Roussel, Albert

Albert Roussel
Albert Charles Paul Marie Roussel
grundlæggende oplysninger
Navn ved fødslen engelsk  Albert Charles Paul Marie Roussel
Fødselsdato 5. april 1869( 05-04-1869 ) [1] [2] [3] […]
Fødselssted Tourcoing (Department of Nord , Frankrig )
Dødsdato 23. august 1937( 23-08-1937 ) [4] [1] [2] […] (68 år)
Et dødssted Royan (Department of Charente-Maritime , Frankrig)
begravet
Land  Frankrig
Erhverv komponist , musikpædagog
Værktøjer klaver
Genrer opera og symfoni
 Mediefiler på Wikimedia Commons

Albert Charles Paul Marie Roussel ( fr.  Albert Charles Paul Marie Roussel ; 5. april 1869  - 23. august 1937 ) var en berømt fransk komponist fra den første tredjedel af det 20. århundrede .

Efter at have startet sit liv som midtskibsmand på langdistance-krigsskibe, blev han professionel musiker meget sent (kun i en alder af fyrre). Der er meget få kunstnere i kunsthistorien, hvis etik om liv og arbejde ville nærme sig en så barsk moral- og æreskodeks , som Roussel støt fulgte hele sit liv. Anerkendelse gik ham langt, men i hele sit liv tog han ikke et eneste skridt, der ville tabe hans egen værdighed for at fremskynde denne vej.

Albert Roussels kreative vej var kendetegnet ved en konstant søgen efter sin egen stil i den indviklede labyrint af kunstneriske tendenser i det musikalske Frankrig i begyndelsen af ​​det 20. århundrede . Efter successivt at have gennemgået indflydelsen fra Wagner og Franck , derefter gennem fascinationen af ​​Debussys impressionisme , eksotiske orientalisme og senere - Stravinskys hårde avantgarde og Milhauds polytonalitet , imponerede Albert Roussel af eksemplet med Eric Satie . 's sene kompositioner, endte hans rejse som den mest fremtrædende neoklassiker i musikken.

I trediverne af det XX århundrede tog Albert Roussel pladsen som en generelt anerkendt og respekteret leder blandt franske komponister.

Biografi endnu ikke komponist

Albert Charles Paul Marie Roussel blev født den 5. april 1869 i byen Tourcoing (det nordlige departement af Frankrig, grænsende til Flandern ) i en familie af velhavende franske producenter , tekstilhandlere . Roussel-efternavnet var lige så længe kendt, som det var velhavende: Generation efter generation var Rousselerne uddannede, kultiverede borgerlige, aktivt deltagende i det sociale og politiske liv i deres provins og endda Frankrig som helhed. Således var tip-tip-tip-oldefar til Albert Roussel en stedfortræder fra det tredje stand i Generalstænderne i 1789 og stemte for henrettelse af Ludvig XVI . Senere, allerede under konventionen , tjente han som krigsminister, og efter 18. Brumaire  opgav han politisk aktivitet og vendte tilbage til sin provins, hvilket måske reddede hans liv [5] . Albert Roussels bedstefar, den respekterede leder og ejer af en tekstilfabrik, var den permanente borgmester i Tourcoings hjemby i de sidste 30 år af sit liv .

Men på trods af sin families rigdom og stærke position havde lille Albert Roussel en vanskelig barndom. Han blev forældreløs meget tidligt , efter at have mistet sin far som spæd og sin mor i en alder af syv. I yderligere fire år boede han i sin bedstefars familie, som i disse år havde stillingen som borgmester i sin hjemby Tourcoing. Men da Albert var elleve år, døde hans bedstefar også [6] . Albert tilbragte fire år mere i familien til sin tante  , søsteren til sin afdøde mor. På trods af hans slægtninges omsorgsfulde og opmærksomme holdning, følte drengen sig ensom og viede al sin fritid til læsning og fantasier. Hans yndlingsforfatter er Jules Verne , som vækkede hans nysgerrighed og lyst til at rejse. Derudover tilbragte han næsten hver sommer på en badeby i Belgien . Måske bragte alt dette sammen gradvist en kærlighed til havet i ham og vakte til sidst lysten til at blive militær sømand. Samtidig var Roussel glad for matematik og andre eksakte videnskaber. Ud over sine universitetsstudier studerede Roussel klaver derhjemme , hvilket uvægerligt fremkaldte glæden hos en ældre lærer, organist i den lokale kirke i Notre Dame, med hans musikalitet og modtagelighed.

Ensom, overfyldt med tabet af elskede barndom, lammede dog ikke Albert Roussels psyke , snarere tværtimod. Han udviklede sig i sig selv og beholdt indtil slutningen af ​​sit liv høje og hårde moralske principper , såvel som ekstraordinær udholdenhed, selvdisciplin og tilbageholdenhed, som adskilte ham positivt fra de fleste nutidige kunstnere og vakte urokkelig respekt hos dem omkring ham.

I en alder af femten tog Roussel til Paris for at fuldføre sin sekundære uddannelse på Lycée Stanislas. Blandt hans lærere er den berømte franske litteraturhistoriker René Dumik , og blandt hans klassekammerater er Edmond Rostand , den kommende digter og dramatiker [5] .

I 1887 , efter at have modtaget et studentereksamen, tager Roussel en eksamen ved den højere søfartsskole. Blandt seks hundrede kandidater blev han accepteret af konkurrencen - den sekstende . Den fremtidige søofficer forsøger dog ikke at glemme musikken. Mens han tjener sin øvelse i at sejle over Atlanten på sejlfregatten " Melpomene " (et ret symptomatisk navn) , organiserer Roussel et lille orkester og et amatørkor fra midtskibsmænd , der akkompagnerer søndagsmesser med deres egen, lidt specielle musik. Det er mærkeligt, at Roussel for en vis "variation"s skyld indsætter i messens akkompagnement nogle af de melodier, han huskede fra sit parisiske liv, for eksempel kongemarchen fra Offenbachs "La Belle Helena" [5 ] .

Efter at være blevet forfremmet til officer, blev Albert Roussel tildelt først krydseren Pobedel, og derefter til kanonbåden Styx , hvorpå han foretog en lang rejse gennem de sydlige have i Fjernøsten. I 1889-90 var Roussel medlem af besætningen på fregatten Iphigenia og deltog i en jorden rundt ekspedition. Roussels første kompositioner stammer fra netop denne tid: " Fantasi " for violin og klaver , og derefter " Andante " for violin, bratsch , cello og orgel . Mens han arbejdede på disse stykker, havde Roussel mulighed for at blive overbevist om manglen på viden om de mest elementære regler for musikalsk komposition . På trods af selvstudium af Durands harmonilærebog følte Roussel sig som en komplet dilettant i musik .

