Fotografiets historie dækker fotografiets udvikling som en af billedkunsten fra midten af 1800-tallet til i dag.
I fotografiets første årti var dens vigtigste teknologier daguerreotypi og, i mindre grad , kalotypi ; i 1850'erne blev de gradvist fortrængt af kollosionsprocessen , som gjorde det muligt at reducere lukkertiden betydeligt ved optagelse (hvis Daguerre i 1839 havde en eksponeringstid på 10 minutter eller mere, og i 1840-1841 var den allerede faldet til 10 sekunder, så blev lukkerhastigheden under kollosionsprocessen reduceret til flere sekunder og endda mindre end et sekund [1] ). Traditionerne for europæisk maleri og lang eksponering førte til behovet for posering, det vil sige til den iscenesatte natur af tidlig fotografering, hvis folk var til stede i det [2] [3] .
I de allerførste år begyndte kommerciel fotografi at udvikle sig hurtigt, primært portræt- og landskabsfotografering. Der blev åbnet adskillige fotostudier til at lave portrætter (allerede i 1841 var der mere end ti af dem alene i Paris).I 1854 patenterede Dizderi teknologien til fremstilling af "visitkort" - fotografier i lille format, som på grund af deres billighed hurtigt bliver uhyre populære; Indsamlingen af kendiskort begynder. Fotografer, såsom den berømte Felix Beato , tager til fjerne lande for at skabe landskabsbilleder - fra Italien, Grækenland og Egypten til Japan - og åbner endda studier der; deres fotografier med landskaber , arkitektoniske monumenter , genrescener sælges på stedet til besøgende turister eller udgives ved deres hjemkomst fra ekspeditionen i form af bøger.
Anvendt fotografi udvikler sig også - videnskabeligt (for eksempel albummet "British Algae" af Anna Atkins , 1843) og medicinsk, politi, arkitektonisk (for eksempel Heliografisk Ekspedition 1851) og andre. [fire]
Roger Fenton , der erobrede Krimkrigen i 1855 , kaldes den første krigsfotograf , og den amerikanske borgerkrig bliver takket være Matthew Bradys indsats , Alexander Gardner , Timothy O'Sullivan , den første til at give anledning til en betydelig mængde fotografiske dokumenter. På grund af tekniske begrænsninger bliver ikke selve kamphandlingerne filmet, men kun deres konsekvenser, som i det berømte fotografi af O'Sullivan "The Harvest of Death" (1863), samt udsigt over militærlejren, portrætter af deltagere , etc. [4] Interessant nok, at historikere i nogle berømte militærfotografier finder spor af manipulationer med scenen for at gøre den mere udtryksfuld (f.eks. i fotografiet "The House of the Rebellious Sniper" (1863) af A. Gardner , blev kroppen og geværet flyttet [5] , og på fotografiet " Dødens skygges dal " (1855) af R. Fenton kan kanonkugler være blevet overført).
Det er vanskeligt at trække en klar grænse mellem det rent informationsmæssige ("protokol", der formidler det faktiske billede til beskueren) og fotografiets æstetiske funktioner; således taler de nævnte manipulationer under optagelserne af militærscener allerede om ønsket om kunstnerisk effekt. Det væsentlige kriterium her er selve fotografens hensigt. J. E. Mayall og Gabriel Harrison var blandt de første, der forsøgte at realisere en sådan hensigt i anden halvdel af 1840'erne , og Gustave le Gres skrev i 1852: "Mit elskede ønske er, at fotografi i stedet for at falde ind under industriens og handelens magt, ville være omfattet af kunsten. Dette er det eneste sted, der er hende værdig , og det er i denne retning, at jeg altid vil forsøge at lede hende . I 1850'erne er denne tilgang fra fotografen til sit arbejde ikke længere en sjældenhed.
Blandt genrerne inden for tidlig kunstnerisk fotografi, såvel som inden for kommerciel og anvendt fotografi, er en hædersplads besat af et fotoportræt - især berømtheder. Landskaber er filmet - naturlige og urbane udsigter , arkitektoniske strukturer. Mere eller mindre iscenesatte genrescener arvet fra genremaleriet er ikke ualmindeligt . I det victorianske Storbritannien migrerede i anden halvdel af 1850'erne populære " levende billeder " [6] til fotografi , teatralske portrætter og kostumescener blev skabt: trenden "fotografering som høj kunst" ( High art photography ) blev dannet - iscenesat i form og gravitation mod kristen moral, allegori efter indhold [2] .
De første store fotografiske kunstnere i det 19. århundrede var: Nadar , Gustave le Gré i Frankrig; repræsentanter for højkunstfotografi OG Reilander , Henry Peach Robinson , Julia Margaret Cameron i England; David Hill med Robert Adamson i Skotland. Oscar Reilander var en af de første til at bruge en tidlig form for fotomontage , sammensat tryk fra flere negativer, i 1855, og senere brugte det til at skabe komplekse flerfigurkompositioner, hvoraf den mest berømte, Two Ways of Life (1857), blev trykt med 30 eller 32 negativer. Gustave le Gré var især berømt for sine havlandskaber, som han normalt printede fra to negativer for at øge den fotografiske breddegrad . Mesteren i det psykologiske portræt Nadar i 1858 var den første til at fotografere fra en ballon, og i 1860-1862 tog han en række fotografier af de parisiske katakomber og kloakker .
Institutionel anerkendelse er ikke let for fotografering. Som regel vises fotografier i den videnskabelige og tekniske del af udstillinger. På Salonen i 1859 udstilles således først Gustave le Grés kalotyper sammen med litografier, og når teknikken til deres tilblivelse er klarlagt, flyttes de til den videnskabelige afdeling. Som forberedelse til verdensudstillingen i 1862 insisterer fotografer på en plads i billedkunstsektionen, men opnår kun, at "fotografi vises separat generelt - hverken som en teknik eller som en kunstnerisk frembringelse, men som et selvstændigt aktivitetsområde " [2] . Kampen for anerkendelsen af fotografiet fortsætter indtil slutningen af århundredet. [2]
I 1880'erne, takket være Eastman Kodak , rullede celluloidfilm og amatørbokskameraet Kodak No. 1 » (1888), som gjorde det muligt for ikke-professionelle at få skarpe øjeblikkelige fotografier fra deres hænder: "Du trykker på knappen, vi klarer resten" var reklamesloganet [1] . At få et simpelt "dokumentarisk" billede ophører med at være et problem, hvilket stimulerer kunstnerisk søgning.
Pictorialisme1880'erne - 1910'erne oplevede pictorialismens storhedstid - en international bevægelse, hvis repræsentanter forkyndte fotografiets nærhed til maleriet og søgte at introducere billedteknikker og effekter i kunstnerisk fotografi. Maleri plejede at have en betydelig indflydelse på fotografiet, men nu er modellen ikke længere akademisk maleri og prærafaelitterne , men " impressionisme (i betydningen sløring af billedet) og symbolisme (i betydningen plot-genre)" [ 7] . For at opnå en billedskøn effekt anvendes linser med blødt fokus såsom en monokel (nogle gange også filtre), retouchering af negativer og specielle printmetoder.
I 1892 etablerede den erfarne kunstfotograf H. P. Robinson og medarbejdere det billedkunstneriske samfund The Closed Ring i Storbritannien i 1902 grundlagde Alfred Stieglitz en lignende gruppe , Photo-Secession og det indflydelsesrige magasin Camera Work , i USA . I Østrig i 1897 forenede tilhængerne af bevægelsen Heinrich Kuhn , Hugo Henneberg og Hans Watzeck sig i gruppen "Trefoil" ( latin "Trifolium" , tysk "Kleeblatt" ). De største billedkunstnere var englænderne Frank Meadow Sutcliffe , teoretikeren og praktikeren Peter Henry Emerson , medlemmerne af Photo-Secession Alfred Stieglitz, Edward Steichen , Alvin Coburn , Clarence White , franskmanden Robert Demachy , der repræsenterede stilens yderpunkter. [8] . I 1910 afholdt Photo-Secession en storstilet "International Exhibition of Pictorial Photography" på Albright Art Gallery , der præsenterede mere end 600 værker af 65 forfattere [9] .
