Historien om ikonmaleri

Den aktuelle version af siden er endnu ikke blevet gennemgået af erfarne bidragydere og kan afvige væsentligt fra den version , der blev gennemgået den 1. juli 2022; checks kræver 2 redigeringer .

Ikonmaleri (fra ikon og skrift ) - ikonmaleri, ikonmaleri, en type middelaldermaleri, religiøs i temaer og plot, kult i formål. I den mest generelle forstand var skabelsen af ​​hellige billeder beregnet til at være et mellemled mellem den guddommelige og jordiske verden under individuel bøn eller under kristen tilbedelse, en af ​​formerne for manifestation af guddommelig sandhed set fra nogle kristne trosretningers synspunkt.

Historien om ikonmaleri

Billedet dukkede oprindeligt op i kristen kunst. Traditionen relaterer skabelsen af ​​de første ikoner til apostolisk tid og er forbundet med navnet på evangelisten Lukas .

I de romerske katakomber fra II-IV århundreder er der bevaret kristne kunstværker - vægmalerier af symbolsk eller fortællende karakter, hvori man kan se de tidligste eksempler på kristen ikonografi [1] .

De ældste ikoner, der er kommet ned til os, dateres tilbage til det 6. århundrede og er lavet ved hjælp af den enkaustiske teknik på en træbund , hvilket gør dem lig egyptisk-hellenistisk kunst (de såkaldte " Fayum-portrætter ").

Det trullianske (eller femte-sjette) råd forbyder de symbolske billeder af Frelseren og beordrer kun at afbilde ham " i henhold til den menneskelige natur ."

I det VIII århundrede stod den kristne kirke over for ikonoklasmens kætteri , hvis ideologi var fuldstændig fremherskende i stat, kirke og kulturliv. Ikoner blev ved med at blive skabt i provinserne, væk fra kejserligt og kirkeligt tilsyn. Udviklingen af ​​et passende svar på ikonoklasterne, vedtagelsen af ​​dogmet om ikondyrkning ved det syvende økumeniske råd ( 787 ) bragte en dybere forståelse af ikonet, som opsummerer seriøse teologiske grundlag, og forbinder billedets teologi med kristologiske dogmer.

Ikonens teologi havde stor indflydelse på ikonografiens udvikling og dannelsen af ​​ikonografiske kanoner . Afvigende fra den naturalistiske transmission af den sanselige verden bliver ikonmaleriet mere konventionelt, tenderende til fladhed, billedet af ansigter erstattes af billedet af ansigter, som afspejler det kropslige og åndelige, sanselige og oversanselige. Hellenistiske traditioner bliver gradvist omarbejdet og tilpasset kristne begreber.

Den forskellige forståelse af ikonet i de vestlige og østlige traditioner førte i sidste ende til forskellige retninger i udviklingen af ​​kunst generelt: Efter at have haft en enorm indflydelse på kunsten i Vesteuropa (især Italien), blev ikonografien under renæssancen fortrængt af maleri og skulptur . Ikonmaleri udviklede sig hovedsageligt på det byzantinske imperiums territorium og lande, der adopterede den østlige gren af ​​kristendommen - ortodoksi .

Ikonografien af ​​hovedbillederne, såvel som teknikkerne og metoderne til ikonmaleri, var allerede udviklet ved slutningen af ​​ikonoklastiske tider. I den byzantinske æra er der flere perioder, der adskiller sig i billedstilen: den " makedonske renæssance " i det 10. - første halvdel af det 11. århundrede, ikonografien fra Komnenos-perioden 1059-1204, den " palæologiske renæssance " af det tidlige 14. århundrede.

Ikonmaleri sammen med kristendommen kommer først til Bulgarien, derefter til Serbien og Rusland. Den første russiske ikonmaler kendt ved navn  er St. Alipiy (Alympiy) ( Kiev , ? - 1114 ). De tidligste russiske ikoner er ikke blevet bevaret i de ældste templer i syd, som blev ødelagt under de tatariske invasioner, men i Hagia Sophia i Novgorod den Store . I det gamle Rusland steg ikonets rolle i templet usædvanligt (sammenlignet med den traditionelle byzantinske mosaik og fresco). Det er på russisk jord, at en flerlags ikonostase gradvist tager form . Ikonografien af ​​det gamle Rusland er kendetegnet ved silhuettens udtryksfuldhed og klarheden af ​​kombinationer af store farveplaner, større åbenhed over for det kommende ikon.