Han blev skubbet til en professionel karriere ved et uheld eller en spøg af en ven i flådetjenesten. Engang, da Roussel spillede sine stykker på klaveret i salonen , meldte en af ​​hans kolleger, bror til en berømt operasanger, sig, som var i godt humør, frivilligt til at vise sine kompositioner til sin bror og andre professionelle. Seks måneder senere, da han vendte tilbage fra ferie, fortalte en kollega Roussel, at hans skuespil havde gjort et stort indtryk, og at den ærværdige bror rådede Roussel til for alvor at hellige sig musikken ... Mange år senere, da Albert Roussel allerede var blevet en berømt komponist , denne historie udspillede sig pludselig. En gammel ven indrømmede, at han, mens han var på ferie, simpelthen glemte sit løfte uden at vise sin bror Roussels skuespil. Men da var gerningen allerede udført. Roussel blev en anerkendt og respekteret professionel musiker , komponist og professor i polyfoni .

I 1894 , da han vendte tilbage til Frankrig fra en lang rejse, modtog Albert Roussel en lang ferie, som han tilbragte med sine slægtninge i Roubaix . Han besluttede at afsætte hele sin ferie til at studere det grundlæggende i musikteori . Med en anmodning om at give ham privatundervisning henvendte han sig til direktøren for konservatoriet i Roubaix, Julien Coszul , en erfaren og berømt organist fra Niedermeier- skolen . Efter at have bladret gennem den unge officers første kreative oplevelser, opfordrede Koszul ham til at tage til Paris og vise kompositionerne til Eugène Gigue , professor i polyfoni og komposition ved Niedermeier-skolen. Uden at tænke sig om to gange fulgte Roussel Koszuls råd og modtog en meget positiv anmeldelse fra den parisiske professor. Da han troede på Koszuls og Gigues høje vurderinger og anbefalinger om at tage musikken seriøst op, besluttede Roussel til sidst at forlade tjenesten i flåden . Roussel gik på pension i september 1894. Eugène Gigoux sagde senere om sin en af ​​de bedste elever, Roussel, at "han er begavet med et rigtigt fugageni" [5] .

Albert Roussel besluttede sig usædvanligt sent for at vælge en karriere som professionel musiker. Indtil han var 25 år var hans studier meget langt fra kunst . Ligesom Rimsky-Korsakov tilbragte han hele sin tidlige ungdom som midtskibsmand på kampagner i fjerne have. Men senere, selv mens han underviste eller komponerede musik, beholdt og overførte Roussel til sit arbejde en forkærlighed for havet, rejser og det eksotiske fra fjerne lande indtil slutningen af ​​sine dage. Og selvom ingen af ​​hans musikværker indeholder nogen havbilleder, eller endda selve temaet havet, satte fjerne lande, feltobservationer og eksotiske folkeslag ikke desto mindre deres dybe aftryk, synlige for enhver, der kommer i kontakt med Roussels værk.

Biografi om komponisten

I oktober 1894 bosatte Albert Roussel sig i Paris og begyndte aktivt at studere harmoni , kontrapunkt og fuga under sin nye lærer, Eugène Gigoud . Den strenge skole i Niedermeier, baseret på modsætningen til streng skrivning, og de høje standarder, som Roussel studerede musikteori på ( Bach , Handel , Mozart og Beethoven ) fra begyndelsen bidrager til dannelsen af ​​hans klassiske gennemsigtige og klare tænkning. Indtil slutningen af ​​sine dage bevarede Albert Roussel taknemmeligheden og den dybeste respekt for sin lærer. I sine Memoirs afsætter han langt mere end én side til Eugene Gigue, blandt hvilke du kan finde følgende ord:

... Bredsindet, fri for enhver skolastisk skævhed, præcis i sine observationer, sætter rent musikalske overvejelser over enhver skoleregler og æstetiske overvejelser over indbyrdes skænderier, lever han i min hukommelse som et perfekt eksempel på en lærer, fra hvem en ung musiker kunne lære sin kunst.

- [5]

Tilsyneladende var det efter denne model, at Roussel selv nogle år senere byggede sit eget undervisningsarbejde. Roussels ord om sin lærer, Eugène Gigoux, gælder ham i udmærket omfang.

I alt tager studietiden Roussel 15 år  - faktisk ikke så lang tid, som det umiddelbart kan se ud. Så længe varer en almindelig videregående musikalsk uddannelse (efter moderne standarder). Han begynder dog at studere ikke fra fem-syvårsalderen, som det plejer at være sædvanligt, men først fra 25 år, så han endelig holder op med at være student  - først i en alder af fyrre. Her er hvad du skal huske på, når du ser på Roussels ret sene musikalske karriere. I 1898 , fremragende forberedt efter fire års studier hos Gigoux, trådte Roussel ind i den nyåbnede " Skole Cantorum " i klassen polyfoni , orkestrering og fri komposition af Vincent d'Andy , på samme tid en ærværdig komponist af Wagners retning, en fremtrædende dirigent og organisator af det franske musikliv. I sin monografi , dedikeret til Roussels liv og arbejde, karakteriserer Andre Oere udtømmende årene for hans undervisning og oprindelsen til dannelsen af ​​en individuel stil:

... i ledige stridigheder om, hvorvidt Roussel tilhører debussisme eller d'andisme , i kontrast til Schola og konservatoriets uddannelsessystem, glemmer de på en eller anden måde den afgørende betydning i hans dannelse som komponist, principperne for Niedermeier-skolen, primært tak til Koszul og Gigue. Principperne for netop den skole, hvorfra Saint-Saens , Gabriel Fauré og Messager kom ud .

— Hoeree A. Albert Roussel. - P. , 1938. - S. 21 [5] .

Vincent d'Andy, meget snart overbevist om den nye studerendes ekstraordinære viden inden for polyfoni, udnævnte ham næsten øjeblikkeligt til sin assistent, og efter at have afsluttet kurset på Schola cantorum tilbød han ham at lede kontrapunkt og fuga . klasse . Efter at have dimitteret fem år senere fra skolen i polyfoniklassen begyndte Roussel således fra 1902 selv at undervise i polyfoni, mens han fortsatte med at studere hos Vincent d'Andy i andre fag indtil 1908 .

Schola cantorum , en næsten religiøs uddannelsesinstitution for musik under protektion af det katolske institut, var et særligt fænomen på det musikalske kort over Frankrig i begyndelsen af ​​det 20. århundrede . På den ene side havde den et ry som en højborg for konservatisme . Uddannelse i det var næsten udelukkende baseret på studiet af gammel kirkemusik, gregoriansk sang , teknikken med gammel polyfoni (på eksemplet med værker af Palestrina , Schutz , Bach , Händel , såvel som nogle "specielt indrømmede" franske mestre, Lully , Rameau og Couperin . En af hovedpillerne iKantorskolens musikalske system var naturligvis også læreren og idolet for dets mangeårige faste leder Vincent d'Andy, den ærværdige franske organist og komponist , Cesar Franck ... Det er klart, at professoren i polyfoni, som var Albert Roussel, blev tildelt den æresrolle som en leder af ideer af streng stil og kirkelige kanoner af den gamle skrift. Det ser ud til, at hvad der kunne være mere konservativt og tørrere end det skitserede program?Men det strenge og næsten kirkelige Schola cantorum i begyndelsen af ​​1900 -tallet bliver pludselig en modvægt til det næsten rådne bureaukratiske Musikakademi og det døde, retrograde uddannelsessystem på Paris-konservatoriet Fra Skolens vægge af Kantorer, allerede i de første ti år af sin eksistens både dristige eksperimenterende musikere, der har fået et stærkt professionelt grundlag, og vovede førstelinjes avantgarde-kunstnere , der sprængte grundlaget for moderne kunst, såsom Eric Satie eller Edgard Varese [7] . I øvrigt studerede begge de nyudnævnte musikere kontrapunkt og polyfoni i klassen af ​​professor Albert Roussel, idet de i mange år bevarede det bedste minde om ham og en fremragende holdning.