I Rusland blev billedkunsten dannet lidt senere, men den udviklede sig længere - fra begyndelsen af det 20. århundrede til anden halvdel af 1930'erne ( Sergei Lobovikov , Alexei Mazurin , Anatoly Trapani , Nikolai Andreev , Nikolai Petrov , portrætmester Moses Nappelbaum , Vasily Ulitin , Alexander Grinberg , Yuri Eremin , Nikolai Svishchev-Paola og andre). [7] [10] [11]
P.G. Emerson . Skydebekkasin, publ. 1886
A. Stiglitz . Station, 1892
E. Steichen . Jernhus , 1904. Humbichromattryk
R. Demachy . Wrestling, udg. 1904. Gumbichromattryk
I USA i 1910'erne [13] begyndte piktorialismen at blive fortrængt af direkte fotografi , hvis første tilhænger anses for at være Paul Strand . Fotografering bør slet ikke efterligne maleri, hævder denne tilgang: linser med blødt fokus erstattes af skarpt fokus, vægten i fotografens arbejde overføres fra printprocessen til filmningsprocessen. Stiglitz støtter Strand: "Fotografer bør lære ikke at være flov over, at deres fotografier ligner fotografier," [14] skriver han i 1913, og selv bevæger han sig gradvist fra billedkunst til denne måde.
Dette handler ikke om en tilbagevenden til den naive naturalisme i det tidlige fotografi, men om modernisme : abstrakte former afsløres i bybilleder og naturlige objekter, industriel og maskinæstetik bekræftes ( Charles Sheeler ).
Direkte fotografering fortsatte med at udvikle sig i 1920'erne og nåede sit højdepunkt i arbejdet for repræsentanterne for gruppen F / 64 (1932-1935) - Edward Weston , Ansel Adams og andre. Weston udforsker naturlige genstandes tekstur og former ( Sink , 1927 , Pepper No. 30 , 1930 ), skyder nøgenbilleder ( Naked , 1936 ). Adams skaber klassiske sort-hvide landskaber og udvikler et zonesystem, der giver dig mulighed for at justere eksponerings- og filmbehandlingsparametrene i overensstemmelse med den kreative hensigt.
Europæisk modernismeDet europæiske fotografi i 1920'erne blev også overtaget af modernismen .
I Italien skabte A. J. Bragaglia tilbage i 1910'erne en futuristisk trend inden for kunstnerisk fotografi - fotodynamik.
I Tyskland udvikler kunstbevægelsen " New Objectivity " sig i mange henseender tæt på den amerikanske modernisme [7] , som inden for fotografiet er repræsenteret af Albert Renger-Patch , Karl Blossfeldt [16] og August Sander . De udmærker sig ved ønsket om en objektiv og detaljeret overførsel af objektet, for Ranger-Patch og Blossfeldts tilfælde - med en udtalt opmærksomhed på formen.Sander i 1910'erne - 1920'erne arbejdede på et monumentalt fotoprojekt "People of the XX century", hvor han ønskede at fange repræsentanter for alle klasser og lag af det tyske samfund i en række dokumentariske portrætter; hans første album, A Face of Our Time, ville blive udgivet i 1929. [17]
De tyske dadaister - John Heartfield med Georg Gross i 1916 og Raul Hausmann med Hannah Höch i 1918 - opdager teknikken til fotocollage [18] , som snart ville blive opfanget af sovjetiske fotografer .
Den internationale avantgardebevægelse " New Vision " udtrykte i fotografiet indflydelsen fra det tyske Bauhaus og den sovjetiske konstruktivisme . Værkerne i denne retning er karakteriseret ved usædvanlige forkortninger , diagonal sammensætning ("kosina"), stor beskæring, gravitation mod billedets abstrakthed; ikke-standardiserede teknikker udforskes: solarisering ved Man Ray ; fotogram i Christian Schad , Man Ray, Moholy-Nagy ; fotomontage og collage af Mohoy-Nagy, Alexander Rodchenko og andre, multieksponering . [7]
Surrealister er primært Man Ray , samt Maurice Tabar , Raoul Yubak , Hans Bellmer , Paul Nouget , Jacques-André Bouffard , Claude Caon , Philippe Halsman og andre - anvender aktivt de nævnte og nogle andre ikke-standardiserede teknikker, skabe iscenesatte billeder, involvere tredjeparts fotografisk materiale i deres kunstneriske rum [19] .
Germaine Krul , der begyndte i 1910'erne med piktorialisme, rykker i 1920'erne tættere på modernismens forskellige strømninger; i 1928 udkom hendes berømte fotobog "Metal".
Frantisek Drtikol , Josef Sudek , Jaromir Funke , Yaroslav Rössler arbejder i Tjekkiet .
I 1929 blev der afholdt en stor udstilling FiFo ( Film und Foto ) i Stuttgart , der demonstrerede den erfaring, fotografiet har akkumuleret i forskellige lande; senere vises denne udstilling i Østrig og Schweiz og i 1931 i Japan.
LatinamerikaFra 1920'erne til slutningen af århundredet fortsætter karrieren for den mexicanske Manuel Alvarez Bravo , en af de største fotografer i Latinamerika .
Edward Westons kæreste Tina Modotti arbejdede sammen med ham i 1920'erne i Mexico og udøvede en mærkbar indflydelse på det kulturelle liv i Mexico City, herunder den unge Alvarez Bravo.
Forløberne for dokumentarfotografi omfatter militærfotografer fra 1850'erne-1860'erne, som filmede Krimkrigen og Borgerkrigen i USA , selvom deres fotografier på grund af den tvungne lange eksponering for det meste blev iscenesat, og desuden gjorde forfatterne det ikke altid vide hvordan man og søgte at give et rent reportagebillede en æstetisk dimension.
Tidlig gadefotograferingAf samme tekniske årsag var der iscenesatte scener og gadescener, som blev filmet i 1850'erne af Charles Negre , men i 1880'erne var eksponeringerne allerede reduceret betydeligt.
Pionererne inden for gadefotografering anses for at være hollænderen Georg Breitner , der arbejdede i 1890'erne , italieneren Giuseppe Primoli , briten Paul Martin (der skød med et skjult kamera og også fangede natteudsigter i London by Gaslight-serien, 1895-1896). [tyve]
Social fotograferingTilbage i det 19. århundrede, på trods af tekniske begrænsninger (såsom optagelse fra et stativ på grund af langsomme lukkertider), begyndte social dokumentar at udvikle sig . John Thomson i 1876-1877 udgiver magasinet Street Life of London, og i 1878 udgiver han en bog af samme navn. I New York filmede Jacob Riis livet i byens slumkvarterer gennem 1880'erne og udgav en bogHow the Other Half Lives (1890), han betragtes som den første fotojournalist, der brugte blitz . Lewis Hine tager over og fotograferer amerikanske immigranters og industribørns hårde liv i 1900'erne og 1910'erne; i 1920'erne og 1930'erne fortsatte han med at fotografere arbejderklassen på en mere optimistisk måde og dokumenterede byggeriet af Empire State Building i en velkendt serie af skud .
Walker Evans , Dorothea Lang og ni andre fotografer deltog i Farm Protection Administrations massive sociale projekt (1935-1942) under ledelse af Roy Stryker , og skabte et dokumentarisk portræt af det landlige Amerika under den store depression fra titusvis af tusindvis af fotografier (blandt de mest berømte: " Migrant Mother " af D. Lang, "Ellie Mae Burroughs, Sharecropper's Wife" [2] af W. Evans, "Dust Storm" [3] og det blegede kranium af en okse [4] ] af A. Rothstein - alle 1936).
I 1935-1951 fungerede den indflydelsesrige New York Photo League , en sammenslutning og skole af venstreorienterede fotografer.
Propaganda fotoI USSR i 1920'erne-1930'erne udviklede dokumentar- og propagandafotografi sig hurtigt [21] . De største fotografer på denne tid, hvoraf de fleste var medlemmer af Oktyabr -kunstforeningen - Alexander Rodchenko , Boris Ignatovich , Arkady Shaikhet , samt Abram Shterenberg , Boris Kudoyarov , Dmitry Debabov , Eleazar Langman og andre - bekræfter avantgarde- konstruktivisten æstetik af "New Vision" (vinkeloptagelse, skrå, stor indramning).
Siden begyndelsen af 1930'erne har fotoreportagen spillet en ledende rolle i sovjetisk fotografi . Forskellige former for narrativ kombination af fotografier udvikles: fotomontage (herunder kombinationen af fotografiske billeder med plakattypografi og andre designelementer [22] , - Alexander Rodchenko , El Lissitzky , Gustav Klutsis ) , fotoserier [23] og fotobog .
De største udstillinger på denne tid er "Udstillingen af sovjetisk fotografi i 10 år" (1928), "Den første fællesudstilling af fotografisk kunst" (1937). [tyve]
I Tyskland er fotomontageplakatens æstetik udviklet af John Heartfield [24] .
