Kazan, Elia

Den aktuelle version af siden er endnu ikke blevet gennemgået af erfarne bidragydere og kan afvige væsentligt fra den version , der blev gennemgået den 4. september 2022; checks kræver 2 redigeringer .

Elia Kazan
engelsk  Elia Kazan
Navn ved fødslen	Ilias Kazangioglu
Fødselsdato	7. september 1909( 07-09-1909 )
Fødselssted	Konstantinopel , Osmannerriget
Dødsdato	28. september 2003 (94 år)( 2003-09-28 )
Et dødssted	New York , USA
Borgerskab	USA
Erhverv	filminstruktør , manuskriptforfatter , filmproducent
Karriere	1934-1976
Priser	Oscar (1948, 1955, 1999) Golden Globe ( 1948, 1955, 1957, 1964) Directors Guild of America Award ( 1955 , 1983, 1987) Tony (1947, 1949, 1959)
IMDb	ID 0001415
Mediefiler på Wikimedia Commons

Elia Kazan ( født  Elia Kazan , født Ilias Kazangioglu ( græsk: Ηλίας Καζαντζόγλου ); 7. september 1909  - 28. september 2003 ) var en amerikansk teater- og filminstruktør, producer og manuskriptforfatter, der strakte sig over perioden for 30-1909 1970'erne.

Kazan opnåede sin første store succes på Broadway , hvor han blev dirigent for en ny skuespillerskole baseret på Stanislavsky-systemet . Siden 1935 begyndte Kazan at iscenesætte forestillinger på det berømte eksperimentelle teater The Group Theatre , og i 1947 blev han en af ​​grundlæggerne og førende direktør for Actors Studio , en af ​​de mest prestigefyldte teatergrupper i sin tid. I 1947 bragte Kazans produktion af to skuespil særlig succes - " All My Sons " (1947) af Arthur Miller , som indbragte Kazan hans første Tony Award for bedste instruktør, og " A Streetcar Named Desire" (1947-1949) af Tennessee Williams . Efterfølgende modtog Kazan Tony-priser for at instruere Death of a Salesman (1949-1950) baseret på et skuespil af Miller og JB (1958-1959) baseret på et skuespil af Archibald MacLeish , samt Tony-nomineringer for forestillinger af Cat on a Hot Tin Roof "(1955-1956) baseret på skuespillet af Williams, " Darkness at the Top of the Stairs " (1957-1959) baseret på stykket af William Inge og " Sweet Bird of Youth " (1959-1960) baseret på stykket af Williams.

Siden 1945 begyndte Kazan at arbejde i Hollywood som instruktør. Han blev belønnet med Oscars for instruktion af Gentleman's Agreement (1947) og On the Waterfront (1954), samt Oscar-nomineringer for A Streetcar Named Desire (1951), East of Paradise (1955) og America, America (1963, hvilket også skaffede ham ) nomineringer for bedste manuskript og bedste film for producer). Kazans andre mest betydningsfulde film inkluderer A Tree Grows in Brooklyn (1945), Panic in the Streets (1950), Viva, Zapata! (1952), " Chrysalis " (1956), " Face in the Crowd " (1957) og " Splendor in the Grass " (1961). Som instruktør opnåede Kazan anerkendelse ved at iscenesætte film om følsomme sociale og moralske emner, der er baseret på stærk dramaturgi, såvel som på grund af hans evne til at opnå fremragende præstationer fra sine skuespillere. I alt 21 skuespillere blev nomineret til Oscars for at spille i Kazans film. Kazan bragte til stjernerne så unge og tidligere lidt kendte skuespillere som Marlon Brando , James Dean og Warren Beatty , i hans film spillede skuespillerinderne Vivien Leigh , Eva Marie Saint , Carroll Baker og Natalie Wood nogle af deres bedste roller .

Sammen med to Oscars for instruktion har Kazan også vundet en Oscar for enestående præstation i kinematografi , fire Golden Globes for instruktion og forskellige prestigefyldte priser på mange prestigefyldte internationale filmfestivaler, herunder filmfestivalerne i Cannes og Venedig .

Kazans liv og karriere blev skæmmet af en kontroversiel handling, da han i 1952 på et møde i U.S. Congressional Un-American Activities Committee navngav otte af sine tidligere teaterkolleger, som sammen med ham var medlemmer af det amerikanske kommunistparti i USA. begyndelsen af ​​1930'erne . Dette førte til, at de blev sortlistet af Hollywood og reelt udelukket fra Hollywood i næsten to årtier, mens Kazans egen karriere steg i vejret, efter at han vidnede. Efterfølgende forsøgte Kazan gentagne gange at forklare og retfærdiggøre sin handling, men mange anerkendte filmskabere accepterede ikke hans forklaringer.

Biografi

Elia Kazan (født Ilias Kazangioglu) blev født den 7. september 1909 i Konstantinopel , Osmanniske Rige (nu Istanbul , Tyrkiet ). Han var en af ​​fire sønner i en anatolsk græsk familie [1] [2] [3] [4] . Hans far emigrerede til New York , hvor han blev tæppehandler, kort før 1. Verdenskrigs udbrud, hvor han udskrev resten af ​​familien [1] [2] [3] . På tidspunktet for sin ankomst til USA var Kazan 4 år gammel. Familien bosatte sig oprindeligt i New York, i det græske område Harlem , og da han var otte år gammel, flyttede familien til forstaden New Rochelle [4] .

Efter at have afsluttet gymnasiet, hvor Kazan deltog "uden megen udmærkelse", meldte han sig ind på det private Williams College i Williamsburg , Massachusetts . For at betale for sine studier arbejdede han på deltid som tjener og opvasker [1] . På college fik Kazan tilnavnet "Gage" (forkortelse for "Gadget"), som ifølge Kazan selv blev givet til ham, fordi han "var lille, kompakt og excentrisk ... hjælpsom, praktisk og altid medgørlig lille type." Dette kaldenavn, som han hadede, forblev hos Kazan resten af ​​hans liv [4] [1] . Som Kazan selv sagde, gjorde han sig selv til "at finde et fælles sprog med mennesker, for at blive accepteret, for at blive usynlig." Senere John Steinbeck , der skrev manuskriptet til Viva Zapata! ”, sagde til ham: „Sikke et kælenavn! Nyttigt for alle andre end dig selv! [1] . Kazan tilskrev meget sin anatolske oprindelse, især hvad han i sin selvbiografi kaldte "lysten til at fawn og evnen til at foregive." Han havde det samme "anatolske smil", som han "ikke kunne lide så meget hos sin far, et smil der skjuler vrede" [1] .

På college var Kazan en outsider [1] . Som filmhistoriker David Thompson skriver: "På college og senere på Dramaskolen var Kazan altid en forarget outsider, en vred, obsessiv indtrængen. rørte dem med sin fremmede energi" [2] . Ofte arbejdede han som bartender ved elitestudenterfester, som han ikke kunne komme ind på som medlem af en lukket studenterforening. Som Kazan sagde, "ved sådanne studenterfester blev min besatte tiltrækning til andres kvinder født, og mit behov for at tage dem for mig selv." Han indrømmede senere, at han hele sit liv var "en manisk kvindeforfører" [1] .

På trods af sine senere præstationer fortsatte Kazan hele sit liv med at se sig selv som en outsider. Som han sagde i et interview fra 1995: "Mange kritikere kalder mig en outsider, og det formoder jeg, fordi jeg er en udlænding, jeg er en immigrant. Jeg mener, jeg kom ikke ind i samfundet. Jeg gjorde oprør mod ham. Og selv når jeg havde succes, forblev jeg en outsider. Fordi det er min natur." [1] .

I sit sidste år på college så han filmen Battleship Potemkin af Sergei Eisenstein , hvorefter han besluttede sig for seriøst at forfølge skuespil. Efter sin eksamen med udmærkelse fra Williams College gik Kazan ind på Yale School of Drama , hvorefter han sluttede sig til Group Theatre i New York i 1933 [4] [1] .

Teaterkarriere i 1930'erne-1960'erne

I 1932, efter to år på Yale School of Drama, kom Kazan ind på The Group Theatre i New York City som skuespiller og instruktørassistent [1] [4] [2] . Han optrådte første gang på Broadway-scenen i The Dolly (1932), hvorefter han spillede rollen som ordfører i det medicinske drama Sidney Kingsleys " Men in White " (1933-1934), som også spillede Joseph Edward Bromberg , Paula Strasberg , Lewis Leverett , Clifford Odets , Tony Kreiber , Art Smith , Phoebe Brand og hendes mand Morris Karnofsky , alle 19 år senere ville Kazan kalde kommunister [3] .

I 1934 sluttede Kazan sig til kommunistpartiet med sin kone , Molly Day Thatcher , ligesom mange unge mennesker i kunsten, der så ødelæggelsen af ​​den store depression og længtes efter at opnå en form for lovende fremtid . Men ifølge David Thomson fra The Guardian , "Kazan blev ikke skabt til at være et pligtopfyldende medlem af partiet. Han havde vilkårlig smag. Især elskede han Orson Welles arbejde . Til sidst ankom en partifunktionær, "en mand fra Detroit ," til Kazans cellemøde og tugtede ham foran de andre. Der blev stemt om Kazans medlemskab af partiet, og han blev enstemmigt udelukket. Han blev en outsider, selv i de nidkære 1930'ere hadede han hemmelighedskræmmeri og paranoia og kunne ikke bære undertrykkelsen af ​​individualitet .

I 1930'erne var Kazan og Odets nære venner. Efter at være blevet dramatiker opnåede Odets "stor succes med sit kraftfulde enakters skuespil" Waiting for Lefty (1935). I denne forestilling spillede Kazan perfekt den betydningsfulde rolle som en vred taxachauffør, der opildnede sine kolleger til at strejke, og derefter vendte sig mod auditoriet og opfordrede til at synge med ham: "Strejk!". Gruppeteatrets medstifter Harold Clerman huskede i sin bog The Flaming Years (1945): “Elia gjorde et fantastisk indtryk. Alle var sikre på, at vi tog ham direkte fra taxaen specifikt til denne rolle . I anden halvdel af 1930'erne spillede Kazan i Paradise Lost (1935) og The Golden Boy (1937) skuespil af Odets, musicalen Johnny Johnson (1937) til musik af Kurt Weill , samt i Irvine Shaws skuespil De yndige mennesker » (1939) [1] [2] [5] .

I slutningen af ​​1930'erne fandt Kazan sig selv som instruktør af forestillinger [2] [1] . I 1935 instruerede Kazan sit første skuespil, The Young Go First (1935), efterfulgt af Casey Jones (1938) og Thunder Rock (1939) baseret på skuespil af Robert Ardrey [5] [2] . I 1937 vendte Kazan sig først til biografen og lavede sin første film med filmfotografen Ralph Steiner , den 20 minutter lange uafhængige dokumentar The Cumberland Men (1937) [2] .

I 1940 tiltrak Kazan Hollywoods opmærksomhed [3] med sin optræden i stykket baseret på stykket af Odets "Natmusik " (1940) , og i 1940-1941 spillede han i to gangsterfilm instrueret af Anatole Litvak [1]  - " To Conquer city " (1940) og " Blues in the Night " (1941). Ifølge Thomson "er han god til begge dele, men han betragtede aldrig sig selv som mere end en skurk eller en karakterskuespiller" [2] . Som Dick Vosburg skrev i The Independent , i sommeren 1940 spillede Kazan "en sympatisk gangster i Warner Bros ' Conquer the City. Uventet skudt af en gangsterkollega dør han og siger: "Åh min Gud, jeg havde ikke forventet det her!", og det var et af filmens mest mindeværdige øjeblikke . Ifølge Vosburgh tilbød studieleder Jack Warner ifølge Hollywood-legenden Kazan en flerårig skuespillerkontrakt, mens han rådede ham til at skifte navn til Paul Cezanne. Da den unge skuespiller påpegede, at der allerede var en Paul Cezanne , svarede Warner angiveligt: ​​"Dreng, du laver et par hitbilleder, og folk vil helt glemme den fyr!" [3] . Efter at have spillet klarinettist i det samme studie i Blues at Night (1941), tog Kazan beslutningen om at koncentrere sig om at instruere. I sin selvbiografi fra 1988, Elia Kazan: A Life, skrev han: "Jeg besluttede den sommer, at jeg aldrig ville være skuespiller igen, og det blev jeg aldrig igen" [3] .

Kazan vendte tilbage til sit teater og hurtigt "fangede den kreative kraft i det på, som det viste sig, et kritisk øjeblik" [2] . Under den store depression blev The Group Theatre betragtet som det mest betydningsfulde eksperimentelle teater i sin tid. I sit arbejde stolede han på Stanislavsky-systemet , "når skuespilleren internt oplever den følelse, som han skal legemliggøre på scenen, og korrelerer karakterens følelser med sin egen erfaring." Kazan stoppede dog ikke der. Tidligere, da han arbejdede som instruktørassistent ved Teaterlauget , så han en anden tilgang til teaterforestillingen, som blev legemliggjort af skuespilleren Osgood Perkins . Kazan skrev: "Der er ingen følelser, kun dygtighed. I alle aspekter af teknisk udstyr var han uforlignelig " [1] . Fra dette tidspunkt begyndte Kazan i sit arbejde at stræbe efter at kombinere begge metoder - psykologiske og professionelle eller tekniske: "Jeg troede, at jeg kunne tage den type kunst, som Perkins var et eksempel på - udadtil ren handling, rettet og kontrolleret til hvert minut og ved hver tur med tilbageholdende, men overbevisende bevægelser - og kombiner det med den type spil, som gruppen  byggede - intens og virkelig følelsesladet, forankret i underbevidstheden, og derfor ofte uventet og chokerende i sin afsløring. Jeg ville prøve at bringe disse to modsatrettede og ofte modstridende traditioner sammen . Som Mervyn Rothstein skriver i The New York Times: "Ved at kombinere disse to teknikker blev Kazan kendt som en skuespillerinstruktør - for mange inden for kunsten var han den største skuespillerinstruktør nogensinde. Mange kritikere sagde, at den præstation, han senere fik af Marlon Brando , Rod Steiger , Karl Malden , James Dean , Julie Harris , Carroll Baker , Eli Wallach og Natalie Wood , blandt mange andre, var den bedste i deres karrierer .] .

I 1942 modtog Kazan strålende anmeldelser for sin produktion af den populære komedie Crown Cafe (1942), som var hans første store succes som teaterinstruktør [1] . Komedien The Skin of Our Teeth (1942-1943) fulgte snart efter, baseret på et skuespil af Thornton Wilder [1] , med en "drømmebesætning" inklusive Tallulah Bankhead , Fredric March og Montgomery Clift . Stykket blev et stort hit og kørte i 359 forestillinger. Selve stykket vandt en Pulitzer-pris , og Kazan blev tildelt New York Theatre Critics Society Award for sin produktion [1] [2] . Denne produktion var et gennembrud for Kazan [4] . Dette blev efterfulgt af sådanne hitproduktioner som musicalen One Touch of Venus af Kurt Weill og Ogden Nash ( 1943-1945, 567 forestillinger) med Mary Martin og den antifascistiske komedie Jacobowski and the Colonel (1944-1945, 417 forestillinger) [ 3] [1] .

Til sidst kom Kazan til den konklusion, at Group Theatre tog fejl, når det kom af, at teater er en kollektiv kunst. Han sagde: "For at få succes skal du udtrykke en persons vision, overbevisning og vedvarende tilstedeværelse. Denne person skal have en passion for klarhed - med en manuskriptforfatter finpudser han hovedtemaet i manuskriptet og analyserer derefter hver linje for motivation og dramatisk spænding .

I 1947 grundlagde Kazan, Sheryl Crawford og Robert Lewis Actors Studio som en særlig platform, hvor skuespillere kunne vokse i deres fag og udvikle den psykologiske viden, der var påkrævet i de stykker, der dominerede Broadway i 1940'erne og 1950'erne [1] [2 ] ] . Senere sluttede Lee Strasberg sig også til Actors Studio , som blev dets faste leder fra 1951 til sin død i 1982 [2] . Aktiviteterne i Actors Studio, som praktiserede at agere efter en metode tæt på Stanislavsky-systemet, viste sig at være yderst indflydelsesrig i sit ønske om den indre sandhed, som skuespilleren skal afsløre. Det var faktisk denne metode, der forvandlede skuespilleren fra en professionel tolk til et kreativt geni. Desuden fungerede denne metode ifølge Thomson med sit personlige udtryk endnu bedre på skærmen end på scenen [2] . Skuespillerstudiet blev et slags spirituelt hjem for teaterfolk, og skuespillerne kunne godt lide Kazans tilgang til instruktion [4] .

I denne periode startede Kazans samarbejde med dramatikere som Arthur Miller og Tennessee Williams , hvilket etablerede Kazan som en af ​​de mest magtfulde skikkelser på Broadway [1] . I 1947 fik Kazans to skuespil, All My Sons (1947) af Arthur Miller og A Streetcar Named Desire (1947-1949) af Tennessee Williams , særlig succes . Skuespillet All My Sons, som kørte i 328 forestillinger, var Kazans første samarbejde med Miller. Iscenesættelsen af ​​dette skuespil, som talte om "det onde genereret af profitmageri i krigen", ifølge Rothstein, blev udført "uimodståeligt" [1] . Forestillingen bragte to Tony -priser - til Miller som forfatter til stykket og til Kazan - som instruktør [6] .

I 1947 begyndte Kazan sit Broadway-samarbejde med Tennessee Williams. Deres første fælles værk var produktionen af ​​stykket A Streetcar Named Desire (1947-1949, 855 forestillinger) [4] , som dramatikeren blev tildelt Pulitzer-prisen for. Som Rothstein bemærker: "Dette skuespil om den degenererede sydlige aristokrat Blanche Dubois og hendes søsters voldelige mand Stanley Kowalski, gjorde Kazan til en fremtrædende Broadway-instruktør, og Kowalskis karakter gjorde den 23-årige Brando til en fantastisk ny stjerne" [1 ] . Som Thomson bemærkede, "produktionen er vigtig for dens fysiske energi i forestillingen, den psykologisk rige adfærd i inkarnationen af ​​Brando, som Kazan valgte at spille Kowalski. Og den særlige amerikanske spillestil, som Kazan udviklede under stærk indflydelse fra Stanislavsky" [2] . Teaterkritiker John Chapman fra The New York Daily News kaldte stykket "et af de mindeværdige stykker, hvor alt er rigtigt, og der ikke er noget, der er galt." Med undtagelse af Jessica Tendy , der spillede Blanche Dubois på Broadway, gentog hele New York-besætningen af ​​A Streetcar Named Desire deres roller i filmatiseringen af ​​stykket fra 1951 . Stykket vandt to Tony Awards for bedste drama (Williams) og bedste dramatiske skuespillerinde (Tandy) [7]

I denne periode befandt Kazan sig ved en korsvej - på den ene side var han allerede begyndt at arbejde i Hollywood, på den anden side var han stadig tiltrukket af sine teatralske rødder i den østlige del af landet . Ifølge Thomson var Kazan "optaget af de muligheder, biografen gav i forhold til at skabe virkelighed med vind, luft og valg af lokation, såvel som i forhold til drama og i forhold til at vise godt skuespil. Som instruktør blev han mere visuel, mere filmisk og , sagde nogle, mere en Hollywood-mand, som han selv elskede at foragte .

Kazan besluttede dog ikke at opgive scenen [2] . Han fortsatte sit samarbejde med Miller med Death of a Salesman (1949-1950, 742 forestillinger), som en kritiker kaldte "en fascinerende og destruktiv teatralsk eksplosion, som kun den moderne teatergængers nerver kan holde ud" [4] . Mervyn Rothstein i The New York Times kaldte stykket "endnu en teatralsk milepæl" for Kazan, "en ødelæggende anklage mod den amerikanske livsstil med Lee Jay Cobb i hovedrollen som den gennemsnitlige amerikanske sælger Willy Loman" [1] . Miller modtog en Pulitzer-pris for dette stykke og to Tony -priser - for bedste skuespil og bedste forfatter, Kazan modtog en Tony for instruktion, derudover bragte stykket priser for bedste mandlige birolle ( Arthur Kennedy ), bedste dramaproducer og bedste kunstneriske instruktør [8] .

1950'erne var præget af en række nye succesrige produktioner af Kazan på Broadway. Især iscenesatte han for første gang på Broadway forestillingerne Camino Real (1953) baseret på stykket af Williams, samt Tea and Sympathy (1953-1955) baseret på stykket af Robert Anderson . Stykket blev spillet 712 gange og bragte skuespillerens Tony Award til John Kerr , samt Theatre World Awards til skuespillerne Anthony Perkins og Mary Fickett [1] [3] [9] . Kazans næste store succes var Katten på et varmt tag (1955-1956, 694 forestillinger) baseret på et skuespil af Williams, hvis tekst, under Kazans kontrol, var genstand for betydelig revision. For dette stykke blev Williams ud over Pulitzer-prisen for bedste drama også tildelt en Tony-nominering. Tony-nomineringerne gik også til Kazan for bedste instruktør, Barbara Bel Geddes  for bedste skuespillerinde og Joe Milziner for bedste scenografi [2] [1] [3] [10] .

Blandt Kazans mest succesrige produktioner er dramaet Darkness at the Staircase (1957-1959, 468 forestillinger) baseret på skuespillet af William Inge , som indbragte fem Tony-nomineringer, herunder bedste skuespil (nomineringer blev tildelt Inge som forfatter, Kazan og Arnold Saint-Subber som producenter) og separat til Kazan for bedste produktion [11] . Stykket " JB " (1958-1959, 364 forestillinger) baseret på skuespillet af Archibald MacLeish , som indbragte dramatikeren Pulitzer-prisen for bedste drama, vandt også to Tony-priser - MacLeish for bedste skuespil og Kazan for bedste instruktør. som nomineringer til Tony for Best Art Direction og skuespillerne Christopher Plummer og Nan Martin [12] . Dramaet " Sweet Bird of Youth " (1959-1960, 375 forestillinger) baseret på stykket af Williams gav Kazan New York Critics Award og en Tony-nominering for bedste instruktør, samt Tony-nomineringer for Geraldine Page og Rip Torn . [ 3] [2] [13] I 1961 udtalte Kazan, at "de svimlende omkostninger ved Broadway-produktionen" og producenternes skærende øveplaner gjorde det "næsten umuligt at producere et kunstnerisk vovet værk". Han forlod Broadway for at skrive romaner og manuskripter [1] .

Efter en pause fra litterært og filmarbejde vendte Kazan tilbage til New York i 1964 som instruktør og kunstnerisk leder (sammen med Robert Whitehead ) af det nye Vivian Beaumont Theatre , som dengang var under opførelse i Lincoln Center [1] . Mens det nye teater blev bygget, instruerede Kazan fem produktioner, herunder to baseret på Arthur Millers After the Fall (1964-1965) og It Happened in Vichy (1964-1965), på ANTA/Washington Square Theatre i Greenwich Village [1 ] .I stykket "Efter faldet" (1964-1965, 208 forestillinger), som var usædvanligt for Kazan, ikke-lineært og surrealistisk. Arthur Miller udtrykte sine tanker og følelser efter afslutningen af ​​sit ægteskab med Marilyn Monroe [1] [2] . Forestillingen bragte skuespillerinden Barbara Loden , som ville blive Kazans kone i 1967, Tony og Theatre World-priserne for bedste skuespillerinde, og skuespilleren Jason Robarts Jr. bragte en Tony-nominering [14] . Kazan producerede også Marco's Millions (1964) baseret på et skuespil af Eugene O'Neill , producerede og instruerede komedien But Who's Charlie (1964), Changeling (1964) baseret på tragedien af ​​Thomas Middleton , producerede stykket Dette skete i Vichy " (1964-1965) baseret på skuespillet af Arthur Miller (iscenesat af Harold Klerman), samt Molières komedie Tartuffe (1965), som bragte tre Tony-nomineringer, herunder Kazan som en af ​​producererne og William Ball for den bedste produktion [5] [15] . Men uenigheder med Lincoln Centers bestyrelse førte til, at Kazan og Whitehead trådte tilbage i 1965 før færdiggørelsen af ​​Vivian Beaumont Theatre [1] . ikke til din smag" [4] .

Filmkarriere i 1945-1952

Som Rothstein skriver, "efter at have nået toppen i teatret, begyndte Kazan at søge anerkendelse som filminstruktør" [1] . Kazans første spillefilm var melodramaet A Tree Grows in Brooklyn (1945), baseret på den bedst sælgende roman Betty Smith fra 1943 .

Denne rørende historie følger den irske Nolan-families problemer og trængsler, der bor i en lejlighedsbygning i Brooklyn i 1912. Familien omfatter en far ( James Dean ), en smuk og venlig men uansvarlig alkoholiker, en hårdtarbejdende og ansvarlig mor, Katie ( Dorothy McGuire ), og to børn, 13-årige Francie ( Peggy Ann Garner ) og 12- årige Neely. Historien fortælles fra en klog og ædru Francie, som elsker sin far og stræber efter viden. Moderens frisindede og lidt ekstravagante søster, tante Sissi ( Joan Blondell ) [16] [1] [2] tager også aktivt del i familiens liv . Som filmkritikeren Dick Vosburg skrev i The Independent , da 20th Century Fox -produceren Louis D. Lighton foreslog, at Kazan skulle instruere en filmversion af romanen, svarede studielederproducenten Darryl F. Zanuck : ”Jeg er naturligvis mistænksom over for dybe tænkere i filmen. De tænker nogle gange så dybt, at de går glip af målet.” Filmen viste dog, at Zanuck tog fejl. Filmen blev leveret med stor følelse, og James Dean og Peggy Ann Garner vandt Oscars for deres præstation . Filmen blev også nomineret til en Oscar for bedste manuskript [3] . Dette blev efterfulgt af "Western soap opera" Sea of ​​​​Grass (1947), som handlede om St. Louis samfundsdame Luthie Cameron ( Katherine Hepburn ), der gifter sig med en stor New Mexico kvægejer, oberst Jim Brewton ( Spencer Tracy ) . Obersten fører en hård kamp med de nye bosættere, der besætter hans lande. I første omgang støtter Luti sin mand, men snart bliver hun frastødt af oberstens intolerance og grusomhed, og hun forlader ham. Hun slår sig ned i Denver og indleder en affære med advokaten Bryce Chamberlain ( Melvin Douglas ), som går ind for bosætternes rettigheder. Et stykke tid efter sin søns fødsel vender hun dog tilbage til obersten, men uden ordentlig opmærksomhed fra forældrene vokser sønnen ( Robert Walker ) op som en kriminel, der til sidst bliver dræbt af en politimandskab [17] .