Albert Roussels jævne, beherskede og uvægerlige opmærksomme natur var den bedst egnede til undervisningsarbejde med lyse kreative personligheder. I tolv år var han en tankevækkende og grundig lærer ved Schola cantorum i polyfonisk kunsts historie og teori. Fra kontrapunktklassen Albert Roussel kom så usædvanlige og betydningsfulde komponister som Eric Satie, Paul Le Flem , Edgar Varèse, Alexis Roland Manuel , Guy de Lioncourt , Marcel Orban , samt mange udenlandske musikere, herunder den berømte tjekkiske komponist Boguslav Martinu , en rumænsk komponist Stan Golestan , uruguayanske Alfonso Broca , italienske Cesare Brero og tjekkiske Yulia Reiserova [5] .

Selv den evigt sarkastiske Eric Satie (en fyrreårig elev, der var tre år ældre end sin lærer) fandt i sin sjæl kun venlige ord om sin professor. Fra tid til anden kunne han godt lide at sige, mens han efterlignede Roussel, hans yndlingssætning - under lektietjekket: "En komponist, som en kirurg , skal altid have et instrument til præcis harmoni med sig." [8] :195 Men selv ti år efter at have gennemført kontrapunktkurset, fandt Eric Satie i sine artikler og noter mere end én gang grund til ikke uden glæde at bemærke, at "... i tre år arbejdede jeg (på mig selv) med Albert Roussel , hvis ven, jeg tør sige, jeg er stadig tilbage” [9] . Naturligvis var Roussel med hensyn til sine åndelige og viljestærke egenskaber slående anderledes end de sædvanlige parisiske boheme- og kunstnerkredse.

I efteråret 1909 realiserer Roussel sin gamle drøm - en rejse til Indien . Som ung officer mødtes han med nogle havnebyer . Nu er han og hans unge kone på en nøje gennemtænkt og forudbestemt rejse gennem ældgamle byer i baglandet. Ved hjemkomsten til Frankrig resulterer indtryk fra Indien i adskillige kompositioner, der er meget bemærkelsesværdige for al europæisk musik [10] . Den første af disse er den symfoniske triptykon "The Challenge of Visions" ( fr.  Evocations ) for solister , kor og orkester . Den blev første gang opført i Paris den 18. maj 1912 og imponerede lyttere og kritikere med sin lyse eksotiske usædvanlighed kombineret med en impressionistisk stil. Roussel fangede i denne triptykon de underjordiske templer i Ellora , skønheden i de solbeskinnede hvide marmorpaladser i Jaipur og sangen om hilsen til himlen af ​​en ung fakir på bredden af ​​Ganges i Benares . Succesen med premieren var forbløffende. Roussel blev øjeblikkeligt og uigenkaldeligt anerkendt som en af ​​lederne af moderne fransk musik.

Den næste bragende succes var hans enakters pantomimeballet Edderkoppens fest ( fransk:  Le festin de l'araignée ), opført i Théâtre des Arts i Paris den 3. april 1913 . I stedet for de planlagte otte forestillinger blev balletten vist 22 gange inden sæsonafslutningen. På bølgen af ​​popularitet skabte Roussel en symfonisk suite fra sin ballet, som vandt stor popularitet og stadig indtager en æresplads på verdens koncertscener sammen med Debussy 's Faun , Duke 's The Sorcerer's Apprentice og Ravel 's. Vals [10] . Det er takket være "Ederkoppens fest" og "The Challenge of Visions" i førkrigsårene, at Roussel endelig rangerer blandt de mest fremtrædende impressionistiske komponister. En stor parisisk musikudgiver , Jacques Durand , som specialiserede sig i at arbejde med impressionisterne , udgiver gerne sine værker sammen med musikken af ​​Ravel , d'Andy , Debussy og Schmitt [11] . I slutningen af ​​1913 modtog Roussel en ordre fra Grand Opera på en opera baseret på enhver libretto , der var interessant for ham . Og Roussel vælger igen et indisk tema som plot - legenden fra det 13. århundrede om Padmavati , Ratan-sens trofaste hustru . Han nåede dog kun at arbejde på sin nye opera i et halvt år .

Første Verdenskrig satte en dristig linje i både komponering og undervisning af Roussel. Han er femogfyrre år gammel. Udkastet accepterer ham ikke i den aktive hær på grund af hans helbredstilstand. Roussel er dog stadig frivillig for Røde Kors og har arbejdet som ambulancechauffør i frontlinjen i næsten to år. Selv i dette tilfælde, langt fra musikken, bliver de igen nære kolleger med Maurice Ravel: allerede i slutningen af ​​oktober 1914 meldte Maurice Ravel, også afvist af læger, sig frivilligt til at gå ind i et bilregiment og tjene som lastbilchauffør indtil 1918 [12 ] . Efter halvandet års tjeneste i Røde Kors lykkedes det dog Albert Roussel at forflytte sig tættere på fronten og komme ind i transporttjenesteofficeren - i det aktive artilleri . I rang af løjtnant deltog Roussel i militære operationer i Champagne , på Somme og nær Verdun i 1916-1917 . Lidt mindre end et år før krigens afslutning, i januar 1918, blev Albert Roussel endelig udskrevet fra hæren – ligesom Ravel, på grund af sygdom. Efter demobilisering genvinder han sit helbred, som blev undermineret af krigen, i lang tid. Først i sommeren 1918 var Roussel i stand til at vende tilbage til det normale liv og igen tage den afbrudte komposition af operaen Padmavati op. Roussel vendte aldrig tilbage til at undervise på Schola cantorum, men han fortsatte villig med at yde bistand inden for polyfoni og komposition til unge musikere, der henvendte sig til ham.

Selv ved fronten var Roussel meget bekymret over skæbnen for kompositionen af ​​operaen Padmavati efterladt af ham. Vil nogen få brug for denne gamle fortælling om kærlighed og død efter krigens hårde år? ..