Russisk ikonmaleri når sit højdepunkt i det 14.-15. århundrede, de fremragende mestre i denne periode er Theophanes den græske , Andrei Rublev , Dionysius .

Originale skoler for ikonmaleri er dannet i Georgien, de sydslaviske lande.

Fra det 17. århundrede begyndte ikonmaleriet at falde i Rusland, ikoner begyndte at blive malet mere "efter bestilling", og fra det 18. århundrede blev den traditionelle tempera ( tempera ) teknik gradvist erstattet af oliemaleri , som bruger teknikker fra det vestlige. Europæisk kunstskole: chiaroscuro modellering af figurer, direkte ("videnskabeligt") perspektiv , reelle proportioner af den menneskelige krop og så videre. Ikonet er så tæt som muligt på portrættet . Sekulære kunstnere, herunder vantro, er involveret i ikonmaleri.

Efter den såkaldte " opdagelse af ikonet " i begyndelsen af ​​det 20. århundrede, var der stor interesse for det antikke ikonmaleri, hvis teknologi og holdning var bevaret på det tidspunkt praktisk talt kun i det gammeltroende miljø. Æraen med videnskabelig undersøgelse af ikonet begynder, hovedsageligt som et kulturelt fænomen, fuldstændig isoleret fra dets hovedfunktion.

Efter oktoberrevolutionen i 1917 , i perioden med forfølgelse af kirken, gik mange kirkekunstværker tabt, det eneste sted blev tildelt ikonet i "land med sejrende ateisme" - et museum , hvor det repræsenterede " gammel russisk kunst " ”. Ikonografien skulle genoprettes lidt efter lidt. En stor rolle i genoplivningen af ​​ikonmaleriet blev spillet af M. N. Sokolova (nonne Juliana). I emigrantmiljøet var ikonsamfundet i Paris engageret i genoprettelsen af ​​traditionerne for russisk ikonmaleri .

Skoler og stilarter

I løbet af mange århundreder af ikonmaleriets historie er der blevet dannet mange nationale ikonmalerskoler, som har gennemgået deres egen stilistiske udvikling.

Byzans

Det byzantinske riges ikonografi var det største kunstneriske fænomen i den østlige kristne verden. Den byzantinske kunstneriske kultur blev ikke kun stamfader til nogle nationale kulturer (for eksempel gammelrussisk), men påvirkede også gennem hele dens eksistens ikonografien af ​​andre ortodokse lande: Serbien, Bulgarien, Makedonien, Rusland, Georgien, Syrien, Palæstina, Egypten. Også under indflydelse af Byzans var kulturen i Italien, især Venedig. Byzantinsk ikonografi og nye stilistiske tendenser, der opstod i Byzans, var af afgørende betydning for disse lande.

Præ-ikonoklastisk æra

De ældste ikoner, der er kommet ned til vor tid, går tilbage til det 6. århundrede. Tidlige ikoner fra det 6.-7. århundrede bevarer den gamle maleteknik - enkaustisk . Nogle værker bevarer visse træk af gammel naturalisme og billedillusionisme (for eksempel ikonerne " Christ Pantocrator " og "The Apostle Peter " fra klostret St. Catherine i Sinai ), mens andre er tilbøjelige til konventionalitet, skitsering af billedet ( for eksempel ikonet "Biskop Abraham" fra Museum of Dahlem, Berlin, ikonet "Kristus og Saint Mina" fra Louvre). Et andet, ikke gammelt, kunstnerisk sprog var karakteristisk for de østlige regioner i Byzans - Egypten, Syrien, Palæstina. I deres ikonografi var udtryksevne oprindeligt vigtigere end viden om anatomi og evnen til at formidle volumen [2] .

