradvise fremkomst af en ren instrumental stil, adskilt fra den vokale polyfoni i det 16. århundrede, var et af de vigtigste skridt i overgangen fra renæssancen til barokken. Indtil slutningen af ​​1500-tallet var instrumentalmusik næppe anderledes end vokalmusik og bestod hovedsageligt af dansemelodier, bearbejdelser af kendte populære sange og madrigaler (hovedsageligt for keyboard og lut ) samt polyfoniske stykker, der kunne karakteriseres som motetter , canzones , madrigaler uden poetisk tekst.

Selvom forskellige variationsarrangementer, toccataer , fantasier og præludier for lut- og keyboardinstrumenter har været kendt længe, ​​har ensemblemusik endnu ikke vundet en selvstændig tilværelse. Imidlertid var den hurtige udvikling af sekulære vokalkompositioner i Italien og andre europæiske lande en ny impuls til skabelsen af ​​kammermusik til instrumenter.

For eksempel i England blev kunsten at spille bratsch  , strengeinstrumenter af forskellig rækkevidde og størrelse , udbredt . Violspillere sluttede sig ofte til vokalgruppen og udfyldte for manglende stemmer. Denne praksis blev almindelig, og mange udgaver blev mærket "Fit for Voices or Violas".

Talrige vokalarier og madrigaler blev opført som instrumentalstykker. Således er for eksempel Silver Swan madrigalen af ​​Orlando Gibbons udpeget og præsenteret i snesevis af samlinger som et instrumentalt stykke [9] .

Forskelle mellem barok og klassicisme

I klassicismens æra , som fulgte efter barokken [10] , faldt kontrapunktets rolle (selvom udviklingen af ​​kontrapunktkunsten ikke stoppede), og musikværkernes homofoniske tekstur kom i forgrunden [11] . Der er mindre udsmykning i musikken . Værkernes struktur er blevet klarere, mere universel, især i dem, der er skrevet i sonateform . Modulationer (skifte af toneart) er blevet et strukturerende element, der understreger værkets dramatiske indhold. I klassicismens kompositioner blev der ofte afsløret mange følelser inden for én del af værket, mens én del i barokmusikken bar én tydelig sporet følelse. Og endelig, i klassiske værker, nåede man normalt et følelsesmæssigt klimaks, som blev løst ved værkets afslutning. I barokværker, efter at have nået denne kulmination, indtil den allersidste tone, var der en lille følelse af hovedfølelsen. De mange barokformer dannede udgangspunktet for udviklingen af ​​sonateformen og udviklede mange variationer af de grundlæggende kadencer .

Andre funktioner i barokmusik

• basso continuo  - kontinuerlig bas, generel bas, digital bas - en forenklet måde at optage harmonier ved hjælp af en basstemme og tal under den, der angiver konsonanser i de øverste stemmer, såvel som selve basstemmen med numre, der bruges i denne metode til at optage harmonier [12] ;
• monodi  - en solosangstil med homofonisk akkompagnement (instrumentalakkompagnement), som udviklede sig i Italien i det 16. århundrede. og bragte en række nye former og genrer til live ( arie , recitativ , opera , kantate osv.) [13] ;
• homofoni  - en type polyfoni, karakteriseret ved opdelingen af ​​stemmer i hoved og akkompagnement. Denne ''homofoni'' adskiller sig fra polyfoni ;
• bel canto ;
• dramatisk udtryk;
• hage ;
• iscenesatte former for musikværker ( opera , musikdrama );
• kombinerede vokal-instrumentale former som oratorium og kantate ;
• nye teknikker til at spille på musikinstrumenter, såsom tremolo og pizzicato ;
• ren og lineær melodi ;
• notes inégales ("ujævnt spil", "genpegning") - en spilleteknik, hvor toner skrevet i samme varighed alligevel spilles rytmisk ujævnt;
• arie ;
• ritornello  - korte instrumentale sektioner, der udfører funktionerne i en introduktion, mellemspil eller coda;
• concertato  - en stil, der indebærer "konkurrence" af orkestergrupper, kor osv.
• nøjagtig notation af musik (under renæssancen var detaljeret notation af noter for instrumenter meget sjælden);
• idiomatisk optagelse af instrumentale dele: den bedste udnyttelse af særlige musikinstrumenters funktioner ;
• komplikation af musik, komponering af værker designet til virtuos fremførelse;
• ornamentik ;
• udviklingen af ​​moderne vestlige musikalske former ( dur og mol ).