... Alt dette bliver helt sikkert "noget før krigen", det vil sige adskilt fra vores i dag af en mur, en rigtig mur ... Det bliver trods alt nødvendigt at begynde at leve på ny, med en ny holdning til livet , det betyder ikke, at alt, hvad der sker før krigen, vil blive glemt, men alt, hvad der vil blive gjort efter krigen, vil være anderledes. <...> Min Padmavati er stadig stærk nok til at udholde yderligere to eller tre års venten (og hvilke år!), før hun møder offentligheden

— Albert Roussel . Brev til hans hustru dateret den 9. april 1916 [5]

Roussel tog lidt fejl. "Padmavati" måtte vente på dette møde ikke to eller tre, men yderligere syv år. Men på den anden side var premieren den 1. juni 1923 Roussels fundamentale succes. Der blev dog hørt nogle kritiske røster blandt begejstringen. Meget vejledende i denne forstand var Paul Ducs anmeldelse af premieren på Roussels store opera. Som hyldest til musikkens høje fortjenester og produktionens ekstraordinære (ægte orientalske) luksus, fandt Dukas det ikke desto mindre nødvendigt at påpege misbrug af eksterne effekter med utilstrækkeligt præget undersøgelse af karaktererne af stykkets hovedpersoner [13 ] . Imidlertid overvandt Padmavati figurative strukturs kraftfulde styrke og originalitet al tvivl. Med den ekstreme kompleksitet og høje omkostninger ved hendes produktion, dukkede hun op på scenen i 1925, 1927 og 1931 og vandt for Roussel et stigende antal beundrere af hans talent. I 1938 klagede den allerede nævnte Arthur Hoere i sin bog om Roussel ganske rigtigt over denne farverige partiturs lave popularitet uden for Frankrig.

Ikke kun fordi hun sammen med Antigone af Honegger og Christopher Columbus af Milhaud er en af ​​vores teaters mest betydningsfulde frembringelser efter krigen, men vigtigst af alt også fordi hun i højeste grad besidder de egenskaber, der efter hvad - noget dårlig tradition, genkender ikke fransk musik: det er kendetegnet ved sin styrke og dybde.

— Hoeree A. Albert Roussel. - P. , 1938. - S. 59 [5] .

Efter krigens afslutning, i 1920, købte Albert Roussel et landsted i Normandiet , ikke langt fra havet, hvor han tilbragte det meste af de yderligere sytten år med aktivt liv, han havde fået tildelt. De sidste halvandet årtier af Roussels liv er kendetegnet ved en særlig intensitet af både kreativitet og social aktivitet. Sammen med Ravel i 1920'erne er Roussel den anerkendte leder af fransk musik. Med begyndelsen af ​​Ravels lange sygdom, da han gradvist trækker sig fra at deltage i det kulturelle liv i Paris, forbliver Roussel næsten den eneste leder . I 30'erne stod Roussel i spidsen for den franske afdeling af International Society for Contemporary Music og var sammen med André Caplet i juryen for den årlige festival . Indtil slutningen af ​​sit liv mister Roussel ikke sin livlige karakter og forbliver åben over for alt nyt. Han støtter unge franske komponisters arbejde, mange af de nyeste avantgarde- tendenser trænger ind i hans værker. Men selv unge komponister fra begyndelsen af ​​20'erne ser i stigende grad på hans værk. Efter Eric Satie's død er næsten hele den franske " Seks " påvirket af Roussels personlighed og arbejde, især Arthur Honegger .

Roussel tager ikke sin sidste rejse mod øst , som det skete før, men til Amerika med triumferende turnékoncerter . I 1930, bestilt af Sergei Koussevitzky , skrev Roussel sin tredje symfoni for at fejre Boston Orchestras jubilæum . Dette er et af hans stærkeste værker, fuld af styrke, energi, skarphed og drama.

I det sidste halvandet år af sit liv har Roussel det værre, hans hjertesygdom forværres, og i foråret 1937 tager han efter lægers insisteren til badebyen Royan i det sydvestlige Frankrig for at hvile og helbrede . Hjerteanfald bliver dog hyppigere og stærkere. Den 13. august er Roussel tvunget til at afbryde kompositionen af ​​sin blæsertrio for obo , klarinet og fagot . Modigt og ekstremt roligt, som alt andet i sit liv, udholder Roussel at lide af hyppige hjerteanfald .

Albert Roussel, 68-årig fransk komponist, døde af endnu et hjerteanfald omkring klokken 16 den 23. august 1937 i byen Royan i det sydvestlige Frankrig. Han døde i samme 1937, som hans nærmeste kolleger og nære kammerater på den kreative vej rejste: Maurice Ravel og Gabriel Piernet .

"En komponist, som en kirurg, skal altid have instrumenterne til præcis harmoni med sig" - det er hvad man ikke må glemme [8] . :195

Essay om kreativitet

Den komplette liste over værker af Albert Roussel omfatter 59 offentliggjorte opuser og omkring et dusin flere manuskripter . Den meget brede stilistiske række af Roussels værker kan antyde en vis æstetisk altædende hos komponisten. I mellemtiden er dette helt forkert. En oprigtigt reflekterende kunstner , der konstant oplever øget ansvar over for sig selv og kunsten , forklarede Roussel selv sin konstante søgen med et utrætteligt ønske om at finde den maksimale udtryksfuldhed af det musikalske sprog. I denne søgen kom hans lukkede romantiske natur og kærlighed til at forstå tingenes natur utvivlsomt til udtryk. Men der var en anden konstant kilde, der pressede Roussel hele sit liv til at opdatere midlerne til musikalsk tale. Dette er Østen , hvis farverige og eklektiske kultur han mødte under flere rejser. I værker fra forskellige år indsætter Roussel karakteristiske modale vendinger fra indisk , cambodjansk og indonesisk folkemusik. Dette er dog ikke for ham en metode til at introducere "lokal farve ", men kun et middel til at berige det musikalske sprog.

I sine bedste værker, som omfatter den tredje og fjerde symfoni , operaballetten Padmavati , balletterne Bacchus og Ariadne og Edderkoppens fest samt den flamske rapsodi for orkester , demonstrerer Roussel tydeligt sit eget, genkendelige og originale kreative stil [13] . Hans melodiske gave er dog lille. Ikke desto mindre har mange temaer "karakter", lys intonation og udtryksfuldhed.

Roussels teaterværker samt fire symfonier og en symfoniette, hvis tilstedeværelse i fransk musik fra det tidlige 20. århundrede kan genkendes som et næsten unikt fænomen , er af den største værdi i Roussels værk . Ifølge mange musikforskere er den såkaldte symfoniske tænkning i princippet fremmed for franske komponister . Faktisk kom "absolut musik", der ikke var forbundet med ordet, det litterære grundlag, programmet , naturbillederne eller scenografien , meget sjældent fra franske forfatteres pen. Albert Roussels fire symfonier vendte denne tendens til en vis grad. Desuden gjorde han dette, idet han forblev en ægte fransk kunstner, uden nogen forskydning til området for "tysk disciplin" , som Debussy og Ravel konstant protesterede mod . Men frem for alt er Roussels fortjeneste, at hans personlige erfaring satte skub i en ny trend blandt unge franske komponister, der med fornyet kraft vendte sig mod ren symfonisk musik. I denne forbindelse er det tilstrækkeligt at nævne navnene på Arthur Honegger , Darius Milhaud, Henri Dutilleux og Henri Sauguet [13] .