FotojournalistikFremkomsten i 1880'erne - 1890'erne af halvtonetryk , og i 1900'erne af offsettryk, gjorde det muligt at gengive fotografier i høj kvalitet i tidsskrifter (før det blev der lavet en gravering af et fotografi, hvorfra der allerede blev trykt), og i begyndelsen af det 20. århundrede havde "i næsten alle magasiner bestemt en sektion under det generelle navn af typen "Verden i billeder", hvor fotografier af berømtheder, politiske personer, repræsentanter for det høje samfund blev offentliggjort, festlige begivenheder blev offentliggjort dækket” [25] . Introduktionen og forbedringen i 1910'erne - 1930'erne af fototelegrafen gjorde det muligt hurtigt at overføre billeder. Den enorme succes med Leica - kameraet, der blev lanceret på markedet i 1925, førte til udbredelsen af småformatfotografering - lette, mobile, lavt observerbare kameraer. I slutningen af 1920'erne blev støjende og røgfyldte magnesiumglimt erstattet af blitzpærer . Disse fire teknologiske faktorer - og naturligvis den voksende efterspørgsel efter nyhedspressen - førte til, at 1930'erne-1950'erne bliver " Fotojournalistikkens gyldne tidsalder " (senere vil initiativet flytte til nyheds-tv). Illustrerede ugeblade udgives i millioner af eksemplarer: tyske Berliner Illustrirte Zeitung (1892-1945), Münchner Illustrierte Presse (1924-1944), franske Vu (1928-1940), American Life (1936-1972), British Picture Post (1938-1957).
Den tyske fotojournalist Erich Salomon opnåede paneuropæisk berømmelse , fra slutningen af 1920'erne og indtil hans arrestation af nazisterne i 1940 filmede han - ofte med skjult kamera gemt i en hat, dokumentmappe, bog osv. - ved diplomatiske møder og ved domstole . Siden slutningen af 1920'erne har Alfred Eisenstadt optaget i Tyskland og senere i USA . Den ikoniske internationale fotojournalist Robert Capa , der udtrykte sin trosbekendelse med ordene "Hvis dine billeder ikke er gode nok, så var du ikke tæt nok på", dukker op overalt, hvor der er krig, fra begyndelsen af 1930'erne til hans død i 1954. Den amerikanske fotojournalist Vidzhi blev berømt i 1930'erne og 1940'erne for sin natkrimi-krønike i New York; hans stil påvirkede amerikansk fotografi i anden halvdel af det 20. århundrede.
Anden Verdenskrigs tragedie bliver en uudtømmelig kilde til materiale til fotojournalistik ; mange store fotografer skyder militære aktioner og deres konsekvenser, og nogle - som Evgeny Khaldei , Dmitry Baltermants - er nu kendt for netop deres krigsværker. Berømte fotografier inkluderer: 11 billeder af landingerne i Normandiet, som blev taget under kugler af Robert Capa og andre .
Forfatterens dokumentarfotografiSelv under billedkunstens storhedstid arbejdede den franske fotograf Eugene Atget på en helt anden måde end ham : han fotograferede det gamle, vigende til det Haussmannske Paris [26] , byens daglige liv siden 1888, men anerkendelse kom kun til ham. fra anden halvdel af 1920'erne takket være surrealister [27] og Berenice Abbott , som gjorde meget for at bevare og popularisere Atgets arbejde og legemliggjorde hans tilgang til at skyde New York i 1930'erne.
Siden begyndelsen af det 20. århundrede har Jacques-Henri Lartigue fotograferet siden barndommen ; det var en udstilling af hans tidlige fotografier på MoMA i 1963, der bragte ham berømmelse.
Den største mester i dokumentarfotografi var André Kertész , som har arbejdet i Ungarn siden 1912, derefter i Frankrig og senere i USA. Kertesz "var den første, der i sit arbejde kombinerede linjerne af funktionel (magasin-foto-reportage) [28] og forfatterens fotografi, hvis dialektik næsten er hovedintrigen i hendes klassiske periode" [20] . Som Cartier-Bresson senere sagde , "hvad vi end gjorde, gjorde Kertész det først" [20] .
August Sander skiller sig ud , hvis værker fra 1910'erne-1920'erne indeholder elementer af både dokumentarisk - gade- og social- og portræt-iscenesat fotografi.
Dokumentarfotografi fortsatte med at udvikle sig i Europa i 1930'erne og kombinerede forfatterens og reportageprincipperne (journalistiske): mange illustrerede magasiner fungerede som en måde at frigive billeder til offentligheden. Blandt de mest bemærkelsesværdige fotografer, hvis kreative vej begyndte i dette årti: den franske Brassai - der samarbejdede med surrealisterne, men bemærkede, at han "altid søgte at udtrykke virkeligheden, fordi der ikke er noget mere surrealistisk" [7] , Henri Cartier-Bresson er en af dem. af de mest indflydelsesrige personer i mediets historie, Robert Doisneau - en mester i lyrisk, ja endog sentimental gadefotografi, Willy Roni - som sammen med Cartier-Bresson og Doisneau anses for [29] at være grundlæggerne af "humanistisk fotografering" ; Englænderen Bill Brandt . Gadefotografering er populært , bøgerne " 100x Paris " (1929) af Germaine Krul, " Paris at Night " (1929) af Brassai, " Paris through the eyes of Andre Kertész " (1934), " Night in London " (1938) af Bill Brandt udgives.
I USA i 1938-1941. Walker Evans , der diskret filmer passagerer på New Yorks metro, gemmer kameraet under frakken [5] ; dog vil disse fotografier først blive offentliggjort i 1966. Den fremtrædende amerikanske fotojournalist fra 1930'erne og 1940'erne, Margaret Bourke-White , var påvirket af sovjetisk fotografisk æstetik [20] . En af de største amerikanske fotojournalister i slutningen af 1930'erne og 1970'erne, grundlæggeren af fotoessaygenren var Eugene Smith . På samme tid, på gaderne i Philadelphia og efter krigen - i New York, Louis Faurer [ , lidt kendt af den brede offentlighed, men værdsat af sine kolleger og i sit udseende og stil delvist foregribende poesi og teknisk frihed fotografering 1950- x - 1960'erne.
I 1955 arrangerer Edward Steichen , kurator for MoMA siden 1947 , en af de mest betydningsfulde udstillinger i fotografiets historie, The Human Race, som vil opsummere det humanistiske dokumentariske fotografi i første halvdel af det 20. århundrede.
USA. Siden begyndelsen af 1940'erne er traditionerne for amerikansk formalisme udviklet af Harry Callahan , der er tilbøjelig til abstrakt-minimalistisk komposition, bruger fotografi som spirituel praksis, Minor White , og Aaron Siskind , der er tæt forbundet med abstrakt ekspressionisme . [tredive] Siden slutningen af 1940'erne har farvefotografiets pionerer Saul Leiter og Ernst Haas givet gadeudsigten i New York City en abstrakt-malerisk kvalitet; lang eksponering og kamerabevægelse, som Haas ofte tyer til for dette, bruges med succes i sort/hvid gadefotografering af en anden repræsentant for New York School of Photography, Ted Kroner . I 1950'erne underviser Callahan og Siskind på Chicago New Bauhaus ; Ray Metzker og Kenneth Josephson (sidstnævnte også under Minor White) studerede under dem , siden 1960'erne har været på vej mod at "modificere dokumentarbilledet til et abstrakt mønster" [31] , efter at have avanceret sort/hvid fotografering langt i samme retning som Leiter og Haas - farve.
Tyskland. I det krigshærgede Europa var der ikke tid til formelle eksperimenter, og først i slutningen af 1940'erne-1950'erne genoplivede Otto Steinert og den kunstneriske gruppe Fotoform med ham i spidsen traditionerne fra New Vision og Bauhaus under navnet " Subjektiv fotografering" .I modsætning til denne strømning har Berndt og Hila Becher fotograferet industrielle strukturer siden slutningen af 1950'erne og arvet den objektivistiske tilgang fra New Objectivity-skolen . I 1976-1996 underviser Bernd Becher i fotografi på Düsseldorf Academy of Fine Arts , hans elever danner Düsseldorf School of Photography . [tredive]
Italien. I 1940'erne - 1950'erne skyder Giuseppe Cavalli , hvis værk er kendetegnet ved en let tonalitet . Siden 1950'erne har Mario Giacomelli , som var påvirket af ham, arbejdet og ty til forskellige optage- og trykteknikker for at opnå billeder med ekstrem høj kontrast (serier med præster er især populære [6] ).