I starten kunne Kazan lide historien så meget, at han specifikt henvendte sig til Metro-Goldwyn-Mayer Studios med en anmodning om at give ham muligheden for at lave en film baseret på den. Kazan sagde senere i et interview, at han blev tiltrukket af værket af "skalaen af ​​klassisk amerikansk historie" og "følelsen af, at noget vidunderligt går tabt, når historisk forandring indtræffer." Kazan ønskede at optage en storstilet film på stedet med relativt obskure "ruhudede" skuespillere, men til sidst blev han tvunget til at arbejde i en studiepavillon med stjerner af første størrelsesorden. Som Kazan senere sagde, hvis "jeg vidste, at en film om græs, åbne rum og himmel" ville blive optaget i pavillonen, og "hvis jeg var stærk nok og selvsikker i mig selv, hvis jeg forsvarede min egen værdighed, så ville jeg nægte Men jeg blev lært ikke at stoppe op og lede efter den bedst mulige løsning." Kazan kunne slet ikke lide det endelige udkast til manuskriptet, men der var lidt han kunne gøre, da hans indflydelse i Hollywood på det tidspunkt var begrænset. Ifølge filmkritiker Jeremy Arnold prøvede Kazan sit bedste, men som han forudså, var arbejdet kaotisk og ubehageligt. De største problemer var den produktionstidsplan, studiet havde fastsat og alvorlige konflikter mellem instruktøren og de to stjerner. Tracy led af alkoholproblemer, på grund af hvilke han konstant underagerede, men Hepburn, for at holde sin partner fra et fuldstændigt sammenbrud, beundrede hans spil i hver scene, hvilket ikke gav Kazan mulighed for at legemliggøre hans vision om at handle i filmen . Som et resultat, ifølge Arnold, "viste det sig ikke kun den mest atypiske film for Kazan, men også den svageste film fra Tracy-Hepburn-stjerneduoen" [17] . Den moderne kritiker Dennis Schwartz kaldte billedet for et "skuffende studie-epos Western", der "på trods af dets generøse budget og kompetente produktion er irriterende langsomt bevægende, langhåret, kedeligt, og derudover, for en western, mangler det tydeligvis handling. .. For meget virker falsk i denne gammeldags landbrugsfejde, inklusive den unaturlige hovedrolle af urbane komedie-melodrama-stjerner i westerns. De bringer unødvendig opstyltet teatralitet til billedet og ser tvunget ud” [18] .

Zanuck og Kazan gik derefter sammen om den meget mere succesrige Boomerang! (1947), som var baseret på en mordsag fra det virkelige liv og blev filmet i en lille by svarende til, hvor den fandt sted [3] . Filmen åbner med det chokerende mord på en ældre præst under en aftentur ned ad hovedgaden i en lille by i Connecticut . Politiet pågriber hurtigt en lokal drifter ( Arthur Kennedy ) mistænkt for mord, hvorefter anklager Henry Harvey ( Dana Andrews ) træder til for at sikre en skyldig dom. Først, støttet af lokale myndigheder og offentligheden, fører Henry med succes sagen til en skyldig dom, men så tvivler han på den anklagedes skyld, da alle undersøgelsens konklusioner er baseret på indicier. Selv på trods af den anklagedes tilståelse, føler Harvey, at han er uskyldig. Han foretager en uafhængig undersøgelse, og efter dyb refleksion frafalder han anklagerne, trods stærkt pres på ham [19] .

De fleste filmkritikere og anmeldere gav filmen positive anmeldelser. Bosley Krauser i The New York Times , der gjorde opmærksom på en vis afvigelse i manuskriptet fra det faktiske materiale, roste samtidig billedets kunstneriske fordele og skrev, at "materialets præsentationsstil resulterede i et drama af sjælden klarhed og styrke" og, efter hans mening, "som et melodrama med humanistiske og sociale overtoner har det ingen kunstneriske fejl" [20] . Magasinet Variety kaldte filmen "fortalt i en semi-dokumentarisk stil, et gribende melodrama fra det virkelige liv" [21] og James Agee i The Nation skrev, at "Boomerang!" kan være stolte af "det mest upåklagelige skuespil, jeg har set i én film" [3] . Den moderne filmkritiker Paul Tatara mente, at filmen "forbliver et gribende billede, der rammer hårdere og bevæger sig hurtigere end de fleste film fra den æra" [19] . Billedet blev nomineret til en Oscar for bedste manuskript og på filmfestivalen i Cannes  for bedste film, mens Kazan modtog priser fra National Council of Critics og New York Film Critics Society som instruktør. Kazan selv betragtede denne film som sit gennembrud i biografen [19] .

Kazan instruerede sit næste billede, det sociale drama Gentlemen's Agreement (1947), på Twentieth Century Fox . Filmen handler om journalisten Phil Green ( Gregory Peck ) , der efter at have flyttet til New York City får til opgave af magasinredaktør John Minifie ( Albert Dekker ) at skrive en artikel om antisemitisme . For et dybere dyk ned i emnet beslutter Green, som ikke er jøde , at leve i et halvt år og udgive sig for at være jøde.

Han møder forlagets niece, lærer Cathy Lacey ( Dorothy McGuire ), der begynder at date hende. Cathy godkender Phils holdning til antisemitisme, men fortolker den ikke så kategorisk. Phil står over for adskillige tilfælde af diskrimination af jøder, da en sekretær ( June Havok ) bliver nægtet et job på grund af sit jødiske navn, og hans jødiske ven Dave Goldman ( John Garfield ) fortæller, hvordan han blev angrebet af en antisemitisk soldat i hæren . På grund af sin nationalitet er Dave ikke i stand til at finde passende bolig til sin familie. Dernæst står Phil over for antisemitisme blandt læger, samt hvordan en jøde bliver nægtet indkvartering på et dyrt forstadshotel, og hans søn bliver latterliggjort i skolen. Mange af Janes venner, Kathys søstre, dukker ikke op til festen efter at have hørt, at der vil være en jøde der, og Katy nægter at udleje sit ledige sommerhus til Dave, fordi naboerne ikke vil have det, hvilket fører til brud på Phils forlovelse. Efter udgivelsen af ​​Phils artikel, som er meget rost af redaktørerne, indvilliger Katy i at leje sit sommerhus til Dave, hvorefter Phil forsoner sig med hende [22] .

Filmen er baseret på den bedst sælgende roman af samme navn fra 1947 af Laura Z. Hobson . Som filmhistoriker David Sterrit bemærker, var emnet risikabelt på det tidspunkt, og mange advarede Zanuck om ikke at lave filmen, men til hans og Kazans ære fulgte de ikke rådet og "brød muren hos Twentieth Century Fox " [ 23] . Nogle kritikere mente dog, at det var forkert at fokusere på en helt, der kun midlertidigt led af antisemitisme. Som den liberale forfatter Ring Lardner skrev: "Moralen i filmen er aldrig at være ond mod en jøde, fordi han kan vise sig at være en ikke-jøde." Andre gav filmen skylden for dens alt for didaktiske karakter. Robert L. Hatch skrev især i The New Republic , at det var "mindre et skuespil end en afhandling, der lider af de iboende fejl i et sandhedssøgende værk." Samtidig bemærkede han, at historien "går langt ud over at demonstrere direkte forfølgelse af jøder og beskrive de beskidte tricks i lukkede kvarterer og udvalgte klienter. Forstandige mennesker er imod sådanne eksempler på unormal adfærd, men "Gentlemen's Agreement" påvirker disse fornuftige mennesker selv og driver dem ind i et hjørne, hvor kodeksen for acceptabel adfærd ikke længere kan dække dem, og de bliver nødt til klart at udtrykke deres holdning .

På den anden side roste Bosley Crowser i The New York Times filmen og skrev, at "antisemitismens patetiske hjerteløshed blev afsløret i filmen med lige så meget åbenhed og endnu mere dramatisk kraft end i romanen, den er baseret på. Hvert øjeblik af fordommene beskrevet i bogen har fået fremragende illustration og mere udtryksfuld demonstration i biografen, ikke kun udvidet, men også intensiveret omfanget af moralsk indignation. Krauser bemærkede den gode og modige handling fra Twentieth Century-Fox- producenten for at gøre filmen så gribende, og skrev endvidere: "Fremragende skuespillere, strålende instruktion fra Elia Kazan og manuskriptforfatterens direktehed i at nævne specifikke navne gav filmen realisme og autenticitet. Filmen vil hjælpe med at åbne øjnene for dette grimme og bekymrende problem for millioner af mennesker over hele landet." Samtidig bemærkede Krauser, at filmen kun påvirker et begrænset spektrum af amerikanere "af højeste sociale og professionelle niveau", og kun betragter mindre manifestationer af antisemitisme i det borgerlige miljø, "uden at kaste sig ud i den djævelske moral, hvorfra antisemitisme stammer" [24] . Som Sterrit påpeger, har The Gentlemen's Agreement takket være dets tapperhed, smarte og engagerende indhold høstet en høst af høje priser. Især vandt Zanuck Oscar -prisen for bedste film, Kazan vandt bedste instruktør, og Celeste Holm vandt bedste kvindelige birolle. I alt modtog filmen otte Oscar-nomineringer, herunder nomineringer til skuespillerne Gregory Peck og Dorothy McGuire. Filmen vandt også fire Golden Globes , inklusive bedste film og bedste instruktør (Kazan). Kazan har også vundet en National Council of Critics Award, New York Film Critics Society og blev nomineret til Grand International Venice Film Festival Award [23] . Ifølge Thomson er Oscars for bedste film og bedste instruktør "meget generøse priser i dag for et projekt om antisemitisme, der virker opstyltet og storslået i sin følelse af sit eget mod og nyhed. Det er ikke en særlig god eller hurtig film - på det tidspunkt var Kazan stadig en meget bedre instruktør, meget mere afstemt efter fremdriften i levende teater . Ikke desto mindre rangerer filmen ifølge Sterritt blandt de fineste "offentlige film", som Hollywood har lavet siden slutningen af ​​Anden Verdenskrig , og "bliver ved med at blive opfattet som et smart, gribende og gribende drama." Og selvom tiderne har ændret sig siden 1947, er emnet, som han så dristigt berører, stadig relevant den dag i dag .

Pinky (1949), en anden meget social film, fulgte snart , som ifølge Rothstein var "en af ​​de første film med temaet racisme og sammenblanding" [1] . Filmen fortæller om den lyshudede afroamerikaner Patricia "Pinky" Johnson Jeanne Crane ). Hun voksede op og uddannede sig til sygeplejerske i det nordlige USA , hvorefter hun flyttede tilbage til sin bedstemor Dicey ( Ethel Waters ) i en lille sydlig by. I Boston står Pinkie tilbage med en hvid forlovede, Dr. Thomas Adams, som hun ønsker at vende tilbage til. Stillet over for politiets uretfærdighed over for sorte og chikane fra hvide mænd, beslutter Pinky sig for at gå. Dicey overtaler hende dog til at gå som sygeplejerske til Miss Em ( Ethel Barrymore ), en sygelig hvid kvinde, der bor i det faldefærdige palæ ved siden af. Miss Em viser sig at være en hård, men retfærdig kvinde. Hun overbeviser Pinkie om ikke at forsøge at udgive sig selv som hvid, men at leve sit naturlige liv og ignorere fordomme. Pinkie informerer Tom, der kom til hende, at hun er sort, men det generer ham ikke. Han tilbyder at vende tilbage med ham til norden og leve som en hvid kvinde, men Pinky ønsker at fortsætte med at arbejde i sin hjemby. Før sin død opretter Miss Em et testamente og efterlader Pinky sit hus og jord som et tegn på tillid til, at hun vil bruge dem til god brug. På trods af krav fra Ms. Ems slægtninge og bønner om at opgive testamentet, beslutter Pinkie, bevæget af Ms. Ems tro på hende, ikke at vende tilbage til Norden, før arven er afgjort. Til sidst vinder Pinky retssagen, hvorefter Pinky ved hjælp af det arvede hus og jord etablerer "Miss Em Clinic and Kindergarten" for negersamfundet, som han driver sammen med Daisy [25] .

Filmen er baseret på romanen The Quality (1946) af Sid Ricketts Sumner , som først blev offentliggjort i Ladies Home Journal . John Ford blev udnævnt til den første instruktør af billedet , men efter en uges arbejde var Zanuck utilfreds med optagelserne og stereotype billeder af sorte karakterer. Han erstattede Ford med Kazan, som for nylig havde opnået stor succes med den antisemitiske Gentlemen's Agreement. Efter at have overtaget som instruktør smed Kazan alle Fords optagelser ud som ubrugelige, men lod manuskriptet og rollebesætningen være uændret, selvom han straks indså, at Gene Crane med hendes skønhed, spændte ansigt og passivitet ikke var egnet til titelrollen. Han fandt dog en vej ud med Crane ved at skildre disse kvaliteter som hendes karakters spænding. Mod Kazans ønsker, som ønskede at skyde i en af ​​de sydlige byer, besluttede studiet at optage det meste af billedet i pavillonen. Som Kazan senere sagde: "Naturligvis var der ingen snavs, sved og vand, der var ingenting. Det er derfor, jeg ikke rigtig kan lide Pinky." Efter filmens udgivelse skrev Philip Dunn i The New York Times, at filmen fjernede "et langvarigt tabu på film om racemæssige eller religiøse fordomme", Variety magazine mente dog, at filmens problemstillinger ikke var skarpe nok og skrev, at filmen sætter "underholdning frem for ræsonnement". » [26] . I sin anmeldelse for The New York Times skrev Bosley Crowser til dels: "Zanuck og Twentieth Century-Fox har bragt racisme til dets mest berømte sted i det dybe syd", hvilket har skabt "et livligt, afslørende og følelsesladet billede." Filmen "fremstiller ærligt talt nogle aspekter af racediskrimination i Syden ... På trods af alle sine fordele har denne demonstration af et socialt problem imidlertid visse mangler og udeladelser, som det er vanskeligt at acceptere. Forfatternes syn på både sorte og hvide er stort set begrænset til typer, der ikke svarer til nutidens realiteter. Der tilbydes ingen virkelig konstruktiv refleksion over forholdet mellem sorte og hvide. En levende eksponering af nogle af grusomhederne og uretfærdighederne er alt, hvad billedet byder på. Men hun leverer dem med følelse og angst. Og for det kan vi være filmen og dens skabere yderst taknemmelige " [27] . Selvom nutidig kritiker Thomson kaldte filmen "et banalt forsøg på at tale om racisme" [2] , mente Dick Vosburg, at filmen "et alvorligt angreb" om racefordomme, som blev endnu mere en succes for Zanuck og Kazan, selvom det blev overskygget af en eskapistisk slutning" [3] . Selvom filmen ikke vandt en Oscar som "Gentleman's Agreement", bragte den alligevel Oscar -nomineringer til de optrædende af tre kvindelige roller - Jeanne Crane som den bedste skuespillerinde og Ethel Barrymore og Ethel Waters som den bedste kvindelige birolle [ 26] .

Efter dette billede udgav Twentieth Century-Fox Panic in the Streets (1950), en noir-thriller . Baseret på novellen "Quarantine, Some Like It Colder" af Edna og Edward Enhalt følger filmen en amerikansk sundhedsofficer ( Richard Widmark ) og en bypolitikaptajn ( Paul Douglas ) bestræbelser på at forhindre en lungepestepidemi i New Orleans . Inden for en eller to dage skal de identificere bærere af en dødelig sygdom, indtil den bliver udbredt. Inficeret er tre banditter, der dræbte en mand, der lige var ankommet ulovligt fra udlandet. Idet de føler, at de bliver jagtet, gør de kriminelle deres bedste for at skjule sig for myndighedernes forfølgelse, men i sidste ende bliver de neutraliseret [28] .

Efter udgivelsen fik filmen for det meste positive anmeldelser. Således kaldte magasinet Variety det "et exceptionelt melodrama med forfølgelse", og fremhævede det "tætte manuskript og produktion." Selvom filmen "skildrer vellykkede forsøg på at fange et par kriminelle, der bærer bakterier for at forhindre spredning af pesten og panik i storbyen," er pesten ikke desto mindre et sideemne sammenlignet med emnet politi og politi. banditter." Magasinet bemærker også, at "filmen har en masse animeret action, gode menneskelige følelser og nogle usædvanlige øjeblikke" [29] . Senere kritikere roste også billedet. TimeOut magazine kaldte det "en fremragende thriller, meget mindre fyldt med betydning end de fleste af Kazans film". Magasinets anmelder bemærkede, at filmen "kombinerer film noir- genren med metoden til psykologisk skuespil", som Actors Studio i New York bekendte sig til, især når "paniksøgningen tager fart" [30] . Filmkritiker Michael Atkinson mener, at denne film overgår langt de fleste standard film noirs "takket være modenheden af ​​dens sind, dens realisme perfektioneret, samt afvisningen af ​​Hollywoods lette svar og enkle løsninger." Atkinson skriver, at "filmen er i bund og grund mere end blot endnu en film noir, eller endda en "problem"-film... Mens i sin kerne en politiprocedure  - med en epidemiologisk MacGuffin i søgelyset - er den også den smarteste, mest overbevisende, mest underholdende og detaljerede portrættet af det amerikanske liv, der nogensinde er produceret i før - Hollywood New Wave -æraen ." Kritikeren bemærker, at i denne "spændte thriller er Kazans skarpe opmærksomhed på energien i forfølgelse og kompleksiteten af ​​bureaukratiske procedurer kun filmens ramme. Men det, der virkelig fanger det, er de menneskelige karakterer og følelsen af ​​kaos." Efter Atkinsons mening, "når intet i Kazans bemærkelsesværdige filmografi - ikke engang On the Waterfront (1954) fire år senere - op til subtiliteten, variationen af ​​teksturer og uforudsigelige rytmer af Panic ... Berømt for sin iscenesættelse af fremragende skuespil, men sjældent vundet ros." for sit visuelle skarpsind har Kazan i denne film præsenteret disse ingredienser i omvendt rækkefølge: ved at skyde denne krimi i et ekstremt hurtigt tempo har han ført et omfattende ensemble af skuespillere gennem en realisme, som ingen andre kendte i 1950 .. Kazan maler et sydende portræt af byen ved hjælp af talrige lokationsbilleder og fylder hvert hjørne af filmen med autentiske byforhold og bekymringer" [31] . Filmkritiker Jonathan Rosenbaum kaldte filmen "den bedste og mest glemte af Kazans tidlige film" [32] . Edna og Edward Enhalt vandt Oscars for bedste historie for filmen, mens Kazan modtog den internationale pris og en guldløve - nominering på filmfestivalen i Venedig. Filmen blev inkluderet i årets top ti film, udarbejdet af National Council of Critics of the United States [33] .

I 1947 iscenesatte Kazan Tennessee Williams skuespil A Streetcar Named Desire på Broadway , som kørte i to år med stor succes både hos publikum og kritikere. For at arbejde på en film baseret på dette skuespil, Warner Bros. inviterede Kazan som instruktør, "der hovedsagelig stolede på de samme principper, som da han arbejdede på stykket. Hovedrollerne blev også spillet af skuespillerne fra Broadway-stykket, med undtagelse af Jessica Tendy , der spillede Blanche Debois . Ifølge Thomson besluttede studiet at erstatte Tendy med Vivien Leigh , der blev set som en skuespillerinde med et stort kommercielt potentiale [2] . Leigh spillede rollen som Blanche i London-produktionen af ​​A Streetcar Named Desire instrueret af hendes mand Laurence Olivier . Ifølge filmhistoriker James Steffen, mens han arbejdede på filmen, stod Kazan over for visse problemer både med skuespillerne, primært med Vivien Leigh, og med censur. Især "Leigh indgik konstant tvister med Kazan om fortolkningen af ​​hendes rolle, såvel som med andre skuespillere, der arbejdede i henhold til Stanislavsky-systemet ." Derudover begyndte Lees forhold til sin mand i det øjeblik at gå i opløsning, og "Blanches rolle øgede kun hendes dengang manio-depressive tilstand ". Efter anmodning om censur blev en indikation af Blanches afdøde mands homoseksualitet fjernet fra filmen, og stykkets finale, hvor Stella blev sammen med sin mand, blev ændret til den scene, hvor hun forlader ham. Ellers forblev alt praktisk talt uændret [34] .

Filmen fortæller om en ældre, men stadig ret attraktiv Blanche Dubois (Vivien Leigh), som efterladt uden levebrød kommer til sin søster Stella ( Kim Hunter ), der bor sammen med sin mand Stanley Kowalski (Marlon Brando) i et fattigt industriområde af New Orleans.. Blanche med en ædel dames mentalitet og manerer irriterer straks den uhøflige proletar og realist Stanley, der ser Blanches hykleri, ikke accepterer hendes "kulturelle" manerer, løgne, fantasier, forstillelser og arrogance. Til gengæld taler Blanche i en samtale med sin søster om Stanley som "et undermenneskeligt, uhyggeligt og primitivt dyr." Da Stanley Blanche finder en forlovede blandt venner, og tingene går til brylluppet, finder Stanley ud af sandheden om sin fortid. Det viser sig, at Blanche blev fyret fra sit job på grund af en stormende romance med sin 17-årige studerende, og i sin hjemby bliver hun ikke taget seriøst på grund af prostitution og konstante affærer med mænd. Stanley fortæller både Stella og forloveden om dette, som så udtaler, at han "ikke kommer til at hoppe ind i en hajtank". Efter at Stanley har taget Stella i fødsel til hospitalet, vender han hjem, hvor han voldtager Blanche, hvorefter hun mister forstanden. Kort efter barnet er født, tilkalder Stanley psykiatere for at få Blanche indlagt på et psykiatrisk hospital. Blanche tror i første omgang, at hendes velhavende bejler er kommet efter hende. Som et resultat, da hun indså, at det ikke er tilfældet, prøver hun at gøre modstand, men da hun ser, at hun ikke har noget andet valg, tager hun af sted med lægerne. Stella skriger, at hun aldrig kommer tilbage til Stanley igen, tager barnet og løber væk til naboerne. Stanleys skrig høres uden for skærmen: "Stella! Hej Stella!…” [35] .

Ifølge filmforsker Roger Ebert, "Efter filmens udgivelse forårsagede den en storm af kontroverser. Det blev kaldt umoralsk, dekadent, vulgært og syndigt på trods af væsentlige ændringer foretaget efter anmodning om censur” [36] . Som filmhistorikeren Scott McGee påpeger: "Selvom filmen chokerede mange seere, klarede den sig meget godt ved billetkontoret. Men hans vigtigste præstation var, at han åbnede døren for, at Production Code Administration begyndte at give grønt lys til skarpere og mere imponerende billeder. Filmen indbragte mere end 4 millioner dollars ved billetkontoret, hvilket var ganske betydeligt for 1951, og derudover var elsket i det professionelle samfund [37] . Filmkritiker Bosley Krauser i The New York Times bemærkede især, at "fra Williams' skuespil A Streetcar Named Desire, som vandt de mest dramatiske priser under udgivelsen på Broadway, skabte instruktør Elia Kazan og et ganske enkelt fremragende cast en film, der pulserer med lidenskab og gribende." Som kritikeren skriver videre: "Gennem den uforglemmelige optræden af ​​den store englændere Vivien Leigh i den hjerteskærende rolle som en nedværdigende sydlandsk skønhed, og gennem den hypnotiserende atmosfære, som Kazan skabte ved hjælp af skærmens muligheder, er dette billede lige så smukt, hvis ikke smukkere end skuespillet. Intern pine bliver sjældent formidlet på skærmen med en sådan sensualitet og klarhed. Historien er leveret af Kazan med en så sprudlende energi, at skærmen dunker af vred vold, før den styrter ned i en invaliderende og smertefuld stilhed. De hadefyldte konfrontationer mellem den fortabte dame og den uforskammede mand blev filmet med så dygtig brug af nærbilleder, at man faktisk kan mærke varmen udgå fra dem. Ved at iscenesætte lys og mise-en-scène, kombineret med strålende musik og en skuespillertekst af ægte poetisk rigdom, vækkede Kazan hjertesorg og fortvivlelse. Sammenfattende bemærker Krauser, at "ingen ord kan yde retfærdighed til indholdet og det kunstneriske niveau af denne film. Du skal se det for at værdsætte det. Vi opfordrer dig til at gøre det." [38] . Den indflydelsesrige filmkritiker Pauline Cale var henrykt over Lees "sjældne" præstation, der "fremkalder medlidenhed og rædsel", og udtalte endvidere, at både Lee og Brando "producerede to af de største forestillinger i biografen" [37] . Filmkritiker Roger Ebert mente, at "ingen anden præstation har haft større indflydelse på skuespilstilen i moderne biograf end Brandos præstation som Stanley Kowalski, den barske, ildelugtende, seksuelt ladede helt fra Tennessee Williams." Kritikeren bemærker også, at "ud over den overvældende kraft i Brandos præstation er filmen blevet et af de største ensembleværker i biografen" [36] . Ifølge James Steffen, "I dag betragtes filmen som et vartegn for biografen med hensyn til ensembleskuespil, Kazans produktion og produktionsdesignerens imponerende arbejde" [34] .

The Hollywood Reporter foreslog, at A Streetcar Named Desire og A Place in the Sun (1951) "ville gå head to head (i kapløbet om priser) ... på grund af historiernes pessimisme og fordi begge historier er lavet så realistisk" [37] . Som et resultat modtog "A Streetcar Named Desire" tolv Oscar -nomineringer ("A Place in the Sun" - ni). Vivien Leigh vandt en Oscar for bedste kvindelige hovedrolle, mens Kim Hunter og Karl Malden vandt  bedste mandlige birolle. Det var første gang, en film vandt tre Oscars for skuespil. Filmen vandt også Oscars for art direction og scenografi. Marlon Brando blev kun tildelt en nominering og tabte til Humphrey Bogart . A Streetcar Named Desire blev nomineret til en Oscar for bedste film, men tabte til An American in Paris (1951). Kazan modtog nomineringer for bedste instruktør, samt nomineringer for bedste musik, bedste manuskript, bedste kinematografi, bedste lydoptagelse og bedste kostumedesign. Bogart forventede ikke at modtage en Oscar, da han som mange andre i Hollywood troede på, at prisen ville blive givet til Brando. Folkene på Metro-Goldwyn-Mayer var også overraskede over, at deres film An American in Paris slog de to favoritter til at vinde en Oscar. Efter at resultaterne blev offentliggjort, offentliggjorde studiet en reklame i den professionelle presse, hvori studiets ikon, Leo, så lidt flov ud og overrasket og sagde: "Helt ærligt, jeg stod bare 'under solen' og ventede på 'sporvognen' '" [37] . Kazan vandt også ensærlig jurypris og en guldløve-nominering på filmfestivalen i Venedig , en New York Film Critics Society Award og en Directors Guild of America Award-nominering for bedste instruktør - spillefilm .