Dannelsen af ​​Roussels stil var uden tvivl påvirket af studieårene ved Schola Cantorum . Myndigheder som Palestrina og Bach satte deres præg på Roussels modne stil, rig på kontrapunkt og komplekse polyfone stemmer. Sammenlignet med de subtile nuancer hos de franske komponister tæt på ham, såsom Fauré og Debussy , er Roussels orkester ulig noget mere tæt og tungt, selv i de af hans kompositioner, der traditionelt kaldes impressionistiske . I alle perioder af sit arbejde, uanset hvordan det så ud udadtil, i sit temperament og tankegang, stod Roussel tættest på klassicismen .

I flere kompositioner hyldede Roussel også et så nyt og voksende fænomen i sin tid som amerikansk jazz . En af hans kompositioner for stemme og klaver hedder "Night Jazz" ( 1929 ) og genlyder tydeligt værker af hans samtidige som violinsonaten af ​​Maurice Ravel eller balletten "Creation of the World" af Darius Milhaud.

I sin bog Reminiscences reddede Albert Roussel senere forskere fra at skulle drage deres egne konklusioner. Han selv, som en ærværdig lærer ved Schola cantorum, analyserede ganske overbevisende sit eget arbejde og udpegede tre klart definerede stilperioder fra det:

Den første periode, fra 1898 til 1913 , som betinget kan kaldes impressionistisk . Grundlæggende inkluderer det års studier. Når forfatteren taler i bogen "Erindringer" om sit arbejde, bløder forfatteren nogle steder formuleringen op. Så ifølge Roussel var hans musik i disse år " lidt, meget lidt påvirket af Debussy, hvilket først og fremmest betyder tendensen til en stiv form, som min lærer, Vincent d'Andy , indprentede mig ." Ved at vurdere Roussels ord og musik udefra kan vi sige, at selv om denne kreativitetsperiode ganske rigtigt kaldes " impressionistisk ", indeholder hans musik fra denne tid ikke desto mindre et antal orientalske påvirkninger. Dette var, hvad Albert Roussel var påfaldende anderledes end sine kolleger inden for den musikalske impressionisme.

Roussels første orkesteroplevelse var det symfoniske præludium "Opstandelse" baseret på Leo Tolstojs roman ( 1903 ). Den blev opført den 17. maj 1904 i en koncert af National Musical Society dirigeret af Alfred Cortot , som altid viste interesse for Roussels værk. Den usædvanlige tæthed af det musikalske sprog, den generelle dystre smag (optakten sluttede med en koral om et dagligdags gregoriansk tema), samt en mærkbar overbelastning af det nedre register i orkestret, forårsagede en hård irettesættelse fra kritik for den novice komponist , som stadig var under tydelig indflydelse af Franks symfoniske stil [14] . Roussel tog tavst og roligt imod kritikken, efterlod partituret i manuskriptet og vendte aldrig tilbage til det igen.

De følgende orkesterkompositioner, præget af Claude Debussys stadigt stigende indflydelse, opretholdes i en helt anden ånd. Den bløde og poetiske "Sommeraften" ( 1904 ) og den meget farverige "Druehøst" ( 1905 ) baseret på digtet af Leconte de Lille blev også opført af Cortot for første gang. Trods ret gunstige presseanmeldelser ødelagde Roussel partituret til "Druehøsten" umiddelbart efter dens opførelse, da han anså både formen og orkestreringen af ​​hans værk for at være mislykket [14] . Så tager Roussel med fornyet kraft til sig den et år tidligere begyndt firestemmige symfoni, som han kalder "Skovens digt" (1904-1906). De klassiske former for den symfoniske cyklus kombineres i den med billeder af naturen, opdelt i fire årstider. Satserne har undertitlen "Skoven om vinteren", "Forårsfornyelse", "Sommeraften" (tidligere skrevet som et separat orkesterstykke) og " Faun og dryaderne ". Flere gange blev dele af symfonien opført separat i koncerter, og først den 7. februar 1909, i koncerten med Lamoureux Orchestra , fandt den fulde uropførelse af symfonien under ledelse af Vincent d'Andy sted . Autoritative kritikere Jean Marnol og Gaston Carro satte stor pris på "Skovens Digt", da forfatteren i dets forfatter så en lovende symfonist.

... i generationen af ​​komponister umiddelbart efter Paul Dukas og Alberic Magnard , er det måske ham, Roussel, der viser det største løfte. Jo mere han skaber, jo mere bemærkelsesværdig er hos Monsieur Albert Roussel en bemærkelsesværdig individualitet : både i det han taler om og i hvordan han udtrykker sine tanker. Hans sjæls individualitet bestemmer den individuelle originalitet af hans stil.

- Karrot G. "Liberte", 9. februar 1909 [14] .

Næsten samtidig med symfonien fuldender Roussel kammeret Divertimento for klaver og fem blæseinstrumenter . Denne muntre og humoristiske musik er bemærkelsesværdig for hvert instruments virtuositet og det vidunderlige ensemble som helhed. De musikalske temaer i den er prægede og konvekse, og formens linjer og kanter er tydelige. Alle disse træk, klart modsat impressionismens generelle æstetik , foregriber de neoklassiske tendenser i efterkrigstidens kreativitet. Nogle kritikere bemærkede i musikken til "Divertissement" træk, der bringer Roussels værk tættere på den dengang voksende styrke - Fauvisme i maleriet.

Som opsummering af ovenstående omfatter de mest berømte værker fra den første periode: "Divertimento" op.6 for træblæserkvintet og klaver (1906), Symfoni nr. 1 "Skovens digt" op.7 (1904-1906), forestilling for børn (1908), "The Challenge of Visions" op.15 triptykon for kor, orkester og baryton (1910-1911) og ballet-pantomime "Feast of the Spider" op.17 (1912). De to sidste er allerede nævnt.

Roussel selv tæller den anden kreativitetsperiode fra 1918 , da han vendte tilbage fra krigen, og slutter i 1925 , hvor hans overgang til nyklassicisme endelig er formaliseret . I det væsentlige kan denne periode kaldes overgangs- eller blandet, hvor Roussel eksperimenterede og gradvist dannede træk ved hans modne stil. Forbindelsen mellem tidligere og ny musik for Roussel var partituret til operaen Padmavati, som arbejdet på fortsatte med en pause til krigen - næsten otte år. Men i resten af ​​denne tids værker er den impressionistiske vaghed overalt ringere end klare linjer, musikken får vished, en hårdere rytme , derudover stiger antallet af dissonanser betydeligt . Langt det mest komplekse og overbebyrdede værk i denne periode er den anden symfoni, skrevet i 1919-1921 , hvorefter Roussel begyndte at bevæge sig mod enklere og mere præcise former for musikalsk sprog. Vender tilbage fra fronten, har Roussel ændret sig meget. Han kunne ikke længere skrive som før, balancerende på grænsen til impressionistisk skønhed og orientalsk sprogpragt. Roussel selv forklarede de alvorlige ændringer i hans stil og holdning til kreativitet som følger:

... Fire års krig var ikke forgæves for mig som musiker. Jeg brugte dem til at reflektere over min kunst. Jeg lærte meget af denne tvungne revision af den vej, jeg havde rejst. Som mange andre var jeg fascineret af nye metoder til musikalsk tænkning. Impressionismen fangede mig i starten; min musik strakte sig måske for stærkt mod den ydre side af fænomener, mod den maleriske begyndelse, som, som jeg begyndte at tænke lidt senere, fratog musikken en del af dens iboende sandhed . Siden da besluttede jeg at udvide den harmoniske begyndelse af mit forfatterskab, jeg forsøgte at nærme mig ideen om at skabe musik, hvor ideen og dens implementering ville flyde fra sig selv og også være indeholdt i sig selv.