Surrealisme er fortsat en indflydelsesrig bevægelse. Dens æstetik ses i Bill Brandts arbejde , der efter krigen bevægede sig væk fra dokumentarstilen og i 1950'erne skød nøgenbilleder, bizart forvrænget af et vidvinkelobjektiv [32] [31] . Fotogramteknikken , indført i kunstnerisk praksis af surrealisterne, er blevet udviklet i Tyskland siden anden halvdel af 1950'erne af Floris Neususs . Tilbage i 1930'erne begyndte K. J. Laughlin , som kaldes den første amerikanske surrealist, at skyde i USA (hans mest berømte bog, Ghosts Along the Mississippi, udkom i 1948); Siden 1938 begyndte Frederic Sommer der flyttede fra Europa, at fotografere . amerikanerne Ralph Eugene Mityard og Jerry Welsman stafetten og opnåede en surrealistisk effekt ved hjælp af fotomontage.Påvirket af René Magritte og andre surrealistiske kunstnere skiller Dwayne Michaels sig ud fra både formalisterne og de dominerende dokumentarister [ 33] fra 1960'erne [34] : han skaber tegneserielignende narrative serier af fotografier, og i det næste årti (1970'erne) begyndte han også at supplere både individuelle fotografier og serier med håndskrevet tekst. Michaels og andre surrealisters indflydelse ses i Francesca Woodmans oplevelser i 1970'erne.
Med fjernsynets udvikling i 1950'erne begynder reportagekomponenten i dokumentarfotografiet gradvist at miste sin betydning, og forfatterprincippet kommer i forgrunden: I USA dannes fotografiet "dokumentarisk i form af materiale og individualistisk-kunstnerisk af type". af dens fortolkning" [30] , mens dækningen af det sociale materiale udvides til at omfatte nogle marginale og tidligere tabubelagte områder.
Gadefotografering udvikler sig , der er en gradvis befrielse fra mange tidligere kanoner. I 1930'erne i Europa, og siden begyndelsen af 1940'erne i USA, arbejdede Lisette Model blandt de berømte værker - en tidlig serie af portrætter af velhavende beboere i chaiselonger på Promenade des Anglais i Nice i 1934 [35] , dengang. glasskabet "Reflections" og modernistisk fragmenterede "Running Legs" i de tidlige år i New York; hendes nærbillede, "lige og brutale" [30] stil påvirkede den næste generation af amerikanske fotografer.
I 1950'erne blev Models tilgang udviklet og radikaliseret af William Klein og Robert Frank . Deres fotografier er kendetegnet ved æstetikken i et amatørfotografi : naturligt lys, ofte en kuldstrøget horisont, sløring , kornethed . I modsætning til f.eks. Cartier-Bresson søger Klein og Franck ikke at forblive usynlige: nogle gange er de inkluderet i plottet og fikser deltagernes reaktion på sig selv. I 1956 udkom W. Kleins bog med New York-fotografier, som hurtigt blev en klassiker, i Paris; i 1960 - en lignende bog om Rom, i 1964 - bøger om Moskva og Tokyo. I 1958, også i Paris, udkom R. Franks bog "The Americans " med 83 fotografier taget på en tur langs USA's veje. Både Klein og Frank går efter en periode med fotografering videre til biografen.
Lisette Model og Robert Frank, samt Vigi og Walker Evans , blev referencepunkter for amerikanske fotografer fra 1960'erne - repræsentanter for fotograferingen af "Social Landscape", eller "New Documentary" [37] : Lee Friedländer , Harry Winogrand og Diane Arbus . Ligesom deres forgængere udviser disse fotografer en udtalt social interesse (i tilfældet Diane Arbus, især i det marginale), et endnu mere individuelt udseende og på den formelle side en stærk tilslutning til æstetikken i et amatørfotografi [38] .
I 1947 grundlagde Cartier-Bresson, Robert Capa og flere af deres kolleger Magnum International Agency , et kooperativ , der samlede fotojournalister, hvis arbejde flytter fokus "fra sensationel, rent nyhedseffekt til personlig fortolkning af begivenheden" [20] . Snart slutter sådanne store fotografer som Werner Bischof , Ernst Haas , Elliott Erwitt , Marc Riboud , René Bourri , Bruce Davidson og andre sig til bureauets rækker.
I 1960'erne gik reportagefotografiet i USA ind i en kriseperiode, hvor de gradvist mistede sin informationsmæssige betydning under tv-angrebet. [30] I Europa spiller fotojournalistik, især fra hotspots, stadig en fremtrædende rolle, traditionen med auteur-fotojournalistik i stil med Magnum-bureauet videreføres af italienerne Gianni Berengo Gardin og Romano Cagnoni , franskmændene Raymond Depardon og Gilles Caron (død i 1970 d.), briten Don McCullin , tjekkiske Josef Koudelka m.fl. Generelt er den europæiske fotojournalistik fra 1960'erne, ligesom den amerikanske dokumentarfilm fra 1950'erne-1960'erne , gradvist ved at "frigøre sig fra humanistisk patos, på vej mod ærligt talt subjektivt kunstnerisk udtryk" [20] . Vladimir Lagrange har arbejdet i USSR siden begyndelsen af 1960'erne . Mesteren i sportsfotografering var Lev Borodulin , som arbejdede i Ogonyok- magasinet i 1950'erne og 1960'erne .
Siden begyndelsen af 1950'erne har Vivian Mayer filmet på gaderne i New York og Chicago , men hun offentliggjorde ikke sine fotografier, og berømmelse kom til hende først i det 21. århundrede, da et enormt fotoarkiv blev opdaget efter hendes død. Gadelivet i de ugunstigt stillede områder i Barcelona er blevet diskret filmet af Joan Colom siden slutningen af 1950'erne .
I USSR i slutningen af 1950'erne og begyndelsen af 1960'erne, med begyndelsen af " optøningen ", blev monopolet på semi-officiel fotojournalistik etableret i 1930'erne knækket: Fotoklubber blev åbnet over hele landet, og amatørbevægelsen blev den vigtigste kreativ kraft i udviklingen af fotografi. I 1960'erne dominerede dokumentarisk gadefotografi blandt amatørfotografer; i 1970'erne påbegyndte forfatterne en stilistisk søgen, idet de aktivt ty til bearbejdning af negativt og positivt på tryk og til fotomontage , og samtidig med at de fastholdte den generelle sociale og dokumentariske orientering i værkerne fra denne periode, det individuelt-autorielle princip, "princippet om selvudfoldelse" [39] (såsom det skete i amerikanske dokumentarfilm fra 1950'erne-1960'erne ).
Anatoly Boldin har filmet i Moskva siden slutningen af 1950'erne , og Boris Smelov og andre i Leningrad siden begyndelsen af 1970'erne . Tilhængere af off-plot fotografering Vyacheslav Tarnovetsky , Boris Savelyev , Sergey Lopatyuk og Alexander Slyusarev - alle undtagen den sidste kom fra ukrainske Chernivtsi - dannede "Group of Four", en udstilling af hvilken blev afholdt i 1978 på Museum of Photography i Siauliai . Særligt stærke skoler er ved at blive dannet i de friere Baltikum: i Litauen - Antanas Sutkus , Aleksandras Macijauskas , Rimantas Dikhavičius (arbejder i nøgengenren ), Vitaly Butyrin (surrealistiske fotomontager) og andre; i Letland - Gunars Binde m.fl. [40]
Traditionen med russisk billedkunst er blevet videreført siden midten af 1960'erne af Anatoly Yerin , og siden slutningen af 1970'erne af Georgy Kolosov , medlemmer af Novator Moskva fotoklub . [41]
I løbet af den tredje fjerdedel af det 20. århundrede vinder farvefotografiet gradvist sin plads i kunsten . På trods af den vellykkede udvikling af farvefilm i 1930'erne forhindrede dens høje omkostninger, vanskeligheder med at bearbejde og optage under kunstig belysning, dets ry som et reklameværktøj [42] og det fotografiske samfunds generelle æstetiske præferencer i lang tid adgangen. farvefotografering ind i kunstens område.
Fra 1948-1949. Saul Leiter (i New York) og Ernst Haas (verdensomspændende) skaber et betydeligt korpus af farvefotografier . I 1962 arrangerer MoMA et 10-årigt retrospektiv af Haas' arbejde, museets første soloudstilling af farvefotografi [43] , ikke medregnet udstillingen af den amerikanske naturforsker Eliot Porter i 1943 [44] . Siden slutningen af 1950'erne har fotojournalisten René Bourri optaget i farver sammen med sort-hvid film [45] . Farveværker forbliver dog undtagelsen indtil videre.