Kazans næste film var et historisk drama skrevet af John Seinbeck , Viva Zapata! (1952), som han instruerede på Twentieth Century-Fox med produceren Darryl Zanuck. Filmen fortæller om livet og arbejdet for en af ​​lederne af den mexicanske revolution 1910-1917, Emiliano Zapata . Billedets handling begynder i 1909, da en delegation af indianere fra staten Morelos , som omfatter Zapata (Marlon Brando), ankommer til Mexico City for at mødes med landets præsident, Porfirio Diaz . Præsidenten afviser kravet om at returnere det land, de har taget fra dem. Ved hjemkomsten forsøger bønderne at genvinde kontrollen over jorden, hvilket fører til et sammenstød med regeringsstyrkerne. Som leder af bondemodstanden bliver Zapata sat på efterlysningslisten og tvunget til at gemme sig i bjergene, hvor han slår sig sammen med sin bror Eufemio ( Anthony Quinn ). Snart agerer Zapata, hvis autoritet blandt bønderne vokser, sammen med den indflydelsesrige politiske oppositionsleder Francisco Madero , som kalder Zapata for sin general i syd, og Pancho Villa  for sin general i nord. Efter væltet af Diaz overgår magten i landet til Madero. Zapata er rasende, da Madero vil betale ham tilbage for at støtte en rig ejendom, mens han udsætter spørgsmålet om at genoprette indianernes rettigheder til jorden. En af Huertas højtstående generaler overbeviser Madero om at dræbe Zapata, som er for magtfuld og indflydelsesrig. Da Huerta gør et mislykket forsøg på Zapata, griber han igen til våben og går ind i kampen med generalen. Huerta arresterer og dræber derefter Madera og overtager magten i landet. Efter Huertas nederlag mødes Villa og Zapata med andre revolutionære ledere i Mexico City og beslutter sig for at udpege Zapata som ny præsident. Efter at have lært af bønderne, at Eufemio er blevet en despot, og ulovligt tager jord og koner, træder Zapata tilbage og vender hjem for at håndtere Eufemio. Togo bliver snart dræbt af manden til en af ​​de kvinder, han forførte. Træt af politik vender Zapata tilbage til sin hær, men den nye præsident Carranza , som ser en alvorlig trussel i Zapata, beslutter sig for at ødelægge ham. Zapata bliver lokket i en fælde og dræbt, hvorved hans lemlæstede krop blotlægges i en nærliggende landsby. Men folk nægter at tro på lederens død og fortsætter med at håbe på hans tilbagevenden [40] .

Ifølge filmforsker David Sturrick, selvom Kazan hævdede, at ideen til at lave en film om Zapata kom til ham under en afslappet samtale med Steinbeck, begyndte han faktisk at arbejde med dette emne til en mexicansk film i slutningen af ​​1940'erne, som dog , blev aldrig sat i produktion. Zapata-filmen blev optaget af Twentieth Century Fox , med Darryll Zanuck som producer, som samlede et førsteklasses produktionsteam, der omfattede Kazan, skuespillerne Marlon Brando og Anthony Quinn og den "litterære superstjerne" John Steinbeck .

Ifølge Sterritt var studiet bange for problemer med Production Code Administration, som ikke anbefalede produktion af film om revolutionære personer, især Mexico, da det kunne forårsage vredesudbrud, hvis historiske begivenheder blev fejlrapporteret [41] . Som Thomson bemærker, "Det var en slags Hollywood-radikalisme - oprøreren er en romantisk helt, og hans modstandere er æreløse mennesker" [2] . Derudover var stemningen i Hollywood på det tidspunkt "kildrende på grund af den antikommunistiske heksejagt, der var begyndt", og derfor var det ret risikabelt at påtage sig optagelserne til en film om "en populær rebel som en modig helt. " Selvom studiet modtog godkendelse fra Production Code Administration, opstod der imidlertid problemer med den mexicanske regering. I sidste ende måtte studiet gå i længden med at filme flere scener i forskellige versioner, en for Mexico og en for resten af ​​verden. Især scener, hvor Zapata personligt henretter en af ​​sine gamle kammerater, og hvor hans brud sidder på hug som en bondekone for at vaske tøj, blev fjernet fra den mexicanske version, samt scener, hvor det vises, at Zapata ikke kunne læse og skrive [41 ] .

Ifølge Kazan var det, der tiltrak ham mest ved denne historie, at Zapata fik enorm magt og derefter forlod hende, da han følte, at hun korrumperede ham. Som Kazan sagde, ønskede han og Steinbeck, som tidligere kommunister, at bruge Zapatas liv til "at vise metaforisk, hvad der skete med kommunisterne i Sovjetunionen  - hvordan deres ledere blev reaktionære og undertrykkende, i stedet for at blive avancerede og progressive." Af hensyn til større autenticitet søgte Kazan at sikre, at der ikke var nogen "kendte ansigter" på billedet, og selv Brando spillede dengang kun i én film udgivet på skærmene " Mænd " (1950) af Fred Zinnemann og Quinn tiltrak ham, fordi han var en mexicaner, hvis far deltog i revolutionen. Optagelserne fandt sted i USA nær grænsen til Mexico, og Kazan forsøgte at give filmen et så autentisk udseende som muligt, ofte baseret på billeder fra velkendte dokumentarfotografier fra revolutionsperioden. Men som Brando senere sagde, tvang Kazan ikke skuespillerne til at tale med mexicansk accent, og alle talte på "standard engelsk, hvilket var unaturligt" [41] .

Kazan sagde, at han var tilfreds med hastigheden og energien i billedet: "Steinbeck følte, at vi skulle introducere flere fortællende øjeblikke, men jeg kunne ikke lide det. Fordelen ved billedet er, at jeg sætter en masse ting ud med meget hurtige, farverige penselstrøg” [41] . Som Bosley Crowser skrev i The New York Times, skabte Twentieth Century-Fox "et meget kraftfuldt minde om Zapata" og "den mest livlige hvirvelstrøm af uro i lang tid", hvor "den mexicanske oprørsleder Marlon Brando huskes som en vild mand. lidenskab. som er hengiven til de fattige og undertrykte." Ifølge Krauser er der helt sikkert spørgsmål om, hvorvidt Zapata var en lige så uselvisk sjæl hengiven til sit hjem, som han er portrætteret i filmen. Men det er bestemt hans passionerede portræt, der pulserer med en sjælden livlighed, samt et mesterligt billede af en nation i revolutionær smerte, som er skabt af instruktør Elia Kazan. Som kritikeren bemærker, "Kazan er veltalende med kameraet og alle hans individuelle billeder, såvel som deres sekvenser, der beskriver den brutale massakre af sultne bønder i modne majsmarker, bagholdsangreb, mytterikampe, mord og endda en skare af mennesker på støvede gader er fulde af speciel stil og mening" [42] . Samtidens kritiker David Thomson konkluderede, at "filmen virkede. Brando var fuldstændig fanget af værket, og i billedet var der en følelse af varme og støv, lidenskab og myte, hvad Kazan så stræbte efter” [2] . Ifølge Sterritt, "forbliver filmen et af de mest populære og respekterede historiske dramaer den dag i dag" [41] .

Filmen blev nomineret til fem Oscars og vandt en - Anthony Quinn for bedste mandlige birolle. Nomineringer gik også til John Steinbeck for bedste manuskript og Marlon Brando for bedste skuespiller i en hovedrolle. Kazan blev nomineret til Grand Prix på filmfestivalen i Cannes , såvel som til Directors Guild of America Award [43] .

Samarbejde med Kommissionen om uamerikanske aktiviteter

Som Rothstein skriver, var der i 1930'erne en hemmelig kommunistisk celle i The Group Theatre , hvor Kazan var medlem i næsten to år. Da det amerikanske kommunistparti blev pålagt at tage hele teatret under sin kontrol, nægtede Kazan at deltage i dette. På et særligt møde blev han dømt som en "brigadier", der bød på sine overordnede og krævede at omvende sig og underkaste sig partiets autoritet. I stedet trak Kazan sig ud af partiet. Han skrev senere, at denne oplevelse lærte ham "alt, hvad han havde brug for at vide om, hvordan USA's kommunistiske parti fungerer" [1] .

Siden 1947 begyndte den amerikanske kongres-kommission til at undersøge uamerikanske aktiviteter sine aktiviteter , for hvilke "Kazan var et ganske åbenlyst mål" [2] . Da han i begyndelsen af ​​1952 for første gang blev indkaldt til et møde i Kommissionen som vidne, nægtede Kazan at nævne navnene på filmskabere, som han kendte, og som var medlemmer af kommunistpartiet. Hollywood-moguler overbeviste ham dog om, at hvis han ikke ønskede at ødelægge sin karriere, skulle han ændre sin holdning [1] [2] . Herefter vendte Kazan tilbage og navngav frivilligt navnene på de personer, der var i partiet [2] . Kazan fortalte Kommissionen, at han meldte sig ind i en celle i det kommunistiske parti bestående af medlemmer af gruppeteatret i sommeren 1934 og forlod det 18 måneder senere, frustreret over at blive "fortalt hvordan man tænker, taler og handler" [4] . Dramatikeren Clifford Odets , skuespillerinden Phoebe Brand , og Paula Strasberg , skuespillerinde og hustru til Lee Strasberg , var blandt de otte personer Kazan udnævnte som kommunister [4] [44] . Kazan begrundede sig selv med, at alle de navne, han nævnte, allerede var kendt af Kommissionen, men ifølge nogle skøn var mindst halvdelen ikke kendt [4] . For at retfærdiggøre sig selv skrev Kazan en detaljeret artikel, som han offentliggjorde for egen regning i New York Times. I denne artikel beklagede han sit 19-måneders medlemskab af kommunistpartiet i begyndelsen af ​​1930'erne og opfordrede andre til at følge trop og navngive. (I sin selvbiografi hævdede Kazan, at hans første kone faktisk skrev artiklen.) [3] . Kyndige mennesker var især chokeret over, at Kazan udnævnte Phoebe Brand og Tony Kreiber som kommunister, selvom det var ham, der overtalte dem til at melde sig ind i partiet. Da Kreiber på et kommissionsmøde i 1955 blev spurgt om sit forhold til Kazan, svarede han: "Snakker du om Kazan, som underskrev en kontrakt på $500.000 dagen efter, at han gav Kommissionen navne?" [3] .

I de efterfølgende år forsøgte Kazan gentagne gange at offentligt forklare og retfærdiggøre sin handling. I sine erindringer skrev Kazan, at han rådførte sig med Arthur Miller om, hvad han skulle gøre. Som Kazan huskede: "Jeg sagde, at jeg hadede kommunisterne i mange år, og jeg syntes ikke det var rigtigt at opgive min karriere for at beskytte dem. Har jeg ofret mig for noget, jeg troede på? Hans beslutning, ifølge Rothshine, "kostede ham mange venner" [1] .

Efterfølgende gav Kazan også følgende forklaring: ”Man kan hade kommunisterne, men man må ikke angribe dem eller forråde dem, for hvis man gør det, angriber man retten til at have et upopulært synspunkt. Jeg har god grund til at tro, at partiet skal trækkes ud af de mange steder, hvor det gemmer sig i lyset, for at finde ud af, hvad det er. Men jeg ville aldrig sige sådan noget, for det ville blive betragtet som at "lokke de røde" " [1] . Ved en anden lejlighed sagde Kazan, at "venner spurgte mig, hvorfor jeg ikke valgte et værdigt alternativ - jeg ville fortælle alt om mig selv, men ville ikke nævne resten af ​​gruppen. Men det ville ikke være det, jeg ville. Formentlig er tidligere kommunister især uforsonlige over for partiet. Jeg mente, at denne kommission, som alle rundt om forbandede - og jeg havde meget imod dem - havde det rigtige mål. Jeg ville afsløre hemmeligheden” [2] . Han sagde også, at det var "en frygtelig, umoralsk ting, men jeg gjorde det ud fra min egen overbevisning" og videre: "Det, jeg gjorde, var rigtigt. Men var det rigtigt? [1] . Selv om Kazan ifølge CBS langt fra var den eneste, der gav Kommissionen navne, nægtede mange i det kreative samfund at gøre det, hvilket de var sortlistet for i mange år og ikke kunne få et job. Kazans beslutning gjorde ham til mål for skarp og konstant kritik gennem hele sit liv. "Mange år senere sagde Kazan, at han ikke følte sig skyldig over, hvad nogle så som et forræderi: "Der er normal tristhed, når man sårer folk, men jeg ville hellere såre dem lidt smerte end jeg vil såre mig selv meget .

Som Thomson bemærker, var der efter Kazans tale "et øjebliks uenighed - mange mennesker talte aldrig til Kazan igen - da de så hans karriere tage fart, tænkte de på de andre, der blev ødelagt. De så snavs i hans selvretfærdiggørelser og forudsagde en moralsk katastrofe for ham . Hans venskab med Miller har aldrig været det samme. Miller skrev senere i sin dagbog om en side af sin ven, som han ikke havde set før: "Han ville også have ofret mig" [4] . Ifølge Thomson blev Kazan hjemsøgt af sin beslutning årtier senere. På den anden side nød han til dels den ensomhed, han sørgede for sig selv, og hentede styrke fra gensidige beskyldningers melodrama. Og alligevel sårede han sig selv, ligesom en tragisk helt." Men på den positive side gjorde hele historien ham afgjort mere dybtgående som kunstner og som filmskaber. På en eller anden måde fik splittelsen ham til at se dybere ind i den menneskelige natur .

I 1954 udkom Kazans On the Waterfront , som "af mange blev set som Kazans begrundelse for hans beslutning om at samarbejde med kongressens røde jægere." Filmens helt, spillet af Brando, bryder tavshedens plot om situationen ved havnen og peger modigt på en korruptionsramt, morderisk fagforeningschef ved en tv-høring. Dramatiker og filmkritiker Murray Horwitz kaldte endda filmen for "en hyldest til narren" [4] . Ifølge Kazan satte den store succes med On the Waterfront en stopper for hans frygt for, at hans karriere var i fare: “Pludselig var der ingen andre, der var interesserede i mine politiske holdninger, eller at jeg var kontroversiel eller svær. Efter On the Port kunne jeg gøre, hvad jeg ville. Det er Hollywood." [1] .

Endnu en gang tiltrak spørgsmålet om Kazans handling bred offentlig opmærksomhed i januar 1999, da Academy of Motion Picture Arts and Sciences annoncerede, at den 89-årige Kazan ville modtage en æres-Oscar . Med Dick Vosburgs ord: "Det var en belønning for livsglæde - og alligevel var hans liv for evigt plettet, da han den 10. april 1952 frivilligt identificerede elleve gamle venner og kolleger som kommunister til kongreskommissionen." Syvogfyrre år efter offentliggørelsen af ​​Akademiets beslutning opstod der en byge af protester. Rod Steiger var imod prisen, selvom han modtog en Oscar-nominering for sin rolle i Kazans On the Waterfront. Filmskaberen Jules Dassin , sortlistet i 1950'erne, offentliggjorde en sponsoreret artikel i The Hollywood Reporter , hvori han erklærede hans uenighed med Akademiets beslutning. Victor Navasky, redaktør af The Nation , som også var uenig, foreslog: "Giv Kazan en Oscar, men sæt navnene på de personer, han navngav , bag på den . " På den anden side sagde Kim Hunter engang: ”Jeg kunne bare ikke tro det, da jeg hørte, at Gage havde sluttet sig til heksejægerne. Han var topdirektør på Broadway, hvor der ikke er nogen sorte lister – han kunne bare være blevet i New York, indtil terrorregimet sluttede. Det gav ikke mening!" Selvom Hunter selv var sortlistet i 16 år, mente hun alligevel, at Oscar ville være en fair belønning for Kazan. Ifølge hende fortjente Gage en Oscar trods sit vidnesbyrd. Alle gjorde, hvad de skulle i denne vanvittige, vrede og ulykkelige periode” [3] .

Filmkarriere i 1953-1962

Som David Thomson skrev, så Kazans film efter hans vidnesbyrd "som om de var lavet af en ny mand" [2] . I sin selvbiografi hævdede Kazan: "De eneste virkelig gode og originale film, jeg lavede, var efter mit vidnesbyrd." Samtidig kan "det samme ifølge Dick Vosberg næppe siges om den antikommunistiske film Man on the Rope (1953)" [3] . Handlingen af ​​dette billede foregår i 1952 i Tjekkoslovakiet . Den berømte klovn Karel Chernik ( Frederic March ) driver familiens blåbærcirkus, som er blevet gjort til et statsdrevet cirkus af den kommunistiske regering. Dette fører til konstante personalemæssige, organisatoriske og økonomiske problemer, der ikke tillader Chernik at opretholde cirkuset på det rette niveau. Derudover blander det hemmelige politi og propagandaministeriet sig konstant i hans arbejde, som insisterer på, at han inddrager anti-vestlige emner i programmet. Karel er også plaget på en personlig front - han afviser sin datters ( Terry Moore ) forhold til en ny kunstner, som han betragter som mistænkelig, og står over for manglende respekt fra sin anden kone ( Gloria Graham ). Under forestillinger nær grænsen til Bayern beslutter Karel sig for at krydse grænsen og flygte med cirkus mod vest. Da Karel går i gang med sin plan, protesterer en af ​​hans nærmeste hjælpere, som viser sig at være en undercover regeringsagent, først og stikker derefter Karel fatalt. Men ved hjælp af cirkustricks lykkes det truppen at krydse grænsen. Efter at have mistet yderligere to kammerater ender cirkuset i Bayern. Karels handling returnerer hans enkes respekt for ham. Ifølge Karels døende ønske instruerer hun truppen om at begynde at optræde foran de mennesker, der er samlet på pladsen [45] .

Filmen er baseret på en roman fra 1952 af Neil Peterson , som var baseret på den sande historie om Brambachs Cirkus i Østtyskland i 1950. Som filmhistoriker Jill Blake bemærker: "Kazan påtog sig produktionen af ​​denne film på Twentieth Century Fox i et forsøg på at reparere sit knuste ry efter afsløringen af ​​hans kommunistiske bånd og hans efterfølgende vidnesbyrd til U-amerikanske aktivitetsudvalg , hvor han navngav medlemmer af kommunistpartiet og andre venstrefløjskolleger i Hollywood." Som Kazan skrev i sin selvbiografi, efter at have set Brambachs Cirkus optræde, vidste han, at han var nødt til at lave en Man on a Rope-film for at bevise, at han ikke var bange for at kritisere kommunistpartiet , som han engang havde været et kortvarigt medlem af [ 46] .

Hele sammensætningen af ​​Brambach Circus var involveret i arbejdet med filmen, hvis kunstnere udførte alle numrene. Selve skyderiet fandt sted på lokation i Bayern, og produktionen blev udført i München . Kazans produktionshold var næsten udelukkende tysk, og det var den første film af et større amerikansk selskab med et helt tysk hold. Filmen modtog positive anmeldelser fra kritikere [46] . Især filmkritiker Anthony Wyler i The New York Times gav filmen en positiv anmeldelse og kaldte den "ikke kun et gribende melodrama, men en gribende kritik af livsstilsbegrænsninger i vores svære tider." [47] . Filmen fik dog ikke succes ved billetkontoret, hvilket forårsagede studiet et tab. I sin selvbiografi hævdede Kazan, at studiets ledelse markant skar hans instruktørs snit, hvilket gjorde filmen til et almindeligt sæbeagtigt melodrama. Kazan var rasende og ked af filmens modtagelse og hævdede, at filmen yderligere skadede hans omdømme blandt dem, der betragtede ham som en forræder på grund af hans vidnesbyrd. Men ifølge Blake viste Kazan sig hurtigt igen som en top-instruktør med On the Waterfront og East of Heaven . For denne film blev Kazan tildelt en særlig pris af Senatet i Berlin ved Berlin Film Festival [48] . Moderne filmkritikere er ret kritiske over for filmen. Især Dennis Schwartz kaldte den "uudtrykkelig, om end troværdig", og bemærkede, at "dette er nok Kazans svageste film" [49] . I dag er filmen ifølge Thomson "lidt kendt" [2] .

I 1954, skriver Vosberg, arbejdede Kazan sammen med manuskriptforfatter Budd Schulberg (som udnævnte 15 personer til Un-American Activities Committee) for at skabe On the Waterfront (1954), en "fantastisk film", der "kunne gøre en helt ud af en informer" [3] .

Filmen fortæller historien om den tidligere bokser, der blev havnearbejder Terry Malloy ( Marlon Brando ), som på opfordring fra mafia-fagforeningen Johnny Friendly ( Lee J. Cobb ) uforvarende bliver involveret i mordet på sin ven og kollega Joey Doyle, der truede med at fordømme Friendly i New York State . Edie, søsteren til den myrdede ( Eva Marie Saint ), anklager sognepræst Fader Barry ( Karl Malden ) for ikke at hjælpe folk med at flygte fra mafiaen. Bekymret over Edies ord besøger Terry sin ældre bror Charlie ( Rod Steiger ), der arbejder for Friendly som advokat og revisor. På mødet forsikrer Friendly Terry om, at Joeys død var nødvendig for at bevare strømmen i havnen, og beordrer derefter havnechefen til at sætte Terry i det bedst mulige job næste dag. På kajen den morgen bliver Terry kontaktet af kriminalkommissær Eddie Glover, men Terry nægter at diskutere Joeys sag. I mellemtiden inviterer Barrys far havnearbejderne til et møde i kirken, hvor han opfordrer til at stoppe bandekontrollen over havnen, men havnearbejderne er forsigtige med at støtte præsten af ​​frygt for Friendly. Til sidst forstyrrer Friendlys mænd mødet ved at kaste sten mod vinduerne i kirken. Efter mødet bliver Terry og Edie mærkbart tættere. Glover indsender en stævning til Terry til en høring i kriminalkommissionen. Da Terry beder Edie om ikke at spørge ham, hvem der dræbte Joey, anklager hun Terry for stadig at arbejde for pøbelen. Efter at en af ​​arbejderne har vidnet for Kommissionen, dræber Friendlys folk ham med en kran lige i havnen foran andre arbejdere. Bagefter optræder Barrys forargede far igen for havnearbejderne. Da Friendlys mænd begynder at provokere Barrys far, slår Terry ned på en af ​​dem og gør Friendly og Charlie vrede. Terry spørger Barrys far til råds, da han ikke ønsker at vidne for ikke at gå imod Charlies bror. Barrys far opfordrer Terry til at følge sin samvittighed og være ærlig over for Edie. Terry fortæller Edie om sin rolle i Joeys mord, hvorefter hun stikker af. Glover finder Terry og inviterer ham til at vidne. Efter at have lært dette, beordrer Friendly Charlie til at tage sig af sin bror. Da Charlie truer ham med en pistol under en samtale med Terry, bebrejder Terry sin ældre bror for at have trukket ham ind i mafiaen. Charlie ændrer position, og efter at have givet Terry pistolen, lover han at stoppe Friendly. Terry forsoner sig med Edie, hvorefter en lastbil forsøger at ramme dem på gaden. I nærheden, på et hegn, ser de Charlies lig hænge fra en krog til kadaver. Terry lover at hævne Friendly for sin bror, men Barrys far overbeviser ham om, at det er bedre at ødelægge Friendly gennem domstolene, og Terry smider pistolen. Dagen efter under høringen vidner Terry om Friendlys involvering i Joeys død, hvilket gør gangsteren vrede, som råber, at Terry ikke længere vil arbejde i havnen. Derhjemme møder Terry fjendtlighed fra naboerne, hvorefter Edie råder ham til at tage afsted, men han beslutter sig for at blive. Næste morgen i havnen får alle et job undtagen Terry. I mellemtiden lover Friendly, som snart vil blive anklaget, at tage hævn over Terry. Terry ringer til Friendly for at tale og siger, at han er stolt af sin handling. Der opstår et voldsomt slagsmål, hvor Friendlys mænd næsten slår Terry ihjel. Barrys far dukker op, ledsaget af Edie. Da de så dem, nægter flyttemændene at adlyde Friendlys ordre og skubber ham i vandet. Barrys far hjælper den voldsramte Terry op, hvorefter han fører havnearbejderne på arbejde [50] .

Som filmhistorikeren Glenn Erickson har skrevet, "filmen er ikonisk for Amerika" og "ekstraordinær på alle måder." Den er kendetegnet ved "hård og kompromisløs filmografi på dystre New York-dokker, der bringer til amerikanske lærreder en grov realisme, der aldrig er set før i film noir ... Filmen er en mesterlig kombination af teatralskhed og post-noir dokumentarisme. Det skaber et fuldstændig overbevisende New York-miljø. Vi mærker kulden ved realistisk gadeoptagelse i dagtimerne, og de brutale nattejagter bruger den ekspressionistiske noir-teknik." Derudover "som i stort set alle Kazans film er skuespil, iscenesættelse og manuskript af meget høj standard." Og endelig, "dette er en af ​​Marlon Brandos bedste film" [51] . På samme tid, som Erickson bemærker, "ligner filmen i udseende til lignende afslørende gangster-thrillere, som præsenterede nationalt berømte kriminalitetsefterforskninger i en dramatisk form." Når det er sagt, "Kazan har aldrig taget så hårdhændet en tilgang til historien, hverken før eller siden denne film. Terry Malloy-sagaen ligner et forvirret kunstnerisk svar på Kazans bitre kritikere. Mens filmen ofte stiger til niveauet af høj dramatik, er den moralsk set ikke mere sofistikeret end den gennemsnitlige Republic Western .

Som Erickson skriver videre: "Dette er en kontroversiel film, der er bestemt til at skabe debat om dens politiske holdning. Hans berømte instruktør ville ofte senere hævde, at anti-mafia whistleblower-historien var et udtryk for hans egen erfaring med Un-American Activities Commission under Hollywoods kommunistiske jagtår. Men ifølge kritikeren "overskygges filmens appel af det politiske aspekt. Nogle fans og apologeter af Kazan kalder ham en outsider, en enspænder, der blev tvunget til at gå sine egne veje. Og filmen ser ud til at være skabt til at omgive hans handlinger med en aura af romantik. Men var denne lange allegori nødvendig? Som Erickson faktisk antyder, "har Kazan vist sig at være den slags ambitiøse karriereister, der ser den professionelle verden som en uforsonlig slagmark for hårde vindere og bløde tabere." Som Erickson yderligere påpeger, "I denne film identificerer Kazan sig selv med den ædle snitch, men Terry Malloy-sagen om berettiget snitching har intet at gøre med Kazans situation i Kommissionen. Terry fordømmer korrupte gangstere og snigmordere, der udnytter arbejdere som ham selv. Han vælger arbejdernes side og forsvarer deres interesser. I modsætning til ham informerer Kazan om sine kolleger, manuskriptforfattere og andre filmskabere, som ikke var i stand til at forsvare sig, da deres kolleger kastede dem til ulvene . Som Thomson bemærkede: "Kazans fjender hadede filmen, fordi den var en undskyldning for at snyde. De så også pseudo-politikken i selve historien, såvel som hans anti-fagforeningsholdning, som en bekræftelse af, at instruktøren endelig var udsolgt." Og alligevel, ifølge kritikeren, "er dette et fremragende melodrama, tæt på James Cagneys bedste værker på hans tid, hvor der er en masse skuespil på et sådant niveau, at det blev lært udenad til efterfølgende generationer." Ifølge Thomson er det sandsynligvis "kun en såret person, der kunne lave sådan et billede, eller en, der mærkede sit sår mere akut end andre. Måske er det, hvad det vil sige at være kunstner . Danny Peary i Guide for the Film Fanatic skrev, at filmen blev "kritiseret på flere fronter: af dem, der blev vrede over hans påstand om, at havnearbejdernes fagforening fra 1954 var korrupt (som det fremgår klart af Malcolm Johnson-artiklerne, der inspirerede filmen) , dem, der ser ham som anti-fagforening, og dem, der var irriterede over, hvordan Kazan og Schulberg (begge informanter fra U-amerikanske aktivitetsudvalg) manipulerede seere til at beundre dem, der fordømte politiet og regeringen . Forfatter og filmforsker Robert Sklar skrev: "Kritikere fortsætter med at skændes om, hvorvidt filmen formidler demokratiske værdier eller portrætterer havnearbejdere som passive tilhængere af den, der leder dem, det være sig en tyrannisk chef eller en informant. Er denne åbenbaring sand, da den efterlader de rigtige indehavere af korrupt magt intakte? Eller er det blot et monument over sin tids kunstneriske forhåbninger og politiske kompromiser .