- Roussel A. Erindringer [15] .

Det var den anden symfoni, skrevet i det andet år efter Hjemkomsten , der blev det sidste vendepunkt, hvor Roussel offentligt adskilte sig fra impressionismen. Roussels "nye stil" blev uropført den 4. marts 1922 i koncerterne Padélou (Ulvens Skridt) . Med sit musikalske sprogs hårdhed og grimhed gjorde den anden symfoni et uventet og ugunstigt indtryk på alle: både traditionalister , elskere af konsonans og tilhængere af impressionisme, som allerede var vant til at se Roussel i rækken af ​​de trofaste "Debussister" .

“... Ak, Albert Roussel forlader os. Han forlader os uden at sige farvel, tavst, beskedent, behersket, som altid ... Ser du, han vil gå, han vil gå, han vil gå ... Men hvor? [femten]

— (Vuillermoz Emile, "Excelsior", 6. marts 1922.)

En langvarig og usædvanlig oprigtig tirade til Roussels Anden Symfoni blev også besvaret af hans tidligere elev, Eric Satie , i det øjeblik lige så langt fra impressionismen, som han selv var grundlægger af for tredive år siden, og fra Albert Roussels rent musikalske søgen. Den anden symfoni blev ikke kun en skelsættende begivenhed i efterkrigstidens musikliv i Frankrig , men Satie fandt personligt i den endnu en grund til igen at modsætte sig akademikere og musikprofessionelle med ægte levende kunst.

Fremførelsen af ​​Albert Roussels smukke symfoni ved en af ​​Walking Wolf - koncerterne var en fremragende og nobel begivenhed, der rørte vores mudrede musikalske vand. Åh rædsel, åh frygt!  - endnu en del af ægte lydanarki strømmede ind i dem  - et spøgelse, bedre kendt som kakofoni . <...> Blandt de mange bebrejdelser, der konstant rettes mod Albert Roussel, er der en, der sidder bedst fast i min hukommelse (måske fordi den var direkte relateret til Romprisen ). Hvad er han anklaget for? - Ja, i det han er en amatør ..., en amatør.

I sig selv opstår spørgsmålet: men hvordan er denne "elsker" genkendt? .. Du kan ikke rack din hjerne forgæves, svaret er meget enkelt. En amatør er en, der ikke har modtaget den store romerske pris, selvfølgelig. Lad mig stille følgende spørgsmål med den største høflighed og venlighed: hvad er prisen nævnt ovenfor? Stigmatiseringen af ​​et højere væsen, fremragende, af højeste kvalitet, ikke-seriel, udsolgt og sjældent. Når man ser på Albert Roussel, står det utvivlsomt umiddelbart klart, at han ikke er fremragende, ikke ud over det sædvanlige, ikke af højeste kvalitet, ikke udsolgt, helt seriel og slet ikke sjælden – det må man mene. Jeg er meget ked af det, men jeg elsker ham lige så højt for det, og han ved det godt, håber jeg.— Erik Satie Oplysningstidens oprindelse. - Feuilles Libres, iuni 1922. [8] :501-502

Efter den anden symfoni og færdiggørelsen af ​​arbejdet med operaen Padmavati, fortsætter de neoklassiske tendenser med at vokse i Roussels værk. Blot fire år efter premieren på Socrates af Satie, som blev opdagelsen af ​​en ny stil, skrev Roussel i 1922-24 sin lyriske fortælling "The Birth of Lyra" efter Sophocles i et forsøg på at komme så tæt som muligt på det antikke teater. Opført på Grand Opera den 1. juli 1925 , gik dette partitur af Roussel to år forud for Stravinskys Ødipus og Honeggers Antigone .

De mest berømte værker fra den anden overgangsperiode af Roussels værk omfatter følgende værker: opera-ballet "Padmavati" op. 18 (1914-1922 ) , "Til forårsferien" symfonisk teaterstykke op. 22 (1920), symfoni nr. (1919-1921), "The Birth of Lyra" lyrisk fortælling op.24 (1923-1924), "Fløjtespil" for fløjte og klaver op. 27 (1924) og "Serenade" for fløjte, strygtrio og harpe op . .30 (1925).

Roussel begynder den tredje periode af sit arbejde i 1926 , og det var ikke længere ham selv, der satte grænsen i bogen "Erindringer", men hans død i sommeren 1937 . I disse sidste 11 år af sit liv fandt Roussel sin "endelige stil" - neoklassicisme . Generelt forbliver han en avantgardekomponist , selvom lyden af ​​hans værker efterhånden bliver mere gennemsigtig og klarere. Naturligvis har Roussels nyklassicisme sine egne særtræk, der adskiller den fra andre forfattere, der begyndte at arbejde i denne stil på samme tid (eller næsten samtidigt) med ham. Først og fremmest er dette skriftens tidligere polyfoni , en tendens til polytonalitet og polymodalitet, den traditionelle klassiske form og klar funktionel orkestrering . Derudover undgik Roussel (i modsætning til for eksempel Satie og Stravinsky) i sin nyklassicisme aldrig at udtrykke levende og stærke følelser . I denne forstand kunne hans nyklassicisme kaldes delvist Beethovensk .

Hovedtrækkene i Roussels nye stil modtog deres fuldendte legemliggørelse i hans "Suite in F" fra 1926 , hvormed han faktisk begynder nedtællingen af ​​sin tredje periode. Suiten består af tre danse : Prelude , Sarabande og Gigue . Den første optræden fandt sted i koncerter med Boston Symphony Orchestra den 21. januar 1927, dirigeret af Sergei Koussevitzky . Kort efter premieren blev "Suite in Fa" et af de mest opførte koncertværker af Albert Roussel. Forfatteren selv, der indså vigtigheden af ​​dette lille værk for sin egen kreative søgen, halvandet år efter Boston- premieren , gav en detaljeret analyse af det før den første opførelse i Paris :

… ud fra et ydre formsynspunkt valgte komponisten den klassiske konstruktion af en gammel suite som model for sig selv, selv om han i væsentlig grad foryngede den.<…> Det tematiske materiale i den består af korte segmenter, hvoraf forskellige lydkombinationer danne udviklingen. Og disse udviklende episoder klæber sig til hinanden uden det mindste stop og udgør et enkelt sammenhængende musikalsk stof. Sådanne metoder blev let brugt af Bach og nogle af hans efterfølgere.

- Roussel A. "Guide de Concert". — 23 Nov. 1928 [15] .