William Eggleston , som siden midten af 1960'erne har skabt omhyggeligt udførte stiliseringer til et amatør- snapshot , mættet med farver og fyldt med hverdagsliv blottet for enhver dramatik, blev han i 1976 tildelt en udstilling på MoMA , som - på trods af en byge af kritik - konsoliderer institutionel anerkendelse farvefotografi. Repræsentant for "New Topography" (efter titlen på udstillingen i 1975 ) Stephen Shore har optaget i farver på et stort-format kamera , lige så almindelige udsigter siden begyndelsen af 1970'erne; en udstilling af hans farveværk afholdes på MoMA i samme 1976.
Blandt pionererne inden for farvedokumentarfotografi er japaneren Ihei Kimura , der præsenterede gadelivet i den franske hovedstad i fotobogen Paris (1974), og Ragubir Singh : "Det var Singh, der bragte farve tilbage til genren og gadefotografering i 1970'erne. Men den mindre berømmelse af den indiske mester sammenlignet med europæerne får en til at tænke på permeabiliteten af grænserne for den "vestlige kanon"" [46] .
Siden begyndelsen af 1970'erne har fotografiet rykket tættere på samtidskunsten , både i kreative omgivelser og institutionelt. USA er i spidsen for bevægelsen. Tilbage i 1940 blev L.W. Sipley American Museum of Photography i Philadelphia og afdelingen for fotografi på MoMA åbnet, i 1949 blev George Eastman Photographic Museum åbnet , siden begyndelsen af 1970'erne har fotografiafdelinger dukket op i andre store museer i forskellige lande, internationale fotofestivaler organiseres, flere og flere fotogallerier (tidligere sjældne undtagelser) dukker op, fotografering går til auktioner. Med hensyn til kreative holdninger, på det tidspunkt - primært i USA - var fotojournalistikkens sociale betydning aftagende, samtidig blev der udtrykt teoretisk tvivl om dokumentarfotografiets objektivitet - faktisk allerede for amerikanske dokumentarfilmskabere fra USA. 1950'erne - 1960'erne kameraet var mere et instrument for individuel kunstnerisk vision end til objektiv fiksering, i 1970'erne blev denne tilgang uddybet; alt dette, kombineret med den øgede interesse for fotografi hos nutidige kunstnere, fører til et brud med dokumentar: fotografi smelter sammen med postmodernisme og konceptualisme .
...Fotos er nu kopier uden originaler . Hvis der tidligere var en virkelighed og et fotografi fra den, er der nu kun et fotografi tilbage. [47]
I 1990'erne blev digital billedbehandling udbredt . En gradvis overgang til digital fotografering begynder .
Efter mere end et århundredes cirkler vender kunstfotografiet i 1970'erne tilbage til iscenesatte scener, hvorfra det, i efterligning af maleri, engang begyndte. I stedet for den berømte Leika bruger mange fotografer nu, ligesom fortidens daguerreotypister , ikke kun et stativ og ekstra lys, men også storformatkameraer for at forstørre udskrifter til enorme størrelser, der ikke længere er designet til en avis- og magasinside , men for et museum og gallerirum.
Fotografiet følger en række forskellige strategier fra postmodernismens arsenal: reflekterer over sin egen natur, refererer til tidlige og utraditionelle fotografiske teknologier eller spiller dokumentarfilm ; tilegner sig færdige værker og låner metoder og temaer anden billedkunst — og bliver selv materialet og metode ( fotorealisme ) for dem; tværtimod trækker den sig tilbage fra sin egen visualitet og gør sig selv til et middel til at formidle ideer .
Kunstnerisk fotografi af denne tid (med undtagelse af konceptualisters værker) er oftest i farver.
Biograf, maleri, installation som metoderI sine tilgange og metoder følger det postmoderne fotografi ofte sporene af anden billedkunst, gammel og ny.
Film. Siden slutningen af 1970'erne har canadiske Jeff Wall , der selv kalder sin metode " filmisk " [48] , optaget omhyggeligt iscenesatte scener med et stort-format kamera , der ved første øjekast ser ud til at være dokumentarisk; han viser sine fotografier på gennemskinnelig film i lysbokse og har brugt digitale billedteknologier siden 1990'erne. Siden anden halvdel af 1970'erne har amerikaneren Philip-Lorca Di Corsia blandet stilene inden for dokumentarisk og iscenesat fotografi, "balancerende mellem det uformelle skud og figurativiteten af den iscenesatte komposition, lege med naturligt og kunstigt lys" [49] : Optagelser af hans første serie (" A Storybook Life ", " Familie og venner ", 1970'erne—) er iscenesat, men stiliseret som dokumentarfilm, og senere, da han optog tilfældige forbipasserende, brugte han skjulte lyskilder, hvilket gav billedet en malerisk-filmisk effekt (" Streetwork ", 1993-1999) og snuppe fra mængden af individer (" Heads ", 2000-2001). [50] Siden 1990'erne har amerikanske Gregory Crewdson arrangeret og optaget med et stort-format kamera scener fra livet i forstads-Amerika - med et strejf af surrealisme, filmisk i plot og omhyggelig lyssætning, nogle gange endda ved hjælp af kendte skuespillere - iflg. forfatteren, "film i én ramme" ; siden 2000'erne har han også tyet til digitale behandlingsteknologier, og hans Under the Roses -serie (2003-2005) sammenlignes i teknik og stilistisk effekt med O. G. Reilanders værker , der brugte komposittryk tilbage i 1850'erne. [51]
Maleri. Siden 1970'erne har amerikaneren Joel-Peter Witkin skabt chokerende fotografiske malerier fyldt med fysiskhed, deformitet og død, arvet surrealisterne, fotografier fra det 19. århundrede og malerier fra baroktiden .
Fotografer udforsker de traditionelle genrer af maleri , stærkt påvirket af sidstnævnte. Siden begyndelsen af 1990'erne har Rineke Dijkstra fra Holland ved hjælp af et stort format kamera og blitz taget en række portrætter i fuld længde , der er blevet sammenlignet med værker af August Zander , Diana Arbus, gamle mestre ; især berømt er den tidlige serie "Beach Portraits" med teenagere [52] . den tyske Loretta Lux skabt originale børneportrætter, digitalt behandlet og manipuleret fotografier og nogle gange suppleret dem med malede baggrunde. Siden 1990'erne er stilleben blevet fotograferet af Laura Letinsky fra Canada, som var påvirket af den flamske og italienske maleritradition [53] ; siden 2000'erne - Uta Barth fra Tyskland. Urbane, menneskeskabte, menneskeskabte udsigter bliver den dominerende form for landskabet . I 1975 blev den indflydelsesrige udstilling "New Topography" afholdt i USA , hvilket markerede denne tendens. Landskaber transformeret af menneskehænder er blevet fjernet siden 1980'erne af canadiske Edward Burtinsky .Siden 1990'erne har Andreas Gursky , en repræsentant for Düsseldorf School of Photography , skabt enorme, omhyggeligt computeriserede fotografier, som regel taget fra et højt udsigtspunkt, der skildrer "verden af moderne globaliseret hverdag" [54] , som satte rekord priser på auktioner. [55] Andreas Gefellers tilgang er tæt på , ved hjælp af computerbehandling til at skabe visninger af menneskeskabte landskaber, der er utilgængelige for almindeligt syn: for eksempel i Observations -serien (2002-2009) [7] , der er sat sammen mange billeder taget fra jorden på en computer, får han topvisning "fra et punkt, der ikke eksisterer i virkeligheden" [56] . Siden begyndelsen af 2000'erne har tyskeren Michael Wolf og italieneren Olivo Barbieri fotograferet bymiljøet og givet scenerne taget fra en højde et udseende som miniaturemodeller ved at flytte og vippe linsen .
En malerisk effekt gives til landskabet ved en lang eksponering : ved lukkerhastigheder på op til 20 minutter, med et storformatkamera, om natten, optager det øde byudsigter fra 1990'erne af Ruth Blis Luxembourg [57] ; Briten Darren Almond begyndte Full Moon -serien i 1998 , hvor han fotograferede traditionelle landskabsmalerier under en fuldmåne ved eksponeringer på 15 minutter eller mere [58] . Endnu langsommere lukkertider og andre utraditionelle teknikker er blevet brugt siden 1990'erne i de traditionelle genrer landskab, portræt og stilleben Michael Wesley , Chuck Close , Gary Schneider , Richard Learoyd , Chris McCaw og andre.