Efter filmens udgivelse konkluderede The Hollywood Reporter , at "efter så mange kostumedramaer, er det nok det, billetkontoret har brug for, da filmen er så kantet og gribende, at den kun kan sammenlignes med Little Caesar (1931) og The Public Enemy "(1931)". New Yorker kaldte det "et chokerende stykke af den slags, vi fik, da Warner Brothers lavede film om Al Capone og hans medarbejdere." Ifølge en anmelder for magasinet Life er det "årets mest voldelige film og indeholder også de mest ømme kærlighedsscener. Og det er alt sammen takket være Brando . Filmkritiker Anthony Weiler fra The New York Times skrev: "En lille, men tilsyneladende dedikeret gruppe af realister forvandlede kunst, vrede og nogle forfærdelige sandheder til denne film, det mest brutale og uforglemmelige bevis på film om menneske-til-mand umenneskelighed, der har nogensinde kommer ud." i år. Selvom denne kraftfulde anklage mod havnegribbe til tider kun byder på overfladisk drama og psykologisk oversimplificering, er det ikke desto mindre en ekstraordinær kraftfuld, spændende og kreativ brug af skærmen af ​​talentfulde fagfolk." Kritikeren bemærker endvidere, at "selvom Kazan og Schulberg ikke gravede så dybt, som de kunne, valgte de en passende og meget stærk rollebesætning og sceneri til deres mørke eventyr." Filmen fordømmer mange af de onder ved mafiaaktiviteter i havnen, som allerede var kendt i den trykte presse. Journalistik har allerede fortalt meget "på en mere meningsfuld og multidimensionel måde, men Kazans produktion, hans fremragende rollebesætning, Schulbergs meningsfulde og energiske forfatterskab gav billedet dets karakteristiske kraft og enorme gennemslagskraft" [53] . TV Guide kaldte senere filmen "en ødelæggende oplevelse fra start til slut, ubarmhjertig i sin skildring af umenneskelighed. Det er endnu mørkere og mere voldeligt på grund af Kaufmans slående, neo-dokumentariske tilgang ." Ifølge magasinet, "Det var en kontroversiel film for sin tid på grund af dens vold, grove sprogbrug og modige fremstilling af fagforeninger i et negativt lys. Filmen opnåede en forbløffende billetsucces, der kan sammenlignes med kritikerros. Han rejste $9,5 millioner med en investering på $900.000." [54]

Filmen modtog Oscar - nomineringer i alle skuespillerkategorier. Dette er den første film, der har tre skuespillere i samme nominering - Bedste mandlige birolle - Karl Malden, Rod Steiger og Lee J. Cobb [52] . Filmen vandt Oscars for bedste film, bedste skuespiller (Brando), bedste kvindelige birolle (Saint), bedste instruktør (Kazan), bedste manuskript (Schulberg) og bedste kinematografi. (Kaufman), "Bedste Art Direction" og "Bedste klipning". " [52] [3] [2] . Filmen vandt også priser fra New York Film Critics Society, National Council of Critics og fire Golden Globes , inklusive Kazan. Filmen vandt også Golden Cup på filmfestivalen i Venedig [52] .

Kazans næste film, East of Eden (1955), baseret på " John Steinbecks genfortælling af historien om Kain og Abel " [1] bragte stjernestatus til James Dean [3] , som blev "endnu en stor skuespiller Kazan fundet og opvokset" [ 2 ] .

Filmen foregår i 1917 i Salinas , Californien . Ranchejer Adam Trask ( Raymond Massey ) flytter ind til byen med sine tvillingesønner, urolige Caleb (James Dean) og korrekte Aron ( Richard Davalos ), som han opkaldte efter bibelske karakterer. Trods gensidig kærlighed er brødrene meget forskellige - Aron er ligesom sin far meget hengiven og organiseret, og Cal haster rundt og leder efter sig selv i livet, hvilket forårsager misbilligelse af hans far. Ifølge faderen mener sønnerne, at deres mor døde kort efter fødslen, og Adam mener selv, at hun flygtede til østen . Efter ved et uheld at vide, at Kates mor ( Jo Van Fleet ) er i live og driver et bordel i det nærliggende Monterey , lider Cal af tanken om, at han er lige så "dårlig" som hun er. Adams projekt med at levere friske grøntsager til østkysten mislykkes, og han mister næsten hele sin formue. For at hjælpe sin far begynder Cal at dyrke og sælge bønner sammen med sin gamle ven Will Hamilton ( Albert Dekker ), hvilket giver en betydelig fortjeneste. Med krigsudbruddet beslutter Adam at vende tilbage til sin ranch på grund af mangel på penge, men Cal holder sin bønneforretning hemmelig og fortæller sin far, at han ikke skal bekymre sig. Ved karnevallet forsvarer Cal Abra ( Julie Harris ), Arons kæreste, mod at blive overgrebet af en af ​​soldaterne. Mens de venter på Aron, bruger de tid sammen, og under turen på pariserhjulet kysser de spontant. I mellemtiden kommer Aron til forsvar for en tysk købmand, der bliver angrebet af en hob af falske patrioter, og Cal hjælper sin bror, indtil sherif Sam stopper kampen. Da Abra dukker op i Cals frakke, beskylder Aron af jalousi Cal for at starte kampen, hvorefter Cal slår sin bror flere gange. Til Adams fødselsdag giver Cal sin far de penge, han tjente på at sælge bønner, men han nægter at tage imod dem, fordi han ikke ønsker at tjene på krigen. Til alles overraskelse meddeler Aron, at han og Abra er forlovet. En deprimeret Cal skriger af smerte og går, mens Abra forsøger at trøste ham. Aron, der beskylder sin bror for "ondskab og grusomhed", kræver, at han aldrig rører hende igen. Cal overbeviser sin bror om at tage til Monterey med ham for at møde Kate. Da han får at vide, at hans mor, som han idoliserer, er en prostitueret, går en chokeret Aaron. Da han vender hjem, beslutter Cal sig for at starte sin egen virksomhed med de penge, han tjener, og leve uafhængigt af sin far. Da Adam spørger om Aaron, svarer Cal: "Jeg er ikke min brors vogter." Efter at have beskyldt sin far for ikke at elske ham, fordi han minder ham om Kate, indrømmer Cal, at han har været jaloux på Aaron hele sit liv. Han udtaler over for sin far, at han ikke vil have sin kærlighed mere, og Abre siger, at han ikke vil have "ikke mere kærlighed", fordi det "ikke kan betale sig". Sam informerer familien om, at Aaron kom ud i et beruset slagsmål og derefter besluttede at melde sig til soldaterne. Adam, Cal og Abra tager til stationen for at se en beruset Aaron, som de ikke engang kan tale med. Efter toget går, besvimer Adam og falder i Cals arme. Lægen lægger Adam på sengeleje og efterlader ham hos en ond sygeplejerske. Sam inviterer Cal til at forlade byen, hvorefter han, undskyldende overfor sin far, begynder at pakke. Abra bekender over for Adam, at hun virkelig elsker Cal, hvorefter hun erklærer, at Cal aldrig vil være en mand uden den kærlighed, som Adam nægtede ham. Hun beder Adam om at bede Cal om noget som et tegn på, at han elsker og har brug for ham, før det er for sent. Cal vender på Abras opfordring tilbage til sin fars værelse og fortæller ham, at han lyttede til hans ord om, at "en person har et valg, og valg er det, der gør en person." Så beder Adam Cal om at fyre den irriterende sygeplejerske og hvisker så: "Bliv hos mig og pas på mig." Efter at have kysset Abra, trækker Cal sin stol op til sin fars seng .

Som filmhistorikeren Sean Exmaker skrev i 1954: "På højden af ​​sin succes var Kazan fri til at vælge ethvert materiale, han ønskede, og han valgte John Steinbecks bedst sælgende roman East of Eden, idet han valgte at filmatisere sin sidste del baseret på historien om Kain og Abel. Senere, i interviews, beskrev Kazan ofte filmen som selvbiografisk, hvilket afspejlede hans eget utilfredsstillende forhold til sin far og yngre bror, som han troede, at hans far altid foretrak: "Billedet af en dreng er fuldstændig klart for mig. Jeg kendte sådan en dreng, det var mig selv” [56] . Som Exmaker skriver videre, “På trods af Steinbecks prestige og Kazans berømmelse var filmens største fokus på Kazans opdagelse, den unge New York-skuespiller James Dean, som fik sin filmdebut i titelrollen. Efter forslag fra manuskriptforfatter Paul Osborne så Kazan Deans optræden i en lille rolle på Broadway-scenen, hvorefter han, selv om han ikke var helt tilfreds med Deans skuespilleregenskaber, alligevel straks forstod, at han ville spille Cal, og Steinbeck var enig med Hej M. Kazan, der var tilhænger af Stanislavsky-systemet , besluttede at opgive tiltrækningen af ​​Hollywood-stjerner til fordel for unge skuespillere fra New York Actors Studio , inviterede også Richard Davalos og Julie Harris til hovedrollerne. Den mere traditionelle skoleskuespiller Raymond Massey blev castet som Adam, og forskellen mellem de to spilleskoler understregede efter Kazans mening forskellen mellem to generationer. Ifølge Exmaker dukkede Dean ofte op uforberedt under optagelserne, kendte ikke ordene eller afveg fra manuskriptet, hvilket førte til mange ekstra optagelser og hans mange tilløb med Massey. Men som Kazan senere skrev, spillede dette kun til fordel for filmen: "Det var en modsætning, som jeg ikke forsøgte at stoppe, jeg gav næring til den. Skærmen var i live præcis, hvad jeg ønskede - de hadede hinanden .

Det var Kazans første farvefilm og hans første CinemaScope-film , og han brugte disse kvaliteter ved billedet beundringsværdigt. Med lange optagelser sætter han filmen i et langsommere tempo fra forrige epoke, hvorefter han henleder kameraets opmærksomhed på Deans rastløse og nervøse spontanitet, som skiller sig ud mod resten af ​​rollebesætningens ro og tilbageholdenhed. Som Kazan skrev: "Han havde en meget mere udtryksfuld og mobil krop end Brando, og der var meget spænding i ham. Og jeg brugte hans levende krop meget i lange episoder." Udendørsbilleder blev taget på tværs af de brede vidder af Monterreys kystlinje, med massive feltbaggrunde begrænset til bjerge i scener i Salinas. Lyse dagtimerne eksteriører af gyldne marker og blå himmel stod i kontrast til mørke interiører og nattescener, efterhånden som historien blev mørkere og mere problematisk .

Som Exmaker bemærker, "Filmen var en kæmpe succes, og ikke kun fordi den startede James Dean-kulten" [56] . Efter filmens udgivelse bemærkede Variety den "kraftfulde mørke dramaturgi i Steinbegs roman", som Kazan "bragte til skærmen". Bladet kalder filmen "et stærkt værk fra en instruktør, der har en forkærlighed for en kraftfuld og lidenskabsløs skildring af livet", og bemærkede endvidere, at "Kazan anerkender ikke, at han ser ud til at kræve, at James Dean skal spille Marlon Brando, selvom skuespilleren selv er så attraktiv, at han formår at nå seeren, på trods af den tunge byrde at kopiere en andens skuespilstil, stemme og manerer" [57] . Filmkritiker Bosley Crowser fra The New York Times roste filmen og skrev, at "i én henseende er den fremragende. Kazans brug af Californiens rum og atmosfære er uden sidestykke. Nogle af de indvendige billeder, især i sidste scene, har også en atmosfære, begejstrer seeren med deres stærke følelsesmæssige overtoner.” Man får dog indtryk af, at "instruktøren arbejder mere med scenografien end med karaktererne... Personerne i denne film er ikke godt forberedte til at formidle følelsen af ​​den lidelse, de går igennem, og deres udfoldelse af pine er mærkbart stiliseret og grotesk. Det gælder især James Dean som den forvirrede og lunefulde Cal... Denne film har energi og spænding, men lidt klarhed og følelser. Det ligner et stort grønt isbjerg - det er enormt og imponerende, men meget koldt . Generelt var vurderingerne af filmen positive. Således kaldte magasinet Library Journal billedet for "en af ​​de bedste film i dette eller ethvert andet år, en film, der giver et dybt foruroligende indre blik på det, psykologer kalder "en følelse af afvisning"". William Zinsser i New York Herald Tribune skrev, at "Kazan får sine karakterer til at udvikle sig langsomt, men når de endelig bryder ud i vrede eller vold, forstår du hvorfor det sker" [59] . I 1984 mente den kendte filmkritiker Pauline Cale, at det var "en overraskende følsom og nervøs, febrilsk poetisk film... Som en romantisk, afsidesliggende ung helt udviser James Dean alle mulige former for charmerende klodsethed - han er følsom, forsvarsløs, såret. .. Dean ser ud til at være gået så langt som muligt, i billedet af en, der ikke bliver forstået ... Dette er langt fra kedeligt, men bestemt en meget mærkelig film. Jeff Andrew skrev i 2000: "Kazans tilpasning af Steinbecks roman om rivaliseringen mellem to teenagere om kærligheden til deres far er lige så ordrig og fuld af bibelsk allegori som selve romanen. Dette er dog en film med fantastisk skuespil, atmosfærisk kinematografi og en præcis fornemmelse af tid og sted." David Thomson i 2000 mente, at "dette er Kazans bedste film: dels på grund af Deans stikkende ubeslutsomhed, dels på grund af det spændende sammenstød mellem skuespilstilarter (Dean og Massey), og også fordi CinemaScope -formatet tilskyndede Kazan til at arbejde med kameraet med det men understregede omsorg, som han normalt gav fuldstændig til skuespillerne. Kenneth Turan skrev i Los Angeles Times i 2005 , at "ikke alene er det en af ​​Kazans rigeste film og Deans første store rolle, det er muligvis skuespillerens bedste nogensinde . "

Filmen blev nomineret til fire Oscars , inklusive bedste instruktør (Kazan), bedste manuskript (Osborne) og bedste mandlige hovedrolle for James Dean, der døde i en bilulykke, før nomineringerne blev annonceret (dette var den anden posthumte nominering i Oscar-historien og først ud af tre for Dean). Det var dog kun Jo Van Fleet , der vandt en Oscar for sin birolle . Filmen vandt også en Golden Globe for bedste film og bedste dramafilm på filmfestivalen i Cannes , mens Kazan modtog en nominering for bedste instruktør fra Directors Guild of America [59] .

Kazan optrådte som både instruktør og producer af hans næste film Dolly (1956) [3] , som Rothstein kaldte "en sort komedie med et seksuelt tema" [1] .

Filmen er baseret på et enakter af Tennessee Williams og foregår i en lille by i Mississippi -deltaet . I et faldefærdigt palæ i Syden er en attraktiv nitten-årig pige ved navn Dolly ( Carroll Baker ) ulykkeligt gift med den meget ældre, uheldige bomuldsgin-ejer Archie Lee Meighan ( Karl Malden ). Inden hans død indvilligede Dollys far i hendes ægteskab med Archie på betingelse af, at han ikke ville fratage hende hendes mødom, før hun nåede sin tyvende fødselsdag. Med to dage tilbage til sin næste fødselsdag bliver Archie mere og mere utålmodig i sit ønske om at gøre Dolly til sin kone "for alvor" - først spionerer han på hendes badning og forsøger derefter at tage hende. Næste aften ser de, hvordan møbler bliver taget ud af deres hus for gæld, hvorefter Dolly beslutter sig for at flytte fra sin mand til et motel. I mellemtiden fejrer den nye bomuldsgin-manager Silva Vacarro ( Eli Wallach ), som er ankommet fra Sicilien , den første succesfulde høst med sine arbejdere. Archie, der mistede al sin indkomst på grund af Silva, sætter ild til sin fabrik, som brænder ned til grunden lige under fejringen. På trods af Silvas forsøg på at anmelde brandstiftelsen, nægter politiet, der opfatter ham som en outsider, at efterforske. Næste morgen bringer Silva sin bomuld til Archie's til behandling. Mens han har travlt med at lave bomuld, finder Silva ud af Dolly, at Archie havde været ude af huset den foregående aften. Silva begynder derefter at flirte med Dolly og beslutter sig dermed for at hævne sig på Archie for brandstiftelsen. Hun er glad for Silvas opmærksomhed, men hun finder styrken til at modstå ham og går til sin mand, som reparerer hans bil. Vred over hendes tilstedeværelse slår Archie Dolly. Silva er forfærdet over Archies udstyrs tilstand, og det arbejde er endnu ikke begyndt. Da Archie tager afsted for at få en ny bilbælte, løber Dolly efter ham, bange for at være alene med Silva. Når udstyret er ordnet, fortæller Dolly Silva om sit forhold til sin mand og siger, at hendes "beredskab" vil afhænge af, om møblerne bliver returneret til huset eller ej. Med Archie af vejen starter Dolly og Silva urolig sjov i huset med erotiske overtoner. Til sidst meddeler Silva Dolly, at hun vil lade hende være i fred, hvis hun underskriver en vidneerklæring, der inkriminerer sin mand som brandstifteren. Med tårer i øjnene underskriver hun papiret, hvorefter hun overtaler Silva til at hvile sig i sin tremmeseng. Da Archie vender hjem, anklager Dolly sin mand for at have sat ilden og annoncerer afslutningen på deres forhold. Hun siger, at hun vil have det sjovt med Silva, mens han behandler bomuld på Archies maskine. Silva bliver mere og mere selvsikker i Archies hus, og ansætter endda tante Rose, som blev fyret af ham, som kok. Til sidst anklager Archie sin kone for at være utro, men Silva forsikrer ham om, at han kun kom for at få beviser. Da en vred Archie griber en pistol, gemmer Silva sig i et træ, mens Dolly ringer til politiet og derefter gemmer sig sammen med Silva. Politiet kommer til undsætning og tager Archies våben, hvorefter Silva viser Dollys vidnesbyrd, der belaster Archie. Inden afrejsen lover Silva at vende tilbage næste dag med mere bomuld. Bymarskalen informerer derefter Archie om, at han skal "for udseendets skyld" arrestere ham, og Archie ser Dolly vende tilbage til huset alene på sin tyvende fødselsdag. Derhjemme fortæller hun tante Rose, at hun må vente til i morgen for at se, om den høje, mørke fremmede vil huske dem [60] .

Som filmhistoriker Jay Steinberg har bemærket, "Kazan, der aldrig undgik provokerende materiale, overtalte i begyndelsen af ​​1950'erne sin hyppige scene- og filmpartner, Tennessee Williams, til at forberede et kort enakters skuespil kaldet 27 Cotton Carts til biografen. Resultatet er en sjov og ofte bramfri sort farce om det dybe syd, der gjorde sin tids bigotte rasende, men som tiden gik, kom det til at virke ret ufarligt. Filmen blev optaget i Missouri , og Kazan rekrutterede mange lokale i små roller med stor effekt. Ifølge Steinberg, "Både Carroll Baker og Wallach, som Kazan hentede fra Actors Studio, gav en vidunderlig præstation - den seksuelle varme, der genereres af dem i deres fælles scener, er til at føle på selv i dag" [61] . Efter udgivelsen gav Bosley Crouser i The New York Times den en blandet anmeldelse og bemærkede historiens svaghed og psykologiske billeder sammenlignet med A Streetcar Named Desire. Samtidig roste kritikeren den satiriske komponent i billedet og bemærkede, at Williams skrev sine "cheesy, ondskabsfulde mennesker på en sådan måde, at de er klinisk interessante", og "under Kazans fremragende regi spiser skuespillerne praktisk talt på skærmen. Desuden præsenteres karaktererne med sydende åbenhed. Ikke en eneste grimhed i deres liv er tilbage uden opmærksomhed. Samtidig er “flirten af ​​Dolly og Vacarro, som Kazan iscenesatte med forbløffende betydning, særligt imponerende. Selvom han trodsigt lader det være uklart, om pigen rent faktisk blev forført, er der ingen tvivl om, at hun bliver bejlet til og voldsomt forfulgt. Mr. Kazan balancerer konstant mellem det følelsesmæssige og det latterlige." Men, som Krauser påpeger, "afgjort er filmens mest dygtige og værdige indslag Kazans billedkompositioner, gengivet i kontrasterende sort og hvid og præsenteret for det meste på baggrund af en gammel Mississippi-gård." [ 62] TimeOut kaldte senere billedet "sandsynligvis en af ​​Kazans mindst ambitiøse film. Det er i bund og grund en sort komedie om en mærkelig og voldelig romantisk trekant." Selvom filmen blev fordømt af National Legion of Decency ved udgivelsen , "fremstår dens erotiske indhold i dag som meget tilbageholdende". På den anden side "gør det grotesk karikerede skuespil og det dvælende billede af et lummert, støvet, dovent husmandssted visningen vittig og uimodståelig" [63] .

Ifølge Steinberg, på trods af stærke anmeldelser fra kritikere, var billedets honorarer kun tolerable, og filmen bragte kun fire Oscar -nomineringer - Williams som manuskriptforfatter og Boris Kaufman som filmfotograf, samt skuespillerinderne Carroll Baker og Mildred Dunnock . Årsagerne til dette lå til dels i den negative reaktion på billedet fra kristne organisationer. Kazan huskede: "Efter den første gode uge var der et hurtigt fald, og filmen gav aldrig overskud. I dag ligner filmen bare en ret sjov komedie, og det er fantastisk, at den larmede så meget i sin tid . Kazan modtog en Golden Globe og en New York Film Critics Circle Award-nominering for sit instruktørarbejde, og filmen modtog også en BAFTA-nominering for bedste film .

Herefter vendte Kazan sig igen til at samarbejde med Budd Schulberg og skabte en "kraftfuld, satirisk ting" " Face in the Crowd " (1957) [3] , "en film om medierne og om stjernestatus" [1] , som taler om hvordan "landdistriktsdemagogen kommer til magten ved hjælp af medierne" [2] . Det er, ifølge Susan King, "en fantastisk film om en Arkansas-flyver, der bliver en tv-stjerne, der ødelægger alle omkring ham" [44] og ifølge McGee "en kraftfuld film med et budskab om berømthedsmagt i medierne" [65] .

Filmen åbner med en scene i et landligt fængsel i Arkansas , hvorfra reporteren Marcia Jeffries ( Patricia Neal ) udsender for en lokal radiostation. Der vender hun sin opmærksomhed mod den berusede drifter Larry Rhodes ( Andy Griffith ), som hun overtaler til at tale om hans liv og synge for radioen. Optræden af ​​den karismatiske, vittige Larry gør et stærkt indtryk på ejeren af ​​radiostationen, som beslutter sig for at gøre Larry, der tager navnet Lonely Rhodes, til et regulært morgenprogram. Marcia formår med lidt besvær at overtale Rhodes til at være vært for showet, som øjeblikkeligt bliver et hit blandt radiolyttere. I baren betror Rhodes til Marcia, at alle hans historier om hans liv, som han giver ud i luften, faktisk er hans opfindelser. Marcia tager Rhodos til næste niveau ved at flytte med ham til Memphis , hvor han med succes begynder at være vært for et tv-program. Marcia og Rhodos indleder en affære. Efter salget af showets sponsor, madrasfirmaet, skyder i vejret, danner en af ​​virksomhedens ambitiøse medarbejdere, Joey De Palma ( Anthony Franciosa ), et fælles selskab med Rhodes, der lover at arrangere en større kontrakt med et af reklamebureauerne i New York . Rhodes begynder snart at reklamere for Vitajex-vitaminer og udgiver dem som libido -forstærkende piller . Salget begynder at skyde i vejret, og det samme gør vurderingen af ​​Rhodos selv. Vitajacks præsident general Hainsworth beslutter at bruge Rhodos til at forfremme senator Worthington Fuller til præsidentposten. Efter at være kommet på forsiden af ​​magasinet Life , bliver Rhodes en national skikkelse, han holder teleton og søsætter skibe. I sin fornemme penthouse frier Rhodes til Marcia, og hun accepterer. Rhodes vender dog tilbage fra endnu en forretningsrejse med sin nye 17-årige kone. Rhodes forklarer Marcia, at han er bange for at gifte sig med hende på grund af hendes kritiske holdning til hans adfærd, og som svar kræver Marcia, at hun bliver gjort til en ligeværdig partner i hans forretning. Mens han med succes promoverer Fuller på tv, begynder Rhodes samtidig at dominere ham og påtvinger hans synspunkter, hvilket ikke passer Hainsworth. En dag bliver Marcia opsøgt af sin tidligere assistent, Mel Miller ( Walter Matthau ), der meddeler, at han har til hensigt at skrive en feuilleton om Rhodos kaldet "Demagog i jeans". Joey indleder en affære med Rhodes' kone, og da Rhodes forsøger at slå op med Joey, minder han ham om, at han ejer 51 procent af deres fælles selskab. Dagen efter beslutter Marcia, som er blevet desillusioneret over Rhodes, at afslutte sin karriere ved i hemmelighed at iscenesætte en provokation under et tv-program, der sætter Rhodos i et dårligt lys. Publikum vender sig væk fra ham, efterfulgt af annoncører. Rhodes overtaler Marcia til at arbejde sammen med ham igen, men hun går, og Mel fortæller ham, at alle fans snart vil glemme ham. Da Marcia hører Rhodes' klagende opkald fra gaden, stopper Marcia op et øjeblik, men Mel overbeviser hende om, at de skal videre [66] .

Som filmhistorikeren Scott McGhee skrev: "Det er klart forud for sin tid, at dette bestemt er en af ​​de første film, der sætter spørgsmålstegn ved tv'ets virkning." I dag virker Kazan og Schulbergs syn på tv "fuldstændig forudseende". De lavede filmen "som en advarsel om, at når vi tænder for fjernsynet, radioen eller udøver vores stemmeret, skal vi passe på spøgelset fra Lonely Rhodes. Denne advarsel er stadig relevant i dag” [65] . Ifølge Kazan, "En af grundene til, at vi lavede dette billede, er på grund af den fantastiske vertikale mobilitet i dette land, den hastighed, hvormed en person går op og ned. Det vidste vi godt begge to, for vi var selv op og ned flere gange. Vi satte os for at advare offentligheden gennem Lonesome Rhodes - vær forsigtig med fjernsyn ... Vi forsøger at sige: vær ikke opmærksom på, hvordan han ser ud, vær ikke opmærksom på, hvordan han ser ud, vær ikke opmærksom på, hvem han ser ud minder dig om, lyt til, hvad han siger... Fjernsyn er godt for det. Det bedrager nogle mennesker og afslører andre . Kazan sagde senere i et interview, at filmen var "forud for sin tid... Den første del af filmen er mere en satire, og den anden del involverer mere seeren i Lonely Rhodes' skæbne og følelser... Hvad Jeg kan godt lide ved denne film er dens energi, opfindsomhed og spring, som er meget amerikansk. Der er virkelig noget mirakuløst over det, denne konstant pulserende, skiftende rytme. På mange måder er det mere amerikansk end noget andet maleri, jeg har lavet. Det repræsenterer erhvervslivet og bylivet, og måden tingene sker på tv, rytmen i, hvordan landet bevæger sig. Hans tema, selv i dag, er helt betydningsfuldt .