Processen med at ændre antikke former, deres åndeliggørelse af kristen kunst kan tydeligt ses på eksemplet med mosaikkerne i den italienske by Ravenna  - det største ensemble af tidlige kristne og tidlige byzantinske mosaikker, der har overlevet til vores tid. Mosaikker fra det 5. århundrede ( Mausoleum of Galla Placidia , Ortodokse Baptistery ) er kendetegnet ved livlige vinkler af figurer, naturalistisk modellering af volumen, malerisk mosaikmurværk. I mosaikkerne fra slutningen af ​​det 5. århundrede ( Arian baptistery ) og det 6. århundrede (basilikaerne Sant'Apollinare Nuovo og Sant'Apollinare in Classe , San Vitale - kirken ) bliver figurerne flade, foldernes linjer tøjet er stift, skitseagtigt. Stillinger og fagter fryser, rummets dybde forsvinder næsten. Ansigterne mister deres skarpe individualitet, lægningen af ​​mosaikken bliver strengt bestilt [3] .

Årsagen til disse ændringer var en målrettet søgen efter et særligt billedsprog, der kunne udtrykke kristendomslære.

Ikonoklastisk periode

Udviklingen af ​​kristen kunst blev afbrudt af ikonoklasme , der etablerede sig som imperiets officielle ideologi fra 730. Dette forårsagede ødelæggelsen af ​​ikoner og malerier i kirker. Forfølgelse af ikonoder. Mange ikonmalere emigrerede til de fjerne ender af imperiet og nabolandene - til Kappadokien , til Krim , til Italien , dels til Mellemøsten , hvor de fortsatte med at skabe ikoner. Selvom ikonoklasme blev fordømt som kætteri ved det syvende økumeniske råd i 787, og der blev formuleret en teologisk begrundelse for ikondyrkelse, kom den endelige genoprettelse af ikondyrkelsen først i 843. I perioden med ikonoklasme blev der kun brugt billeder af korset i stedet for ikoner i kirker, i stedet for gamle vægmalerier blev der lavet dekorative billeder af planter og dyr, sekulære scener blev afbildet, især hestevæddeløb, elsket af kejser Konstantin V [ 4] .

Makedonsk periode

Efter den endelige sejr over ikonoklasmens kætteri i 843 begyndte skabelsen af ​​vægmalerier og ikoner til kirkerne i Konstantinopel og andre byer igen. Fra 867 til 1056 regerede det makedonske dynasti i Byzans , som gav sit navn til hele perioden, som er opdelt i to faser:

  • Makedonsk renæssance.

Den første halvdel af den makedonske periode er præget af en øget interesse for den klassiske oldtidsarv. Værkerne i denne tid er kendetegnet ved naturlighed i overførslen af ​​den menneskelige krop, blødhed i skildringen af ​​draperier, livlighed i ansigterne. Levende eksempler på klassificeret kunst er: mosaikken af ​​St. Sophia af Konstantinopel med billedet af Guds Moder på tronen (midten af ​​det 9. århundrede), det foldede ikon fra klosteret St. Katarina på Sinai med billedet af apostlen Thaddeus og kong Abgar , modtog en tavle med Billedet af Frelseren ikke lavet af hænder (midten af ​​det 10. århundrede) [5] .

I anden halvdel af det 10. århundrede bevarer ikonmaleriet sine klassiske træk, men ikonmalere leder efter måder at gøre billeder mere spirituelle.

  • Asketisk stil.

I første halvdel af det 11. århundrede ændrede stilen af ​​byzantinsk ikonmaleri sig dramatisk i retning modsat de gamle klassikere. Adskillige store ensembler af monumentale malerier har overlevet fra denne tid: freskoerne af Panagia ton Halkeon- kirken i Thessalonika fra 1028, mosaikkerne af katholikonet i klostret Hosios Loukas i Phokis fra 30-40 år. XI århundrede, mosaikker og fresker af Sophia af Kiev fra samme tid, fresker af Sophia af Ohrid i midten - 3 fjerdedele af det 11. århundrede, mosaikker af Nea Moni på øen Chios 1042-1056. og andre [6] .

Alle disse monumenter er karakteriseret ved en ekstrem grad af askese af billeder. Billeder er fuldstændig blottet for noget midlertidigt og foranderligt. Der er ingen følelser og følelser i ansigterne, de er ekstremt frosne og formidler den indre ro i det afbildede. Af hensyn til dette fremhæves enorme symmetriske øjne med et løsrevet, ubevægeligt udseende. Figurerne fryser i strengt definerede positurer og får ofte squat, overvægtige proportioner. Hænder og fødder bliver tunge, ru. Modelleringen af ​​tøjfolderne er stiliseret, den bliver meget grafisk, kun betinget formidler naturlige former. Lyset i modelleringen får en overnaturlig lysstyrke, der bærer den symbolske betydning af det guddommelige lys.