Fotografi ønsker heller ikke at stå tilbage for abstrakt maleri . En populær metode til at skabe abstrakte billeder er at skyde ud af fokus: denne vej blev fulgt i 1990'erne af tyskeren Uta Barth , som således opdeler syn på natur og interiør (“ Baggrund ”, 1992-1997), Amerikaneren Bill Armstrong og Mondrian -påvirkede Gaston Bertin [ 8] , som udskærer deres kompositioner fra reproduktioner og farvet papir ; [59] En anden fremgangsmåde er at sløre billedet med en langsom lukkerhastighed som Gabor Oz [60] [61] . Abstrakte farvebilleder - kemigrammer og kemogrammer , luminogrammer og cyanotyper - skabes uden brug af et kamera .
Installation. En anden retning er skabelsen af rumlige objekter og scener til deres efterfølgende fotografering. Siden 1970'erne har Sandy Skoglund arbejdet i USA på en måde tæt på surrealismen : hun skaber og fotograferer derefter komplekse installationer , ofte fyldt med gentagne objekter. Siden midten af 1970'erne har James Kasebere designet og optaget modeller af interiør og hele kvarterer Siden 1990'erne har tyskeren Thomas Demand skabt af papir og pap - som regel ud fra et foto fra et eller andet magasin - og derefter fotograferet med et storformatkamera naturalistiske modeller af interiører, ofte historisk betydningsfulde rum (f.eks. til fotografiet fra 1994 "Værelse" - en model af et eksploderet rum, hvor de sammensvorne forsøgte Hitler ). Siden 1990'erne har kunstneren og fotografen Vladislav Efimov fotograferet sine finurlige genstande og installationer. Brasilianske Vik Munis har fotograferet sine kortvarige "skrotmalerier" siden 1990'erne.
Fotografi bruges til at fange land art -objekter såvel som performances , happenings og lignende fænomener inden for samtidskunst; for eksempel har amerikaneren Spencer Tunick organiseret og fotograferet flashmobs af hundreder og tusinder af nøgne mennesker siden 1990'erne .
Citering, appropriation, konceptualismeFotografi tyer villigt til sådanne generelle postmodernismens strategier som citat, appropriation og konceptualisme .
Citation. Ikke kun metoder, men også temaer, specifikt indhold, fotografi står ofte i gæld til berømte lærreder, sjældnere til film eller fotografiske værker. Den førnævnte Jeff Walls værker indeholder ofte hentydninger til klassiske malerier. Amerikanske Cindy Sherman skyder sig selv i en serie af fotografier " Stillebilleder fra film uden titel " (1977-1980), stiliseret som rammer fra ikke-eksisterende film.Og i fotoserien " Historiske portrætter " (1988-1990) optræder Sherman, ved hjælp af falske kropsdele, som en model fra malerier af gamle mestre [62] (japanske Yasumasa Morimura skaber også lignende værker ). I 1990'erne optager Andrey Chezhin cyklussen "Knap og modernisme" - hentydninger til klassiske malerier og fotografier. Siden 2000'erne har Sharon Core genskabt stilleben af Raphael Peel , lærreder af Wayne Thiebaud og andre malere i hendes fotografier. Vadim Gushchin i 2010'erne optager minimalistiske stilleben - med hans ord, "emneabstraktioner" - der legemliggør Suprematisme i farvefotografi [63] .
Tilegnelse. En almindelig strategi er at inkludere "fundne" anonyme (amatør- eller arkiv-) fotografier og endda værker af andre forfattere i ens egen kunstneriske kontekst . [64]
Ud over den -,]enLevineSherriogPrinceRichard,Barbara KruegertilegnerneCindy Shermanførnævnte After Walker Evans -serie (1981) - en andens fotografier. Bill Armstrong har collageret fragmenter af reproduktioner af berømte malerier eller fotografier siden 1990'erne og genoptaget ude af fokus; i de samme 1990'er i Storbritannien skyder Emmanuel Perdon (f. 1965) ud af fokus kvindeansigter fra gamle malerier. [66] Siden 2000'erne har en anden brite , Idries Khan , komprimeret lånte billeder - alle Bechers' sfæriske gastanke [ ⇦ , alle sider i Koranen osv. - til et enkelt flerlagsbillede på grænsen mellem abstrakt og figurativt . Tilegnelse findes også i underjordisk sovjetisk fotografi: Boris Mikhailov håndkolorerede f.eks. fundne amatørfotografier, som lagde en ny betydning (Luriki, 1971-1985) [67] . Et eksempel på ren appropriation er Alien Photos (1987) af Alexei Shulgin [68] . Andrey Chezhin i 1990'erne transformerer fundet amatørnegativer ved udskrivning, skaber billeder med deltagelse af hans yndlingskarakter - knappen .
Den digitale revolution åbner op for nye muligheder .Siden slutningen af 1980'erne har Thomas Ruff , en repræsentant for Düsseldorf School of Photography , digitalt transformeret andre menneskers billeder - fra videnskabelige billeder af rummet til pornografi fra internettet. Siden 1998 har den franske kunstner Orlan i sin Self-Hybridization-serie fusioneret sit ansigt digitalt med portrætter af indianere, afrikanske masker, skulpturer og masker fra det præcolumbianske Amerika. I begyndelsen af 2010'erne, med fremkomsten af Google Street View -tjenesten , begyndte nogle fotografer - Michael Wolf , John Rafman - at låne rammer fra automatisk fangede gadebilleder.
Konceptualisme. Appropriation er blot en af konceptkunstens metoder , for hvilken den legemliggjorte idé er vigtigere end det direkte æstetiske indtryk.
Kenneth Josephson optager i 1960'erne - 1970'erne sin mest populære serie " Fotos i fotografier ".En indflydelsesrig gruppe dannet i San Diego : i slutningen af 1960'erne skabte Martha Rosler feministiske og anti-krigs fotocollager baseret på tilegnede magasinbilleder (serien " Smuk krop, eller skønhed kender ingen smerte ", 1966-1972; " Smukt " hus: krig med hjemlevering ", 1967-1972) [69] ; Eleanor Entin sender en serie postkort [70] af 50 par støvler på en episk rejse tværs gennem USA (" 100 Boots ", 1971-1973).
Fotografi bruges også som et værktøj til radikale konceptualistiske udsagn. Således katalogiserer kunstneren Ed Ruscha i 1960'erne simple genstande i fotobogen 26 Gas Stations (1962) m.fl. Douglas Huebler tog en serie på 10 fotografier i 1969: han stod i Central Park , og hver gang han hørte fuglesang, tog han et billede i retning af lyden; året efter udstillede han en serie på 12 fotografier taget hvert andet minut, mens han kørte ned ad vejen. Christopher Williams serie " Fra Angola til Vietnam " (1989) bestod af 27 fotografier af glasblomster fra Harvard Museum of Natural History , hjemmehørende i lande, hvor politiske forsvindinger fandt sted i 1985 [71] . Tyske Wolfgang Tillmans optager 56 visninger af Concorde i 1997 .
Fotografier er parret med tekster - som i John Baldessaris serie " Wrong " (1966-1968), Keith Arnatt (" Trouser-Word Piece ", 1972-1989 [10] ) [72] , i det berømte værk af Martha Rosler " Bowery in two inadequate systems of description " (1974-1975), i Duane Michaels ; med en videosekvens - lignende Eleanor Entin (" Caught Red-handed ", 1973) [73] .
I 1980'erne spredte konceptualismen sig også i sovjetisk fotografi: forskellige muligheder for at kombinere fotografier med tekster fundet eller indskrevet af fotografens hånd findes for eksempel i Vladimir Kupriyanov ("In Memory of Pushkin", 1984; "Afvis mig ikke fra dit ansigt ...", 1990; osv.), i værker af medlemmer af Moskva-gruppen " Indirekte fotografering " Boris Mikhailov , Ilya Piganov , Igor Mukhin og andre. [74] Et andet medlem af denne gruppe, Sergei Leontiev , filmer programserien "Oplevelser i hård fotografering" (1988) [75] .
Konceptualistiske værker dukkede også op i 1990'erne-2000'erne, for eksempel af Gillian Waring (serien "Signs that say what you want to say, and not what others want to hear from you", 1992-1993; "Album", 2003).