Filmen blev optaget forskellige steder i Arkansas, Memphis, Tennessee og New York. I New York blev et gammelt studie brugt til optagelser, hvor miljøets ægthed fastholdes af tilstedeværelsen af ​​mange genkendelige tv-folk i billedet [65] . Filmanmelder Deilis Powell fra The Sunday Times huskede, at han tilbragte en formiddag i et Bronx -studie "hvor hun så Kazan øve scener fra Face in the Crowd. På det tidspunkt blev jeg slået af den rige opfindsomhed, som Kazan bragte til værket, hans ideer i gestus, tone, blik - et stort væld af detaljer - der arbejdede på at forbedre den komiske livlighed i hver scene. Og nu, når jeg ser den færdige film, igen den samme tæthed af billedet, hvilket undrer mig. Intet er overladt til tilfældighederne" [3] . Ifølge McGee, i modsætning til mange andre "ærlige" film, hvis svaghed er deres "blødhed, frygtsomhed og bedøvende neutralitet", er denne film "lidenskabelig, sublim, rasende og uforsonlig, hvilket er en fryd for sindet" [65] . Filmen er også betydningsfuld, idet den lancerede karrieren for Andy Griffith og Lee Remick , som fik deres filmdebut [65] .

Efter udgivelsen var filmen en skuffelse fra billetkontoret [65] [3] og modtog blandede anmeldelser fra både offentligheden og kritikere [65] . Bosley Krauser i The New York Times skrev til dels, at Schulberg og Kazan, der "udviste sjælden sympati på On the Waterfront, er tilbage sammen og sporer den fænomenale stigning (og fald) af en "persona" i top-tv." i sin nye film Ansigt i mængden. Med kritikerens ord: "Denne sydende og kyniske fordømmelse har mere at gøre med arten af ​​idolets flamboyante personlighed end med miljøet og maskinen, der fødte den. Schulberg skrev den magtfulde mand som en ru og vulgær narr og rødhals, og Griffith, under Kazans vejledning, spiller ham med tordnende energi. Schulberg og Kazan skaber et monster, der ligner Dr. Frankensteins. Og de er så fascineret af ham, at de fuldstændig giver ham hele filmen. Som et resultat, som Krauser antyder, gør hans tilsyneladende "dominans, den store mængde af tv-detaljer og Kazans rykkede fortællestil filmen en smule monoton" [68] . Samtidens kritiker Dennis Schwartz kaldte filmen "en ætsende og sønderlemmende 'stigning og fald'-satire, der sender en advarsel om de legendariske figurer skabt af tv - de kan være hykleriske og ikke så smukke, som du tror, ​​hvis du bare dømmer dem efter, hvordan de se på skærmen” [69] . For dette billede modtog Kazan en nominering til Directors Guild of America Award [70] .

Om melodramaet Wild River (1960) skrev Thomson, at det var "et mesterværk, der ikke fik den nødvendige opmærksomhed", og Vosburg kaldte det "en undervurderet film" [3] . Fra 1941, da Kazan lavede en teaterforestilling for Department of Agriculture i New York, havde han en idé til et projekt, der til sidst kulminerede i denne film. Kazan var interesseret i, hvordan offentlige myndigheder behandler "kød og blod" mennesker. Især var han optaget af skæbnen for dem, der stødte sammen med Tennessee Valley Authority, et føderalt agentur dannet i 1933 for at sørge for vandforvaltning og socioøkonomisk udvikling i Tennessee River Valley , en region, der var blevet hårdt ramt af den store depression . Kazan betragtede projektet som en hyldest til præsident Roosevelt og hans New Deal . I mange år arbejdede Kazan på at skabe sit eget manuskript til den foreslåede film, men var ikke tilfreds med resultatet og bad om hjælp fra sin ven, dramatiker og manuskriptforfatter Paul Osborne, som skrev manuskriptet til East of Eden. I mellemtiden har 20th Century Fox erhvervet rettighederne til to romaner om nogenlunde samme tema, Borden Deal's Dunbar's Cove, om en kamp mellem myndighederne og gamle godsejere i Tennessee Valley, og William Bradford Hueys Dirt on the Stars, der fortæller om en landlige matriarkalske familie og hendes reaktioner på ødelæggelsen af ​​deres lande. Osborne kombinerede Kazans originale idé med to bøger, som endelig tilfredsstillede instruktøren [71] .

Filmen foregår i 1933, da Tennessee Valley Authority begyndte at bygge en kaskade af dæmninger på floden for at forhindre dødbringende oversvømmelser og højne levestandarden for den lokale befolkning. Agenturet sender sin medarbejder Chuck Glover ( Montgomery Clift ) til en lille by i Tennessee med den opgave at fuldføre genbosættelsen af ​​lokale beboere og rydde jorden i en dalsektion, der er udsat for oversvømmelser. Chucks første opgave er at overbevise den ældre Ella Garth (Jo Van Fleet), hvis familie har boet på en ø ved floden i generationer, om at sælge sin jord til regeringen. Efter at Ella nægter at tale med ham, vender Chuck sig til sine tre voksne sønner, men den ældste blandt dem, Joe John Garth, kaster Chuck i floden. Næste dag besøger Chuck Ella igen og møder hende omgivet af sine sorte arbejdere og deres familier. Hun udtaler, at hun ikke er interesseret i de moderne bekvemmeligheder, som dæmningen vil bringe, og at hun ikke bør tvinges til at sælge sin jord, fordi den ville være "mod naturen". Chuck inviterer arbejdere til sit kontor for at diskutere jobmuligheder. Chuck når også ud til Ellas barnebarn, Carol Baldwin ( Lee Remick ), en ung og ensom enke med to små børn, som er flyttet til øen efter sin mands død. Carol forstår det uundgåelige ved fremskridt og indvilliger i at hjælpe Chuck, selvom hun forstår, at for Ella vil det være som døden at flytte fra hendes hjemland. Et romantisk forhold udvikler sig mellem Chuck og Carol. Med hjælp fra sorte arbejdere begynder Chuck at rydde land på øen. Dette gør lokalbefolkningen vrede, som kræver, at Chuck skal betale sorte arbejdere mindre end hvide arbejdere. Efterhånden skal Ellas arbejdere, og derefter hendes sønner, forlade øen. Til sidst bliver Ella efterladt alene på øen, bortset fra den trofaste Sam, som nægter at forlade hende. Chuck bliver instrueret af Washington til at starte Ellas tvangsudsættelse med den amerikanske marskal. Efter at have opnået anerkendelse af moderen som uarbejdsdygtig, tilbyder hendes to sønner Chuck at købe deres mors jord af dem. I mellemtiden udvikler Chuck mere og mere respekt for Ella. Næste dag, mod sin vilje, beder han marskalen om at fjerne Ella fra hendes ejendom, og rejser derefter til øen for at gøre et sidste forsøg på at overbevise hende om at tage af sted på egen hånd. Efter at have fået afslag igen, vender Chuck tilbage til Carols hus, som beder ham om at tage hende med, men Chuck kan ikke give hende et svar. I mellemtiden ødelægger en flok vrede lokale Carols hus og Chucks bil, og slår derefter Chuck selv. Efter at pøblen også tænder på Carol, stopper sheriffen sammenstødet. Glad over Carols heltemod frier Chuck til hende, og de gifter sig den aften. Næste dag ankommer Chuck og Carol med marskalen på øen til Ella. Efter at marskalen har læst fraflytningsmeddelelsen, går en tavs Ella mod færgen til lyden af ​​økseslag og faldende træer. I sit moderne nye hjem sidder Ella på verandaen og kigger ud over floden og nægter at tale. Nogen tid senere, da arbejderne er færdige med at rydde øen og forbereder sig på at brænde hendes stuehus ned, dør Ella. Efter at have afsluttet arbejdet letter Chuck og hans nye familie fra dalen, og flyver først over øen Garth, som er blevet til en lille plet i en kunstig sø, og derefter over en kraftig ny dæmning [72] .

Kazan planlagde oprindeligt at kaste en ældre skuespiller i hovedrollen, men da Osborne udviklede manuskriptet, besluttede Kazan at fokusere på en ung, sexet medarbejder i Landbrugsministeriet, hvilket ville øge filmens energi og kommercielle appel. I første omgang ønskede Kazan at kaste Brando i hovedrollen, men valgte til sidst Montgomery Clift, trods tvivl om hans pålidelighed. Efter en forfærdelig bilulykke, der ødelagde hans smukke ansigt og ødelagde hans krop, led Clift af alkohol- og stofmisbrug i 1942, da han arbejdede med ham på stykket The Skin of Our Teeth. Han tilbød skuespilleren hovedrollerne i hans film On the Waterfront (1954) og East of Paradise (1955), men Clift afviste dem begge. Denne gang sagde Kazan ligeud: "Jeg kan ikke arbejde med en drukkenbolt," og fik Clift til at love, at han ikke ville røre alkohol under optagelserne. Clift, som havde den største respekt for Kazan, gjorde alt for at holde sit løfte, og efter alt at dømme var han meget succesfuld og leverede et kraftfuldt og fokuseret spil [71] .

I sine erindringer skrev Kazan om denne film: "Jeg opdagede en fantastisk ting. Jeg skiftede side... Min karakter skulle være en beslutsom New Deal-promotor, travl med den svære opgave at overtale "reaktionære" landsbyboere til at forlade jorden for offentlighedens bedste... Men i løbet af arbejdet fandt jeg ud af, at min sympati var med den stædige gamle dame, der nægtede at være patriot." Han fandt også ud af, at filmens dynamik ændrede sig efter Clift blev ansat: "Han kan ikke sammenligne med landsbybeboerne, han bliver nødt til at overbevise om "det større gode", og han kan bestemt ikke fysisk matche nogen af ​​dem, hvis det kommer. ned til det." til vold. Billedligt talt er dette historien om de svages sammenstød med de stærke – lige omvendt. Kazan accepterede med glæde disse ændringer og forstærkede denne ordning med alle de andre aktører. Til rollen som Ella Garth castede han den 44-årige Jo Van Fleet, som specialiserede sig i meget ældre heltinder og vandt en Oscar for sin præstation i East of Eden. Som Kazan skrev, vidste han, at hun ville "spise Clift levende" i deres scener sammen, og forsøgte at opnå netop det. Den bløde, men viljestærke Carroll Kazan blev castet af Lee Remick, som han havde arbejdet sammen med på Face in the Crowd (1957), og som han betragtede som "en af ​​tidens fineste unge skuespillerinder", såvel som "en enestående person." I filmen udnytter Kazan fuldt ud, at Remick vil dominere, og Clift bliver "seksuelt usikker". Denne ujævne kombination af personligheder, ifølge filmhistorikeren Roger Fristow, "giver en usædvanlig og dejlig spænding til deres kærlighedsscener" [71] .

Det var den første store spillefilm, der blev optaget helt i Tennessee. Optagelserne begyndte i november 1959 og varede to en halv måned. De lokale, der ikke havde nogen skuespillererfaring, spillede omkring 40 af de 50 roller med ord. Garth Manor, som tog to måneder og kostede 40.000 dollars at bygge, blev brændt ned til grunden i filmens klimascene. I seks måneder redigerede Kazan filmen, som blev udgivet i juli 1960. Filmen begynder med en sort-hvid prolog, der beskriver oversvømmelsen af ​​Tennessee-floden, som forårsagede store ødelæggelser og tab af mange menneskeliv [71] .

Da Kazan følte, at studiet ikke ville give filmen en chance for en bred udgivelse i USA og ikke engang ville bøvle med tilbud i Europa, lavede Kazan ikke en "stormfuld scene" på studielederen Spyros Skouras ' kontor . Kazan skrev især: "Penge styrer markedet, og ifølge denne regel er filmen en katastrofe" [71] . Filmen var en rigtig skuffelse ved billetkontoret [3] og fik blandede anmeldelser på det tidspunkt [71] . A. H. Weiler i The New York Times skrev til dels: "På trods af titlen er billedet mere et interessant, men underligt foruroligende drama end en knusende udforskning af det historiske aspekt af et Amerika i forandring. Mens fokus er på de mennesker, der blev ramt af Tennessee Valley Authority i begyndelsen af ​​30'erne, distraherer producer-instruktør Elia Kazan underligt nok seeren med en romantik, der deler betydning med de sociale og økonomiske omvæltninger, der utvivlsomt ligger filmens hjerte nærmest. At følge to kurser på samme tid reducerer billedets potentielle kraft. Rivaliseringen mellem ung kærlighed og fremskridtets indvirkning på gamle måder bliver en snigende tvangstanker dikotomi. Samtidig er det mærkværdigt, at begge dele af denne smukke folkehistorie er udført professionelt ... Kazan fortjener virkelig ros for ikke at tage parti, når han overvejer de socioøkonomiske aspekter af hans historie” [73] . Filmen blev nummer otte i National Critics Councils bedste billedafstemning i 1960, og på filmfestivalen i Berlin blev Kazan nomineret til Guldbjørnen . Senere fik filmen mange tilhængere blandt samtidens kritikere. Således kaldte Dave Kehr fra Chicago Reader den "formentlig Kazans mest subtile og dybsindige film, en meditation over, hvordan fortiden samtidig undertrykker og beriger nutiden" [71] . TimeOut magazines anmeldelse udtalte, at "måske er det stedet, måske skuespillet, men denne lyriske freelancehistorie af Kazan er blevet en af ​​hans mindst teatralske og mest rørende af hans film. Dette skyldes til dels, at kamplinjen – mellem by og land, gammelt og nyt, hensigtsmæssighed og tro – er effektivt sløret, hvilket gør konflikten mere dramatisk kompleks, end man kunne forvente; men Kazans åbenlyse nostalgi efter en 1930'er-scene (New Deal) giver også filmen mere dybde og dimension, end man normalt finder i hans arbejde . Som Fristow bemærkede, forblev denne film "en favorit for instruktøren selv" [71] .

Ifølge Rothstein er blandt Kazans film "som stadig har en særlig resonans hos unge biografgængere Splendor in the Grass (1961) , med Warren Beatty og Natalie Wood i hovedrollerne som forelskede teenagere, der står over for voksenhykleri" [1] .

Filmen begynder i slutningen af ​​1920'erne i en lille by i Kansas , hvor to af de smukkeste gymnasieelever i gymnasiet - Wilma Dean Loomis (Natalie Wood) og Bud Stamper (Warren Beatty) - forelsker sig. På trods af den stærke gensidige tiltrækning og ønsket om intimitet, er de tvunget til at beherske sig. Wilmas mor forbyder hende faktisk at gøre "det", og Buds far, en velhavende oliearbejder, insisterer på, at sønnen får tilfredsstillet sine behov med en "mindre end sød pige" og glemmer ægteskabet, indtil han dimitterer fra Yale . Efter at have modtaget et virtuelt forbud fra sine forældre, tilbyder Bud Wilma at afslutte forholdet, hvilket er meget hårdt for begge. Wilma forsøger selvmord, hvorefter hun ender på en psykiatrisk klinik. Bud bliver hurtigt alvorligt syg af lungebetændelse, hvorefter han begynder at date klassekammeraten Juanita. At studere på Yale University holder tydeligvis ikke med Bud, og efter begyndelsen af ​​den store depression bliver hans far konkurs og begår selvmord. Bal forlader universitetet og gifter sig med en fattig italiensk servitrice, Angelina. I mellemtiden, på sanatoriet, hvor Wilma tilbringer mere end to år, møder hun en anden patient, Johnny Masterson, som frier til hende. Efter at have forladt sanatoriet, før hun accepterer Johnnys tilbud, går Wilma på udkig efter Bud. Hun finder ham på en lille gård, hvor han bor sammen med en gravid Angelina og en lille søn. De forstår, at selvom nogle følelser stadig er tilbage, kan fortiden ikke vendes tilbage, og hver af dem vil gå videre på deres egen måde [75] .

Som filmhistoriker Margarita Landazuri skriver: "Filmen blev lavet på et tidspunkt, hvor både biografen og samfundet som helhed undergik grundlæggende forandringer, og den er mørkere end traditionelle film om teenagekærlighed. Han taler realistisk, endda chokerende, om smerten ved den første kærlighed og om de kræfter, der fratager elskere hinanden . Dramatiker William Inge skrev et teaterstykke om mennesker, han kendte, da han voksede op i Kansas i 1920'erne. Inge fortalte Kazan om stykket, da de arbejdede sammen på en Broadway-produktion af Darkness at the Top of the Stairs i 1957. De blev enige om, at dette ville blive en god film, og gik ivrigt i gang [76] . Inge så den unge Warren Beatty i en teaterproduktion i New Jersey og, imponeret over hans præstation, anbefalede han ham til Kazan for rollen som Bud. Selvom Kazan var irriteret over den uerfarne skuespillers arrogance, var han imponeret over hans præstation og talent og gik med til at kaste Beatty som Bud. Ifølge Landazuri, "Det var Beattys første film, og denne film gjorde ham til en stjerne" [76] .

På den anden side, på trods af en alder af 22, var Natalie Wood allerede en erfaren Hollywood-skuespillerinde, der begyndte at optræde i film i en alder af fem. Selvom hun let skiftede fra at være en barnestjerne til voksenroller, var de film, hun tidligere havde spillet i, ikke særlig betydningsfulde. Wood var under en langtidskontrakt med Warner Brothers , som producerede filmen, og studiet ville have Kazan til at caste hende. Da Kazan ikke betragtede hende som andet end en barnestjerne, hvis tid var gået, gjorde Kazan modstand. Men da han mødte Wood personligt, fornemmede han en "rastløshed og omskiftelighed" i hendes karakter, der var perfekt til hans vision om hovedpersonen, og han castede hende [76] . Selvom Wood var gift på optagelsestidspunktet, og Beatty havde en fast partner, begyndte ikke kun en filmisk, men også en ægte romantik mellem dem. Kazan, der betragtede dette som nyttigt for billedet, opmuntrede ham på enhver mulig måde. Senere huskede han: "Jeg fortrød det ikke. Det hjalp deres kærlighedsscener." Da filmen havde premiere i efteråret 1961, havde Wood og Beatty allerede forladt deres tidligere partnere og boede sammen [76] . Som Landazuri bemærker, for at forstærke maleriets kunstneriske atmosfære, hentede Kazan avantgardekomponisten David Amram ind , som skrev "modernistisk (ofte dissonant) musik, og bestilte produktionsdesigneren til at udvikle scenografien i barske og levende farver, hvilket gjorde maler sentimentalitetens antitese" [76] .

Efter udgivelsen fik filmen fremragende anmeldelser [76] . Time Magazine bemærkede , at "på dette billede... bliver en relativt simpel historie om teenagekærlighed og skuffelse i en lille by i Midtvesten til en vred psykosocial monografi, der beskriver de seksuelle skikke i et hjerteløst bagland." Takket være Kazan er "filmen selvfølgelig dygtigt lavet, spændende og professionel i alle detaljer" [77] . Ifølge Krauser fra The New York Times, "Sex og forældrenes despoti hæmmer forholdet mellem to romantiske gymnasieelever i Inge og Kazans nye film. Inj skrev, og Kazan instruerede dette ærlige og frygtelige sociale drama, hvorfra øjnene springer ud af deres huler, og de beskedne kinder begynder at gløde. Billedet skildrer byens liv, "grimt, vulgært og undertrykkende, til tider komisk og trist." Mens han roste det "fremragende" farveskema og den "fremragende" kunstretning, roste Krauser også skuespillet, og fremhævede Natalie Wood, som "har en skønhed og udstråling, der bærer hende gennem hendes rolle som turbulent lidenskab og længsel med ubesmittet renhed og kraft. Der er poesi i hendes optræden, og hendes øjne i den sidste scene vidner om filmens moralske betydning og følelsesmæssige indhold . Variety skrev, at Kazans film betræder "forbudt territorium med stor omhu, medfølelse og filmisk flair. Det er et ekstremt personligt og rørende drama, der har stor gavn af filmisk levering . Newsweeks anmeldelse bemærkede, at "rystede biografgængere kan undre sig over, hvem der fortjener deres største ære for en af ​​de rigeste amerikanske film i de seneste år. For nemheds skyld kan ord af taknemmelighed rettes til Kazan. Han fungerede som hovedkoordinator mellem det store cast og Inges manuskript og instruerede filmen, som afslører Inges unikke talent for sympatisk satire i dramatisk historiefortælling. Den kan prale af de mest farverige karakterer fra enhver film i de senere år, den eksploderer med opsigtsvækkende og åbenhjertig humor og suser sammen med en gribende følelse af uundgåelig tragedie . Thomson skrev senere, at filmen var "det bedste bevis på, at Natalie Wood var en fantastisk skuespillerinde", og at Beatty og Wood "spillede de bedste dele af deres karriere" i den . Vosberg bemærkede også, at på dette billede, "forrådte Wood spillet af sin karriere" [3] . Filmen bragte en Oscar for bedste manuskript til William Inge og en Oscar-nominering til Natalie Wood. Wood modtog også en BAFTA-nominering for bedste skuespillerinde. Kazan blev nomineret til en Directors Guild of America Award. Filmen modtog en Golden Globe - nominering for bedste film, drama, mens Wood og Beatty modtog Golden Globe-nomineringer for bedste mandlige hovedrolle [77] [76] .

Litterær- og filmkarriere i 1960'erne-1980'erne

Ifølge Thomson begyndte han i 1960'erne, da Kazan allerede var i 50'erne, at skrive romaner, fordi han mente, at litteraturen var "mere ædel og værdifuld" [2] . Kazan forklarede engang sin beslutning om at blive forfatter på følgende måde: "Jeg ville sige præcis, hvad jeg føler. Jeg kan godt lide at sige præcis, hvad jeg føler. Lige meget hvis skuespil du opfører, eller hvor meget du kan lide dramatikeren, er det, du ender med at prøve at gøre, at fortolke hans livssyn... Når jeg taler for mig selv, får jeg en enorm følelse af befrielse” [4] . Kazan har skrevet seks romaner siden begyndelsen af ​​1960'erne, herunder adskillige bestsellere. To romaner - "America, America" ​​(1962) og "The Deal" (1967) - blev han til film [4] . Generelt, som Thomson skrev, Kazan "viste sig at være en fascinerende forfatter" [2] . Efter succesen med sine to første bøger udgav han The Assassins (1972), Understudy (1974), Acts of Love (1978) og The Anatolian (1982). Ifølge Rothstein modtog disse bøger "blandede eller kritiske anmeldelser" [1] . Som Thomson bemærker, "kan de stadig læses i dag, men de er almindelige bøger" [2] .

Kazans første roman , America, America (1962), genskabte hans onkels odyssé, en græsk ungdom, der flygtede fra fattigdom og forfølgelse i Tyrkiet og gennem talrige tilbageslag og ulykker nåede Amerika. Ifølge Rothstein blev "bogen en bestseller" [1] . I 1963, Kazan hos Warner Bros. lavet en film af samme navn baseret på bogen , hvor han optrådte som manuskriptforfatter, producer og instruktør. Filmen begynder i 1896 i en dyb provins i Det Osmanniske Rige , hvor den græske og armenske befolkning bliver hårdt undertrykt. Den unge græske Stavros Topuzoglu ( Statis Yalelis ) beslutter sig for at forlade landet, efter at tyrkerne dræber hans nærmeste ven for at have gjort modstand mod regimet. Faderen sender Stavros til Konstantinopel , så han går ind i sin onkel Odysseus' forretning, som sælger tæpper. Forældre overfører alle deres værdigenstande til Stavros i håb om senere at flytte ind hos deres søn. Men på vejen blev alt værdifuldt, som Stavros havde, stjålet af hans nye tyrkiske bekendtskab, som viste sig at være en bedrager. Stavros finder og dræber senere denne tyrker, men han undlader at returnere pengene. Odysseus er skuffet over, at Stavros er ankommet uden penge. Han foreslår den smukke Stavros at gifte sig med en rig brud, men han frygter, at familien vil blive en hindring for hans mål om at komme til Amerika. Efter at Stavros har nægtet, sparker Odysseus ham ud på gaden. Stavros påtager sig det mest beskidte arbejde og overnatter i køjehuse, hvor han så småt begynder at spare penge, men igen mister alt efter mødet med en prostitueret. Anarkister og revolutionære samles i værelseshuset, og under regeringstroppernes razzia mod dem bliver Stavros alvorligt såret og mister bevidstheden. Han bliver smidt ind i en bunke døde kroppe, der er ved at blive kastet i havet, men det lykkes Stavros at komme ud. Han vender tilbage til Odysseus og indvilliger i at gifte sig med datteren af ​​en velhavende tæppehandler. Han fortæller ærligt sin forlovede, at han vil bruge medgiftspengene til at betale for flytningen til Amerika. Efter at have modtaget penge for en billet fra konen til en bekendt til en amerikansk forretningsmand af armensk oprindelse, Araton Kebyabyan, fortæller Stavros sin brud, at han ikke kan gifte sig med hende, og sejler snart til USA. Om bord på skibet får Araton kendskab til sin kones affære med Stavros. Han rejser en strafferetlig anklage mod Stavros, annullerer et jobtilbud i Amerika og truer med at blive deporteret tilbage til Tyrkiet. I dette øjeblik dør en ung armenier, der er venner med Stavros, af tuberkulose om bord på skibet. Lige før sin død bliver armenieren kastet over bord, hvilket giver Stavros mulighed for at bruge sit navn til at komme til New York. Efter at have nået Amerika, begynder Stavros at spare penge for at overføre hele familien til ham [79] .

Som Bosley Krauser skrev i The New York Times , er filmen Kazans "pragtfulde hyldest" til sin onkel, som var den første i familien, der emigrerede til USA. Hans hyldest til hans "mod, udholdenhed og vision, Kazan udtrykt i usædvanligt livlige, energiske filmiske termer." Filmen er dog ikke kun en hyldest, men også "en rungende ode til hele den store immigrationsbølge ... Denne historie er lige så gammel som homerisk og lige så moderne som dossieret." Og i den »investerede Kazan al længsel, skuffelse og som følge heraf glæden hos en utrættelig vandrer, der leder efter og endelig finder sit åndelige hjem. Kazan formidler til seeren poesien fra immigranter, der ankommer til Amerika. Med mesterlig autentisk iscenesættelse og hård fokusoptagelse giver han os en forståelse af dette drama, som aldrig er set før på skærmen." Samtidig, ifølge kritikeren, "hvis billedet ikke ville være så alt for langt og overflødigt, ville det være endnu bedre" [80] .