Genrer fra barokken

Barokkomponister arbejdede i forskellige musikgenrer. Opera , som dukkede op under senrenæssancen, blev en af ​​de vigtigste barokmusikalske former. Man kan huske værker af sådanne mestre af genren som Alessandro Scarlatti (1660-1725), Handel , Claudio Monteverdi og andre. Oratorie- genren nåede sit højdepunkt i J. S. Bachs og Händels værker; operaer og oratorier brugte ofte lignende musikalske former (såsom den meget brugte aria da capo ).

Hellige musikformer som messen og motetten blev mindre populære, men kantateformen fik opmærksomhed fra mange protestantiske komponister, herunder Johann Bach. Sådanne virtuose kompositionsformer som toccataer og fugaer udviklede sig .

Instrumentale sonater og suiter blev skrevet både til individuelle instrumenter og til kammerorkestre. Concerto- genren opstod i begge dens former: for ét instrument med et orkester og som en concerto grosso , hvor en lille gruppe soloinstrumenter står i kontrast til et fuldt ensemble. Mange kongelige hofters pomp og pragt blev også tilføjet af værker i form af en fransk ouverture med deres kontrasterende hurtige og langsomme dele.

Keyboardstykker blev ganske ofte skrevet af komponister til deres egen underholdning eller som undervisningsmateriale. Sådanne værker er de modne kompositioner af J. S. Bach, de universelt anerkendte intellektuelle mesterværker fra baroktiden: " The Well-Tempered Clavier ", " Goldberg Variations " og "The Art of Fugue ".

En kort historie om barokmusik

barokkomponister

Tidlig barokmusik (1600–1654)

Skabelsen af ​​hans recitative stil af den italienske komponist Claudio Monteverdi (1567-1643) og den konsekvente udvikling af italiensk opera kan betragtes som et betinget overgangspunkt mellem barokken og renæssancen . Begyndelsen på operaforestillinger i Rom og især i Venedig betød allerede anerkendelsen og udbredelsen af ​​den nye genre i hele landet [14] . Alt dette var kun en del af en større proces, der fangede alle kunstarter og var især udtalt inden for arkitektur og maleri.

Renæssancekomponister var opmærksomme på uddybningen af ​​hver del af et musikalsk værk, idet de var lidt eller slet ikke opmærksomme på sammenstillingen af ​​disse dele. Hver for sig kunne hver del lyde fremragende, men det harmoniske resultat af tilføjelsen var mere et spørgsmål om tilfældigheder end regelmæssighed [15] . Generel bassens udseende indikerede en væsentlig ændring i musikalsk tænkning - nemlig at harmoni , som er "tilsætning af dele til én helhed", er lige så vigtig som de melodiske partier ( polyfoni ) i sig selv. Mere og mere lignede polyfoni og harmoni to sider af den samme idé om at komponere vellydende musik: Når man komponerede harmoniske sekvenser, blev den samme opmærksomhed rettet mod tritoner , når man skabte dissonans. Harmonisk tænkning eksisterede også blandt nogle komponister fra den tidligere æra, såsom Carlo Gesualdo , men i barokken blev det generelt accepteret. Det skal tilføjes, at udtrykket "harmoni" her bruges i betydningen "kombination af lyde til konsonanser og deres regelmæssige rækkefølge", det vil sige hierarkisk, akkordisk, tonal harmoni. Før tonal harmoni var der den såkaldte modal harmoni , baseret på modes, der ikke havde forskelle i lydsammensætning, blottet for centraliseret tonal tyngdekraft. Musikforskeren Robert W. Wienpahl gennemførte  en undersøgelse af mere end 5.000 kompositioner fra perioden 1500 til 1700 og udarbejdede en tabel, der viser komponisternes overgang fra modale til tonale harmonier.