Denne stilistiske tendens inkluderer et dobbeltsidet ikon af Guds Moder Hodegetria med et perfekt bevaret billede af den store martyr George på bagsiden (XI århundrede, i Assumption Cathedral i Moskva Kreml), såvel som mange bogminiaturer. Den asketiske tendens i ikonmaleriet fortsatte med at eksistere senere og manifesterede sig i det 12. århundrede. Et eksempel er de to ikoner af Guds Moder Hodegetria i Hilandar -klosteret på Athos -bjerget og i det græske patriarkat i Istanbul [7] .

Komnenos periode

Den næste periode i historien om byzantinsk ikonmaleri falder på Duk-, Komnenoi- og Angeli-dynastiernes regeringstid ( 1059-1204). Generelt kaldes det Komninovsky. I anden halvdel af det 11. århundrede blev askesen igen erstattet af den klassiske form og billedets harmoni. Værkerne fra denne tid (for eksempel Daphnes mosaikker omkring 1100) opnår en balance mellem den klassiske form og billedets spiritualitet, de er elegante og poetiske.

Ved slutningen af ​​det 11. århundrede eller begyndelsen af ​​det 12. århundrede daterer skabelsen af ​​Vladimir Icon of the Mother of God (TG) tilbage. Dette er et af de bedste billeder fra Komnenos-æraen, uden tvivl af Konstantinopels arbejde. I 1131-1132. ikonet blev bragt til Rus', hvor det blev særligt æret. Fra det originale maleri har kun Guds Moder og Barnets ansigter overlevet. Smukt, fyldt med subtil sorg over Sønnens lidelse, Guds Moders ansigt er et typisk eksempel på en mere åben og humaniseret kunst fra Komnenos-æraen. Samtidig kan man på hans eksempel se de karakteristiske fysiognomiske træk ved Comnenos' maleri: et aflangt ansigt, smalle øjne, en tynd næse med en trekantet fossa på næseryggen.

Mosaikikonet "Christ Pantocrator the Barmhjertige" fra Dahlem State Museums i Berlin går tilbage til første halvdel af det 12. århundrede. Det udtrykker billedets indre og ydre harmoni, koncentration og kontemplation, det guddommelige og det menneskelige i Frelseren.

I anden halvdel af XII århundrede blev ikonet "Gregory the Wonderworker" skabt fra staten. Eremitage. Ikonet er bemærkelsesværdigt for dets storslåede konstantinopolitiske skrift. I helgenbilledet er den individuelle begyndelse særlig stærkt fremhævet, vi har så at sige foran os et portræt af en filosof [8] .

  • Komnenovsk manerisme

Ud over den klassiske trend i ikonmaleriet i det 12. århundrede dukkede andre tendenser op, som var tilbøjelige til at bryde balancen og harmonien i retning af større åndeliggørelse af billedet. I nogle tilfælde blev dette opnået ved øget udtryk i maleriet (det tidligste eksempel er freskomalerierne af St. Panteleimon-kirken i Nerezi i 1164, ikonerne " Descent into Hell " og " Assumption " fra slutningen af ​​XII århundrede fra klostret af St. Catherine i Sinai).

I de seneste værker fra det 12. århundrede er den lineære stilisering af billedet ekstremt forbedret. Og draperierne af tøj og endda ansigter er dækket af et netværk af lyse hvide linjer, der spiller en afgørende rolle i opbygningen af ​​formen. Her har lys som før den vigtigste symbolske betydning. Figurernes proportioner, som bliver alt for aflange og tynde, er også stiliserede. Stilisering når sin maksimale manifestation i den såkaldte senkomneniske manierisme. Dette udtryk refererer primært til kalkmalerierne af St. George-kirken i Kurbinovo , samt en række ikoner, for eksempel " Bebudelsen " fra slutningen af ​​det 12. århundrede fra samlingen i Sinai. I disse vægmalerier og ikoner er figurerne udstyret med skarpe og hurtige bevægelser, tøjfolderne krøller sig indviklet, ansigterne har forvrængede, specifikt udtryksfulde træk [9] .

Der er også eksempler på denne stil i Rusland, for eksempel freskoerne af kirken St. George i Staraya Ladoga og omsætningen af ​​ikonet " Savior Not Made by Hands ", som skildrer tilbedelsen af ​​engle til korset (TG ).