Således kaldte Roussel selv hovedtræk ved sin nyklassicisme: det var ikke arkaisk eller en tilbagevenden til "smuk antikken", men en foryngelse af stilen . Klassiske former og udviklingsmetoder blev anvendt af ham på det moderne musiksprog. Efter "Suite in Fa", en slags manifest for Roussels nyklassicisme, fortsætter komponisten resten af ​​sit aktive kreative liv med at gå i retning af at pudse og udvikle de musikalske former, han fandt og adopterede for sig selv.

Den tredje symfoni i g-mol (1929-1930 ) og den fjerde symfoni i A-dur ( 1934 ) repræsenterer nye højder i fortolkningen af ​​den traditionelle firesats symfoniske cyklus. Samtidig arbejder Roussel aktivt på yderligere "oplysning" og oprensning af sin stil fra den "kakofoni", som Eric Satie engang mildt bebrejdede ham, samtidig med at han forsøger ikke at miste det musikalske sprogs modernitet. Talrige kammer- og koncertsymfoniske værker, der dukkede op i slutningen af ​​1920'erne, heriblandt Koncerten for Lille Orkester (1926-27), Klaverkoncerten (1927) og Den Lille Suite for Orkester (1929) kan skelnes som en slags prøveplads for denne bevægelse ).

Den tredje symfoni, skrevet til 50-års jubilæet for Boston Symphony Orchestra , er dedikeret til dets dirigent Sergei Koussevitzky og blev første gang opført af ham i Boston den 17. oktober 1930 . Kritiske anmeldelser var næsten enstemmige: Roussel tilbød et virkelig nyskabende og samtidig klassisk harmonisk værk. Den tredje symfoni forbløffer bogstaveligt talt med dynamik, viljestærk kraft og konveks relief af det tematiske materiale. Samtidig er den virkelig klassisk komprimeret og afbalanceret i alle dens dele.

Tilblivelsen af ​​den fjerde symfoni blev umiddelbart forud for Sinfonietta for strygeorkester i tre dele, skrevet af Roussel i ét åndedrag, på kun tre uger (12. juli - 6. august 1934 ). Denne vittige og lyse koncertkomposition var beregnet til det dengang opsigtsvækkende kvindestrygeorkester dirigeret af Jeanne Evrard og blev opført med stor succes den 19. oktober 1934 i Salle Gaveau . Hvad der også er meget betydningsfuldt er, at der i alle de nævnte værker absolut ikke er engang den mindste antydning af en eller anden form for programmatisk eller teatralsk ; mere specifikt er det eksempler på netop den "rene symfonisme", der normalt blev anset for helt ukarakteristisk for fransk musik.

I 1930 (fra juni til december) skaber Roussel et af sine mest berømte teaterværker - balletten " Bacchus og Ariadne ". Trods den ganske " ravelske " titel, hvor man kan mærke ekkoet af " Daphnis og Chloe ", er balletten helt klassisk både i form og musikalsk sprog. Partituret til "Bacchus og Ariadne" er helt på linje med tredje og fjerde symfoni, men er ikke rent og adskilt fra forestillingen. Roussel anså sin hovedopgave inden for teatermusik for at være underordnet partituret til den vigtigste dramatiske og plotmæssige udvikling. Balletten havde premiere den 22. maj 1931 med koreografi af Serge Lifar og blev en stor succes.

Roussels sidste appel til antikken og teatret (i foråret 1935 ) var hans ballet med korene Aeneas ( baseret på Vergils Æneides ). Roussel forsøger i sin ballet at gengive de vigtigste syntetiske træk ved antikkens tragedie og skaber faktisk en ny form for forestilling , der kombinerer pantomimeballettens træk med individuelle elementer af oratorium og kantate . For første gang blev "Aeneas" opført i 1935 i Bruxelles på scenen i Kunstpaladset. Den store succes med premieren vakte internationalt ramaskrig, og samme år blev Aeneas også opført på Milanos La Scala Teater . Paris så efter nogen tøven Aeneas på Grand Opera allerede efter Roussels død i 1938 .

Roussels sidste store værk var "Flemish Rhapsody" (skrevet i april-juni 1936 ), hvor han vendte tilbage og hyldede sit lille hjemlands folkemusik . Tourcoing , hvor Roussel tilbragte sin barndom, og hvor hans forfædre boede i mange århundreder, ligger i den franske region Flandern , hvoraf det meste blev en del af Belgiens territorium . Roussel holdt ofte af at understrege sin flamske oprindelse og bemærkede, ikke uden fornøjelse, mange nationale træk i sin egen karakter. "Flemish Rhapsody" er skrevet på materialet af fem autentiske flamske melodier , som Roussel hentede fra samlingen af ​​den belgiske folklorist Ernest Claesson  - "Folksange i de belgiske provinser". Roussel kendte de fleste af disse sange fra barndommen. Rapsodien begynder med en højtidelig recitation af sangen "The Siege of Burg-op-Zom", derefter er "Fighting Song of the Geuzes " inkluderet i udviklingen, lyrikken " Vuggevise " danner en separat episode, efterfulgt af dansen sang "Careltier". Sammenlignet med Roussels andre symfoniske værker er den musikalske struktur i Flemish Rhapsody meget enkel, men klangen og den polyfoniske opfindsomhed gør den til et smittende muntert og vittigt koncertstykke, hvor den store komponist synes at bringe sin musik tættere på det bredeste publikum. Tilsyneladende var dette Roussels direkte svar på den vanskelige førkrigspolitiske situation i midten af ​​1930'erne . Det er tilstrækkeligt at sige, at Albert Roussel umiddelbart før skabelsen af ​​sin rapsodie blev valgt til præsident for det franske populærmusikforbund, hvis hovedopgave var at bringe akademisk kunst tættere på massepublikummet. Første gang opført i Bruxelles den 12. december 1936 og i Paris den 21. januar 1937 (dirigeret af Charles Munche ), blev Flemish Rhapsody meget hurtigt et af Roussels mest populære og hyppigt opførte værker.

Som konklusion er det kun tilbage at nævne de mest betydningsfulde værker fra den tredje periode af Albert Roussels værk: disse er først og fremmest "Suite in Fa" op.33 for orkester (1926), Koncert for lille orkester op.34 ( 1926-1927), Symfoni nr. 3 i g-mol op.42 (1929-1930), Bacchus og Ariadne-ballet op.43 (1930), Sinfonietta for strygeorkester op.52 (1934), Symfoni nr. 4 i A-dur op.53 (1934), Aeneas ballet med kor op.54 (1934), Flemish Rhapsody for orkester op.56 (1936), Concertino for cello og orkester op.57 (1936) og strygertrio op.58 (1937).

