Pieta

Pieta, Pieta ( ital.  pietà  - medfølelse, kærlighed, medlidenhed, barmhjertighed, af lat.  pietas  - fromhed, fromhed) - det vesteuropæiske navn for temaet at sørge over Jesus Kristus . Kernen i en sådan ikonografi  er episoden "The Passion of Christ ", efter fjernelsen af ​​Jesu Kristi legeme fra korset og forud for hans begravelse . I modsætning til det bredere tema i Klagesangen involverer Pieta-kompositioner i vesteuropæisk kunst som regel kun billedet af to skikkelser: Guds Moder og Kristi døde legeme, der ligger på hendes skød eller nær hendes fødder [1] .

Historien om udtrykket

I antikken betød ordet "pietas" gudsdyrkelse, familie og fædreland, såvel som moralsk adfærd - ideer, der ligger til grund for mange klassiske temaer og plots, for eksempel plottet "Romersk barmhjertighed", eller " Kærligheden til den romerske kvinde ", og andre fremsat i bøgerne Valeria Maxima eller Titus Livius . De mest fromme borgere blev hædret med tilnavnet "Pius" (from, from, dydig). For at styrke staten i det gamle Rom blev kulten af ​​gudinden Pietas etableret. Udtrykket "Pietas" i italiensk kunst fra renæssancen og moderne tid refererer også til billeder af Madonnaen og barnet - kompositioner gennemsyret af en særlig følelse af medfølelse og sorg. Sådanne billeder kaldes "Madonna of Mekness" ( italiensk:  Madonna Pietas ).

Ikonografiske variationer af temaet

I renæssancens Italien blev den kristne ikonografi af "Lamentations" ( italiensk:  Lamentazione ) lånt fra Byzans . Kompositionen var et billede af Kristi legeme strakt ud på jorden eller på gravens plade, omgivet af kommende figurer. Det er de berømte malerier " Død Kristus " af Padua-maleren Andrea Mantegna og " Død Kristus i graven " af den tyske kunstner Hans Holbein den Yngre , tilskrevet den byzantinske ikonografiske type ved epitafiet [2] .

I det 15. århundrede, i forbindelse med udbredelsen af ​​den mystiske kristendoms strøm i den internationale gotiske kunst , blev kompositioner som "Image of Piety" ( lat.  Imago Pietatis ) udbredt. I sådanne værker, i venetiansk maleri ( G. Bellini . Dead Christ, 1455), i marmoralterrelieffer (i kirken Santa Maria dei Miracoli , Venedig, 1494), var Kristus repræsenteret efter døden, talje dybt, som om han rejste sig op. fra grave, i en tornekrone og med blødende sår, endnu ikke genopstået, men med åbne øjne. Fra to sider bliver Han støttet af engle eller Jomfru Maria og evangelisten Johannes . I den østlige kirke og gammel russisk kunst kaldes en tæt ikonografisk variant " Græd ikke for mænd, Mati ".

Sådanne billeder blev mest udbredt under indflydelse af byzantinsk ikonografi i de venetianske og italo-kretensiske malerskoler . De er kendetegnet ved en usædvanlig kombination af naturalisme og udtryk.

I middelalderkunsten i Tyskland, Bøhmen og Østrig på samme tid blev en særlig type "Horizontale klagesange" ( lat.  Pietas Horizontalis ) udbredt, hvor Kristi legeme blev afbildet vandret på Jomfru Marias knæ. Inden for skulptur optrådte sådanne kompositioner i 1390'erne-1410'erne i Prag, Salzburg, Wroclaw, og blev derefter udbredt i forskellige regioner i Italien, hvor tyske mestre arbejdede. De har et ejendommeligt navn "Billeder af nadveren", eller "Vesperbild" ( tysk:  Vesperbilder ) [3] . Under indflydelse af disse værker optrådte lignende kompositioner i malerier af franske og italienske kunstnere. Mesterværker af denne art er Pieta af Avignon af Enguerrand Carton (ca. 1455), Pieta af Cosimo Tura (ca. 1460), Pieta af Titian (1576) og Lamentation af Paolo Veronese (ca. 1580). Kunsten i de burgundiske og parisiske skoler er præget af kompositioner i form af en tondo (i et rundt format). De blev dannet under indflydelse af traditionerne for middelalderkunsten i Holland.

Guds Moder i "horisontal sorg" er traditionelt portrætteret som ganske ung, nærmest en pige. Kontrasten af ​​billederne af den unge jomfru og den voksne søn på hendes knæ skaber en særlig åndelig spænding og en rørende, oplyst og kontemplativ stemning. Ifølge ideerne fra den mystiske kristendom, assimileret af italiensk ikonografi, "opretholdt den guddommelige vilje ungdommens farve og friskhed i den uskyldige Jomfru gennem hele hendes liv" [4] . Det var denne middelalderlige tradition, Michelangelo Buonarroti fulgte, da han skabte sit tidlige skulpturelle mesterværk " Pieta " (1499), kaldet "Vatikanet" (på stedet for dets senere placering).