De dele af værkerne, hvor det er umuligt klart at adskille modalitet fra tonalitet, markerede han som blandet dur eller blandet mol (senere for disse begreber introducerede han udtrykkene henholdsvis "monal dur" og "monal mol") [17] . Tabellen viser, hvordan tonal harmoni allerede i den tidlige barokperiode næsten fortrænger harmonien fra den tidligere æra.

Italien bliver centrum for en ny stil. Selv om pavedømmet var fanget af kampen mod reformationen , men ikke desto mindre havde enorme økonomiske ressourcer genopfyldt af habsburgernes militære kampagner , ledte det efter måder at sprede den katolske tro gennem udvidelsen af ​​kulturel indflydelse. Med arkitekturens, kunstens og musikkens pragt, storhed og kompleksitet argumenterede katolicismen så at sige med asketisk protestantisme . De velhavende italienske republikker og fyrstendømmer konkurrerede også kraftigt inden for billedkunst. Et af de vigtige centre for musikkunst var Venedig , som på det tidspunkt var under både verdslig og kirkelig protektion .

En betydelig skikkelse i den tidlige barokperiode, hvis position var på katolicismens side, modsat protestantismens voksende ideologiske, kulturelle og sociale indflydelse, var Giovanni Gabrieli . Hans arbejde tilhører " Højrenæssancestilen " ( renæssancens storhedstid ). Nogle af hans innovationer inden for instrumentering (tildelingen af ​​specifikke opgaver til et bestemt instrument) indikerer dog klart, at han var en af ​​de komponister, der påvirkede fremkomsten af ​​en ny stil.

Et af de krav, som kirken stillede til kompositionen af ​​hellig musik, var, at teksterne i værker med vokal var læselige. Dette krævede en bevægelse væk fra polyfoni mod musikalske teknikker, hvor ordene kom i forgrunden. Vokalen blev mere kompleks, udsmykket i forhold til akkompagnementet. Sådan udviklede homofonien sig .

Monteverdi blev den mest fremtrædende blandt generationen af ​​komponister, der følte konsekvenserne af disse ændringer for sekulær musik. I 1607 blev hans opera Orpheus en milepæl i musikkens historie og demonstrerede mange af de anordninger og teknikker, der senere blev forbundet med den nye kompositionsskole, kaldet seconda pratica , i modsætning til den gamle skole eller prima pratica . Monteverdi, som komponerede højkvalitetsmotetter i gammel stil, som var udviklingen af ​​Luca Marenzios og Jacques de Werths ideer , var en mester i begge skoler. Men det var værkerne skrevet af ham i den nye stil, der åbnede op for mange teknikker, der kunne genkendes selv i senbaroktiden.

Den tyske komponist Heinrich Schutz (1585-1672), som studerede i Venedig, ydede et stort bidrag til udbredelsen af ​​nye teknikker . Han brugte nye teknikker i sit arbejde, mens han tjente som korleder i Dresden . I England, hvor der under den tidlige barok skete fundamentale ændringer i det statslige og sociale system, blev musikken i en ny retning og stil udviklet af hofkomponisten Charles I William Lowes , som forblev trofast til tronen til det sidste og døde i et af kampene med Cromwells soldater .

Musik fra den modne barok (1654-1707)

Perioden med centralisering af den øverste magt i Europa omtales ofte som absolutisme . Absolutismen nåede sit højdepunkt under Ludvig XIV af Frankrig . For hele Europa var Ludvigs hof et forbillede, også musikken opført ved hoffet. Den øgede tilgængelighed af musikinstrumenter (især keyboards ) satte skub i udviklingen af ​​kammermusik .

Den sene barok adskiller sig fra den tidlige barok i den nye stils allestedsnærværende og den øgede adskillelse af musikalske former, især i operaen. Som i litteraturen førte fremkomsten af ​​streamingtryk af musikværker til en udvidelse af publikum; udvekslingen mellem musikkulturens centre intensiveredes.

