Animehistorien går tilbage til begyndelsen af det 20. århundrede, hvor japanerne begyndte at vise en mærkbar interesse for udenlandske teknikker til at skabe animationsfilm.
På trods af det faktum, at eksperimenter med animation blev udført i Japan før det, var den første bemærkelsesværdige skabelse, der blev tilskrevet anime, visningen af "The Legend of the White Snake ", en tegneserie af Toei Studios . Den første Otogi Manga Calendar anime-serie blev udgivet af Otogi Studios . Det var en sort/hvid historisk tegnefilm. I 1963 grundlagde Osamu Tezuka , med tilnavnet "Mangaens Gud", Mushi Productions og producerede sin første anime-serie, Tetsuwan Atom . Dette var starten på anime- boomet .
I løbet af 1970'erne ændrede anime sig hurtigt, brød båndene til sine udenlandske forfædre og gav anledning til nye genrer såsom mecha . Der var sådanne værker, for eksempel som Lupin III eller Mazinger Z. Mange berømte instruktører, især Hayao Miyazaki , Osamu Dezaki , Yoshiyuki Tomino , Mamoru Oshii og Yoshiaki Kawajiri , startede deres karriere i disse år.
I 1980'erne var anime og manga blevet udbredt i Japan og oplevede deres såkaldte "Golden Age". De første serier fra Gundam -cyklussen blev udgivet, Rumiko Takahashi begyndte sin rejse til toppen . I 1988 satte spillefilmen Akira en anime-budgetrekord (~10 millioner dollars - inklusive produktions- og marketingomkostninger [1] ) og skabte en helt ny animationsstil.
1990'erne og 2000'erne var en tid med udbredt accept for anime uden for Japan. Akira, The Ninja Scroll og 1995's Ghost in the Shell , den første til at kombinere traditionel animation og CGI, vandt verdensomspændende berømmelse. I 1997 indtjente anime-spillefilmen Princess Mononoke 160 millioner dollars i Japan.
Antallet af både anime-fans og seere, der ser det fra tid til anden, er steget mange gange. Samtidig fortsatte teknologier til at skabe og gengive anime med at forbedre sig i Japan: studierne skiftede til computergrafik, idet de aktivt brugte tredimensionel animation. Fra tegnefilm for børn fra det tidlige 20. århundrede har japansk animation udviklet sig til en kultur, der skaber mangfoldige, seriøse og sjove, følelsesladede og naive værker beregnet til teenagere, børn og voksne.
Den ældste kendte anime, fundet i 2005, blev skabt for omkring et århundrede siden - omkring 1907. En kort tegneserie med titlen " Katsudo shashin " bestod af halvtreds rammer tegnet på celluloidtape . Drengen, der er afbildet på dem, tegner hieroglyfferne 活動写真, der betyder "bevægende fotografier" og brugte dengang til at betegne ordet "biograf", vender sig derefter mod beskueren, tager sin hat og bukker. Kunstneren og forfatteren til denne animation er ukendt [2] [3] . I 1917 begyndte de første animationsfilm at dukke op i Japan. Deres varighed varierede fra et til fem minutter. Tidlige japanske tegnefilm inkluderer Dekoboko shingate ( New Sketchbook) af Dekoten Shimokawa, Saru kani kassen ( Crab and Monkey Fight ), Dull Sword (なまくら刀, Namakura gatana ) (1917) og Momotaro (1918) af [4] Kit . Værkerne fra den første fjerdedel af det 20. århundrede blev hovedsageligt skabt af entusiaster, der var inspireret af deres udenlandske kollegers kreationer. Nogle gange blev plottene og karaktererne i en sådan anime lånt fra vestlig kultur, men oftere var de tilpasninger af gamle japanske eventyr . Varigheden af individuelle tegnefilm fra perioden i 1920'erne kunne nå 15 minutter [4] [5] [6] .
Af forskellige årsager er de fleste af disse års værker nu gået tabt. Det er dog kendt, at nogle af dem blev vist for offentligheden og endda indsamlede penge i biograferne. I stumfilmsæraen , animatorer som Dekoten Shimokawa , Junichi Kochi , Seyotaro Kitayama , Sanae Yamamoto (hvis Mt. Obasute tegnefilm anses for at være den ældste kendte navngivne anime [7] ), Yasuji Murata og mester i skyggeanimation, Noboru Ofuji , arbejdede i stumfilmstiden . De fleste af dem arbejdede hjemmefra, selvom de blev støttet af ejerne af biografer, og købte af dem rettighederne til at vise deres kreationer [6] . Deres værker var kendetegnet ved enkelhed og klarhed, og blev derfor gradvist efterspurgte i samfundet [3] .
Anden generation af japanske animatorer dukkede op i førkrigstiden. På dette tidspunkt havde japansk folklore i anime givet plads til nye, ofte humoristiske plots i vestlig stil. Animation har vundet offentlighedens opmærksomhed og statens interesser; især amerikansk animation var populær [8] . Det japanske undervisningsministerium ydede økonomisk støtte til animatorerne, da anime oprindeligt blev brugt i skoler som undervisningsmidler. Med tiden blev denne genre efterspurgt på andre områder: videnskab, reklame, politik [9] . I løbet af disse år blev de første love vedtaget, der begrænsede publikum af værker - nogle anime blev anerkendt som egnede til demonstration kun for personer over 15 år.
Animen afspejlede også den generelle politiske og sociale situation i Japan. I 1930'erne blev den politiske censur intensiveret [10] . I 1932 blev Masaoka Film Production etableret af Kenzo Masaoka, som kun var engageret i skabelsen af animation. I 1933 producerede den den første lydtegnefilm kaldet Chikara to onna no yononaka [8] . En af de første sluger af den fremadskridende militarisme var den 11 minutter lange tegnefilm Yasuji Murata Norakuro ( japanskのらくろNorakuro , "Korporal Norakuro") , udgivet i 1934 , baseret på tegneserien af samme navn om en uheldig hund, der som menig i dyrenes hær [11] . Efter den japanske invasion af Kina i 1937 blev de første censurlove vedtaget, som i høj grad forenklede kontrollen med fremstillede produkter. I førkrigsårene dukkede et stort antal propaganda-anime op, bestilt af militæret. Formålet med sådanne film var at fremme patriotisme og nationalisme blandt de japanske unge [12] [13] .
Med udbruddet af Anden Verdenskrig begyndte anime-stilen også at ændre sig. Animen skulle ikke ligne vestlige tegnefilm. I 1942 blev de amerikanske film Gone with the Wind og Snow White and the Seven Dwarfs vist ved en privat visning i Tokyo [12] . Tegnefilmen, der er i farver, gjorde et stærkt indtryk på seeren. Den japanske regering besluttede at finansiere oprettelsen af Japans første propagandategnefilm i fuld længde og gav Mitsuyo Seo til opgave at sammensætte et hold animatorer til dette formål. I 1943 udkom således den 37 minutter lange animationsfilm Momotaro no Umiwashi ( Jap. 桃太郎の海鷲 Momotaro no Umiwashi , "Momotaro the Sea Eagle") , hvis plot gengiver det japanske angreb på Pearl Harbor . I 1945 filmede Seo en efterfølger - Momotarou: Umi no Shinpei ( Jap. 桃太郎 海の神兵 Momotaro: Umi no simpei , "Momotaro er en guddommelig sømand") , som fortalte om et hold af stærke frygtløse dyr fra Indonesien og Malaysia . fra djævelske hornede rumvæsener, der symboliserer amerikanske tropper [14] . Denne tegneserie gjorde indtryk på den unge Osamu Tezuka , som efter at have læst den besluttede at blive animator [15] .