Værker af Albert Roussel

operaer

Padmavati, opera-ballet i 2 akter, op. 18 (1913-18), post. Paris Opera, 1. juni 1923

Lyrens fødsel, opera (lyrisk fortælling) i 1 akt, op. 24 (1923-24), post. Paris Opera, 1. juli 1925

Testamente af tante Caroline, komisk opera i 3 akter (1932-1933), post. 14. november 1936

balletter

Spider's Feast, ballet i én akt, op. 17 (1912), post. Paris, 3. april 1913

Sarabande, nummer til den kollektive børneballet "Jeannes Fan" (1927), post. Paris, 16. juni 1927

Bacchus og Ariadne, ballet i to akter, op. 43 (1930), post. Paris Opera, 22. maj 1931

Aeneas, ballet for kor og orkester, Op. 54 (1935), post. Bruxelles, 31. juli 1935

Musik til teatret

Sandsælgeren, musik til et teaterstykke baseret på eventyret af Georges Jean-Aubry, Op. 13 (1908), post. Le Havre, 16. december 1908

Introduktion til 2. akt af stykket "Den fjortende juli" af Romain Rolland (1936), post. Paris, 14. juli 1936

Elpenor, radiofonisk digt for fløjte og strygekvartet, Op. 59 (1937), post. Bruxelles, 1947

Kompositioner for orkester

Resurrection, Præludium for orkester, op. 4 (1903)

Symfoni nr. 1 i d-mol "Skovens digt", op. 7 (1904-1906)

Besværgelser for solister, kor og orkester, Op. 15 (1910-11)

Padmavati, Suiter fra Opera nr. 1 & 2, Op. 18 (1918)

Til forårsferien, symfonisk digt, Op. 22 (1920)

Symfoni nr. 2 i B-dur, op. 23 (1919-1921)

Suite for orkester i F-dur, op. 33 (1926)

Koncert for lille orkester (1926-1927)

Lille Suite, Op. 39 (1929)

Symfoni nr. 3 i g-mol, op. 42 (1929-30)

Sinfonietta for strygeorkester, op. 52 (1934)

Symfoni nr. 4 i A-dur, op. 53 (1934)

Flemish Rhapsody, Op. 56 (1936)

Koncerter

Klaverkoncert i G-dur, op. 36 (1926-27)

Concertino for cello og orkester, op. 57 (1936)

Vokal- og orkesterkompositioner

Battle Song of the Franks for mandskor, messingblæser og percussion ad libitum (1926)

Salme 80 for tenor, kor og orkester, op. 37 (1928)

Til brass band

Store Dag Op. 48 (1932)

Kammermusik

Klavertrio i Es-dur, op.2 (1902)

Divertimento for klaver og blæserkvintet, op. 6 (1906)

Sonate nr. 1 for violin og klaver, op.11 (1907-08)

Impromptu for harpesolo, op.21 (1919)

Fløjtespillere for fløjte og klaver, Op.27 (1924)

Sonate nr. 2 for violin og klaver, op.28 (1924)

Segovia for guitar (eller klaver), Op.29 (1925)

Serenade for fløjte, strygtrio og harpe, op. 30 (1925)

Duet for fagot og kontrabas (1925)

Aria for obo og klaver (1927-28)

Trio for fløjte, bratsch og cello, op.40 (1929)

Strygekvartet, op. 45 (1931-32)

Andante og Scherzo, for fløjte og klaver, op. 51 (1934)

Pibe, for piccolo og klaver (1934)

Trio for strygere, op. 58 (1937)

Andante fra en ufærdig trio for obo, klarinet og fagot (1937)

klavermusik

The Past Hours, op.1 (1898)

Dukkehistorie (1904)

Country Dances, op. 5 (1906)

Suite i Fis, op.14 (1910)

Lille kanon perpetuum (1913)

Sonatina, op. 16 (1914)

Tvivl (1919)

Ved en reception på muserne (Debussy Dedication) (1920)

Præludium og fuga (Hyldest til Bach), op.46 (1932)

Tre stykker, op. 49 (1933)

Orgelstykker

Præludium og Fughetta, Op. 41 (1929)

Vokal virker

Fire digte af Henri de Regnier, op. 3 (1903)

Fire digte af Henri de Regnier, op.8 (1907)

Trussel, op. 9 (1907-1908)

Flamme Op. 10 (1908)

To kinesiske digte op.12 (1908)

To romancer op. 19 (1918, orkester. 1928)

To romancer op.20 (1919)

To digte af Ronsard for fløjte og sopran, op.26 (1924)

Anacreontic Odes op.31 (1926)

Anacreontic Odes op.32 (1926)

To kinesiske digte op. 35 (1927)

Vocalise (1927)

Night Jazz Op. 38 (1928)

Vocalise (1928)

Blomst til min datter, romantik på st. D. Joyce (1931)

Two Idylls Op.44 (1932)

To kinesiske digte op. 47 (1932)

To romancer op. 50 (1934)

To romancer op. 55 (1935)

Til kor a cappella

To madrigaler for 4 stemmer (1897)

Madrigal for Muses for 3 kvindestemmer (1923)

Kilder

  1. ↑ 1 2 Albert Roussel // Encyclopædia Britannica 
  2. ↑ 1 2 Albert Charles Paul Marie Roussel // Brockhaus Encyclopedia  (tysk) / Hrsg.: Bibliographisches Institut & FA Brockhaus , Wissen Media Verlag
  3. ↑ Albert Roussel // Gran Enciclopèdia Catalana  (kat.) - Grup Enciclopedia Catalana , 1968.
  4. ↑ Roussel Albert // Great Soviet Encyclopedia : [i 30 bind] / red. A. M. Prokhorov - 3. udg. — M .: Soviet Encyclopedia , 1969.
  5. ↑ 1 2 3 4 5 6 7 8 9 Filenko G. Fransk musik fra første halvdel af det 20. århundrede. - L . : Musik, 1983. - S. 16-19.
  6. ↑ Schneerson G. Fransk musik fra det XX århundrede. - M . : Musik, 1964. - S. 150.
  7. ↑ Schneerson G. Fransk musik fra det XX århundrede. - M . : Musik, 1964. - S. 50-51.
  8. ↑ 1 2 3 Sati E., Hanon Y. "Remembering in hindsight". - Sankt Petersborg. : Center for Mellemmusik, 2009. - 682 s.
  9. ↑ Erik Satie . Ecrits. - P. : Editions Gerard Lebovici, 1990. - S. 55.
  10. ↑ 1 2 Filenko G. Fransk musik fra første halvdel af det 20. århundrede. - L . : Musik, 1983. - S. 25-31.
  11. ↑ Ravel i spejlet af hans breve / Kompileret af M. Gerard og R. Chalu. - L . : Musik, 1988. - S. 188.
  12. ↑ Ravel i spejlet af hans breve / Kompileret af M. Gerard og R. Chalu. - L . : Musik, 1988. - S. 106.
  13. ↑ 1 2 3 Schneerson G. Fransk musik fra det XX århundrede. - M . : Musik, 1964. - S. 151-155.
  14. ↑ 1 2 3 Filenko G. Fransk musik fra første halvdel af det 20. århundrede. - L . : Musik, 1983. - S. 23-24.
  15. ↑ 1 2 3 Filenko G. Fransk musik fra første halvdel af det 20. århundrede. - L . : Musik, 1983. - S. 33-37.

Links

  Gå til Wikidata-elementet  Foto, video og lyd
Tematiske steder
Ordbøger og encyklopædier
Slægtsforskning og nekropolis