I musikteori er moden barok defineret af komponisters fokus på harmoni og forsøg på at skabe sammenhængende systemer for musikalsk læring. I de efterfølgende år førte dette til fremkomsten af ​​mange teoretiske værker. Et bemærkelsesværdigt eksempel på en sådan aktivitet er værket fra den sene barokperiode - " Gradus ad Parnassum " ( russisk. Steps to Parnassus ), udgivet i 1725 af Johann Joseph Fuchs (1660-1741), en østrigsk teoretiker og komponist. Dette arbejde, som systematiserede kontrapunktsteorien, var det vigtigste redskab til at studere kontrapunkt næsten indtil slutningen af ​​det 19. århundrede [18] .

En fremragende repræsentant for hofkomponisterne ved Ludvig XIV's hof var Giovanni Battista Lulli (1632-1687). Allerede som 21-årig fik han titlen "hofkomponist af instrumentalmusik". Helt fra begyndelsen var Lullys kreative arbejde tæt forbundet med teatret. Efter organiseringen af ​​hofkammermusikken og sammensætningen af ​​" airs de cour ", begyndte han at skrive balletmusik. Ludvig XIV selv dansede i balletter, som dengang var hofadelens yndlingsunderholdning. Lully var en fremragende danser. Han deltog tilfældigvis i produktioner og dansede med kongen [14] . Han er kendt for sit samarbejde med Molière , hvis skuespil han komponerede musik til. Men det vigtigste i Lullys arbejde var stadig at skrive operaer. Lully skabte overraskende en komplet type fransk opera; den såkaldte lyriske tragedie i Frankrig ( fr.  tragedie lyrique ), og nåede en utvivlsom kreativ modenhed i de allerførste år af sit virke på operahuset. Lully brugte ofte kontrasten mellem den majestætiske lyd af orkesterafsnittet og de simple recitativer og arier. Lullys musikalske sprog er ikke særlig kompliceret, men bestemt nyt: klarheden af ​​harmoni, rytmisk energi, klarheden i formformuleringen, renheden af ​​tekstur taler om sejren for principperne for homofonisk tænkning [14] . Lullys succes skyldtes i ikke ringe grad også hans evne til at udvælge musikere til orkestret og hans arbejde med dem (han ledede selv prøver). Et integreret element i hans arbejde var opmærksomhed på harmoni og soloinstrumentet.

Komponist og violinist Arcangelo Corelli (1653–1713) er kendt for sit arbejde med udviklingen af ​​concerto grosso- genren . Corelli var en af ​​de første komponister, hvis værker blev udgivet og opført i hele Europa. Ligesom Lullys operaværker er concerto grosso-genren bygget på stærke kontraster; instrumenter er opdelt i dem, der deltager i lyden af ​​et fuldt orkester og i en mindre sologruppe. Musikken er bygget på skarpe overgange fra høje til stille partier, hurtige passager er i modsætning til langsomme. Blandt hans tilhængere var Antonio Vivaldi , som senere komponerede hundredvis af værker bygget på Corellis yndlingsformer: triosonater og koncerter . En fremtrædende repræsentant for den italienske violinskole, der var aktiv i England, var Matthijs Nicola . Hans navn er forbundet med påstanden om den italienske stil i engelsk musik for strengeinstrumenter.

I England var den modne barok præget af Henry Purcells (1659-1695) strålende geni. Han døde ung, 36 år gammel, efter at have skrevet en lang række værker og blevet almindeligt kendt i løbet af sin levetid. Purcell var bekendt med Corellis og andre italienske barokkomponisters arbejde. Imidlertid var hans lånere og kunder af en anden art end den italienske og franske verdslige og kirkelige adel, så Purcells skrifter er meget forskellige fra den italienske skole. Purcell arbejdede i en lang række genrer; fra simple religiøse salmer til marchmusik, fra storformat vokalkompositioner til iscenesat musik. Hans katalog indeholder over 800 værker. Purcell blev en af ​​de første komponister af keyboardmusik, hvis indflydelse strækker sig til nutiden. Begavet og berømt i sin tid var hans bror Daniel Purcell (1664-1717).