Efter krigens afslutning var Japans økonomi i tilbagegang. På trods af at censur og statslig deltagelse i skabelsen af animation praktisk talt blev reduceret til nul [16] , dukkede ingen væsentlige værker op i næsten ti år. Ved at implementere planen for efterkrigstidens transformation af Japan begyndte amerikanerne især massivt at importere deres filmprodukter til dets territorium (i begyndelsen af 1950'erne, efter besættelsens afslutning, begyndte japanske distributører at købe animationsfilm på en frivilligt grundlag), som et resultat af hvilket det japanske publikum fik mulighed for at se med mange populære amerikanske tegnefilm fra tiden, såsom Mickey Mouse, Anders And og Superman [17] . Den tekniske overlegenhed af amerikanske film forbløffede japanske animatorer, som indså behovet for at skabe store animationsstudier efter de amerikanske linjer. De første sådanne studier var Nippon Doga og Toho Eiga [13] [ 18] . Nippon Doga blev grundlagt af Masaoka Kenzo og Yamamoto Sanae . Instruktør Yasuji Mori [19] begyndte sin karriere på dette studie . Små atelierer kunne ikke længere tjene offentlighedens behov, og store virksomheder opstod ikke på grund af virksomhedens risiko og den vanskelige økonomiske situation i landet.
Situationen ændrede sig med fremkomsten i 1956 af Toei Animation (en del af det japanske filmselskab Toei og indtil 1998 kendt som Toei Doga), skabt af Hiroshi Okawa efter købet af Nippon Doga [20] . Studiets første film var den sort-hvide korte tegnefilm "Kitten Doodle" (こねこのらくがきKoneko no Rakugaki ) [21] , og i 1958 udgav Toei Doga sin første fuldlængde farve anime film med titlen " The Legend of the White Snake " ( Jap. 白蛇伝 Hakujaden ) , som havde en seriøs indflydelse på den fremtidige animator Hayao Miyazaki . Fremkomsten af Toei markerede begyndelsen på en ny periode i udviklingen af anime - en periode med professionel kreativitet. Studiets første spillefilm fulgte kanonerne i Disneys værker meget nøje : plottene var baseret på folkeeventyr, musik- og sangindlæg blev brugt, og dyr optrådte i filmene sammen med folk, der ydede støtte til hovedpersonerne [22] [ 23] . Samtidig var studiet fra de første år af dets eksistens fokuseret på skabelsen af anime-serier [20] . Det tredje store projekt i Toei Doga-studiet var filmen " Rejsen til Vesten " ( Jap. 西遊記 Saiyu: ki ) instrueret af Taiji Yasubita , baseret på mangaen fra den dengang berømte kunstner Osamu Tezuka [24] . Virksomheden eksisterer stadig i dag og forbliver det ældste kendte japanske animationsstudie.
Et væsentligt bidrag fra tidlig Toei til moderne anime var brugen af "nøglescener". En udbredt metode til at skære ned på animationsomkostningerne i dag er at gengive individuelle, visuelt betydningsfulde frames med meget større detaljer end den samlede videostream. Yasuo Otsuka , en animator hos Toei, var den første, der brugte denne teknik, og skabte den, mens han eksperimenterede med at gøre animation lettere at arbejde med.
I den tidlige anime-serie i 60'erne var det populært at portrættere et heroisk barn eller teenager, der besidder overmenneskelige kræfter og kæmper mod det onde. Samtidig finder han nødvendigvis støtte fra almindelige mennesker - professoren og nye venner-børn. Typiske eksempler er: Space Ace [25] , Prince Planet , Dolphin Oji , Astro Boy og andre.
En væsentlig indflydelse på udviklingen af japansk animation i 1960'erne var den udbredte brug af tv i landet [26] . I 1963 begyndte Osamu Tezuka , en velkendt japansk kunstner og forfatter til en række populære mangaer , at producere sin første animerede sort - hvide tv-serie Tetsuwan Atomu (鉄腕アトム, engelsk Astro Boy , russisk "Mighty Atom" " ) , som det er sædvanligt at begynde historien om japanske anime-serier med. Det var dog ikke den første anime-serie på japanske tv-skærme - sådan var Otogi Manga Calendar , udgivet siden 1962 . Ikke desto mindre var det Tetsuwan Atomu, der først brugte et gennemgående plot og permanente karakterer, med hvem der skete visse ændringer gennem hele plottet - de dukkede op, forsvandt, voksede op, blev gamle [28] . Tetsuwan Atomu var en af de første anime-serier vist på amerikansk tv [29] . Tezukas værker på tv fik øjeblikkeligt samme popularitet som deres manga-prototyper og inspirerede andre kunstnere til at skabe tv-serier - i 1963 blev der oprettet yderligere fire animationsstudier i Japan [30] . Tezuka selv fik, takket være sin anime, som blev almindeligt kendt, kaldenavnet "God of Manga" [31] . Tokyo Movie Shinsha blev grundlagt i 1964 og blev et af de største japanske animationsstudier. I 1965 begyndte produktionen af Mushi Productions' første farveanimerede serie kaldet Jungle Taitei (ジャングル大帝, Kimba den hvide løve ) , hvis plot dannede grundlaget for den senere Disney-tegnefilm Løvernes Konge [32] . I 1966 udgav Toei Doga sin første shoujo -serie med titlen Mahoutsukai Sally (魔法使いサリーMaho :tsŞkai Sari:, Rus. Sally the Witch ) baseret på Mitsuteru Yokoyamas manga Sunny the Witch; denne anime er også den første i den magiske shoujo- genre [33] . Udgivet i 1969, serien Himitsu no Akko-chan (ひみつのアッコちゃんHimitsu no Akko-chan , russisk "The Secret of Akko-chan" ) definerede kanonerne for maho-shojo-genren - en almindelig magt pige får magisk kraft til en bestemt genstand og går for at hjælpe mennesker; normalt understøttes det af et eller andet dyr, der også besidder magiske kræfter [34] . Af forskellige årsager er heltinden tvunget til at skjule sine evner for andre. Begge serier har haft betydelig succes i Japan [35] .
I 1968 udkom en animeret spillefilm instrueret af Isao Takahata kaldet Taiyo no Ouji Horus no Daibouken med Hayao Miyazaki og Yasuji Mori i hovedrollerne . Selvom filmen vandt popularitet blandt seere (især studerende), beskyldte Toei Doga studieledere Takahata for at have underpræsteret ved billetkontoret i dets første omgang, hvorefter han blev degraderet. Denne film anses for at være den første, som Miyazaki og Takahata arbejdede på sammen [36] .