13. århundrede

Opblomstringen af ​​ikonografi og anden kunst blev afbrudt af den frygtelige tragedie i 1204. I dette år erobrede og plyndrede ridderne af det fjerde korstog Konstantinopel . I mere end et halvt århundrede eksisterede det byzantinske rige kun som tre separate stater med centre i Nicaea , Trebizond og Epirus . Omkring Konstantinopel blev korsfarernes latinske imperium dannet. På trods af dette fortsatte ikonografien med at udvikle sig. 1200-tallet er præget af flere vigtige stilfænomener.

Ved overgangen til det 12.-13. århundrede skete en betydelig stilændring i hele den byzantinske verdens kunst. Konventionelt kaldes dette fænomen "kunst omkring 1200". Lineær stilisering og udtryk afløses af ro og monumentalisme i ikonmaleriet. Billeder bliver store, statiske, med en klar silhuet og en skulpturel, plastisk form. Et meget karakteristisk eksempel på denne stil er freskoerne i klosteret St. Johannes evangelisten på øen Patmos . I begyndelsen af ​​det 13. århundrede var en række ikoner fra klosteret St. Catherine på Sinai : " Christ Pantocrator ", mosaik "Odegetria the Mother of God " , " Ærkeenglen Michael " fra deesis, "St. Theodor Stratelates og Demetrius fra Thessalonika . I dem alle vises funktionerne i en ny retning, hvilket gør dem forskellige fra billederne af Komnenos-stilen.

Samtidig dukkede en ny type ikoner op - hagiografiske ikoner. Hvis tidligere scener fra en bestemt helgens liv kunne afbildes i illustrerede minologier, på epistiler (lange vandrette ikoner for alterbarrierer ) , på vingerne af foldede triptykoner, begyndte nu livsscener ("mærker") at blive placeret rundt om omkredsen af midten af ​​ikonet, hvori helgen selv. Samlingen i Sinai har bevaret ikoner af St. Catherine (fuld længde) og St. Nicholas (halvlængde).

I anden halvdel af 1200-tallet herskede klassiske idealer i ikonmaleriet. Ikonerne for Kristus og Guds Moder fra Hilandar- klosteret på Athos (1260'erne) har en regulær, klassisk form, maleriet er komplekst, nuanceret og harmonisk. Der er ingen spænding i billederne. Tværtimod er Kristi levende og konkrete blik roligt og imødekommende. I disse ikoner nærmede den byzantinske kunst sig den tættest mulige grad af nærhed af det guddommelige til det menneskelige. I 1280-1290. kunsten fortsatte med at følge den klassiske orientering, men samtidig dukkede en særlig monumentalitet, kraft og accentuering af teknikker op i den. Heroisk patos optrådte i billederne. På grund af den overdrevne intensitet er harmonien dog blevet noget mindre. Et slående eksempel på ikonografi fra slutningen af ​​det 13. århundrede er " evangelisten Matthew " fra ikongalleriet i Ohrid .

Et særligt fænomen i ikonmaleriet er de værksteder, der blev skabt i øst af korsfarerne. De kombinerede træk ved europæisk ( romansk ) og byzantinsk kunst. Her overtog vestlige kunstnere teknikkerne fra byzantinsk skrift, og byzantinerne lavede ikoner tæt på korsfarernes-kundernes smag. Resultatet var en interessant sammensmeltning af to forskellige traditioner, der på forskellige måder var flettet sammen i hvert enkelt værk (f.eks. kalkmalerierne fra den cypriotiske kirke Antifonitis ). Korsfarerværksteder eksisterede i Jerusalem , Acre , Cypern og Sinai [10] .

Palaiolog perioden

Grundlæggeren af ​​det sidste dynasti i det byzantinske imperium - Michael VIII Palaiologos  - vendte i 1261 Konstantinopel tilbage til grækernes hænder. Hans efterfølger på tronen var Andronicus II (r. 1282-1328). Ved Andronicus II's hof blomstrede raffineret kunst, svarende til kammerhofkulturen, der var præget af fremragende uddannelse, en øget interesse for oldtidens litteratur og kunst.

  • Palaiolog-renæssancen  er det såkaldte fænomen i Byzans kunst i den første fjerdedel af det 14. århundrede.