Ifølge den moderne filmhistoriker Jay Carr er denne blandt de mange film om immigration til Amerika blandt de mest "mindeværdige og gør stadig et stærkt indtryk." Som kritikeren skriver videre, "Dette er Kazans mest personlige film, baseret på hans egen families historie... Kazan brugte autentiske lokationsoptagelser i Grækenland, han castede også en skuespiller, der var ukendt i Amerika, som var fri for foreningsbyrden, som Hollywood havde skuespillere." Ifølge Carr valgte Kazan Statis Galletis til hovedrollen, ikke kun fordi han var græsk, men også fordi han med sine blege øjne kunne formidle den skarpe intelligens, der skal til i kampen for overlevelse, når han går fra uskyld til oplevelse. Han bliver løjet for, bestjålet og bedraget, frustreret, angrebet og efterladt til døden, og i processen opnår han visdom til at gå fra udnyttet til udbytter, med tanke på sit mål om at komme til Amerika. Ifølge filmkritikeren var "at optage filmen i Grækenland en klog beslutning, såvel som at bruge sort-hvid-film, som Kazan holdt fast ved i næsten hele sin karriere" [81] . Susan King kaldte billedet "Kazans sidste store film", hans "mest personlige og mest elskede film" [44] . Thomson bemærkede, at det "var den type film, som en mand med Kazans historie havde al mulig grund til at lave, og alligevel var direkte selvudtryk betydeligt mindre levende end for eksempel identifikation med James Deans genstridige Cal i Far From paradise " " [2] .

Filmen indbragte en Oscar for Art Direction, samt tre Oscar-nomineringer for Kazan – som producer for den bedste film, som manuskriptforfatter og som instruktør. Som den bedste instruktør blev Kazan også tildelt Golden Globe , en nominering til Directors Guild of America Award , hovedprisen ved festivalerne i San Sebastian og St. George Award , og som manuskriptforfatter - en nominering til Writers Guild of America Award [82] . Men som Vosburg bemærkede, på trods af sin kritiske succes, "var denne nostalgiske tre-timers saga om en ung græker en økonomisk katastrofe" [3] .

Ifølge Rothstein handlede Kazans anden roman, The Deal (1967), om "den omvandrende forretningsmands midtlivskrise. De fleste kritikere havde en lav mening om romanen, men den blev en bestseller" [1] . Den sortlistede forfatter Walter Bernstein beskrev romanen som "en bog, en fyr ville afvise som uværdig til en film". Men i 1969 skrev Kazan et manuskript baseret på romanen og iscenesatte derefter filmen [3] . Filmen The Deal (1969) fortæller historien om græsk-amerikaneren Eddie Anderson ( Kirk Douglas ), der opnår stor karrieresucces ved at blive en velstående direktør for et stort reklamebureau i Los Angeles . En dag forsøger han uventet selvmord, da han med vilje brager sin bil ind i en lastbil på vej til arbejde. Efter at være kommet sig, nægter han at tale og siger kun, at han ikke vil vende tilbage til virksomheden. Eddie udvikler en alvorlig psykologisk krise forbundet med tabet af lidenskab i sit forhold til sin kone Florence ( Deborah Kerr ), som han boede sammen med i mange år. Et andet tema for Eddies oplevelser er en voldsom affære med hans reklamebureaumedarbejder Gwen ( Faye Dunaway ), som han slog op med for omkring to år siden. Eddie synker ned i en lang depression, der er ledsaget af flashbacks og hallucinationer af Gwen. Eddie kommer ud af frivillig tavshed og har en lang samtale med sin kone og fortæller hende om sin utilfredshed med livet. Florence lytter sympatisk til ham og prøver på alle mulige måder at redde deres ægteskab, men begynder med jævne mellemrum at anklage sin mand for utroskab. Efter en interaktion med en psykiater vender Eddie tilbage til arbejdet, men fornærmer snart en vigtig klient og styrer derefter hensynsløst sit privatfly over Los Angeles, hvilket rejser nye spørgsmål om hans mentale tilstand. Familiens advokat forhindrer Eddies anholdelse, hvorefter han overtaler ham til at underskrive en fuldmagt i Florences navn for retten til at råde over al familiens ejendom. Eddie tager til New York for at besøge sin alvorligt syge far, hvor han igen møder Gwen, som bor der med en bejler ved navn Charles og en halvandet år gammel baby (hvis far hun nægter at navngive). Da slægtninge ønsker at placere deres far på et børnehjem, tager Eddie ham med til familiens palæ på Long Island , hvor Gwen også snart bliver udskrevet. De genoptager deres seksuelle forhold, og Eddie overtaler Gwen til at gifte sig med ham. Deres samtale bliver dog afbrudt af pårørende, der bryder ind i huset og tager Eddies far væk i en ambulance, hvorefter advokaten igen overtaler Eddie til at underskrive en fuldmagt til råderet over ejendom. Eddie underskriver fuldmagten i advokatens navn, og følger derefter Gwen til hendes hjem, hvor Charles skyder ham og sårer ham i skulderen. Efter Eddie har sat ild til familiens palæ i raseri, bliver han indlagt på et sindssygehospital, klar til at blive løsladt når som helst, hvis han kan bevise, at han har et arbejde og et hjem. Gwen bringer barnet til ham og fortæller ham, at hun har fundet et job til ham. Hun ledsager Eddie til hans fars begravelse, hvor Florence og Gwen ser hinanden for første gang. Eddie eskorterer sin far på sin sidste rejse, omgivet af sin elskerinde, sin kone, som holder advokatens hånd, og andre familiemedlemmer [83] .

Som filmhistoriker Michael Atkinson har bemærket, "Kazans roman, som filmen er baseret på, var til en vis grad baseret på hans eget forkælede liv i Beverly Hills , hans eget sammenbrud på grund af begyndelsen af ​​en midtvejskrise og hans syn på nuværende pop dengang. -kultur ". Men ifølge Atkinson kendes det sande omfang af filmens selvbiografiske karakter ikke. Ifølge Kazans offentliggjorte erindringer, "i virkeligheden fantaserede han kun om, hvordan han ville blive løsladt ved et rigtigt nervesammenbrud." Hvad angår den egoistiske kone spillet af Deborah Kerr, er hun på ingen måde baseret på Kazans første kone, som døde i 1963. Ifølge filmkritikeren var det højst sandsynligt et kollektivt billede af konerne fra Los Angeles, som Kazan mødtes med. Af Kazans erindringer følger også, at han var "en fuldkommen ægteskabsbryder, velkendt med rusen af ​​destruktive forhold til andres koner." I modsætning til Kazan, "i midten af ​​forrige århundrede viste ingen amerikansk instruktør en sådan interesse og veltalenhed omkring nervøse sammenbrud og følelsesmæssigt sammenbrud, mens dette emne i Kazan optræder i mindst seks af hans mest fremragende film" [84] . Som Atkinson videre skriver, er filmen opbygget som om "Douglass lidende helt er en slags supermand, som en elendig menneskehed myldrer rundt om", den er "frem for alt et monument over dens skabers voldsomme solipsisme ." Derudover mener kritikeren, "Kazans film er på mange måder symptomatisk for sin tid, et klodset forsøg på at assimilere old-school Hollywood-kultur i det nye mediemiljø Easy Rider (1969), Woodstock , Vietnam og Bob Dylan . Af dens konstruktion er det "en monsterfilm, der sprænger alt, råt og tordnende, fortæller om Los Angeles' blændende materialisme, selv når dens helt næsten går amok med sin tomhed. Dette er en film om afvisningen af ​​moderne kultur, som bryder ud i Det er brændende i sit afmagtsportræt af Los Angeles." [84] Som kritikeren bemærker, er det også "måske den første af mange amerikanske film om den mandlige midtlivskrise, overgangsalderen, og for at udtrykke denne almindelige menneskelig lidelse, Kazan bruger alt, inklusive introduktionen af ​​flashbacks , hakket og associativ redigering, endda en smule surrealisme, alt sammen blandet i et widescreen-skuespil lavet på tidens mode. Måske var denne stil ikke bevidst valgt (stilen på billedet er ulig nogen andre af Kazans film), men var blot et forsøg på at tilpasse sig skiftende tider. Efter Atkinsons mening er "Kazans falske forsøg på at være relevant, ligesom nogle af de andre instruktører i hans generation, både deprimerende og veltalende om den uheldige strækning i amerikansk kultur, da alle over 30 år (inklusive Kazan og hans hovedperson) pludselig vendte sig om. ude på at være mere og mere malplaceret og ude af kontakt med omverdenen” [84] . Som kritikeren konkluderer: "Selvfølgelig har Kazans evner altid været stærkest i at skildre byhistorie, immigrantproblemer og proletariatets lidelser, snarere end i solbeskinnede Los Angeles-motorveje og superdyre Beverly Hills-palæer. Men den uhæmmede narcissisme , der gennemsyrer dette billede, kan repræsentere et øjeblik med filmisk selvafsløring, hans øjeblik af eksponering som kunstner og som overlever i branchen .

Efter filmens udgivelse fik den blandede anmeldelser fra kritikere. Således skrev Vincent Camby i The New York Times, at dette er ”Kazans mest romantiske film. Og også uden tvivl den værste filmisk og mest kommercielt succesrige." Det "luger af en lidt absurd filmisk chic." Men "det er slet ikke sjovt, det er bare en blanding af lånte stilarter. Og for at gøre ondt værre er filmen velsagtens stort set uforståelig på et fortællende plan, medmindre man først læser Kazans 543 siders bestseller, som instruktøren mere eller mindre forsøgte at opsummere i filmen. Selvom det på samme tid "stedvis endda er interessant at se alt, hvad der sker som et melodrama, har det også en vis ægte charme fra Kazans fantasier om ham selv." Og alligevel, "Kazan, der lavede nogle meget gode film, forvandlede sit eget liv til en andenrangsfilm. Han ser ud til at have forvandlet sin søgen efter sig selv til en sjælløs sæbeopera, der er uværdig til hans sande talent . Variety kaldte filmen "en indviklet, alt for konstrueret og alt for lang film, med for mange karakterer, der ikke gør meget for at bevæge seeren . " Roger Ebert skrev, at det var "en af ​​de lange, kedelige 'seriøse' stjernefilm, der var populære i 1950'erne, før vi begyndte at værdsætte stil mere end gode intentioner. Han har ikke succes, især efter Kazans standarder, men han støttes af den vidunderlige præstation af Douglas og Dunaway .

I 1972 instruerede Kazan The Guests (1972), lavet "på et lille filmbudget ud fra et manuskript af hans ældste søn Chris (som døde af kræft i 1991). Filmen blev optaget på 16 mm film i og omkring hans gård i Newtown, Connecticut , og var beregnet til meget begrænset biografudgivelse . En kritiker kaldte filmen "sønnen af ​​On the Waterfront ", kun denne gang "var den ædle informant en vietnamesisk veteran, der vidnede mod to tidligere hærvenner, der voldtog og myrdede en vietnamesisk pige" [3] . Filmen foregår på en lille farm i New England , hvor Vietnamkrigsveteranen Bill Schmidt ( James Woods ) bor sammen med sin kæreste Martha Wayne og deres unge søn Hal. De lejer et hus af Harry ( Patrick McVeigh ), Marthas far, der bor ved siden af, og som lever af at skrive tabloide westerns. En dag dukker to personer op på deres dørtrin - Tony Rodriguez og Mike Nickerson ( Steve Railsback ), som præsenterer sig selv som Bills Vietnam-kammerater. Det er bemærkelsesværdigt, at Bill ikke er særlig glad for at se sine kammerater. Efterladt alene med Bill afslører Tony, at han og Mike netop er blevet løsladt fra et militærfængsel i Fort Leavenworth efter to års fængsel for en forbrydelse, hvor Bill vidnede mod dem. Tony ser Bills begejstring og siger, at han tilgiver ham. Efter at have fundet ud af, at Bills gæster er krigsveteraner, inviterer Harry dem til sit sommerhus, hvor han forkæler dem med drinks og fortæller om sin tjeneste i Stillehavet under Anden Verdenskrig . Under samtalen ser Harry pludselig, at hans hund blev alvorligt såret af en nabos hund. Da han ser Harrys utilfredshed, trækker Mike en riffel ud af sin bil og dræber naboens hund til Harry og Tonys bifaldende blikke. Da de tre mænd trækker den døde hunds lig til en nabo, tager Billy og Martha til deres hus, hvor han fortæller hende om retssagen mod Mike, Tony og to andre medlemmer af deres hold. Bill siger, at Mike ledede en gruppe, der ledte efter vietnamesiske soldater i en lille landsby. Da Mike ikke fandt nogen mistænkelig, fangede han en teenagepige, voldtog hende og beordrede derefter de andre medlemmer af holdet til at gøre det samme. Alle adlød, undtagen Bill, som senere rapporterede forbrydelsen til sine overordnede. Martha støtter Bill, som fortsætter med at bekymre sig om hans handling. Hun vil også have, at Bill beder Mike og Tony om at gå så hurtigt som muligt. I mellemtiden kommer Harry sammen med Mike og Tony til Bills hus for at se en fodboldkamp. Da Marta ser dette, forlader hun huset for at gå en tur. I løbet af spillet bliver Harry meget fuld og begynder at tale om at bekæmpe kommunismen og komme med racistiske bemærkninger, der gør Tony vred. Bill går ovenpå til sin søn. Da Mike spørger Harry, hvorfor Martha og Bill stadig ikke er gift, kalder han Bill for en svækkelse. Efter spillets afslutning foreslår Harry, at de spiser middag sammen og jager vaskebjørn om natten. Efter at være vendt tilbage fra en gåtur er Martha synligt irriteret over, at Bill aldrig bad Mike og Tony om at gå. Efterladt alene spørger Harry Mike om Bills involvering i domstolen. Mens Mike fortæller historien, bliver han overrasket over at se Harry side med ham og spørger, hvorfor han ikke dræbte Bill for at forråde ham. Efter middagen sender Martha en helt fuld Harry hjem, og hun serverer kaffe til gæsterne. Efterladt alene i stuen med Mike siger Martha, at hun ved, hvad der skete i Vietnam, og siger, at hun støtter Bill. Mike erklærer til gengæld, at hun fornærmer sin far ved at bo med en mand uden for ægteskab. Mike hævder, at på trods af, hvad hæren har gjort ved ham, er han en bedre soldat end Bill. Da Mike fortæller hende, at han blev chokeret over synet af sine kammerater, der blev lemlæstet og brutalt dræbt, føler Martha sympati for ham og går tøvende med til at danse med ham. Forvirrede af stilheden vender Tony og Bill tilbage til stuen. Bill ser Mikes selvglade ansigt, som Martha klamrer sig til, og slår ud mod Mike. Tony bliver for at holde Martha, mens Mike og Bill går ud i gården, hvor Mike slår Bill brutalt. Mike vender derefter tilbage til huset, hvor han sammen med Tony fanger Martha og derefter brutalt voldtager hende. Tony trækker den halvdøde Bill tilbage ind i huset, og så kører de afsted med Mike. Martha glider ned fra anden sal og sætter sig ved siden af ​​Bill [88] .

Vincent Canby fra The New York Times roste filmen, om den brutale arv fra Vietnamkrigen, som "ekstremt rørende", og bemærkede, at Kazan "stadig er en top-instruktør" [1] . Som magasinet TV Guide senere skrev , "Kazan, der havde lavet kommercielt succesfulde film, bevægede sig væk fra traditionel studiefilm for at forsøge at lave mere personlige film med mening. Denne film beviser, at dette måske ikke var hans klogeste træk." Som anmeldelsen yderligere bemærker: "Angiveligt var filmen udtænkt som en afhandling om problemerne med soldater, der vendte tilbage fra Vietnam med de samme koncepter, som tillod dem at begå massakrer." Der er også et tema om falskhed bag idealerne for dem, der forsøger at føre en hippie- livsstil. Begge temaer er baseret på overfladiske begreber, og "ingen af ​​disse temaer er udtrykt ærligt og retfærdigt nok ... Sandsynligvis skal Kazans søn, Chris, der skrev manuskriptet, først og fremmest bebrejdes dette" [89] .

I 1976 blev Kazans The Last Tycoon (1976), baseret på den ufærdige roman af samme navn af Scott Fitzgerald , udgivet af Paramount Pictures . Produceren var Sam Spiegel (der havde arbejdet med Kazan på On the Waterfront), og manuskriptet var skrevet af Harold Pinter . Filmen har en all-star cast, herunder Robert De Niro , Tony Curtis , Robert Mitchum , Ray Milland , Jack Nicholson og mange flere. Men som Thomson bemærker: "Alle disse genier ser ud til at have efterladt deres hoveder derhjemme. Dette er Kazans kedeligste film .

Filmen foregår i 1930'ernes Hollywood og fokuserer på den unge og enormt indflydelsesrige filmproducent Monroe Star (Robert Di Niro), som er kendt for sit hårde arbejde, dedikation til arbejdet og evnen til at lave film, der ikke kun tjener penge, men også kritikerne. elsker det også. Han holder produktionen af ​​flere film under sin strenge kontrol og formår at give nøjagtige råd til redaktøren og afgøre forholdet mellem instruktøren og stjernen såvel som den populære skuespillers personlige problemer. Star er stadig dybt berørt af sin kones, filmstjernen Minna Davis, død og har endda forvandlet sit omklædningsrum til et museum besøgt af turister. En af de ældre studieledere, Pat Brady (Robert Mitchum), viser sin støtte til Star på alle mulige måder foran repræsentanter for New Yorks studieejere. En dag bliver Hollywood rystet af et jordskælv, og Bridey skynder sig sammen med sin datter Cecilia ( Teresa Russell ) for at redde Star på hans kontor. Efter at have genvundet bevidstheden, påtager Star sig den hurtige restaurering af studiet og bemærker en attraktiv kvinde i en af ​​pavillonerne, som mindede ham om Minna. I Stars drøm ser det ud til, at Minna er vendt tilbage til ham. Dagen efter begynder Star at lede efter kvinden. I mellemtiden inviterer Cecilia, der er blevet forelsket i Star, ham til manuskriptforfatterbal. Da hun tager emnet ægteskab op, svarer Star, at han er for gammel og træt til det og ikke tænker på hende på en romantisk måde. Over en middag for studieledere diskuterer Brady og flere medlemmer af bestyrelsen truslen fra Brimmer (Jack Nicholson), en kommunist, der forsøger at danne en forfatterforening. Star optræder ved middagen og svarer dygtigt på spørgsmål om nuværende og fremtidige projekter og overbeviser igen de tilstedeværende om hans evne til at lede studiet. Star finder derefter en kvinde, der bliver afsløret at være Kathleen Moore ( Ingrid Boulting ). Kathleen nægter at lukke Star ind i huset, men efter en kort samtale med ham, siger hun ja til en date en anden dag. Næste dag, på sit kontor, demonstrerer Star den engelske forfatter Boxley ( Donald Pleasence ) forskellen mellem rent litterært arbejde og filmarbejde, hvilket inspirerer ham til at arbejde på manuskriptet. Ved Writers' Ball møder Star uventet Kathleen, og de danser under Hollywood-samfundets bevågenhed. Kathleen siger, at hun ikke kan date ham, men da hun går, følger han efter hende. Star og Kathleen tilbringer næste dag sammen i Stars ufærdige strandhus, hvor de bliver til langt ud på aftenen og elsker. Kathleen afslører, at hun var i et smertefuldt forhold til en vigtig person, men en anden mand reddede hende. Da Star siger, at hun ikke vil miste hende, svarer hun, at hun først og fremmest vil have et roligt liv. Da hun vender hjem, finder Star en seddel fra Kathleen, hvori hun siger, at hun snart skal giftes og ikke vil kunne se ham igen. Efter en arbejdskamp med en beruset, søger Boxley Star endnu et møde med Kathleen på stranden, hvor hun bekræfter, at hun skal giftes med den ingeniør, som hun hævder reddede hendes liv. Senere modtager Star et telegram fra Kathleen, der informerer hende om, at hun er gift. Star kommer til Bradys hus for at møde Brimmer og fortæller ham, at hun er villig til at dele penge med forfatterne, men aldrig vil dele magten med ham. Under den efterfølgende middag bliver Star stærkt fuld, da hun ser Brimmer flirte med Cecilia. Yderligere kommunikation mellem de to mænd bliver mere og mere fjendtlig. Som et resultat forsøger en beruset stjerne at ramme Brimmer, men han kan nemt klare ham. Næste morgen inviterer Brady Star til et hasteledelsesmøde, hvor han får at vide, at New York-kontoret har udtrykt utilfredshed med hans fejlbehandling på mødet med Brimmer og foreslår, at han holder en langtidsferie. Da hun vender tilbage til sit kontor, bliver Star fanget af flashbacks og hallucinationer. Mentalt henvender han sig til Kathleen med ordene "I don't want to lose you", mens han trækker sig tilbage i mørket på settet .

Filmen modtog for det meste negative anmeldelser fra kritikere. Således skrev filmanmelder David Shipman, at "Scott Fitzgeralds sidste, ufærdige roman ligger i ruiner her," mens The New Yorker mente, at den var "lige så magtesløs som den vampyrfilm, vampyrerne forlod" [3] . På den anden side bemærkede Vincent Camby i The New York Times, at filmen formåede at bevare værdigheden af ​​Fitzgeralds ufærdige roman, hvilket gør den til "en meget komplet og tilfredsstillende film gennem dens brug af en skarp, rykkig redigeringsstil og en usædvanlig form for historiefortælling... Udført på en afdæmpet og vemodig, trist, men usentimental måde, handler filmen om en helt, der ligner den berømte Hollywood-producer Irving Thalberg . Filmen forsøger at vise Hollywood seriøst, uden hypen og det groteske, og især seriøst præsentere Thalberg-Star." Ifølge Canby, "Det er en meget behersket film, og den er så fuld af associationer - til Thalberg, med historier om Hollywood i 30'erne, med Fitzgeralds eget liv og karriere - at det er svært at adskille det, man ser, fra det, der bringes ind. ". Filmen indeholder ikke noget klimaks. Vi følger vandret, som om det var et landskab, der betragtes af kameraet i et langt panoramabillede. Og baggrunden er de gyldne tredivers Hollywood .

Den samtidige filmhistoriker Dennis Schwartz kaldte filmen "en prætentiøs og tom filmatisering af F. Scott Fitzgeralds fragmentariske ufærdige roman. Måske er det bedste at sige om filmen, at den er ujævn og giver mulighed for med interesse at se stjernerne i dens berømte rollebesætning." Filmen tager sig selv og Hollywood alt for seriøst og ser ud til at dyrke sig selv fromt, men den er for klodset til at gøre en stor forskel, være underholdende eller overvinde sin kedsomhed og tomhed. Pinters uspændende manuskript har for mange sløve meningsfulde pauser, og skuespillerne er tvunget til at udtale tunge, næsten uartikulerede tekster. Ingen har nogen energi eller entusiasme i denne film, kun De Niro giver hans karakter en ynde og skønhed, som resten af ​​filmen mangler. Som Schwartz bemærker, "Filmen var et kæledyrs udtænkt af producer Sam Spiegel, som satte sig for at gøre den til et mesterværk, men hans konstante indblanding gjorde kun filmen værre." Denne film var den sidste for instruktør Elia Kazan [92] .

Men ifølge Thomson var dette ikke slutningen på Kazans kreative biografi. I flere år arbejdede han på sin selvbiografi Life (1988). Det er ”en meget lang, ærlig, omend snu tekst, der bør læses med samme omhu, som en advokat giver under ed. Men det er en væsentlig og dybt overbevisende bog, et portræt af en meget forvirret mand og måske den bedste selvbiografi af en showbusinessmand i et århundrede." Som Thomson fortsætter: "Kazans fjender hadede bogen - og han forskansede sig yderligere i sin herlige isolation. Han var en dæmon, et geni, en mand, der satte sine spor overalt. Og intet af det, han gjorde, skulle udelukkes eller glemmes” [2] .

Familieliv

Kazan var gift tre gange. Han var gift med forfatteren og manuskriptforfatteren Molly Day Thatcher fra 1932 til hendes død i 1963 . De fik fire børn - Chris (der døde af kræft i 1991), Judy, Kate og Nicholas , som blev manuskriptforfatter, producer og instruktør i Hollywood [1] [3] [4] .

Han var gift med skuespillerinden, forfatteren og instruktøren Barbara Loden fra 1967 til hendes død af kræft i 1980. I dette ægteskab blev sønnen Leo født, desuden adopterede Kazan Marco Joachim, søn af Loden fra sit første ægteskab [1] [2] [3] [4] .

Han giftede sig med forfatteren Frances Raj i 1982 og boede hos hende til sin død. Som et resultat af dette ægteskab fik Kazan yderligere to adopterede børn fra Rajs tidligere ægteskab - Charlotte Rudge og Joseph Rudge [1] [2] [3] .

På tidspunktet for hans død havde Kazan seks børnebørn og to oldebørn [1] .

Død

Elia Kazan døde den 28. september 2003 i sit hjem på Manhattan i en alder af 94 [1] [2] [3] [4] .

Kreative funktioner og evaluering af kreativitet

Mervyn Rothstein i The New York Times kaldte Kazan "en af ​​de mest ærede og indflydelsesrige instruktører i Broadway og Hollywoods historie". På Broadway var Kazan medlem af det legendariske The Group Theatre fra 1932-1945, grundlægger og mangeårig direktør for Actors Studio fra 1947-1959 , og i begyndelsen af ​​1960'erne grundlagde han det første repertoireteater i Lincoln Center sammen med Robert Whitehead . Blandt hans mest betydningsfulde Kazan-teaterproduktioner er A Streetcar Named Desire (1947) og Death of a Salesman (1949) [2] [1] . Han var "yndlingsinstruktøren af ​​en generation af nye amerikanske dramatikere, inklusive to af de vigtigste, Tennessee Williams og Arthur Miller " [1] , og som Thomson bemærker, mens han arbejdede på Actors Studio, ydede han et vigtigt bidrag til udvikling af principperne for "psykologisk naturalisme" [2] . I 1953 skrev kritikeren Eric Bentley, at "Kazans arbejde betyder mere for det amerikanske teater end nogen nutidig forfatters arbejde", og ifølge Rothstein var "Kazans præstationer med til at forme principperne for amerikansk teater og biograf i mere end en kommende generation" [1] .

Ifølge Susan King fra Los Angeles Times var "Kazan en af ​​de fuldendte filmskabere i det 20. århundrede, der instruerede klassikere som A Streetcar Named Desire (1951), On the Waterfront (1954) og East of paradise "(1955)" [44] . Som filmhistoriker og professor i Brooklyn College Foster Hirsch sagde, er Kazans film fra 1950'erne "de bedste skuespillerfilm, jeg nogensinde har set." Som Hirsch udtrykker det: "Jeg tror ikke, at dette fantastiske spil har en forældelsesfrist. Dolly og On the Waterfront er de bedste skuespillerfilm, der nogensinde er lavet . I 1995 sagde Kazan om sine film: "Jeg synes, et dusin af dem er meget gode, og jeg tror ikke, der er nogen andre film, der er lige så gode med disse temaer eller følelser" [1] .