For anime var slutningen af 1960'erne præget af eksperimentering med form og indhold. På det tidspunkt blev shonen-genrens kanon etableret i animation - en dreng med usædvanlige evner har et mål og bruger sine evner til at nå det og vokser op i processen med at overvinde prøvelser [30] . Tezuka, en tilhænger af ideen om at skabe tegneserier og animation for forskellige aldre, skabte adskillige film rettet mod et voksent publikum: disse var " Tusind og en nat " ( 1969 ), " Cleopatra " ( 1970 ) [37 ] og " Sorrowful Belladonna " ( 1973 ). ). Beladonna viste sig at være det mest usædvanlige værk blandt dem - mange mener, at denne film endda blev inspirationen til den berømte moderne anime Revolutionary Girl Utena ( 1997 ). Også i 1971 begyndte den første "voksne" tv-serie, Lupin III , at blive sendt på tv . I slutningen af 1960'erne blev kanonerne for andre anime-genrer dannet, som senere udviklede sig: mecha sentai ( Cyborg 009 ) [38] , spokone ( Kyojin no Hoshi og Attack No. 1 ), mystik ( Humanoid Monster Bem ) [39 ] , science fiction , hverdagsliv, parodi, komedie [40] , historie [41] . Også i 1969 blev der udgivet to animationsfilm, der blev klassikere af kodomo- genren og vandt popularitet i Rusland: " Puss in Boots " og "The Flying Ghost Ship " [37] . Der var en klar opdeling af anime efter køn [40] .
Også slutningen af 60'erne betragtes som overgangsperioden fra sort-hvid animation til farve. En af de første anime-serier i farver var Dolphin Oji , som dog ikke vandt den store popularitet. Tidligere ønskede udviklerne at udgive en sort/hvid version, men stoppede udviklingen på den fjerde serie og udgav snart en farveversion.
I løbet af det næste årti fortrængte tv langsomt men sikkert biograferne som den mest populære underholdning. På det tidspunkt havde animatorerne allerede en masse erfaring inden for deres felt, og anime-industrien var blevet ret profitabel. Genrammen for animerede serier blev udvidet, og nye genrer blev også dannet. Mange af kanonerne i datidens tv-serier blev videreudviklet. Uden for Japan blev animen praktisk talt ikke distribueret [42] . Den sædvanlige varighed af animerede serier fra disse år var cirka 20-30 episoder, men det afhang i høj grad af populariteten af en bestemt anime [43] . Toei Animation opgav gradvist produktionen af Disney-lignende musicals og skiftede til produktion af tv-serier. De animatorer, der arbejdede for Mushi Production, gik til nyoprettede studier som Madhouse eller Sunrise , efter at Mushi pludselig gik konkurs. Denne omfordeling af talent har generelt haft en positiv effekt på anime-industrien, da den har givet unge animatorer mulighed for at indtage nøglepositioner i studierne og efterfølgende eksperimentere ganske frit med de film, der produceres.
Et eksempel på dette er tv -serien Heidi Isao Takahata fra 1974 . Da serien var et ret realistisk drama designet til børn, blev serien oprindeligt afvist af mange tv-netværk - producenterne troede, at børn ville være interesseret i noget mere fantastisk med elementer af et eventyr. Heidi viste sig ikke desto mindre at være utrolig populær ikke kun i Japan, men også uden for dets grænser - i mange europæiske lande. Seriens uventede succes gav Miyazaki og Takahata muligheden for at arbejde på skabelsen af det litterære anime World Masterpiece Theatre . Serien kørte med succes indtil midten af 1990'erne , selvom Takahata og Miyazaki forlod projektet efter et par år.
Hovedparten af publikum bestod af børn, for hvem det meste af anime blev skabt. Hovedpersonerne i serier for børn blev normalt karakterer fra berømte børns kunstværker eller sansende dyr. Nippon Animation -studiet , oprettet i 1975 .Jap(InunoFlandersherunder,-serierkodomo, som udgav et betydeligt antal, havde en betydelig indflydelse på The Adventures of Maya the Bee " ( japanskみつばちマーヤの冒険Mitsubachi Ma:ya no bo:ken ) (1975-1976), Piccolino no Bouken ( japanskピコリーノの冒険Piccolino no bo:ken , Rus. "Eventyr snarere Piccolino end Pinocchio " , ( 1797 ) (1797 ) JapaneseあらいぐまラスカルAraiguma Rasukaru , russisk. "En vaskebjørn ved navn Rascal" ) (1977) m.fl. En af de mest populære og samtidig den længste anime var serien " Doraemon ( Japaneseドゃんs , theこs ) eventyrene for en dreng ved navn Nobita og Doraemon, en robotkat, der kom fra fremtiden. Succesen med denne serie blev lettet af forfatterens originale ideer om fantastiske enheder, karakterdesign (senere kendt som "super warp"), samt enkelheden og klarheden af de problemer, der blev rejst i plottet [31] [44] .
| " | Jeg ville skabe noget anderledes, og jeg tænkte, at det ville være interessant at have en robot, der kan køre på samme måde som en bil. | » |
— Go Nagai [31] | ||
I samme år dukkede en anden specifik, fundamentalt ny genre for anime op, mecha (serie om kæmpestore fantastiske robotter) [31] . Grundlaget for denne genre blev lagt af Go Nagai [45] . Tidlige værker, der tilskrives ham, inkluderer Mazinger Z (マ ジンガーＺ Majinga: Zetto ) ( 1972–1974) [ 45 ] , Science Ninja ガッチンマ隊科学(Team Gatchaman " ) 4 "-7" ャマ" ( 7 ) " Mobile " (7 ") 7 "-7 " 9" og "9" Suit Gundam ( Jap . Piger i disse anime spiller normalt rollen som "kæmpende veninder". Science Ninja Team Gatchaman - serien var banebrydende for konceptet med et hold på fem helte med unikke evner [46] . Go Nagais kreationer, inklusive Mazinger Z , er blevet klassikere i mecha-genren [31] . Det japanske publikum var oprindeligt lunkent over for anime Gundam , men dens popularitet voksede yderligere, og i begyndelsen af 1980'erne havde den fået kult-anime-status [48] og havde en dyb indvirkning på mecha-genren [31] . Fremkomsten af science fiction i anime har ført til et skift i fokus for serier fra superhelteeventyr til mere realistiske og udførlige rumoperaer , hvor begreberne godt og ondt ikke længere var så malerisk ligetil. Karaktererne blev udviklet dybere, hvilket gjorde det muligt for os at overveje de samme problemer fra forskellige synsvinkler. Et af science fiction-værkerne med en romantisk bias var tv-serien Space Battleship Yamato (1974-1975) instrueret af Leiji Matsumoto . Karaktererne i denne anime var baseret på begrebet europæisk romantik fra det 19. århundrede, de havde ligheder med Alexandre Dumas og Fenimore Coopers arbejde [47] . Designene til rumskibene i serien var retro-inspirerede og lignede japanske krigsskibe fra Anden Verdenskrig. I efterfølgende science fiction-serier fandt retrostyling også sted [49] .
I løbet af 1970'erne blev der fortsat produceret maho-shojo-genreserier , som havde delvise og nogle gange betydelige afvigelser fra etablerede chan-MakonoMahou :standarder ) (1970-1971), Cutey Honey (キ ューティーー,ニー,ニー,ィーハ. " Cute .Jap(chanMegu- Majokko(1973-1974),)Honey " ) (1974-1975). Så hovedpersonen i serien Mahou no Mako-chan var allerede en voksen pige, ikke en pige; plottet i serien fokuserede hovedsageligt på hovedpersonens kærlighedshistorie frem for den magi, hun besidder. Serien Cutey Honey var ikke længere beregnet til piger, men til drenge. I denne anime blev temaet kærlighed praktisk talt ikke berørt, og dets plot indeholdt mange elementer af science fiction. Majokko Megu-chan- animeen byder på erotisk humor [50] .