I modsætning til ovenstående komponister var Dietrich Buxtehude (1637-1707) ikke hofkomponist. Buxtehude arbejdede som organist, først i Helsingborg (1657–1658), derefter i Helsingør (1660–1668), og derefter, begyndende i 1668, ved St. Mary i Lübeck . Han tjente ikke penge ved at udgive sine værker, men ved at fremføre dem, og han foretrak at komponere musik frem for kirkelige tekster og opføre sine egne orgelværker frem for protektion af adelen. Desværre er ikke alle denne komponists værker blevet bevaret. Buxtehudes musik er i høj grad bygget på skalaen af ​​idéer, rigdom og fantasifrihed, en hang til patos, drama og lidt oratorisk intonation [14] . Hans arbejde havde en stærk indflydelse på komponister som J. S. Bach og Telemann .

En stor komponist i Holland på denne tid var Sibrand van Noord (den Yngre) , som vandt berømmelse for sine instrumentale værker.

Musik fra den sene barok (1707-1760)

Den nøjagtige grænse mellem moden og senbarok er et spørgsmål om debat; den ligger et sted mellem 1680 og 1720. Meget af kompleksiteten i dens definition er det faktum, at stilarter i forskellige lande ændrede sig ude af sync; innovationer, der allerede var accepteret som reglen ét sted, var nye opdagelser et andet sted. Italien bliver takket være Arcangelo Corelli og hans elever Francesco Geminiani og Pietro Locatelli det første land, hvor barokken går fra den modne til den sene periode. En vigtig milepæl kan betragtes som tonalitetens næsten absolutte dominans som et strukturerende princip for at komponere musik. Dette er især tydeligt i det teoretiske arbejde af Jean Philippe Rameau , der overtog Lullys plads som den vigtigste franske komponist. På samme tid, med fremkomsten af ​​Fuchs værker , gav renæssancepolyfoni grundlaget for studiet af kontrapunkt. Kombinationen af ​​modalt kontrapunkt med kadencens tonale logik skabte følelsen af, at der er to skrivestile i musikken – homofonisk og polyfonisk, med imitationsteknikker og kontrapunkt.

De former, der er opdaget af den foregående periode, har nået modenhed og stor variation; koncert , suite , sonate , concerto grosso , oratorium , opera og ballet havde ikke længere udtalte nationale kendetegn. Generelt accepterede værker er blevet etableret overalt: en gentaget todelt form (AABB), en simpel tredelt form (ABC) og en rondo .

Antonio Vivaldi (1678-1741), italiensk komponist, født i Venedig. I 1703 fik han rang af katolsk præst. Den første december samme år bliver han maestro di violin på det venetianske børnehjem " Pio Ospedale della Pieta " for piger. Det var ikke koncertoptrædener eller forbindelser ved hoffet, der bragte Vivaldi berømmelse, men udgivelsen af ​​hans værk, som omfattede hans triosonater , violinsonater og koncerter . De blev udgivet i Amsterdam og spredt ud over hele Europa. Det var til disse, på det tidspunkt stadig under udvikling af instrumentale genrer (baroksonate og barokkoncert), at Vivaldi ydede sit væsentligste bidrag. Visse teknikker er karakteristiske for Vivaldis musik: en trestemmig cyklisk form for concerto grosso og brugen af ​​en ritornello i hurtige partier. Vivaldi komponerede over 500 koncerter. Han gav også programmatiske titler til nogle af sine værker, såsom den berømte " The Four Seasons ". Vivaldis karriere viser en øget mulighed for komponisten til at eksistere selvstændigt: på indtægter fra koncertaktiviteter og udgivelsen af ​​hans kompositioner.

Domenico Scarlatti (1685-1757) var en af ​​sin tids førende keyboardkomponister og performere. Han begyndte sin karriere som hofkomponist; først i Portugal og fra 1733 i Madrid , hvor han tilbragte resten af ​​sit liv. Hans far Alessandro Scarlatti betragtes som grundlæggeren af ​​den napolitanske operaskole . Domenico komponerede også operaer og kirkemusik, men hans berømmelse (efter hans død) blev sikret af hans værker for keyboards. Nogle af disse værker skrev han for sin egen fornøjelse, nogle for sine ædle kunder.