Som Hirsch skrev videre, "skabte Kazan en virkelig ny skuespilstil kaldet Metoden", som var afhængig af Stanislavsky-systemet . Kazans metode "tillod skuespillerne at skabe en større dybde af psykologisk realisme end tidligere muligt" [44] . Som Rothstein påpeger: "Efter mange kritikeres mening var Kazan den bedste instruktør for amerikanske skuespillere på scenen og skærmen. Han opdagede Marlon Brando , James Dean og Warren Beatty og bidrog til gentænkningen af ​​filmskuespillerfaget. Kazan var instruktøren, der gav de første store filmroller til Lee Remick , Joe Van Fleet og Jack Palance " [1] . King bemærker også, at "skuespillere som Marlon Brando, James Dean, Carroll Baker , Karl Malden , Patricia Neal , Terry Moore og Andy Griffith blomstrede under hans regi. Skuespillerne, der arbejdede med ham, beundrede og beundrer ham stadig .

Som skuespillerinden Mildred Dunnock engang sagde : "Nogle instruktører ser skuespillere som et nødvendigt onde, andre som børn, der skal håndteres." Kazan, på den anden side, behandlede skuespillerne "som ligeværdige, efter at han tager dig på en rolle, inspirerer han dig til tillid" [4] . Carroll Baker bemærkede, at Kazan lancerede karrieren for mange unge skuespillere fra Actors Studio. Ifølge hende var han "i sandhed en skuespillerinstruktør. Han opdagede en masse mennesker, og han vidste, hvordan han skulle bruge dig til at få den bedste præstation fra dig" [4] , han "var den bedste instruktør for skuespillerne". Patricia Neal huskede, at "han var meget god. Han var skuespiller, og han vidste, hvordan vi agerer. Han kom ofte og talte med dig privat. Jeg kunne virkelig godt lide ham . " Terri Moore, der refererede til ham som sin bedste ven, fortsatte med at sige: "Han fik dig til at føle, at du var bedre, end du selv troede, du kunne være. Jeg har ikke haft en anden instruktør, der kunne måle sig med ham. Jeg blev forkælet for livet." [ 44] Skuespiller Carl Malden, der medvirkede i fire af Kazans største film, sagde: "Vi var så tætte som en skuespiller og en instruktør kan være." Ifølge skuespilleren gik Kazan ofte lange ture med de skuespillere, han overvejede til en bestemt rolle. “Kazan havde brug for at forstå skuespilleren for at vide, hvordan han kunne få sine følelser til at virke på scenen og på skærmen. Så da han ansatte dig , vidste han mere om dig, end du ved om dig selv . Dustin Hoffman har sagt, at han tvivler på, om han eller De Niro eller Al Pacino kunne have været skuespillere "uden Kazans banebrydende indflydelse" [1] .

Samtidig havde Kazan ifølge Rothstein også sine filmiske modstandere, som til tider beskyldte ham for at være forsimplet og sentimental, at han talte om de opstillede emner og stolede på undvigende slutninger. Kazan selv forstod også fuldt ud sine egne begrænsninger. Han skrev: "Jeg har ikke en enorm rækkevidde. Jeg er svag i musik og lyse briller. Klassikere er ikke min ting... Jeg er en middelmådig instruktør, undtagen når stykket eller filmen berører en del af min egen livserfaring... Jeg har mod, endda noget mod. Jeg kan tale med skuespillere... opmuntre dem til at gøre deres bedste. Jeg har stærke, endda grusomme følelser, og det er mine styrker” [1] .

Senere blev Kazan ifølge Rothstein også en "succesfuld romanforfatter." Han sagde: "Når du skriver din egen komposition, betyder det mere for mig, end jeg kan få ud af en andens arbejde (som instruktør), og noget af det, jeg skrev, viste sig at være helt i orden" [1] . Thomson opsummerede Kazans personlige karakteristika og kreative mangfoldighed og skrev: "Kazan var måske en slyngel. Han var ikke altid en pålidelig kammerat eller en behagelig person. Men han er en monumental personlighed, den største tryllekunstner i arbejdet med skuespillere i sin tid, en fremragende teaterinstruktør, en filmfotograf af ægte berømmelse, en romanforfatter og endelig en dristig, oprigtig, egoistisk, selvdestruktiv og trodsig selvbiograf – en stor, farlig person, sådan som hans fjender havde lykke at have" [2] .

Personlighed og karakter

Ifølge Rothstein var "Kazan en kort (167 cm), trådet, energisk og usædvanlig person med en mørk teint, krøllet tøj og en dominerende personlighedstype, som gennem årene skabte mange versioner af sit sande jeg" [1] . Forfatteren til en artikel om Kazan på CBS- siden beskriver ham som "en lav, kraftig, energisk mand, der foretrak afslappet tøj og var ligetil i kommunikationen" [4] . Som Vivien Leigh engang sagde om ham , "Gage er den slags person, der sender et jakkesæt for at blive renset og rynket. Han tror ikke på sociale bekvemmeligheder, og hvis han keder sig med en person eller gruppe, går han simpelthen uden en undskyldning eller forklaring .

Som Kazan ofte talte om sig selv, var han lavet af modsætninger. Han sammenlignede sig selv med en sort slange i sin selvbiografi Elia Kazan: A Life (1988), og skrev: "I løbet af mit liv fældede jeg adskillige huder, levede flere liv og oplevede voldsomme og grusomme forandringer. Jeg forstod normalt, hvad der skete, efter det skete." Som Kazan yderligere skrev: "Jeg overraskede gentagne gange folk med, hvad der syntes at være en fuldstændig vending af holdninger og synspunkter. Dette førte nogle gange til mistillid til mig. Igen og igen førte mine modstridende ønsker til afvisning af det ene eller det andet . Arthur Schlesinger , der skrev om Kazans selvbiografi i The New York Times Book Review , beskrev instruktøren som "genial, lidenskabelig, generøs, rastløs, utilfreds, vred og hævngerrig, et lager af kreativitet, vrede og kontrovers". Som Rothstein tilføjer, "Kazan var alt det og mere" [1] .

Ifølge Thomson spiste Kazan altid livet med en stor ske. Han holdt aldrig op med showbusiness. Han var optaget af at tænke over, hvad andre syntes om ham. Og nogle mente, at han arbejdede hårdt for at blive en berømt grim fyr. Hans vrede var energisk, for det var et ego, der var krænket af naturens fejl, som ikke fra fødslen gjorde ham til en ubestridelig smuk mand, prins, geni og pasha. I stedet arbejdede han i årevis under navnet "Gage", en fyr i et teaterkompagni, der kunne reparere en lysbar, bygge en sele eller bringe en stjerneskuespillerinde til orgasme for hurtigt at booste hendes præstation . Samtidig var Kazan ofte "en naturlig fjende eller rival, skænderi med gamle venner, en modstander af andres ortodoksi og en bevidst modstand mod resten. I sit livs drama var Kazan ikke bare en karakter, han var instruktør og forfatter. Han var alene mod verden, hans egen eneste stemme, hans vrede var berettiget" [2] . Engang sagde Kazan: "Selv da jeg var barn, ville jeg leve tre eller fire liv." På sin egen måde gjorde han dette og satte sit præg på Amerika, ikke kun som kunstner, men også ved sine handlinger i McCarthy- perioden , hvor manuskriptforfattere, skuespillere og andre blev tvunget under pres til at "navngive navne" til efterforskere, der ledte efter angiveligt illoyale amerikanere [4] .

Thomson minder også om, at blandt andet "Kazan var en voldelig heteroseksuel, en mand, der krævede personlig seksuel identifikation i sit arbejde, og som ofte havde lidenskabelige affærer med sine skuespillerinder" [2] . I sin selvbiografi Elia Kazan: A Life fra 1988 skrev han om de mange affærer, han havde gennem årene, herunder en affære med Marilyn Monroe . “Mine romaner for mig var en kilde til viden – de var min uddannelse. I mange år på dette felt, og kun på dette område, har jeg brugt løgne, og jeg er ikke stolt af det. Men jeg må sige dette: min interesse for kvinder reddede mig. Dette pumpede min saft og reddede mig fra at tørre ud, blive til støv og blive blæst i vinden ” [4] . Ifølge Thomson kan hans begivenhedsrige karriere og modstridende impulser ikke reduceres til én artikel. En opremsning af alle hans fortjenester ville fylde meget og ville ikke give plads til en ordentlig beskrivelse af hans virkelig grimme ansigt, som tiltrak skamfulde øjne. Han var skarp, krigerisk, forførende, entusiastisk og grusom. Han kunne være en ophøjet humanist det ene øjeblik, og en piratkopiering det næste. Indtil alderdom og sygdom overvandt ham, var han fuld af hård og konkurrencedygtig vitalitet. At være sammen med ham betød at vide, at ud over alt, hvad han gjorde, kunne han også være en hypnotisk skuespiller eller en inspirerende politisk leder .

Da Kazan var 78 år gammel, skrev han i sin selvbiografi: ”Det, der gør mig rasende nu, er for eksempel dødeligheden. Jeg har for nylig lært at nyde livet. Jeg holdt op med at bekymre mig om, hvad folk synes om mig – eller jeg kan i hvert fald godt lide at tro på det. Jeg brugte det meste af min tid på at arbejde hårdt for at være en god fyr, for at glæde folk. Nu har jeg trukket mig tilbage fra showbusiness og er blevet mig selv” [2] .

Priser og nomineringer

I løbet af sin karriere har Kazan vundet tre Tony Awards for bedste teaterinstruktør, to Oscars for bedste instruktør, en æres-Oscar for livslang præstation og fire Golden Globes .

Kazan vandt tre Tony Awards for bedste instruktør for Arthur Millers All My Sons ( 1947) og Death of a Salesman (1949) og Archibald MacLeishs JB (1959) [ 1 ] . Derudover blev han yderligere fire gange nomineret til Tony Award - som den bedste instruktør for produktionen af ​​Tennessee Williams' stykke " Cat on a Hot Tin Roof " (1956), som den bedste instruktør og som co-producer af skuespil baseret på stykket af William Inge " Mørket på toppen af ​​trappen " (1956) og bedste instruktør for Tennessee Williams' skuespil Sweet Bird of Youth (1960) [93] . Fem stykker instrueret af Kazan bragte Pulitzer-priser til deres forfattere: The Skin of Our Teeth til Thornton Wilder i 1943, A Streetcar Named Desire til Tennessee Williams i 1948, Death of a Salesman til Arthur Miller i 1949, Cat on a Hot roof" til Tennessee Williams i 1955 og "JB" til Archibald MacLeish i 1959 [4] [94] .

Kazan vandt Oscars for sine produktioner af Gentlemen's Agreement (1947) og On the Waterfront (1954), som også vandt Oscars i kategorien Bedste film. Kazan blev også nomineret til Oscars for bedste instruktør for A Streetcar Named Desire (1951), East of Paradise (1955), og for America, America (1963) blev han nomineret til tre Oscars. "- for bedste manuskript, bedste produktion og som producer for det bedste billede [93] [4] [1] . Tretten af ​​Kazans film er blevet nomineret til en Oscar i mindst én kategori, og ni af dem har vundet mindst én pris. Kazans syv film har vundet i alt 20 Oscars, herunder On the Waterfront (1954), som vandt otte Oscars [1] .

For at spille i film instrueret af Kazan blev 21 skuespillere nomineret til Oscars, disse er James Dunn , Celeste Holm , Gregory Peck , Dorothy McGuire , Ann Revere , Jeanne Crain , Ethel Barrymore , Ethel Waters , Karl Malden , Vivien Leigh , Kim Hunter , Marlon Brando , Anthony Quinn , Eva Marie Saint , Lee J. Cobb , Rod Steiger , Jo Van Fleet , James Dean , Carroll Baker , Mildred Dunnock og Natalie Wood . Blandt de opførte skuespillere er Dunn, Holm, Malden, Lee, Hunter, Quinn, Brando, Saint og Van Fleet har vundet Oscars [1] . Fire skuespillerinder for deres roller i Kazans film har vundet Oscars for bedste kvindelige birolle - Holm, Hunter, Saint og Van Fleet . Kazan er en af ​​kun fire instruktører, hvis skuespillere har vundet Oscars i alle fire skuespillerkategorier. Ud over ham opnåede William Wyler , Hal Ashby og Martin Scorsese også dette [93] .

Da beslutningen i 1999, fire år før hans død, blev truffet om at overrække Kazan en æres - Oscar for livstidsbidrag , blev "sårene fra hans tale før høringen af ​​U.S. Un-American Activities Committee genåbnet" [44] . Som Marvin Rothstein bemærkede i The New York Times, vakte prisen en del opsigt, for i 1952 vakte Kazan mange af sine venner og kollegers vrede, da han over for Kommissionen indrømmede, at han havde været medlem af kommunistpartiet fra 1934 til 1936, og navngav Kommissionen navnene på otte andre partimedlemmer [1] [4] . Mange mennesker i kunsten, inklusive dem, der aldrig havde været kommunist, kritiserede ham skarpt for denne handling i flere årtier. Og to år tidligere nægtede American Film Institute Kazan deres pris. Ifølge Rothstein gav præsentationen af ​​det ærefulde "Oscar" til Kazan anledning til adskillige protester, men Kazan havde også meget betydelig opbakning. Så Arthur Schlesinger Jr. sagde: "Hvis denne sag med akademiet kræver en undskyldning fra Kazan, så lad hans anklagere undskylde for den hjælp og sympati, de har givet stalinismen " [1] . Kazan blev også mindet om, at der var skuespillere, som aldrig ville tilgive ham for at navngive kongreskommissionen. Victor Navasky, forfatter til Calling Names, skrev således: "Det er netop fordi han var den mest magtfulde direktør i landet, at Kazan måtte bruge sin indflydelse i kampen mod sortelister og kæmpe mod kommissionen, men han gav efter" [1 ] . På Oscar-aftenen i 1999 samledes mere end 500 demonstranter uden for Dorothy Chandler-pavillonen i Los Angeles for at protestere mod Kazans ærespris. Inde i salen var alt også meget langt fra det traditionelle stående bifald, der er typisk for andre uddelinger af denne pris [3] . På aftenen for prisuddelingen klappede nogle af publikum ikke, selvom andre bød ham velkommen. Instruktør Martin Scorsese og skuespiller Robert De Niro overrakte Kazan prisen og udtrykte beundring for hans arbejde [4] . Som svar sagde Kazan: "Jeg er dig meget taknemmelig. Det er jeg rigtig glad for at høre, og jeg vil gerne takke Akademiet for dets mod og generøsitet” [4] .

Teater

Belønning	År	Kategori	Navn	Resultat
Tony	1947	Bedste retning	Alle mine sønner	Sejr
	1949		En sælgers død	Sejr
	1956		Kat på et varmt tag	Nominering
	1958	Bedste spil	Mørke på toppen af ​​trappen	Nominering
		Bedste retning		Nominering
	1959	Bedste retning	JB	Sejr
	1960		Sød ungdommens fugl	Nominering

Kinematografi

Belønning	År	Kategori	Navn	Resultat
Oscar	1948	Bedste instruktør	gentleman's agreement	Sejr
	1952	Bedste instruktør	Sporvogn "Desire"	Nominering
	1955	Bedste instruktør	I havnen	Sejr
	1956	Bedste instruktør	Øst for Paradis	Nominering
	1964	Bedste film	Amerika, Amerika	Nominering
	1964	Bedste instruktør		Nominering
	1964	Bedste manuskriptforfatter		Nominering
	1999	hæderspris		Belønning
gyldne klode	1948	Bedste instruktør	gentleman's agreement	Sejr
	1955	Bedste instruktør	I havnen	Sejr
	1957	Bedste instruktør	chrysalis	Sejr
	1964	Bedste instruktør	Amerika, Amerika	Sejr
Directors Guild of America	1952	Bedste instruktør	Sporvogn "Desire"	Nominering
	1953	Bedste instruktør	Viva, Zapata!	Nominering
	1955	Bedste instruktør	I havnen	Sejr
	1956	Bedste instruktør	Øst for Paradis	Nominering
	1958	Bedste instruktør	ansigt i mængden	Nominering
	1962	Bedste instruktør	pragt i græsset	Nominering
	1964	Bedste instruktør	Amerika, Amerika	Nominering
	1983	Æreslivslaugets medlemspris		Belønning
	1987	Lifetime Achievement Award		Belønning
Filmfestivalen i Cannes	1947	Bedste spillefilm	Boomerang!	Nominering
	1952	Festival Grand Prix	Viva, Zapata!	Nominering
	1955	Bedste dramatiske film	Øst for Paradis	Sejr
		Guldpalmen	Øst for Paradis	Nominering
	1972	Guldpalmen	Gæster	Nominering
Filmfestivalen i Venedig	1948	Internationalt Grand Prix	gentleman's agreement	Nominering
	1950	International pris	Panik i gaderne	Sejr
		Gyldne Løve	Panik i gaderne	Nominering
	1951	Særlig jurypris	Sporvogn "Desire"	Sejr
		Gyldne Løve	Sporvogn "Desire"	Nominering
	1954	OCIC-prisen	I havnen	Sejr
		Sølv løve	I havnen	Sejr
		Pasinetti-prisen	I havnen	Sejr
		Gyldne Løve	I havnen	Nominering
Berlin filmfestival	1953	Berlins senats særpris	Mand på et reb	Sejr
	1960	guldbjørn	vilde flod	Nominering
	1996	Æres gyldne berlinbjørn		Belønning
BAFTA	1952	Bedste film	Mand på et reb	Nominering
			Viva, Zapata!	Nominering
	1954		I havnen	Nominering
	1955		Øst for Paradis	Nominering
	1956		chrysalis	Nominering
	1955		Øst for Paradis	Nominering
Hollywood Walk of Fame	1960	Star of the Walk of Fame for bidrag til filmindustrien		Belønning

Filmografi

År	russisk navn	oprindelige navn	Studie	I hvilken egenskab deltog du	Noter
1935	Tærte i himlen	Pie in the Sky		Skuespiller, Executive Producer	Kortfilm, ukrediteret som executive producer
1937	Cumberland folk	Folk i Cumberland	Frontier film	Producent	Kort dokumentar
1940	erobre byen	By for Erobring	Warner Bros.	Skuespiller
1941	Blues om natten	Blues i natten	Warner Bros.	Skuespiller, manuskriptforfatter	Som ukrediteret manuskriptforfatter
1945	Træet vokser i Brooklyn	Et træ vokser i Brooklyn	Twentieth Century Fox	Instruktør, skuespiller, manuskriptforfatter
	Tårnur til i morgen	Vagttårn over i morgen	US Office of War Information	Producent	Kort dokumentarfilm (ukrediteret)
1947	hav af græs	Græshavet	Metro-Goldwyn-Mayer	Producent
	Boomerang!	Boomerang!	Twentieth Century Fox	Producent
	gentleman's agreement	Gentleman's Agreement	Twentieth Century Fox	Instruktør, manuskriptforfatter	Som ukrediteret manuskriptforfatter
1949	Pinky	Pinky	Twentieth Century Fox	Instruktør, manuskriptforfatter	Som ukrediteret manuskriptforfatter
1950	Panik i gaderne	Panik i gaderne	Twentieth Century Fox	Instruktør, skuespiller	Som en ukrediteret skuespiller
1951	Sporvogn "Desire"	En sporvogn ved navn Desire	Charles K. Feldman Group , Warner Bros.	Producent
1952	Viva Zapata!	Viva Zapata!	Twentieth Century Fox	Producent
1953	Mand på et reb	Mand på stram reb	Twentieth Century Fox , Bavaria Film	Producent
1954	I havnen	På havnefronten	Horizon billeder	Producent
1955	Øst for Paradis	Øst for Eden	Warner Bros.	Instruktør, producent	Som en ukrediteret producent
1956	chrysalis	baby dukke	Newtown Productions	Instruktør, producent
1957	ansigt i mængden	Et ansigt i mængden	Newtown Productions	Instruktør, producent	Som en ukrediteret producent
1960	vilde flod	vilde flod	Twentieth Century Fox	Instruktør, producent
1961	pragt i græsset	Pragt i Græsset	Newtown Productions , NBI Productions	Instruktør, producent	Som en ukrediteret producent
1963	Amerika, Amerika	amerika amerika	Athena Enterprises , Warner Bros.	Instruktør, manuskriptforfatter, producer	Som en ukrediteret producent
1969	Del	Arrangementet	Athena Productions	Instruktør, manuskriptforfatter, producer
1972	Gæster	De besøgende	Hjem gratis	Producent
1976	Den sidste tycoon	Den sidste tycoon	Academy Pictures Corporation	Producent
1988	Tåge	Søs	Interfilm Media & Entertainment	Skuespiller