Der blev også filmet serier, hvis hovedpersoner kan beskrives som "antihelte". Ashita no Joe ( Jap. あしたのジョーAshita no Jo:, Rus. "Tomorrow's Joe" ) ( 1970-1971), Lupin III ( Jap . ルパン三世Rupan Sansei , Devil III "マ,Devil Rus. Debiruman , russisk "dæmonmand" ) . Hovedpersonen i Ashita no Joe var bøllen og kriminelle Joe Yabuki, som blev professionel bokser gennem indsatsen fra en ældre træner. Afslutningen på denne serie, usædvanlig for anime, blev genstand for bred diskussion. Hovedpersonen i Lupin III var tyven Arsène Lupin III. Spillefilmen Castle of Cagliostro , en efterfølger til Lupin III , indtil 1984 (da Nausicaä of the Valley of the Wind blev lavet) blev af Animage magazines læsere omtalt som "den bedste film i anime-historien". I Devilman blev der udformet en tvetydig situation, hvor helten selv skulle blive en dæmon for at kunne besejre dæmonen [51] .
I anden halvdel af 1970'erne dukkede to tv-serier op på skærmene, der havde en central indflydelse på udviklingen af shojo- genren : Candy Candy (キ ャンディ・キャンディィキャンディ Kandi) skabt af 1 Kya76 , (1 Kya76) , og Versailles no Bara (ベル サイユのばら Berusaiyu no bara , Rus. Rose of Versailles ) (1979-1980) TMC-studier. I Candy-Candy blev der dannet mange arketyper af figurerne i shojo-serien og motiverne til udviklingen af historien, som blev afspejlet i efterfølgende værker. Konceptet med at flytte karakterer til en anden æra blev dog ikke udviklet. Versailles no Bara -serien , instrueret af Tadao Nagahama og Osamu Dezaki, er meget historisk nøjagtig (den eneste fiktive karakter i den er pigen Oscar) og betragtes som en af de bedste historiske anime. Oscar er kaptajnen for paladsvagterne, som klæder sig i herretøj og opfører sig som en ung. Hovedpersonen er ikke japansk, da en sådan adfærd blev betragtet som uacceptabel for en japansk pige, og værkets handling finder ikke sted i Japan, men i Frankrig [52] .
I løbet af 1970'erne begyndte anime langsomt at finde vej ind i den vestlige kultur, men ofte blev den ikke oversat til de relevante sprog, eller oversættelsen blev udført af fans. Den samme anime, der blev sendt på tv, blev normalt redigeret, da distributionsselskaberne håbede på at gøre serien mere forståelig for ikke-japanske publikummer på denne måde. Fans var ofte utilfredse med vanskeligheden ved at købe de passende produkter [53] . I 1977 blev den første klub af fans af japansk animation organiseret i USA [54] .
Perioden i 1980'erne omtales almindeligvis som "Animes gyldne tidsalder" [55] . Blandt teenagere født i 1960'erne og allerede kendt med anime, var der efterspørgsel efter mere seriøse værker, der passede til deres interesser. Takket være aktiviteterne fra både unge animatorer og professionelle inden for deres felt, er anime-industrien blevet en del af ikke kun japansk, men også verdenskultur. Markedet for amatørkunstværker udviklede sig også. Efterfølgende dannede nogle af dets medlemmer (f.eks. CLAMP-gruppen og Gainax -studiet ) selv seriøse kommercielle foreninger [56] .
Da Space Battleship Yamato og Mobile Suit Gundam dukkede op på skærmene , var otaku - subkulturen ved at opstå (i Japan refererer dette udtryk til en hengiven fan af noget, og udenfor en fan af anime og manga) [57] , som senere haft en væsentlig indflydelse på udviklingen af anime-industrien [58] . I begyndelsen af 1980'erne blev serier af en lignende genre udgivet, herunder animefilmen Waga Seishun no Arcadia (わが 青春のアルカディアWaga Seishun no Arukadia , Rus. Arcadia of My Youth , ji baseret på værkerne af 82, Mattosum ) (19 Leisum) Uchuu Taitei God Sigma ( 1980—1981 ) , Uchuu Senshi Baldios ( Jap . _ _ _ "Space Warrior Baldios ) (1980-1981), Hyakujuu Ou Golion ( Jap . 百獣王ゴ ゃBeasts Golion ) (1981-1982). I samme periode udkom anime-serien Chou Jikuu Yousai Macross ( japansk: 超時空要塞マクロスChou Jikuu Yousai Makurosu , Rus. "Macross Hyperspace Fortress" ) , som oprindeligt var tænkt som en parodi på sig selv, men allerede eksisterende rum. blev et af de populære værker af denne genre og foretog en række ændringer i kanonerne for mecha-sentai-genren. Introduktionen af karakteren Lynn Mingmay, en populær sangerinde, i historien skyldtes den stigende popularitet af japansk popmusik blandt unge mennesker. Sang Kan du huske vores kærlighed? udført af Mari Ijida (seiyu Minmei) vandt priser på hitlisterne for japansk musik [59] . Kun få i starten gik fans af datidens sjældne rumserier og science fiction sammen og fandt hinanden gennem fælles hobbyer og gennem tidlige anime- magasiner som Animage eller den senere Newtype . Selve fremkomsten af sådanne magasiner var et svar på den voksende popularitet af anime i alle segmenter af befolkningen.
De første fans af anime dukkede også op i andre lande, og selve japansk animation begyndte gradvist at komme ind på verdensmarkedet [60] . Nogle populære anime er blevet importeret til USA og vist på tv (oprindeligt med undertekster og senere eftersynkroniseret) [61] . En almindelig praksis på den tid var at omarbejde serien før showet: for eksempel blev Gatchaman , efter den første behandling, til Battle of the Planets ( 1978 ), mens den anden gjorde G-Force ( 1986 ) ud af det. Det ikoniske rumslagskib Yamato blev udgivet i Amerika i 1979 som Star Blazers . Robotech -serien fra 1985 blev sammensat af tre forskellige anime-serier - The Super Dimension Fortress Macross , Super Dimension Cavalry Southern Cross og Genesis Climber Mospeada [61] [62] . Den første generation af amerikansk otaku voksede op på disse reviderede og udvidede versioner af japanske serier.
I begyndelsen af 1980'erne blev serier skabt i genren "fantastisk komedie". En af de første serier af denne genre var Dr. Slump ( Jap. Dr. スランプ Dokuta: Surampu , Rus. "Doctor Slump" ) (1981-1986), baseret på mangaen af Akira Toriyama og fortæller om eventyrene for den gale videnskabsmand Slump og den mekaniske pige Arale, han skabte. I 1982 udkom filmatiseringen af Rumiko Takahashis manga Urusei Yatsura (う る星やつら Urusei Yatsura , Rus. "Horrible Aliens" ) (1981-1986), instrueret af Mamoru Oshii . Hun bestemte i vid udstrækning historielinjerne i efterfølgende romantiske komedier og karaktererne af heltene i værkerne i denne genre, især tilstedeværelsen af en kærlighedstrekant i historien. I den periode, den romantiske komedie med elementer af mystik Tokimeki Tonight ( Jap.ときめきトウ ナイトTokimeki to : naito , Rus. "Night Passions" ) (1982-1983) og den fantastiske komedie Dirty Pair ". Dirty Cup . ) (1985), hvis hovedpersoner blev en klassisk duet af en vovehalspige og hendes rolige ven. I sådanne serier spillede humor hovedrollen, og ikke miljøets realisme [63] . Maho-shojo anime-serien fortsatte også med at blive udgivet. I begyndelsen af 1980'erne, såsom serier som Mahou Shoujo Lalabel ( Jap. 魔法少女ララベルMaho: sho: jo Raraberu , Rus. "Ung troldkvinde Lalabel" ) ( 1980-1981), Mahou no Princess Minky Mo.mo リンセスモモ モモモモモモモモモモモモモモ. -1984). Et af de kendetegn ved anime Mahou no Princess Minky Momo var hovedpersonens død, som ikke fandt sted i tidligere analoger. I Maho no Tenshi Creamy Mami kunne hovedpersonen Yu Morisawa forvandle sig fra en 10-årig pige til en 16-årig pige, der er en populær sanger; historier med popstjerner skyldtes det daværende grundlag for japansk showbusiness. Plottet, hvor en lille pige på magisk vis bliver til en voksen og succesfuld pige, blev afspejlet i senere serier af denne genre [64] .