Fotobaseret kunstTilbage i 1950'erne - 1960'erne begyndte repræsentanter for samtidskunst at kombinere fotografi med andre materialer og teknikker i deres værker, for eksempel Robert Rauschenberg , Andy Warhol , Gerhard Richter , siden 1970'erne - Gilbert og George m.fl. Siden 1960'erne har konceptualisten Robert Heineken collageret billeder af massekultur - magasin- og tv-billeder: "Using overlay, juxtaposition and other contextual changes, I act as a visual guerilla" 76] . Lucas Samaras , i serien " Phototransformations " (1973-1976) , behandler polaroid-fotografier ved at virke på emulsionen under fremkaldelse; David Hockney i 1980'erne samler enorme kubistiske collager fra snesevis af polaroids. Den førnævnte Barbara Krueger har siden slutningen af 1970'erne anvendt typografi i konstruktivisternes ånd på fotografier lånt fra reklamer og medier , plakatstil . I Rusland er værker baseret på fotografi blevet skabt siden 1980'erne af Ilya Piganov , Mikhail Ladeyshchikov , kunstgruppen AES+F m.fl.
Tilnærmelse til dokumentarfotografiDer er en vis udviskning af grænserne mellem kunstnerisk og dokumentarisk fotografi. For det første stiliseres iscenesat fotografi som en dokumentarfilm ( Jeff Wall , Philip-Lorca Di Corsia ) . Joan Fontkuberta og Waleed Raad skaber konceptualistiske pseudodokumentariske værker. [77] For det andet bruges kunstneriske teknikker i gadeoptagelser : den samme Philip-Lorca Di Corsia bruger skjult kunstigt lys; Alexey Titarenko bruger langsom lukkerhastighed og kamerabevægelse [78] ; Paul Graham i sin serie " American Night " (1998-2002) overeksponerede stærkt billeder af fattige kvarterer, hvilket gav en stilistisk kommentar til social ulighed [79] . Modkørende kan ses fra siden af reportagebilledet.
Tidlige og ukonventionelle teknologierDet er almindeligt praktiseret at tage billeder uden hjælp fra et kamera. Belgiske Pierre Cordier i 1956 opfinder og begynder at bruge chemigram til at skabe abstrakte billeder - processen med at behandle fotografisk papir med forskellige kemikalier; i 1974 kalder tyskeren Josef Neumann sin modifikation af processen for et kemogram . Robert Rauschenberg tilbage i 1950-1951. eksperimentere med cyanotype ; i 2000'erne vender Christian Marclay tilbage til det - i en mere abstrakt version . De kunstneriske muligheder for sort-hvide og farvefotogrammer er blevet udforsket siden 1970'erne af amerikaneren James Welling , siden 1980'erne af briten Susan Durges (nedsænkning af fotografisk papir i flodvand i måneskin) og Adam Fass , siden 1990'erne — briten Christopher Bucklow og mange andre. Abstrakte farveluminogrammer - en slags fotogrammer - er blevet skabt siden 1990'erne af Harry Fabian Miller , og siden 2000'erne af Wolfgang Tillmans og Walid Beshti . [80]
Interessen for forskellige tidlige og ikke-traditionelle fotografiske teknologier blev mærkbart genoplivet i 1990'erne. Entusiaster genopliver daguerreotypiet , da kraftige lyskilder gør det muligt at undvære lange lukkertider, som før - for eksempel tager kunstneren Chuck Close portrætter i denne teknik [81] ; andre vender sig til våd kollosion , som Sally Mann for landskaber. Og Abelardo Morell , Vera Lutter og Gabor Oz begynder at fange de billeder, som en endnu mere gammel camera obscura giver , og forvandler mørke rum til de sidste; Siden 2000'erne har briten Richard Learoyd brugt den samme teknik og opnået portrætter i storformat og stilleben med enestående skarphed [82] .
De eksperimenterer også med at fotografere med et kamera uden objektiv - en stenop . [83]
Tilbage i 1970'erne - 1980'erne skød japanerne Hiroshi Sugimoto og Hiroshi Yamazaki ( se ) ved lange eksponeringer i stedet for Bressons "afgørende øjeblik", der fangede selve tidens gang i billedet. I 1990'erne tager tyskeren Michael Wesley denne tilgang til det ekstreme, og optager stilleben, naturlige og urbane landskaber med et specialdesignet vægmonteret skud ved ultralange eksponeringer fra flere dage til flere år. Gary Schneider fra Sydafrika , der flyttede til USA, skaber i 1990'erne-2000'erne portrætter med en eksponering på 8 minutter (Heads-serien, fra 1989) til en time til fuldlængdeportrætter (Nøgenbilleder, 2001-2005) , i fuldstændig mørke, langsomt bevæger en svag lyskilde rundt i modellen. Fotograf siden 2000'erne, Chris McCaw [11] tillader solen bogstaveligt talt at brænde et spor i en fotoemulsion på få timer og bruger effekten af solarisering . [84]
I 1970'erne var reportagefotojournalistikken i USA stort set udtømt, lukket ned, tabt til tv for publikum og reklameindtægter, Life og andre fotojournaler. Gallerier, museer og bogudgivelser bliver den vigtigste afsætningsmulighed for dokumentarfotografering. [85]
Dokumentarfotografi af denne periode er mangfoldig: den blander forfatter- og reportage-, sociale og æstetiske principper i forskellige proportioner, bruger og udvikler fund fra 1950'erne-1960'erne i større eller mindre grad, griber til eller tyer ikke til farver (sort) og hvidt er billedet lige så populært som farve, i det mindste indtil fremkomsten af den digitale tidsalder).
Documentary CrisisDer sættes spørgsmålstegn ved den dokumentariske renhed, fotografiets "rigtighed".I USA, medlemmer af San Diego-gruppen [86] i kreativ praksis ( Martha Rosler , " Bowery in two inadequate systems of description ", 1974-1975; Eleanor Entin , " Red-handed ", 1973 [73] ) og teoretiske artikler [87] kritiserede traditionel dokumentarfotografi, som hævder at være humanistisk og objektiv, især social dokumentarfilm med dens tendens til at "modsætte sig 'vores' halvdel og den anden halvdel , middelklasse og lavere klasse , selv og andre” [88] ; faktisk er fotografi, skriver de, ikke så meget protokol som udtryksfuldt, forståelsen af fotografi er bestemt af den kulturelle kontekst, hvori det blev taget og opfattet, og "den abstrakte menneskeligheds triumf bliver i enhver politisk situation triumf for et passivt offers værdighed" [89] . Denne linje af dokumentarkritik blev videreført af Susan Sontag i samlingen On Photography (1977) og især i det senere værk Looking at Others' Suffering (2003).
På sin side blev spørgsmålet om sandhed forværret af den digitale revolution , som begyndte med fremkomsten af personlige computere i slutningen af 1970'erne og begyndelsen af 1980'erne og gav ubegrænsede muligheder for at manipulere billedet . Det første højprofilerede tilfælde af digital manipulation var Gordon Gahans National Geographic - fotografi fra februar 1982 to egyptiske pyramider skubbet sammen for at passe på et lodret dæksel . Den fremtrædende mexicanske dokumentarist Pedro Meyer , som har filmet siden begyndelsen af 1960'erne, går over til digital manipulation af sit materiale i begyndelsen af 1990'erne og insisterer på, at det "dokumenterer erfaring" [91] , ikke fakta, og at fotografi, hvori f.eks. kombinerer elementer fra to på hinanden følgende optagelser af et gadebillede, er hverken mere eller mindre "sandt" end traditionel dokumentar med sin rammekonstruktion, elementer af posering og iscenesættelse, indramning , bearbejdning ved tryk osv. [92 ] .
Engageret dokumentarfilmEn variant af at overvinde lasterne ved humanistisk dokumentarfotografi bliver ærligt talt subjektiv, involveret dokumentar. Fra 1963 har Larry Clark fotograferet ungdommen i sin hjemby - de venner, han tilbringer tid med - og stoffer, våben og sex fylder siderne i hans roste fotobog Tulsa 1971). Siden 1970'erne har Nan Goldin udviklet denne tilgang: hendes amatørstil fotografier er en slags dagbog, en afspejling af personlig oplevelse af livet i LGBT-samfundet blandt stofmisbrugere. I slutningen af 1980'erne og begyndelsen af 1990'erne blev den tyske ungdomskultur kroniseret af tyskeren Wolfgang Tillmans .
Familiefotografering kan også tilskrives denne retning, og hvis Emmett Gowin , der har taget billeder siden anden halvdel af 1960'erne, eller på billederne af Sally Mann , taget i anden halvdel af 1980'erne og samlet i bogen " Immediate Family ", ser modeller ofte på kameraet, så i den storstilede serie " Family " af Alain Laboile , der har filmet sine børn siden anden halvdel af 2000'erne, er fotografens indgriben minimal.