Late Pieta af Michelangelo Buonarroti

Efter "Vatikanet Pieta" bevægede Michelangelo sig væk fra den "horisontale" type komposition og i de forberedende tegninger fra 1552-1553, skabt på anmodning af markisen Vittoria Colonna , og sandsynligvis under hendes indflydelse udviklede han en ny, original type komposition, der kombinerer ikonografien af ​​korsfæstelsen og klagesangen, desuden brugte han en særlig form af det "gaffelformede kors", forbundet med symbolikken i "Livets træ" ( lat.  Arbor Vitae ). I den "lodrette sorg" er Kristi legeme understøttet af engle, bagved er Madonnaen med udstrakte arme i positur som Oranta (bøn). I en af ​​tegningerne placerede Michelangelo inskriptionen på korsstammen: "De tænker ikke med hvilket blod de købte," en sætning fra den guddommelige komedie af Dante Alighieri (Paradise, XXIX, 91) [5] [ 6] .

Michelangelo udviklede den vertikale komposition i sine senere skulpturelle kompositioner. Efter Vittoria Colonnas død i 1547 blev den 72-årige kunstners sidste ven og medarbejder, deres platoniske kærlighed, "oversat til ideerne om neoplatonisk sjælefællesskab og katolsk kærlighed i Kristus" [7] , fik Michelangelo til nye søgninger. Billedhuggeren begyndte at udvikle en pyramideformet komposition, der også går tilbage til kunsten international gotik. Dette er hans sidste værker: "Pieta Santa Rosalia", "Pieta Santa Maria del Fiore", "Pieta Rondanini". Baseret på middelalderlig ikonografi, i vanskelige øjeblikke af livet, reflekterede over den forestående død, skabte den ældre kunstner usædvanligt modige kompositioner og billeder.

Mellem 1550 og 1555 arbejdede Michelangelo på den " florentinske Pieta " - en skulpturgruppe, der repræsenterer Kristi døde legeme, støttet på begge sider af Jomfru Maria og Maria Magdalena , og figuren af ​​den hellige Nikodemus , der tårner sig op over dem med ansigtet af kunstneren selv [8] . Dette værks plastiske udtryksevne er så stor, at det virker som om figurerne bevæger sig rundt om en akse og adlyder dynamikken i en kraftfuld S-formet linje . Kroppene smelter sammen med hinanden og skaber en ekstraordinær følelse af åndelig enhed. Kunstneren efterlod dette arbejde ufærdigt af mange grunde (ikke kun på grund af et ægteskab i marmor, men snarere på grund af åndelig utilfredshed). I sit sidste værk, som kunstneren arbejdede på et par dage før sin død - " Drinking Rondanini ", vendte Michelangelo sig til en speciel type billede, hvor Gud Faderen, der står bag, støtter Sønnens krop. Men i modsætning til dette skema, mens han bibeholdt kompositionens vertikalisme, i stedet for Gud Faderen, skildrede Michelangelo den lidende skikkelse af Moderen. I den endelige version er de to figurer smeltet sammen til én og virker vægtløse, som om de svæver i et ujordisk rum. "Der er ingen sorg her i ordets plotforstand," skrev M. Ya. Libman om dette værk , "Der er heller ingen elementer af fjernelse fra korset eller begravelse. Dette er ikke en handling, men en tilstand af mystisk fordybelse i Kristi lidelse, død og opstandelse. I den forstand vendte den gamle kunstner tilbage til senmiddelalderens kunst, hvor hverken kroppens vægt, dens korrekte proportioner eller kompositionens harmoni spillede så stor en rolle. Hvor hovedmålet var billedets spiritualitet” [9] .

Ifølge M. Dvorak opnåede Michelangelo i dette arbejde "perfekt enhed af materiel form og åndeligt indhold, krop og følelser" [10] .

Noter

  1. ↑ Kristi klagesang og Pietaen.
  2. ↑ Vlasov V. G. Pieta, Pieta // New Encyclopedic Dictionary of Fine Arts. I 10 bind - Sankt Petersborg: Azbuka-Klassika. - T. VII, 2007. - S. 900-907
  3. ↑ Libman M. Ya. Michelangelo og ikke-klassisk kunstnerisk arv // Michelangelo og hans tid. - M .: Kunst, 1978. - S. 39-42
  4. ↑ Korrespondance af Michelangelo Buonarroti og mesterens liv, skrevet af hans elev Ascanio Condivi. - St. Petersborg: Hyben, 1914. - S. 14
  5. ↑ Rotenberg E. I. Michelangelo Buonarroti. - M .: Fine Arts, 1977. - S. 24. - Il. 168-171
  6. ↑ Michalaniol. Rysunki. - Warszawa: Arkady, 1977. - Nr. 48, 55
  7. ↑ Efros A. M. Michelangelos poesi // Mestre fra forskellige epoker. - M .: Sovjetisk kunstner, 1979. - S. 47
  8. ↑ Pieta med Nikodemus, Firenze-katedralen. . Hentet 26. februar 2021. Arkiveret fra originalen 7. maj 2021.
  9. ↑ Libman M. Ya. Michelangelo og ikke-klassisk kunstnerisk arv // Michelangelo og hans tid. - M .: Kunst, 1978. - S. 46
  10. ↑ Dvorak M. Italiensk kunsts historie i renæssancen: I 2 bind - M .: Kunst, 1978. - T. 2. - S. 138

Se også

  Gå til Wikidata-elementet  Ordbøger og encyklopædier
I bibliografiske kataloger