Over tid begyndte otaku-subkulturen at have en mærkbar indflydelse på skabelsen af anime. Nogle af de første otaku blev selv instruktører og animatorer, hvilket ikke kunne andet end at påvirke de produkter, de producerede, såsom Daicon Films, som senere blev Gainax-studiet. Grundlæggerne af Gainax, som er otaku, startede deres kreative karriere ved at lave korte anime-film til Daicon Scifi-konkurrencen . Efterfølgende, med økonomisk støtte fra Bandai , filmede de også den dyre film Ouritsu Uchuugun - Honneamise no Tsubasa (王立宇宙 軍 オネアミスの翼 Oritsu utyu: gun - Oneamisu no tsubasa 1 , Russian Force , Honneyal Space, 8 ) , og et år senere - debutprojektet af instruktør Hideaki Anno Top o Nerae! Gunbuster ( Jap. トップをねらえ! Toppu o nerae , Rus. "Sig efter toppen! Gunbuster" ) , hvis historie indeholdt mange vittigheder og parodier [65] .
Tegnefilm i fuld længde blev aktivt filmet. De mest kendte var børneanime Unico (ユニ コ Yuniko ) (1981) , sci-fi-filmen Space Adventurer Cobra Gekijouban ( japansk スペースアドベンチャー コブ ラ Support:8 , Russisk : 8 , 1999 ) no Gen (は だしのゲン Hadashi no Gen , Rus. Barefoot Gen ) (1983). I 1982 blev en lidet kendt fantasy actionfilm Future war 198X nen udgivet , hvis plot fortalte om en mulig tredje verdenskrig mellem USA, Japan og USSR og om romantikken mellem en russisk pige Tanya og en japansk Xiong . 1983-filmen Golgo 13 (ゴル ゴ13 Gorugo Sa:chi:n ) var den første til at bruge computergenererede specialeffekter. I de samme år blev en af de mest berømte klassiske animefilm optaget - Kaze no Tani no Nausicaa ( Jap. 風の谷のナウシカKaze no Tani no Nausicaa , russisk Nausicaa fra Vindenes Dal ) (1984). Nausikai-direktør Hayao Miyazaki og hans partner Isao Takahata var i stand til at etablere deres eget studie under protektion af den tidligere Animage- redaktør Toshio Suzuki og kaldte det Studio Ghibli . Kamui no Ken (カムイ の剣 Kamui no ken , Russian Divine Sword ) (1985), instrueret af Rintaro , etablerede en ny kvalitetsstandard for animation i fuld længde. Dens plot fortæller om en ung kriger, der er anklaget for at myrde sin mor, som rejser verden rundt for at hævne sig på de rigtige mordere. Animation i spillefilmslængde toppede i anden halvdel af 1980'erne [66] .
Måden, hvorpå anime distribueres, har også udviklet sig. Ud over den traditionelle fremvisning af serier på tv er der dukket en separat salgsretning op, kaldet OVA ( Eng. Original Video Animation , "animation direkte til salg på video") [67] . I midten af 1980'erne var det blevet udbredt på hjemmevideomarkedet [68] . OVA-produkter blev ikke vist på tv, men blev straks solgt på videokassetter. Efterfølgende havde de en betydelig indflydelse på udviklingen af anime [69] . Den første kendte skabelse af dette format er science fiction-videoserien Dallos (ダ ロス Darosu ) (1983-1984), skabt under ledelse af Mamoru Oshii [70] . Efterfølgende begyndte OVA-produkter at blive aktivt brugt til foreløbig evaluering af værket, før de lavede dens fuldlængde eller tv-version. Mange kendte serier, såsom Patlabor , startede som OVA'er, men modtog efterfølgende tv- eller filmopfølgere. Fremkomsten af den første komplette pornografiske anime, hentai , såsom Lolita (ロ リータアニメ Rori:ta anime ) (1984) og Cream Lemon ( Jap. くりいむレモモン Kuri:mu ) er også forbundet med adventet af O.Kuri:mu ( 8) . -1986) - før det var deres forfattere begrænset af censuren af tv og biografer [67] . Den anden serie, som kombinerer erotik og parodi på populær manga og anime, opnåede betydelig popularitet, og på grund af det høje salgsniveau blev der filmet forskellige OVA-spin-off-serier baseret på den; og ordet "citron" kom til at henvise til amatørparodier på seksuelle temaer [71] .
I midten af 1980'erne var der allerede et stort antal animationsstudier i Japan, og selve animeindustrien blev fyldt op med nye mestre. Efter udgivelsen af filmen "Nausicaä of the Valley of the Wind" steg interessen for spillefilm både blandt publikum og blandt animatorer. I 1986 udkom Tenkuu no Shiro Laputa (天空の 城ラピュタ Tenku: no shiro Rapyuta , Rus. Laputa Castle in the Sky ) instrueret af Hayao Miyazaki, en parodifilm Project A -Ko (プ ョゐ and Auroゐsteampunk - filmen Vindaria . Efterfølgende faldt produktionen af animefilm, men produktionen af OVA-serier steg [72] . I 1988 fandt en velkendt begivenhed i spillefilmshistorien sted - mangakaen Katsuhiro Otomo optog filmen Akira baseret på hans egen manga. Takket være den tekniske udførelse og indviklede plot gjorde denne film et enormt indtryk på hele verden. I 1989 udgav Miyazaki den lange animerede film Majo no Takkyuubin (魔女の 宅急便Majo no takkyu:bin , Rus. "Kiki's Delivery Service" ) , baseret på børnebogen Kiki 's Delivery Service. Selve filmen var en integreret historie om heksen Kikis liv, som leverer postpakker, mens bogen var en samling af individuelle historier om hendes liv [73] .