Men den måske mest berømte hofkomponist var Georg Friedrich Handel (1685-1759). Født i Tyskland studerede han i tre år i Italien , men i 1711 rejste han til London , hvor han begyndte sin strålende og kommercielt succesrige karriere som selvstændig operakomponist, hvor han udførte bestillinger for adelen. Med utrættelig energi omarbejdede Handel andre komponisters materiale og omarbejdede konstant sine egne kompositioner. For eksempel er han kendt for at have omarbejdet det berømte Messias -oratorium så mange gange, at der nu ikke findes nogen version, der kan kaldes autentisk. Selvom hans økonomiske formuer voksede og aftog, fortsatte Händels berømmelse, baseret på udgivne værker for keyboards, ceremoniel musik, operaer, concerto grossos og oratorier med at stige. Efter sin død blev han anerkendt som en førende europæisk komponist og blev studeret af musikere fra den klassiske æra. Händel blandede i sin musik de rige traditioner med improvisation og kontrapunkt. Kunsten at musikalske ornamenter nåede et meget højt udviklingsniveau i hans værker. Han rejste rundt i hele Europa for at studere andre komponisters musik og havde derfor en meget bred omgangskreds blandt komponister af andre stilarter.

Blandt Frankrigs komponister skiller Otteter sig ud , forfatteren til den berømte afhandling om at spille fløjte (1707), en afhandling om improvisation (1719) og en guide til at spille musette (1737), en fremragende fløjtenist. Otteters mest berømte kompositioner er suiter for fløjte og bas, stykker for solofløjte og to fløjter og triosonater.

I 1802 udgav Johann Nicolai Forkel den første mest komplette biografi om Johann Sebastian Bach . I 1829 opførte Felix Mendelssohn Bachs Matthæuspassion i Berlin . Succesen med denne koncert vakte en enorm interesse for Bachs musik i Tyskland og derefter i hele Europa.

Johann Sebastian Bach blev født den 21. marts 1685 i Eisenach , Tyskland. I løbet af sin levetid komponerede han over 1.000 værker i forskellige genrer, undtagen opera. Men i løbet af sin levetid opnåede han ingen væsentlig succes. Bach flyttede mange gange og skiftede den ene ikke alt for høje stilling efter den anden: i Weimar var han hofmusiker ved Weimar-hertugen Johann Ernst , og blev derefter vicevært for orglet i kirken St. Bonifatius i Arnstadt tog nogle år senere imod stillingen som organist i kirken St. Vlasia i Mühlhausen , hvor han kun arbejdede i omkring et år, hvorefter han vendte tilbage til Weimar, hvor han overtog pladsen som hoforganist og arrangør af koncerter. Han havde denne stilling i ni år. I 1717 hyrede Leopold , Prins af Anhalt-Köthen , Bach som Kapellmeister, og Bach begyndte at bo og arbejde i Köthen . I 1723 flyttede han til Leipzig , hvor han blev til sin død i 1750. I de sidste år af hans liv og efter Bachs død begyndte hans berømmelse som komponist at falde: hans stil blev betragtet som gammeldags sammenlignet med den spirende klassicisme. Han var mere kendt og husket som performer, lærer og far til Bachs Jr., primært Carl Philipp Emmanuel, hvis musik var mere berømt.

Kun udførelsen af ​​passionen ifølge Matthæus af Mendelssohn, 79 år efter J.S. Bachs død, genoplivede interessen for hans arbejde. Nu er J. S. Bach en af ​​de mest populære komponister gennem tiderne (for eksempel i afstemningen "Bedste komponist af årtusindskiftet" afholdt på Cultureciosque.com tog Bach førstepladsen [19] ).

Andre førende komponister fra senbarok: Georg Philipp Telemann (1681-1767), Jean Philippe Rameau (1683-1764), Josse Boutmy (1697-1779).

Barokkens indflydelse på senere musik