Noter

1. ↑ 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 30 31 32 33 3 4 3 4 3 4 3 4 3 4 3 4 3 4 3 4 3 4 50 51 52 53 54 55 56 57 58 59 60 61 62 63 64 65 66 67 68 69 70 71 72 73 74 75 76 Mervyn Rothstein Elia Kazan, indflydelsesrig direktør, dør som  94 -årig . The New York Times (28. september 2003). Hentet 14. december 2020. Arkiveret fra originalen 18. november 2020.
2. ↑ 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 30 31 32 33 3 4 3 4 3 4 3 4 3 4 3 4 3 4 3 4 3 4 50 51 52 53 54 55 56 57 58 David Thomson. Elia Kazan. Oscar-vindende direktør for On the Waterfront, der udnævnte kommunister til Un-American Activities Committee under McCarthy  -æraen . The Guardian (29. september 2003). Hentet 14. december 2020. Arkiveret fra originalen 28. januar 2021.
3. ↑ 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 30 31 32 33 3 4 3 4 3 4 3 4 3 4 8 4 Nekrologer : Elia Kazan, kontroversiel film- og teaterinstruktør . The Independent (30. september 2003). Hentet 14. december 2020. Arkiveret fra originalen 28. marts 2019.  
4. ↑ 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 30 31 32 33 Director At Kazan  . CBS News (29. september 2003). Dato for adgang: 14. december 2020.
5. ↑ 1 2 3 Elia Kazan  . Internet Broadway Database. Hentet 19. december 2020. Arkiveret fra originalen 5. december 2020.
6. ↑ Alle mine sønner. Priser  (engelsk) . Internet Broadway Database. Hentet 19. december 2020. Arkiveret fra originalen 22. december 2021.
7. ↑ En sporvogn ved navn Desire. Priser  (engelsk) . Internet Broadway Database. Hentet 19. december 2020. Arkiveret fra originalen 6. oktober 2015.
8. ↑ En sælgers død. Priser  (engelsk) . Internet Broadway Database. Hentet 19. december 2020. Arkiveret fra originalen 5. december 2020.
9. ↑ Te og sympati. Priser  (engelsk) . Internet Broadway Database. Hentet 19. december 2020. Arkiveret fra originalen 17. januar 2021.
10. ↑ Kat på et varmt bliktag. Priser  (engelsk) . Internet Broadway Database. Hentet 19. december 2020. Arkiveret fra originalen 5. december 2020.
11. ↑ Mørket på toppen af ​​trappen. Priser  (engelsk) . Internet Broadway Database. Hentet 19. december 2020. Arkiveret fra originalen 1. december 2021.
12. ↑ JB- priser  . Internet Broadway Database. Hentet 19. december 2020. Arkiveret fra originalen 27. februar 2021.
13. ↑ Ungdommens søde fugl. Priser  (engelsk) . Internet Broadway Database. Hentet 19. december 2020. Arkiveret fra originalen 30. marts 2015.
14. ↑ Efter syndefaldet. Priser  (engelsk) . Internet Broadway Database. Hentet 29. december 2020. Arkiveret fra originalen 15. februar 2021.
15. ↑ Tartuffe. Priser  (engelsk) . Internet Broadway Database. Hentet 29. december 2020. Arkiveret fra originalen 11. november 2021.
16. ↑ Hal Erickson. Et træ vokser i Brooklyn (1945). Synopsis  (engelsk) . AllMovie. Hentet 29. december 2020. Arkiveret fra originalen 26. juni 2020.
17. ↑ 1 2 Jeremy Arnold. Græshavet. Artikel  (engelsk) . Turner klassiske film (9. september 2006). Hentet 29. december 2020. Arkiveret fra originalen 25. november 2020.
18. ↑ Dennis Schwartz. Kan ikke levere den nødvendige handling for en western  . dennisschwartzreviews.com (28. september 2014). Hentet 29. december 2020. Arkiveret fra originalen 23. oktober 2020.
19. ↑ 1 2 3 Paul Tatara. Boomerang! (1947). Artikel  (engelsk) . Turner Classic Movies (24. september 2008). Hentet 29. december 2020. Arkiveret fra originalen 23. oktober 2020.
20. ↑ Bosley Crowther. 'Boomerang!' en film i faktuel stil af Connecticut Slaying, åbner på Roxy Theatre-- Dana Andrews er i spidsen for castet  (engelsk) . The New York Times (6. marts 1947). Hentet 29. december 2020. Arkiveret fra originalen 10. oktober 2020.
21. ↑ Variety Staff. Boomerang!  (engelsk) . Variety (31. december 1947). Hentet 29. december 2020. Arkiveret fra originalen 17. maj 2021.
22. ↑ Gentleman's Agreement (1947). Synopsis  (engelsk) . American Film Institute. Hentet 29. december 2020. Arkiveret fra originalen 4. februar 2021.
23. ↑ 1 2 3 4 David Sterritt. Gentleman's Agreement (1947). Artikel  (engelsk) . Turner klassiske film (8. marts 2014). Hentet 29. december 2020. Arkiveret fra originalen 28. november 2020.
24. ↑ Bosley Crowther. 'Gentleman 's Agreement', Studie af antisemitisme, er med på Mayfair - Gregory Peck spiller forfatter, der optræder som jøde  . The New York Times (12. november 1947). Hentet 29. december 2020. Arkiveret fra originalen 5. oktober 2021.
25. ↑ Pinky (1949). Synopsis  (engelsk) . American Film Institute. Hentet 29. december 2020. Arkiveret fra originalen 10. maj 2021.
26. ↑ 1 2 Lorraine LoBianco. Pinky (1949). Artikel  (engelsk) . Turner klassiske film (16. november 2009). Hentet 29. december 2020. Arkiveret fra originalen 31. oktober 2020.
27. ↑ Bosley Crowther. Pinky, ' Zanucks filmstudie af anti-negro Bias in Deep South  . The New York Times (30. september 1949). Hentet 29. december 2020. Arkiveret fra originalen 10. oktober 2020.
28. ↑ Panic in the Streets (1950). Synopsis  (engelsk) . American Film Institute. Hentet: 29. december 2020.
29. ↑ Variety Staff. Panic in the Streets (1950)  (engelsk) . Variety (31. december 1949). Hentet 29. december 2020. Arkiveret fra originalen 20. april 2020.
30. ↑ TM. Time Out  siger . tiden er gået. Hentet 29. december 2020. Arkiveret fra originalen 09. juni 2013.
31. ↑ Michael Atkinson. Panik i gaderne (1950). Artikel  (engelsk) . Turner klassiske film (10. oktober 2011). Hentet 29. december 2020. Arkiveret fra originalen 30. november 2020.
32. ↑ Jonathan Rosenbaum. Panik i  gaderne . Chicago Reader. Hentet 29. december 2020. Arkiveret fra originalen 12. april 2016.
33. ↑ Panic in the Streets (1950). Priser  (engelsk) . Internet film database. Hentet 29. december 2020. Arkiveret fra originalen 14. maj 2022.
34. ↑ 1 2 3 4 James Steffen & Jeff Stafford. En sporvogn ved navn Desire. Artikel  (engelsk) . Turner klassiske film (27. marts 2007). Hentet 29. december 2020. Arkiveret fra originalen 28. oktober 2020.
35. ↑ A Streetcar Named Desire (1951). Synopsis  (engelsk) . American Film Institute. Hentet 29. december 2020. Arkiveret fra originalen 19. april 2021.
36. ↑ 1 2 Roger Ebert. anmeldelser.  En sporvogn ved navn Desire . RogerEbert.com (12. november 1993). Hentet 29. december 2020. Arkiveret fra originalen 13. januar 2021.
37. ↑ 1 2 3 4 Scott McGee. Kritikerhjørnet - En sporvogn ved navn Desire  . Turner klassiske film (14. januar 2010). Hentet 29. december 2020. Arkiveret fra originalen 28. oktober 2020.
38. ↑ Bosley Crowther. Skærm: 'Streetcar Named Desire  ' . The New York Times (20. september 1951). Hentet: 29. december 2020.
39. ↑ En sporvogn ved navn Desire  . Internet film database. Hentet 29. december 2020. Arkiveret fra originalen 5. april 2018.
40. ↑ Viva Zapata! Synopsis (engelsk) . American Film Institute. Hentet: 29. december 2020.  
41. ↑ 1 2 3 4 5 6 David Sterritt. Viva Zapata. Artikel  (engelsk) . Turner klassiske film (16. august 2010). Hentet 29. december 2020. Arkiveret fra originalen 26. november 2020.
42. ↑ Bosley Crowther. Marlon Brando spiller mexicansk oprørsleder i 'Viva Zapata!'  Ny funktion på Rivoli . The New York Times (8. februar 1952). Hentet 29. december 2020. Arkiveret fra originalen 10. oktober 2020.
43. ↑ Viva Zapata! (1952). Priser  (engelsk) . Internet film database. Hentet 29. december 2020. Arkiveret fra originalen 18. april 2017.
44. ↑ 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 Susan King. Elia Kazan, en skuespillers instruktør  (engelsk) . Los Angeles Times (17. februar 2010). Hentet 14. december 2020. Arkiveret fra originalen 24. januar 2021.
45. ↑ Mand på en snor. Synopsis (engelsk) . American Film Institute. Hentet: 3. januar 2021.  
46. ↑ 1 2 3 Jill Blake. Mand på en snor.  (engelsk) . Turner Classic Movies (13. december 2018). Hentet 3. januar 2021. Arkiveret fra originalen 27. januar 2021.
47. ↑ A.W. Red Terror forfølger Circus i 'Man on a Tightrope  ' . The New York Times (5. juni 1953). Hentet 3. januar 2021. Arkiveret fra originalen 26. oktober 2021.
48. ↑ Man on a Tightrope (1953). Priser  (engelsk) . Internet film database. Hentet 3. januar 2020. Arkiveret fra originalen 5. marts 2016.
49. ↑ Dennis Schwartz. Mand på  stram reb . dennisschwartzreviews.com (12. oktober 2011). Hentet 3. januar 2021. Arkiveret fra originalen 20. januar 2021.
50. ↑ På havnefronten. Synopsis (engelsk) . American Film Institute. Hentet: 3. januar 2021.  
51. ↑ 1 2 3 Glenn Erickson. På  havnefronten . Turner klassiske film (26. februar 2013). Hentet 3. januar 2021. Arkiveret fra originalen 20. februar 2021.
52. ↑ 1 2 3 4 5 6 Scott McGee og Jeff Stafford. The Critics Corner-On the Waterfront  . Turner klassiske film (3. juni 2003). Hentet 3. januar 2021. Arkiveret fra originalen 20. februar 2021.
53. ↑ A. H. Weiler. Brando medvirker i film instrueret af  Kazan . The New York Times (29. juli 1954). Hentet 3. januar 2021. Arkiveret fra originalen 25. februar 2021.
54. ↑ På havnefronten  . TV-guider. Hentet 3. januar 2021. Arkiveret fra originalen 24. december 2017.
55. ↑ Øst for Eden. Synopsis (engelsk) . American Film Institute. Hentet: 3. januar 2021.  
56. ↑ 1 2 3 4 5 Sean Øksemager. East Of Eden  (engelsk) . Turner klassiske film (8. december 2008). Hentet 3. januar 2021. Arkiveret fra originalen 20. februar 2021.
57. ↑ Varoity Staff. East Of Eden  (engelsk) . Variety (31. december 1954). Hentet 3. januar 2021. Arkiveret fra originalen 10. maj 2022.
58. ↑ Bosley Crowther. 'Øst for Eden' har debut; Astor viser film af Steinbeck-  roman . The New York Times (10. marts 1955). Hentet 3. januar 2021. Arkiveret fra originalen 8. marts 2021.
59. ↑ 1 2 3 Rob Nixon. Kritikernes hjørne - øst for  Eden . Turner klassiske film (18. januar 2011). Hentet 3. januar 2021. Arkiveret fra originalen 25. november 2020.
60. ↑ Babydukke. Synopsis (engelsk) . American Film Institute. Hentet: 3. januar 2021.  
61. ↑ 12 Jay S. Steinberg. Baby Doll  (engelsk) . Turner klassiske film (28. oktober 2003). Hentet 3. januar 2021. Arkiveret fra originalen 25. november 2020.
62. ↑ Bosley Crowther. Skærm: Streetcar på Tobaksvej; Williams-Kazan 'Baby Doll' er på  Victoria . The New York Times (19. december 1956). Hentet 3. januar 2021. Arkiveret fra originalen 13. december 2020.
63. ↑ Babydukke. Time Out siger  (engelsk) . tiden er gået. Hentet 3. januar 2021. Arkiveret fra originalen 13. april 2021.
64. ↑ Baby Doll (1956). Priser  (engelsk) . Internet film database. Hentet 3. januar 2021. Arkiveret fra originalen 1. maj 2022.
65. ↑ 1 2 3 4 5 6 7 8 Scott McGee. Et ansigt i  mængden . Turner klassiske film (20. maj 2003). Hentet 3. januar 2021. Arkiveret fra originalen 6. februar 2021.
66. ↑ Et ansigt i mængden. Synopsis (engelsk) . American Film Institute. Hentet: 3. januar 2021.  
67. ↑ Scott McGee. Kritikerhjørnet - Et ansigt i folkemængden  . Turner klassiske film (8. januar 2008). Hentet 3. januar 2021. Arkiveret fra originalen 6. februar 2021.
68. ↑ Bosley Crowther. Opkomsten og faldet af en TV 'Personlighed';  'A Face in the Crowd' åbner på Globe . The New York Times (29. maj 1957). Hentet 3. januar 2021. Arkiveret fra originalen 27. september 2020.
69. ↑ Dennis Schwartz. Et ansigt i  mængden . Ozus' World Movie Reviews (30. november 2007). Hentet 3. januar 2021. Arkiveret fra originalen 21. januar 2021.
70. ↑ A Face in the Crowd (1957). Priser  (engelsk) . Internet film database. Hentet 3. januar 2021. Arkiveret fra originalen 26. oktober 2021.
71. ↑ 1 2 3 4 5 6 7 8 Roger Fristoe. Wild River  (engelsk) . Turner klassiske film (6. juli 2016). Hentet 3. januar 2021. Arkiveret fra originalen 26. november 2020.
72. ↑ Wild River. Synopsis (engelsk) . American Film Institute. Hentet: 3. januar 2021.  
73. ↑ A. H. Weiler. Kazan-filmen er hentet fra to  romaner . The New York Times (27. maj 1960). Hentet 3. januar 2021. Arkiveret fra originalen 27. april 2020.
74. ↑ Wild River. Time Out  siger . tiden er gået. Hentet 3. januar 2021. Arkiveret fra originalen 26. januar 2021.
75. ↑ Pragt i Græsset. Synopsis (engelsk) . American Film Institute. Hentet: 3. januar 2021.  
76. ↑ 1 2 3 4 5 6 7 8 Margarita Landazuri. Pragt I Græsset  . Turner klassiske film (19. november 2004). Hentet 3. januar 2021. Arkiveret fra originalen 26. november 2020.
77. ↑ 1 2 3 4 Andrea Passafiume. Kritikerhjørne - Pragt i  græsset . Turner klassiske film (20. januar 2011). Hentet 3. januar 2021. Arkiveret fra originalen 4. december 2020.
78. ↑ Bosley Crowther. 'Splendor in the Grass' er på 2 teatre  (engelsk) . The New York Times (11. oktober 1961). Hentet 3. januar 2021. Arkiveret fra originalen 14. april 2019.
79. ↑ Amerika, Amerika. Synopsis  (engelsk) . American Film Institute. Hentet 10. januar 2021. Arkiveret fra originalen 12. januar 2021.
80. ↑ Bosley Crowther. Elia Kazans 'America America' åbner russisk 'Night Before Christmas' Is Here The Cast The Cast  (engelsk) . The New York Times (16. december 1963). Hentet 10. januar 2021. Arkiveret fra originalen 12. januar 2021.
81. ↑ Jay Carr. Amerika, Amerika  (engelsk) . Turner klassiske film (26. januar 2011). Hentet 10. januar 2021. Arkiveret fra originalen 12. januar 2021.
82. ↑ Amerika, Amerika. Priser  (engelsk) . Internet film database. Hentet 10. januar 2021. Arkiveret fra originalen 5. marts 2016.
83. ↑ Arrangementet. Synopsis  (engelsk) . American Film Institute. Hentet 10. januar 2021. Arkiveret fra originalen 12. januar 2021.
84. ↑ 1 2 3 4 Michael Atkinson. The Arrangement (1969)  (engelsk) . Turner klassiske film (26. marts 2013). Hentet 10. januar 2021. Arkiveret fra originalen 12. januar 2021.
85. ↑ Vincent Canby. Skærm: Kazans 'Arrangementet': Tilpasning af hans bog er instrueret af ham Kirk Douglas portrætterer  hovedpersonen . The New York Times (19. november 1969). Hentet 10. januar 2021. Arkiveret fra originalen 20. august 2019.
86. ↑ Arrangementet , Variety, 1969-11-19 
87. ↑ Roger Ebert. Arrangementet  . _ RogerEbert.com (24. december 1969). Hentet 10. januar 2021. Arkiveret fra originalen 12. november 2017.
88. ↑ De besøgende. Synopsis  (engelsk) . American Film Institute. Hentet 10. januar 2021. Arkiveret fra originalen 12. januar 2021.
89. ↑ De besøgende  . TV Guide. Hentet 10. januar 2021. Arkiveret fra originalen 11. januar 2021.
90. ↑ The Last Tycoon. Synopsis  (engelsk) . American Film Institute. Hentet 10. januar 2021. Arkiveret fra originalen 11. januar 2021.
91. ↑ Vincent Canby. 'Tycoon' Echoes 30 's Hollywood  . The New York Times (18. november 1976). Hentet 10. januar 2021. Arkiveret fra originalen 19. august 2019.
92. ↑ Dennis Schwartz. Den sidste tycoon  . Dennis Schwartz Filmanmeldelser (28. december 2007). Hentet 10. januar 2021. Arkiveret fra originalen 12. januar 2021.
93. ↑ 1 2 3 4 5 Elia Kazan. Biografi  (engelsk) . Internet film database. Hentet 14. december 2020. Arkiveret fra originalen 5. april 2018.
94. ↑ Pulitzer-prisen. Drama  (engelsk) . Pulitzer-priserne. Hentet 14. december 2020. Arkiveret fra originalen 26. juli 2018.

Tematiske steder	AllMovie AlloCine ČSFD dansk national filmografi discogs Internet Broadway Database Internet Broadway Database Internet Broadway Database Internet Broadway Database Internet film database Kinopoisk
Ordbøger og encyklopædier	Flot dansk Fantastisk catalansk Fantastisk norsk Stor russer jorden rundt Larussa Litauisk universal kroatisk Amerikansk National Biografi Britannica (online) Brockhaus Bemærkelsesværdige navnedatabase Universalis
Slægtsforskning og nekropolis	Find en grav WikiTree
I bibliografiske kataloger BIBSYS: 90085438 BNC : a11347697 BNE : XX1722838 BNF : 11909522q CiNii : DA03107791 GND : 118776975 GTAA : 117687 ICCU : CFIV061732 ISNI : 0000 0001 2281 2702 , 0000 0003 6865 1670 J9U : 987007263748805171 LCCN : n50046382 LNB : 000102217 NDL : 00445322 NKC : jn20000700871 NLA : 35262641 NLG : 61977 NLP : A18029097 NSK : 000591184 NTA : 070141010 NUKAT : n93125432 PTBNP : 222558 LIBRIS : pm134cs752qjgr0 SUDOC : 028947169 VIAF : 68930931 WorldCat VIAF : 68930931

Film af Elia Kazan

Et træ vokser i Brooklyn (1945) Sea of ​​​​Grass (1947) Gentleman's Agreement (1947) Boomerang! (1947) Pinky (1949) Panik i gaderne (1950) Streetcar "Desire" (1951) Viva, Zapata! (1952) Man on a Rope (1953) I havn (1954) Øst for paradis (1955) Chrysalis (1956) Face in the Crowd (1957) Wild River (1960) Splendor in the Grass (1961) Amerika, Amerika (1963) Deal (1969) Gæster (1972) The Last Tycoon (1976)

Oscar for bedste instruktør

Lewis Milestone (komedie) / Frank Borzage (drama) (1929) Frank Lloyd (1930/I) Lewis Milestone (1930/II) Norman Taurog (1931) Frank Borzage (1932) Frank Lloyd (1934) Frank Capra (1935) John Ford (1936) Frank Capra (1937) Leo McCarey (1938) Frank Capra (1939) Victor Fleming (1940) John Ford (1941) John Ford (1942) William Wyler (1943) Michael Curtis (1944) Leo McCarey (1945) Billy Wilder (1946) William Wyler (1947) Elia Kazan (1948) John Huston (1949) Joseph Leo Mankiewicz (1950) Joseph Leo Mankiewicz (1951) George Stevens (1952) John Ford (1953) Fred Zinneman (1954) Elia Kazan (1955) Delbert Mann (1956) George Stevens (1957) David Lean (1958) Vincent Minnelli (1959) William Wyler (1960) Billy Wilder (1961) Jerome Robbins , Robert Wise (1962) David Lean (1963) Tony Richardson (1964) George Cukor (1965) Robert Wise (1966) Fred Zinneman (1967) Mike Nichols (1968) Carol Reed (1969) John Schlesinger (1970) Franklin J. Sheffner (1971) William Friedkin (1972) Bob Foss (1973) George Roy Hill (1974) Francis Ford Coppola (1975) Milos Forman (1976) John Avildsen (1977) Woody Allen (1978) Michael Cimino (1979) Robert Benton (1980) Robert Redford (1981) Warren Beatty (1982) Richard Atterborough (1983) James Brooks (1984) Milos Forman (1985) Sydney Pollack (1986) Oliver Stone (1987) Bernardo Bertolucci (1988) Barry Levinson (1989) Oliver Stone (1990) Kevin Costner (1991) Jonathan Demme (1992) Clint Eastwood (1993) Steven Spielberg (1994) Robert Zemeckis (1995) Mel Gibson (1996) Anthony Minghella (1997) James Cameron (1998) Steven Spielberg (1999) Sam Mendes (2000) Steven Soderbergh (2001) Ron Howard (2002) Roman Polanski (2003) Peter Jackson (2004) Clint Eastwood (2005) Ang Lee (2006) Martin Scorsese (2007) The Coen Brothers (2008) Danny Boyle (2009) Katherine Bigelow (2010) Tom Hooper (2011) Michel Hazanavicius (2012) Ang Lee (2013) Alfonso Cuarón (2014) Alejandro G. Inarritu (2015) Alejandro G. Inarritu (2016) Damien Chazelle (2017) Guillermo del Toro (2018) Alfonso Cuarón (2019) Bong Joon Ho (2020) Chloe Zhao (2021) Jane Campion (2022)

Oscar for enestående præstation inden for kinematografi

Warner Bros. / Charlie Chaplin (1928) Walt Disney (1932) Shirley Temple (1934) D. W. Griffith (1935) " Tread of Time / W. Howard Green og Harold Rosson (1936) Edgar Bergen / W. Howard Green / Museum of Modern Art Film Storage / Mack Sennett (1937) J. Arthur Ball / Walt Disney / Deanna Durbin og Mickey Rooney / Gordon Jennings , Jan Domela , Dev Jennings, Irmin Roberts, Art Smith, Farcio Edouard , Loyal Griggs , Lauren L. Ryder , Harry D. Mills, Louis Mesenkop , Walter Oberst / Oliver T. Marsh , og Allen Davey / Harry Warner (1938) Douglas Fairbanks / Judy Garland / William Cameron Menzies / Film Relief Fund ( Gene Hersholt , Ralph Morgan , Ralph Block , Conrad Nigel ) / Technicolor Company (1939) Bob Hope / Nathan Levinson (1940) Walt Disney , William Garity , John N. A. Hawkins og RCA Manufacturing Company / Leopold Stokowski og hans orkesters musikere / Ray Scott / British Ministry of Information (1941) Charles Boyer / Noël Coward / Metro-Goldwyn-Mayer (1942) George Pal (1943) Bob Hope / Margaret O'Brien (1944) Republic Studio, Daniel J. Bloomberg og Republic Studio Sound Department / Walter Wanger / " The House I Live in " / Peggy Ann Garner (1945) Harold Russell / Laurence Olivier / Ernst Lubitsch / Claude Jarman Jr. (1946) James Beskett / Thomas Ermat , William Nicholas Zelig , Albert E. Smith , og George Kirk Spoor / " Bill and Ku " / " Shusha " (1947) Walter Wanger / " Monsieur Vincent " / Sid Grauman / Adolph Zukor (1948) Jean Hersholt / Fred Astaire / Cecile B. DeMille / " Cykeltyvene " (1949) Louis B. Mayer / George Murphy / " At the Walls of Malapaga " (1950) Gene Kelly / " Rashomon " (1951) Merian K. Cooper / Bob Hope / Harold Lloyd / George Mitchell / Joseph M. Shenk / " Forbidden Games " (1952) 20th Century-Fox Film Corporation / Bell & Howell Company / Joseph Breen / Pete Smith (1953) Bausch & Lomb Optical Company / Danny Kay / Kemp Never / Greta Garbo / John Whiteley / Vincent Winter / " Hell's Gate " (1954) " Samurai: The Way of the Warrior " (1955) Eddie Cantor (1956) Society of Motion Picture and Television Engineers / Gilbert M. "Broncho Billy" Anderson / Charles Brackett / B. B. Kahane (1957) Maurice Chevalier (1958) Buster Keaton / Lee de Forest (1959) Gary Cooper / Stan Laurel / Haley Mills (1960) William L. Hendricks / Fred L. Metzler / Jerome Robbins (1961) William J. Tuttle (1964) Bob Hope (1965) Yakima Canutt / I. Frank Freeman (1966) Arthur Freed (1967) John Chambers / Onna White (1968) Cary Grant (1969) Lillian Gish / Orson Welles (1970) Charlie Chaplin (1971) Charles S. Boren / Edward G. Robinson (1972) Henri Langlois / Groucho Marx (1973) Howard Hawks / Jean Renoir (1974) Mary Pickford (1975) Margaret Booth (1977) Walter Lantz / Laurence Olivier / King Vidor / Museum of Modern Art Film Department (1978) Hal Elias / Alec Guinness (1979) Henry Fonda (1980) Barbara Stanwyck (1981) Mickey Rooney (1982) Hal Roach (1983) James Stewart / National Endowment for the Arts (1984) Paul Newman / Alex North (1985) Ralph Bellamy (1986) Eastman Kodak Company / Canadian Public Film Service (1988) Akira Kurosawa (1989) Sophia Loren / Myrna Loy (1990) Satyajit Rai (1991) Federico Fellini (1992) Deborah Kerr (1993) Michelangelo Antonioni (1994) Kirk Douglas / Chuck Jones (1995) Michael Kidd (1996) Stanley Donen (1997) Elia Kazan (1998) Andrzej Wajda (1999) Jack Cardiff / Ernest Lehman (2000) Sidney Poitier / Robert Redford (2001) Peter O'Toole (2002) Blake Edwards (2003) Sidney Lumet (2004) Robert Altman (2005) Ennio Morricone (2006) Robert F. Boyle (2007) Lauren Bacall / Roger Corman / Gordon Willis (2009) Kevin Brownlow / Jean-Luc Godard / Eli Wallach (2010) James Earl Jones / Dick Smith (2011) D. A. Pennebaker / Hal Needham / George Stevens Jr. (2012) Angela Lansbury / Steve Martin / Piero Tosi (2013) Jean-Claude Carrière / Hayao Miyazaki / Maureen O'Hara (2014) Spike Lee / Gena Rowlands (2015) Jackie Chan / Lynn Stalmaster / Ann W. Coates / Frederic Wiseman (2016) Charles Burnett / Owen Roizman / Donald Sutherland / Agnès Varda (2017) Marvin Levy / Lalo Schifrin / Cicely Tyson (2018) David Lynch / Wes Studi / Lina Wertmuller (2019) Samuel L. Jackson / Elaine May / Liv Ullman (2021)

Golden Globe Award for bedste instruktør

Henry King (1943) Leo McCarey (1944) Billy Wilder (1945) Frank Capra (1946) Elia Kazan (1947) John Huston (1948) Robert Rossen (1949) Billy Wilder (1950) Laszlo Benedek (1951) Cecile Blount DeMille (1952) Fred Zinneman (1953) Elia Kazan (1954) Joshua Logan (1955) Elia Kazan (1956) David Lean (1957) Vincent Minnelli (1958) William Wyler (1959) Jack Cardiff (1960) Stanley Kramer (1961) David Lean (1962) Elia Kazan (1963) George Cukor (1964) David Lean (1965) Fred Zinneman (1966) Mike Nichols (1967) Paul Newman (1968) Charles Jarrott (1969) Arthur Hiller (1970) William Friedkin (1971) Francis Ford Coppola (1972) William Friedkin (1973) Roman Polanski (1974) Milos Forman (1975) Sidney Lumet (1976) Herbert Ross (1977) Michael Cimino (1978) Francis Ford Coppola (1979) Robert Redford (1980) Warren Beatty (1981) Richard Attenborough (1982) Barbra Streisand (1983) Milos Forman (1984) John Huston (1985) Oliver Stone (1986) Bernardo Bertolucci (1987) Clint Eastwood (1988) Oliver Stone (1989) Kevin Costner (1990) Oliver Stone (1991) Clint Eastwood (1992) Steven Spielberg (1993) Robert Zemeckis (1994) Mel Gibson (1995) Milos Forman (1996) James Cameron (1997) Steven Spielberg (1998) Sam Mendes (1999) Ang Lee (2000) Robert Altman (2001) Martin Scorsese (2002) Peter Jackson (2003) Clint Eastwood (2004) Ang Lee (2005) Martin Scorsese (2006) Julian Schnabel (2007) Danny Boyle (2008) James Cameron (2009) David Fincher (2010) Martin Scorsese (2011) Ben Affleck (2012) Alfonso Cuarón (2013) Richard Linklater (2014) Alejandro G. Inarritu (2015) Damien Chazelle (2016) Guillermo del Toro (2017) Alfonso Cuarón (2018) Sam Mendes (2019) Chloe Zhao (2020) Jane Campion (2021)

Directors Guild of America Award for bedste instruktør - spillefilm

Joseph L. Mankiewicz (1948) Robert Rossen (1949) Joseph L. Mankiewicz (1950) George Stevens (1951) John Ford (1952) Fred Zinneman (1953) Elia Kazan (1954) Delbert Mann (1955) George Stevens (1956) David Lean (1957) Vincent Minnelli (1958) William Wyler (1959) Billy Wilder (1960) Jerome Robbins og Robert Wise (1961) David Lean (1962) Tony Richardson (1963) George Cukor (1964) Robert Wise (1965) Fred Zinneman (1966) Mike Nichols (1967) Anthony Harvey (1968) John Schlesinger (1969) Franklin J. Sheffner (1970) William Friedkin (1971) Francis Ford Coppola (1972) George Roy Hill (1973) Francis Ford Coppola (1974) Milos Forman (1975) John G. Avildsen (1976) Woody Allen (1977) Michael Cimino (1978) Robert Benton (1979) Robert Redford (1980) Warren Beatty (1981) Richard Attenborough (1982) James L. Brooks (1983) Milos Forman (1984) Steven Spielberg (1985) Oliver Stone (1986) Bernardo Bertolucci (1987) Barry Levinson (1988) Oliver Stone (1989) Kevin Costner (1990) Jonathan Demme (1991) Clint Eastwood (1992) Steven Spielberg (1993) Robert Zemeckis (1994) Ron Howard (1995) Anthony Minghella (1996) James Cameron (1997) Steven Spielberg (1998) Sam Mendes (1999) Ang Lee (2000) Ron Howard (2001) Rob Marshall (2002) Peter Jackson (2003) Clint Eastwood (2004) Ang Lee (2005) Martin Scorsese (2006) The Coen Brothers (2007) Danny Boyle (2008) Katherine Bigelow (2009) Tom Hooper (2010) Michel Hazanavicius (2011) Ben Affleck (2012) Alfonso Cuarón (2013) Alejandro G. Inarritu (2014) Alejandro G. Inarritu (2015) Damien Chazelle (2016) Guillermo del Toro (2017) Alfonso Cuarón (2018) Sam Mendes (2019) Chloe Zhao (2020) Jane Campion (2021)

Kennedy Center Award (1980'erne)
1980	Leonard Bernstein James Cagney Agnes deMille Lynn Fontanne Leontina Pris
1981	Grev Basie Cary Grant Helen Hayes Jerome Robbins Rudolf Serkin
1982	George Abbott Lillian Gish Benny Goodman Gene Kelly Eugene Ormandy
1983	Katherine Dunham Elia Kazan Frank Sinatra James Stewart Virgil Thomson
1984	Lina Horn Danny Kay Giancarlo Menotti Arthur Miller Isaac Stern
1985	Merce Cunningham Irene Dunn Bob Hope Alan Jay Lerner og Frederick Lowe Beverly Sills
1986	Lucille Ball Ray Charles Hume Cronyn og Jessica Tandy Yehudi Menuhin Anthony Tudor
1987	Perry Como Bette Davis Sammy Davis Jr. Nathan Milstein Alvin Nicole
1988	Alvin Ailey George Burns Myrna Loy Sasha Schneider Roger L. Stephens
1989	Harry Belafonte Claudette Colbert Alexandra Danilova Mary Martin William Schumann
1970'erne 1980'erne 1990'erne 2000'erne 2010'erne 2020'erne