I anden halvdel af 1980'erne begyndte udgivelsen af sci-fi anime at falde [74] , og cyberpunk dominerede japanske animationsfilm . Typisk skildrede en sådan anime en dystopisk fremtidsverden styret af kunstig intelligens. I 1987 udkom OVA Black Magic M-66 (ブ ラックマジック Burakku majikku , russisk "Black Magic M-66" ) , baseret på mangaen af samme navn af Masamune Shiro , og serien Bubblegum Crisis ( jap. バブルガム) begyndte at blive udgivet.クライシス Baburugamu Kuraisisu , russisk "Bubblegum Crisis" ) (1987-1991), som umiddelbart efter udgivelsen blev en klassiker i cyberpunk-genren. Et år senere blev yderligere to Shiros værker filmatiseret - Appleseed (ア ップルシ－ド Appuru si:do , russisk "Apple Seed" ) og Dominion: Tank Police ( Jap. ドミニオン Dominion ) (1988-1989). OVA blev udgivet under navnet Kidou Keisatsu Patlabor (機動警察パトレイバKido : keisatsu Patoreiba , Rusland. "Mobile Police Patlabor" ) (1988-1989), som efter genre tilhørte både [7] cyber.nk . Nogle af de animerede tv-serier produceret på det tidspunkt opnåede betydelig popularitet og var kommercielt succesfulde. Disse var Dragon Ball ( Jap. ドラゴンボール Doragon Bo:ru , Rus. "Dragon Ball" ) ( 1986-1989), Saint Seiya ( Jap . 聖闘士星矾 Sainto Seiya , Rus. Kimagureびびバび magureきバびOrenji ro:do , Rus. "Whims of Orange Street" ) (1987-1988) og " Ranma ½ " ( Jap.らんま½ Ranma nibun-no ichi ) (1989). Derudover begyndte publikum at vise interesse for seiyu , idet de gav udtryk for anime-karakterer, efter udgivelsen af Ranma ½ blev Megumi Hayashibara en af de mest populære stemmeskuespillerinder [76] . Slutningen af 1980'erne blev en tid med højbudgettet og eksperimentelle produktioner til anime. I 1985 , med deltagelse af Yoshitaka Amano , blev en ny film af Mamoru Oshii, Angel's Egg , udgivet . OVA-formatet tillod også, at mange korte ikke-standardværker blev udgivet, såsom Take the X Train , Neo-Tokyo og Robot Carnival (alle fra 1987 ).
Filmene blev mere og mere ambitiøse, gang på gang forsøgte de at overgå hinanden og nå højderne af popularitet og betydning af Nausicaa. Bemærkelsesværdige film fra den æra omfatter Night on the Galactic Railroad ( 1985 ), The Tale of Genji ( 1987 ) og Grave of the Fireflies ( 1988 ), alle baseret på velkendte værker fra japansk litteratur. Succesen med individuelle film førte til en stigning i finansieringen til andre projekter, og fremkomsten af sådanne store budgetkreationer som Arion ( 1986 ) og Mobile Suit Gundam: Char's Counterattack (1988). Omkostningerne ved at producere anime-strimler kulminerede i de to dyreste anime-film til dato, King's Landing ( 1987 ) og Akira ( 1988 ).
De fleste af disse film klarede sig dog ikke godt ved billetkontoret. Både Akira og Wings of Honneamise floppede ved billetkontoret på deres første biografudgivelse. Investeringskrisen, der opstod som følge af sådanne dystre resultater, forårsagede lukningen af mange anime-studier, mens andre måtte opgive eksperimenter og vende tilbage til gennemprøvede løsninger og plots. Et af de få studie Ghibli led smertefrit af et fald i finansiering , med en misundelsesværdig konstant udgivelse af succesrige film. Deres næste film, "The Witch's Delivery Service ", udgivet i 1989 , indtog førstepladsen ved billetkontoret det år, og indsamlede mere end 40 millioner dollars under dens biografvisning.
På trods af Akiras fiasko ved det japanske billetkontor, var det en succes uden for landet. Da filmen blev vist i mange lande i Europa og Amerika, blev filmen meget populær og repræsenterede endda til en vis grad den japanske animation fra disse år i Vesten. Med Osamu Tezukas død i 1989, finanskrisen og stigningen i international interesse for anime, anses den periode, der kaldes "guldalderen", for at være forbi.
I begyndelsen af 1990'erne havde anime-stilen ændret sig. Det er blevet mere elegant, og på samme tid har producenterne øget midlerne til dets oprettelse. Kawaii -stilen er blevet udbredt [77] . En af de første serier i denne stil var animefilmen Fushigi no Umi no Nadia (ふし ぎの海のナディアFushigi no umi no Nadia , Rusland. "Nadya fra det mystiske hav" ) (1990-1991) instrueret af Hide plot, som delvist var baseret på Jules Vernes romaner 20.000 ligaer under havet og Fem uger i en ballon. I 1991 udkom en anden 3×3 OVA-serie, Eyes, instrueret af Daisuke Nishio. I denne anime er hovedpersonen Yakumo fuldstændig afhængig af pigen Pai, som gav ham livet tilbage - i japansk kultur betragtes denne tilstand som en skam for en mand [78] . I 1992 blev OVA Bannou Bunka Nekomusume ( Jap. 万能文化猫娘 Banno: bunka neko musume , russisk "Modern universal cat girl" ) (1992-1994) udgivet, hvis hovedperson er androidpigen Nuku-Nuku. for at beskytte hovedpersonen Ryunosuke. Heltinderne fra 3×3 Eyes og Bannou Bunka Nekomusume blev udtalt af Megumi Hayashibara [79] . Der var også en ny slags anime, skabt baseret på spillene [80] .
I begyndelsen af 1990'erne steg interessen for fantasy-genreværker i Japan. For eksempel skabte instruktør Akinori Nagaoka og Madhouse Studio anime Record of Lodoss War (ロ ードス島戦記 Rō: dosu to: Senki , "Annals of the Wars of Lodoss Island") (1990-1991) baseret på romanen af Ryo Mizuno . Verden af dette fiktive værk blev skabt under indflydelse af John R. R. Tolkien og japanske legender om gamle helte og monstre. Udseendet af alfen Deedlit er blevet en model for udseendet af en alf i manga og anime [81] . Siden 1991 begyndte film fra Arslan Senki -serien (ア ルスラーン戦記 Arusura: n Senki , Arslan's War Record) (1991-1995), baseret på Yoshiki Tanakas romaner, at blive udgivet. Samtidig blev OVA-serien RG Veda ( Jap. 聖伝-RG VEDA- Seiden Rigu Bi:ta , "Rig Veda") (1991-1992) baseret på CLAMP -mangaen af samme navn [82] også frigivet . 1992 OVA-serien Bastard!! var mere rettet mod et yngre publikum. Indstillingen af denne anime var bemærkelsesværdig for det komplekse system af magiske besværgelser, som senere dannede grundlaget for mange anime i fantasy-genren. Serien bruger også et typisk anime- og manga-element, hvor en karakter siger navnet højt, når man bruger en kampteknik [83] . OVA Dragon Half (1993) kombinerede fantasi og modernitet; denne kombination spillede en stor rolle i den videre udvikling af anime-stilen [84] . Fremkomsten af cyberpunk-genren er standset på grund af faldet i popularitet , men relateret anime bliver stadig udgivet : Cyber 808OedoCity Roujin Z ( Jap.老人Z Ro:jin Zetto , "Old Man Z") ( 1991), Gunnm ( Jap.ガンムGammu , "Drømme om våben") (1993) [85] . I 1995 udkom animationsfilmen " Ghost in the Shell ", som vandt stor popularitet [53] .