Tilnærmelse til kunstnerisk fotografiEn anden tendens, som allerede nævnt , er "at gå ud over opdelingen i reportage og kunstnerisk fotografi" [31] .Fra 1970'erne til i dag er traditionen for dokumentarkunst, herunder social , blevet videreført af den største brasilianske fotograf Sebastian Salgado , under hvis linse et sort-hvidt reportagefotografi forvandles til et episk "foto-billede". ” [31] ; Susan Sontag i den nævnte bog fra 2003 bebrejder ham æstetiseringen af vold og påstanden om impotens i "falsk humanistisk retorik." I modsætning hertil har den ironiske brite Martin Parr , som er ekstremt langt fra både æstetisk og humanistisk patos, siden 1980'erne [93] i prangende farver vist "de grimme og latterlige sider af den menneskelige eksistens" .
I forlængelse af linje med S. Leiter og E. Haas er farvedokumentarfotografiets formelle æstetik blevet udviklet siden 1960'erne af Harry Gruyer , siden 1970'erne af den sovjet-franske fotograf Georgy Pinkhasov . Siden 1990'erne har den australske Trent Park skabt både farve og sort-hvide værker i en lignende stil .
Adam Brumberg og Oliver Chanerin har arbejdet på grænsen til dokumentar og konceptualisme siden begyndelsen af 2000'erne ; i en konceptualistisk protest mod militær fotojournalistiks partiskhed rejste de til Afghanistan uden kameraer og udsatte en 6 meter lang rulle fotografisk papir for sollys i 20 sekunder (The Day No One Died, 2008) [94] .
I 2000'erne skaber Alec Soth på sine ture rundt i landet med et storformatkamera "ejendommelige, charmerende almindelige billeder af det moderne Amerika" [95] . En tæt tilgang til fotografi og den modsatte tilgang til materialet demonstreres af Peter Hugo fra Sydafrika , som i samme år skaber gadeportrætter, der i afrikanske lande optager "marginale eller usædvanlige grupper af mennesker" [96] , for hvilket han bebrejdes [97] netop i den voyeurisme og eksotisme, som f.eks. Erik Prasetya taler imod . Amerikaneren Roger Ballen , der også filmer i Sydafrika, opdager i 1970'erne og 1990'erne en voksende interesse for marginale karakterer i stil med Diana Arbus , indtil han i begyndelsen af 2000'erne helt opgiver dokumentarfilmen til fordel for surrealistiske billeder.
FotojournalistikPå trods af teoretiske stridigheder afføder traditionelt reportagefotografi nye navne. Siden 1970'erne har den tjekkisk-amerikanske fotojournalist Antonin Kratochvil arbejdet - en dristig eksperimentator inden for sociale , militær og andre dokumentarer samt portrætfotografering. Krige og konflikter er blevet filmet siden 1970'erne af franskmanden Gilles Perez , fra 1980'erne af amerikaneren Steve McCurry , i 1990'erne-2000'erne af franskmanden Alexandra Bula . I 1980'erne fik rækken af sociale og militære dokumentarfilmskabere selskab af franskmanden Luc Delaier , amerikaneren James Nachtwey og i 1990'erne af amerikaneren Stanley Greene . Siden 1990'erne har amerikaneren Fazal Sheikh (som normalt tager portrætter), siden 2000'erne amerikaneren Manuel Rivera-Ortiz , været engageret i social dokumentarfilmskabelse i problemområder i verden . Fotojournalisten Sergei Maksimishin har arbejdet i Rusland siden 2000'erne .
Mode- og berømthedsfotografering, der er kommercielt i sig selv, i nogle forfatteres arbejde sameksisterer og grænser nogle gange til kunstfotografi. Berømthedsfotografering stammer fra fremkomsten af "telefonkort" i 1854, modefotografi er blevet dannet som en genre siden begyndelsen af det 20. århundrede. Kommercielt fotografi er blevet påvirket af alle eksisterende trends - fra piktorialisme til modernisme, surrealisme og så fotoessay osv. Af de store mode- og berømthedsfotografer skød blandt andre Edward Steichen (i perioden 1923-1938) og Man Ray . Andre mestre i genren: siden slutningen af det 19. århundrede, billedkunstneren Baron Adolf de Meyer , siden 1920'erne — Baron Georges Goyningen-Hühne , Cecil Beaton , siden 1930'erne — Horst P. Horst , Erwin Blumenfeld , Martin Munkacsy , med 1940'erne - Irvine Penn , Richard Avedon , siden 1950'erne - Guy Bourdain , siden 1960'erne - David Bailey , siden 1970'erne - Helmut Newton (som også skød tidligere, men siden begyndelsen af 1970'erne - på en radikalt erotisk måde). [98] Fra 1940'erne til slutningen af sit liv arbejdede Arnold Newman i genren portrætfotografering i naturlige omgivelser, som han opfandt . Mesteren af portrætter i 1940'erne-1980'erne var Yusuf Karsh .
Hvor end mainstream af fotografering har taget, har der altid været mestre, der, med Susan Sontags ord, "lukkede sig i deres besættelse (som Lewis Carroll med pigerne eller Diana Arbus med Halloween-fejringer)" [99] . Wilson Bentley (og i Rusland - Andrey Sigson ) fotograferede snefnug under et mikroskop tilbage i det 19. århundrede. Karl Blossfeldt , ved hjælp af et kamera af egen produktion, var engageret i makrofotografering af planter; hans værk udkom første gang i 1928 i bogen Urformen der Kunst . Lennart Nilsson undersøgte blodkarrene og indre hulrum i menneskekroppen med sin linse; hans fotografier af menneskelige embryoner i livmoderen blev samlet i A Child Is Born (1965). Harold Egerton udviklede en teknik til højhastighedsfotografering, der gjorde det muligt for ham at fange faldet af en dråbe mælk, en kugles flugt, de første millisekunder af en atomeksplosion og meget mere; fra slutningen af 1930'erne samarbejdede Gyen Mili med ham , såvel som Edgerton, kendt for fotografier ved hjælp af et stroboskop .
Siden begyndelsen af 1970'erne har den iranske fotojournalist Abbas Attar arbejdet
Fotojournalisten Shahidul Alam har optaget i Bangladesh siden begyndelsen af 1980'erne
Den vietnamesiske fotojournalist Nick Ut tog det berømte billede "The Horror of War" ("Napalm i Vietnam") i 1972.
Den filippinske fotojournalist Alex Baluyat har arbejdet siden 1980'erne. [100]
Den indonesiske gadefotograf Erik Prasetya arbejdede i 1997 med Salgadu og efter at have lært meget, kom han til en stort set modsat tilgang - "det banales æstetik" [101] ; i forordet til hans bog Jakarta. The Aesthetics of the Banal" (2011) Firman Ishsan skriver, at Prasetya "kritikerede den traditionelle æstetiske tilgang og bemærkede, at de fleste fotografer har en middelklasse æstetik, der hælder mod voyeurisme eller romantik , hvis ikke eksotisme, en situation, som en fotograf skal overvinde, når skyde for at komme til "sandheden"" [102] .
Den malaysiske fotograf Che' Ahmad Azhar har lavet gadefotografering i Kuala Lumpur siden 2000'erne.
Den singaporske konceptualist John Klang i serien "Time" (2009) skaber collager af iturevne og limede fotografier.
Offentlighedens og kunsthistorikernes interesse i problemet med at forfalske gamle fotografier af historisk og kunstnerisk værdi tiltrak en retssag i 1978 mod kunstneren Graham Ovenden og fotografen Howard Gray. De skabte fotografier i stil og teknik fra tidlig victoriansk fotografi og tilskrev dem en aldrig eksisterende fotograf, der angiveligt levede i 1840'erne, Francis Hetling . Disse fotografier blev udstillet på London Portrait Gallery og derefter solgt til private samlere. Retten frikendte forfalskerne [103] .
Fotografhistorikere og eksperter blev tvunget til at indrømme, at sagen om Francis Hetling demonstrerede, hvor let det er at smede gamle fotografier: "Der er ingen historisk fotografisk proces, som ikke kunne gengives i dag," sagde kunsthistorikeren Isabelle Anscombe [103] .
![[2]](https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Allie_Mae_Burroughs.jpg){kind=link}
![[3]](https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Farmer_walking_in_dust_storm_Cimarron_County_Oklahoma2.jpg){kind=link}
![[4] ]](https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Arthur_Rothstein_-_The_bleached_skull_of_a_steer,_South_Dakota_Badlands,_1936.jpg){kind=link}
![[6]](https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Giacomell_series_Priests.jpg){kind=link}
![[1]](https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Carleton_E._Watkins,_Late_George_Cling_Peaches,_1889,_Albumen_silver_print,_32.8_x_50.3_cm,_MoMA,_896.2010.png){kind=link}