Shoujo -anime blev ved med at blive udgivet: Kingyo Chuiho! ( Jap. きんぎょ注意報! Kingyo chui:ho!, "Pas på! Guldfisk!") (1991-1992), Mamono Hunter Youko ( Jap. 魔物ハンター妖子 Mamono Hanta ") (1991-1995), Oniisama e... ( Japanese おにいさまへ... Onii-sama e... , Dear Big Brother) (1991-1992), Hime-chan no Ribbon ( Japanese 姫ちゃんのン Hime -chan no ribon , "Hime Ribbon") (1992-1993). En af de vigtigste begivenheder i denne genres historie var udgivelsen i 1992 af den animerede serie Bishoujo Senshi Sailor Moon ( Jap .), som kombinerede de magiske shoujo- og sentai-genrer, eftersom der nu var fem heltinder med magiske kræfter [86 ] . I samme periode udkom shojo-serien Marmalade Boy (ママ レード・ボーイ Mamare: do bo: y ) (1994-1995), hvis indslag var det komplekse romantiske forhold mellem en lang række karakterer. Denne anime er kendetegnet ved realisme - karakterernes kostumer blev modelleret efter teenagemodens resultater fra den periode [87] . En af de mest betydningsfulde OVA-serier i den periode var Tenchi Muyo! (天地無用! Tenchi muyo :! , "Tenchi er overflødig!") , som oprindeligt var tænkt som en parodi på Star Wars , og Aa! Megami-sama (あ あっ 女神さまっ Aa! Megami-sama!, "Min gudinde!") , hvor temaet om karakterernes skæbne for hinanden er til stede [88] . Hayao Miyazaki og Isao Takahata fortsatte med at lave lange animationsfilm i Studio Ghibli: Just Yesterday (1991), Porco Rosso (1992), Pompoko: War of the Tanuki (1994) [89] .
Efter en stigning i popularitet i de foregående år, i begyndelsen af 1990'erne, var anime i en finansieringskrise [90] . Budgetter blev undervurderet, og lovende projekter blev indskrænket på grund af manglende midler. Kvaliteten af anime-serier og film var faldende, forbundet med en tilbagevenden til gennemprøvede plots og designs; Tv-shows blev kortere, med 13 eller 26 episoder, der blev normen, selvom dette tal tidligere blev betragtet som minimum [91] [92] . Producenterne ville ikke risikere at støtte dyre eksperimentelle film.
I 1995 udkom tv-serien Evangelion , som senere blev et kulthit [91] . Den blev instrueret af Hideaki Anno fra Gainax Studios . Serien fortsætter udviklingen af begreberne i mecha-genren - robotterne, der er til stede i den, kombinerer både mekaniske dele og biologisk stof; plottet antyder også Evangelionernes guddommelige oprindelse [31] . Serien kombinerer ideer og motiver, der er af interesse for både anime-fans og et bredere publikum [93] . Samme år blev to andre serier udgivet - " Brawlers " instrueret af Takashi Watanabe, som fortæller om troldkvinden Lina Inverses og Bakuretsu Hunter ( jap . I alle tre serier er der ingen klar grænse mellem godt og ondt - hver af karaktererne har sine egne mangler og forfølger personlige mål [94] .
Da "Evangelion" først blev sat i børnenes tidsrum , var det ekstremt upopulært, på trods af dets oprindelige tilknytning til ret søde mecha- børn . Et par episoder senere blev tidsrummet ændret, og i sin nye egenskab vandt Evangelion uventet offentlighedens opmærksomhed. På kort tid blev serien utrolig berømt i Japan, og snart blandt anime-fans over hele verden. Fortalt kaotisk, krøllet, ved hjælp af mange kunst -hus- tricks, blev historien om en dreng, der løb fra virkeligheden, modtaget så godt, at ti år senere er salget af ledsagende varer - heltefigurer, samleobjekter - stadig ret stort.
"Evangelions" indflydelse på anime-industrien var så stor, at den endda gav anledning til en række såkaldte "post-Evangelion"-serier. De fleste af dem tilhører også pelsgenren og har en form for religiøse, filosofiske eller psykologiske overtoner. RahXephon , Brain Powered , Gasaraki , Betterman og Blue Gender er eksempler på sådanne serier . En anden pastiche af tv-shows affødt af Evangelion - eller i det mindste givet en anden vind af showet - er den psykedeliske, mærkelige eller meget usædvanlige, kontroversielle serie. Siden udgivelsen af Experiments Lane ( 1998 ) anime er midnats-tv blevet et springbræt for mange eksperimentelle serier.
I begyndelsen af det 21. århundrede oplevede udviklingen af anime endnu en periode med aktiv vækst. Anime er blevet allestedsnærværende uden for Japan, hvilket forårsager udviklingen af en beslægtet subkultur i mange lande. Både antallet af anime-distributører og antallet af virksomheder, der udgiver det, er vokset. Mængden af deres produkter er stigende, og ofte ikke på bekostning af kvaliteten. Det generelle niveau af animationskvalitet er stigende, computerteknologier bruges aktivt til at skabe anime og manga.
På trods af at de første firmaer, der licenserer og distribuerer anime i USA, dukkede op længe før det, var slutningen af 1990'erne og begyndelsen af 2000'erne præget af styrkelsen af disse virksomheders positioner og stigningen i deres antal. På det amerikanske marked er anime-licenssituationen blevet sådan, at de fleste anime-produktioner er licenseret og udgivet inden for et år efter deres udgivelse i Japan. Denne interesse for anime påvirker dets finansiering i Japan, hvor mange distributører, såsom Geneon , sponsorerer oprettelsen af individuelle anime-serier og film. Situationen med anime-licenser i Rusland har også ændret sig til det bedre: I de år dukkede flere store russiske virksomheder, der køber licenser og distribuerer anime, faktisk op fra bunden.
Med udviklingen af computerteknologi bruger anime i stigende grad computergrafik . For nylig dukker 3D-animationsindsatser op selv i ikke alt for store projekter. Der er en anime, der udelukkende er skabt ved hjælp af disse teknikker. For eksempel kombinerer Gantz ( 2004 ) håndtegnede forgrundsfigurer med fuldt 3D-miljøer, der arver fra mangaen af samme navn skabt på samme måde.
Mindre mærkbar ved første øjekast, men meget vigtigere præstation var den fuldstændige overgang til computergrafikbehandling. I dag er grafikken af næsten enhver anime oversat efter at være blevet tegnet til et computerformat eller tegnet med det samme ved hjælp af grafiske tablets . Alt arbejde med kombination af billeder, skabelse af animation, overlejring af lyd og musik udføres i digital form. Oversættelse af video til bånd kan kun udføres på sidste trin; dog med udviklingen af fjernsynet, og det er nogle gange ikke påkrævet i dag.
Med stigningen i antallet af producerede serier stiger antallet af ikke-standard eksperimentelle bånd også. Den sædvanlige anime-frihed til kreativitet hos instruktøren gør det muligt at implementere de mest uventede ideer. Antallet af traditionelle føljetoner lavet i henhold til alle genrernes kanoner falder dog heller ikke. Ofte udarter sådanne værker endda til stereotyp kreativitet, som efter manges mening ikke repræsenterer noget værd. Ikke desto mindre ender nogle serier, der ser fuldstændig stereotype ud, med at blive meget usædvanlige og vinde betydelig popularitet. Sådan for eksempel Love Hina ( 2000 ) og School Rumble ( 2005 ).
Stigende popularitet har på den anden side givet anledning til fænomenet anime, der udelukkende er rettet mod et otaku -publikum . Efter den utrolige succes med Evangelion i 90'erne, forsøgte mange studier deres hånd med at skabe serier, der kunne blive "klassikere" for fans af japansk animation. En anden udviklingsretning, der er blevet aktivt brugt for nylig, er fanservice . Rammer med erotisk indhold er indlejret i videosekvensen af en sådan anime, eller endda hele serien er viet til erotik, mens der opretholdes et bestemt plot. Hot Summer ( 2003 ) og Hand Maid May ( 2003 ) er eksempler på anime med en udtalt fanservice af denne art . Nogle gange er anime baseret på populære japanske erotiske dating-sim-videospil, men sådanne tilpasninger kan også være ret seriøse værker, såsom Kanon ( 2002 ).
En anden variant af fanservice er omtalen af otaku-kulturen i serien, i nogle tilfælde en demonstration af deres "usædvanlighed" og "løsrivelse fra resten af verden." Opstod tilbage i 1980'erne med Gainax 's Otaku no Video , er trenden blevet genopbygget i de senere år med adskillige værdige værker, som nogle gange udforsker otaku på et ganske seriøst niveau. For eksempel er Genshiken ( 2004 ) helt viet til subkulturen af fans af japanske underholdningsprodukter.
Et andet usædvanligt fænomen i de senere år har været den japanske animator Makoto Shinkai , der alene skabte sine første korte animefilm " She and Her Cat " ( 1999 , 5 min.) og " Voice of a Distant Star " ( 2002 , 30 min.) eller med hjælp fra din ven. Efter således at have fået offentlig opmærksomhed og finansiering udgav han i 2004 en film i fuld længde og en halv time " Beyond the Clouds " ( Beyond the Clouds, the Promised Place ). Et andet eksempel på "manuelt" arbejde på filmen var arbejdet fra 2009 Oscar-vinderen Kunio Kato . Hans film har filosofiske overtoner og er beregnet til et voksent publikum. Filmene instrueret af Mamoru Hosoda " The Girl Who Leapt Through Time " og " Summer Wars " blev et slående fænomen.
Udviklingsprocessen er kendetegnet på den ene side af den yderligere udbredte brug af computergrafik, og på den anden side af styrkelsen af streamingtjenesternes rolle, Amazon Prime Video , Crunchyroll og Netflix . Seerne foretrækker fantasy-anime som Granblue Fantasy The Animation , og for billeder som Berserk er efterspørgslen begrænset, så der har udviklet sig en ond cirkel: lavere ratings - færre penge - dårligere animation - endnu lavere ratings. Animeindustrien er i krise [95] .
I 2014 stoppede Studio Ghibli med at udgive almindelige tegnefilm i spillefilmslængde. I 2015 udtalte Hideaki Anno, at om 20 år "vil situationen i Japan ikke tillade dig at skødesløst skabe anime uden at tænke på noget." Efter hans mening vil Taiwan og andre asiatiske lande blive centrum for produktionen [96] . Thailand , Malaysia og Vietnam blev også nævnt blandt dem , hvor der er mange unge energiske animatorer uddannet i vestlige virksomheder [97] . Siden 2018 har Kina, der tidligere var partner i japanske studier, aktivt fokuseret på produktionen af sin egen animation. Forringelsen af kvaliteten af arbejdet i Japan kan føre til stagnation i industrien. Arbejdsudvalgssystemet er effektivt til at reducere risici, men ikke på det globale marked [98] . Japan Animators and Directors Association påpegede, at arbejdsforholdene for almindelige ansatte stadig er vanskelige (ulovligt overarbejde) [99] [100] og lønningerne er lave [101] [102] .
På trods af vanskelighederne fortsatte kendte værker med at dukke op, og nye atelierer blev åbnet. I 2016 udgav Makoto Shinkai den mest indtjenende anime i årtiet - " Dit navn ", og i 2019 - " Weather Child ". Ifølge en rapport fra det japanske indenrigsministerium tegnede anime sig for over 80 % af eksporten af broadcast-indhold i 2018 [103] . Samtidig erhvervede Netflix rettighederne til at vise Evangelion for en masse penge, som mistede sin amerikanske licens siden 2009 efter lukningen af ADV [104] . I 2019 købte HBO Max tilladelse til at udsende Studio Ghibli-anime [105] .
En alvorlig hændelse var ildspåsættelsen af Kyoto Animation-studiet den 18. juli 2019 , som blev en af de mest dødbringende brande i japansk historie (36 mennesker døde, inklusive to af studiets topinstruktører og to bemærkelsesværdige produktionsdesignere).
Listerne over de bedste anime i årtiet, kompileret af sites Crunchyroll, Funimation , IGN og Polygon , inkluderer følgende: " Durarara!! ", Haikyu!! , " Attack on Titan ", Mahou Shoujo Madoka Magica , Hunter × Hunter , JoJo's Bizarre Adventure , Kill la Kill , Space Dandy , " One Punch Man ", " Stein's Gate ", " Tokyo Ghoul ", " My Hero Academia ", Dragon Ball Super , " Re:Zero. Livet fra bunden i en alternativ verden , Fate/Zero , Sword Art Online , Your Name og Demon Slayer [ 106] [107] [108] [109] .
COVID-19-pandemien har påvirket både produktionsprocessen og udgivelsen af nye serier og film. Skæbne/ophold nat: Heaven's Feel III er blevet omlagt . forårssang , Evangelion: 3.0+1.0 , tredje sæson af My Youth Romantic Comedy Is Wrong, As I Expected , anden sæson af No Guns Life , anden sæson af Re:Zero. Restarting Life in an Alternate World ", Sword Art Online: Alicization - War of Underworld , den anden Violet Evergarden -film [110] [ 111] [112] [113] , mange af de allerede udsendte serier blev sat i bero [114] . Også aflyst festival Anime Expo 2020 [115] . Efterhånden som Netflix' rolle er blevet større under pandemien, er nogle japanske studier begyndt at have svært ved at sælge rettighederne til tilknyttede produktioner (overskud er ofte baseret på merchandise, ikke screening); streamingtjenesten kan nemt skifte til kinesiske og koreanske virksomheder, hvor kvaliteten af produktionen er stigende [116] [117] . Undtagelsestilstanden tvang os til at skifte til et online-format og til fjernarbejde. At udsende anime på tv er blevet vanskeligere, fordi der er et overudbud af serier og mangel på tid til at sende dem [118] . På denne baggrund annoncerede Sony Corporation [119] udvidelsen af animationsvirksomheden i udlandet , ved hjælp af Aniplex , Animax , Сrunchyroll, Funimation og PlayStation -mærket , distribution udføres på engelsk og kinesisk [120] . På AnimeJapan 2021-festivalen annoncerede Netflix udgivelsen af 40 nye anime [121] . Tallet på 40 anime om året blev angivet af Kadokawa i planerne for 2023 [122] . Premierminister Fumio Kishida lovede at hæve indkomsterne for arbejdere i industrien [123] . Efter 2022 vil afhængigheden af USA øges: ikke kun Netflix, Crunchyroll, Disney+ , men også HBO Max, Peacock og Apple TV+ forsøger at kontrollere produktionen. Det er sandsynligt, at det japanske monopol på anime vil ophøre, og produktion og udgivelse vil blive mere global [124] . Ifølge Yoshiyuki Tomino har den kritiske situation udviklet sig på grund af udviklingen af digitale teknologier. En åbenlys trussel er animation fra Kina, hvor en generation af fagfolk er vokset op gennem de seneste 10 år. Der er en fornemmelse af, at Japan vil tabe fuldstændigt forretningsmæssigt [125] .
I 2021 afgjorde Big West, Studio Nue og Harmony Gold USA en flerårig retssag om rettighederne til Macross- og Robotech -franchiserne , hvilket tillod dem at blive distribueret over hele verden [126] .
Den mest indbringende anime-film nogensinde var Demon Slayer: Infinite Train [ 127] .
| Anime og manga | ||
|---|---|---|
| ||
| Anime | ||
| Manga | ||
| Efter målgruppe | ||
| Om et bestemt emne | ||
| Spil | ||
| Otaku kultur | ||
| Portal om anime og manga | ||