Mens det bevarer sit kirkelige indhold, får ikonmaleriet ekstremt æstetiserede former og oplever den stærkeste indflydelse fra den gamle fortid. Det var dengang, at miniaturemosaikikoner blev skabt, beregnet enten til små kammerkapeller eller for adelige kunder. For eksempel ikonet "St. Theodore Stratilat " i GE 's samling . Billederne på sådanne ikoner er usædvanligt smukke og forbløffer med deres miniatureværk. Billederne er enten rolige, uden psykologisk eller spirituel dybde, eller tværtimod skarpt karakteristiske, som portrætter. Sådan er billederne på ikonet med fire helgener, også placeret i Eremitagen.

Der er også mange ikoner malet i den sædvanlige temperateknik. De er alle forskellige, billederne gentager sig aldrig, og afspejler forskellige kvaliteter og tilstande. Således kommer fasthed og styrke til udtryk i ikonet "Vor Frue Psychosostriya (Frelser)" fra Ohrid , mens der i ikonet "Vor Frue Hodegetria" fra det byzantinske museum i Thessaloniki tværtimod formidles lyrik og ømhed. "Bebudelsen" er afbildet på bagsiden af ​​"Vor Frue af Psychosostriya", og på ikonet af Frelseren parret med den, er "Kristi korsfæstelse" skrevet på bagsiden, hvor smerten og sorgen overvindes af åndens styrke formidles skarpt. Et andet mesterværk fra æraen er ikonet "De tolv apostle" fra samlingen af ​​Museum of Fine Arts. Pushkin . I den er apostlenes billeder udstyret med en så lys individualitet, at det ser ud til, at vi har et portræt af videnskabsmænd, filosoffer, historikere, digtere, filologer, humanitærer, der levede i disse år ved det kejserlige hof.

Alle disse ikoner er kendetegnet ved upåklagelige proportioner, fleksible bevægelser, imponerende iscenesættelse af figurer, stabile positurer og letlæselige, velovervejede kompositioner. Der er et skueblik, situationens konkrethed og personernes ophold i rummet, deres kommunikation [11] .

I monumentalt maleri var lignende træk også tydeligt manifesteret. Men her bragte palæologtiden især mange nyskabelser inden for ikonografien. Mange nye plots og udvidede fortællecyklusser dukkede op, programmer blev mættet med kompleks symbolik forbundet med fortolkningen af ​​den hellige skrift og liturgiske tekster. Komplekse symboler og endda allegorier begyndte at blive brugt. I Konstantinopel er to ensembler af mosaikker og fresker fra de første årtier af det 14. århundrede bevaret - i klostret Pommakaristos ( Fitie-jami ) og klostret Chora ( Kahriye-jami ). I skildringen af ​​forskellige scener fra Guds moders liv og fra evangeliet optrådte hidtil ukendte teatre, fortællende detaljer og litteratur.

Om 30-40 år. I det 14. århundrede ændrede situationen sig i det åndelige liv i Byzans, hvilket straks påvirkede ikonmaleriets karakter.

Æraen med "renæssance" inden for kunst og hofhumanistisk kultur er forbi. Det var dengang, at en strid fandt sted mellem munken Varlaam , der kom til Konstantinopel fra Calabrien i Italien, og Gregory Palamas  , en munkevidenskabsmand fra Athos . Varlaam blev opdraget i et europæisk miljø og adskilte sig væsentligt fra Gregory Palamas og munkene i Athos i spørgsmål om åndeligt liv og bøn. De forstod fundamentalt forskelligt menneskets opgaver og muligheder i fællesskab med Gud. Varlaam holdt sig til humanismens side og nægtede muligheden for enhver mystisk forbindelse mellem mennesket og Gud . Derfor benægtede han praktiseringen af ​​hesychasme , den gamle østlige kristne bøntradition, der eksisterede på Athos. Athos-munkene troede, at når de bad, så de det guddommelige lys - det samme som apostlene så på Tabor -bjerget på tidspunktet for Herrens forvandling . Dette lys (kaldet Tabor) blev forstået som en synlig manifestation af den uskabte guddommelige energi, der trænger ind i hele verden, transformerer en person og tillader ham at kommunikere med Gud . For Varlaam kunne dette lys have en udelukkende skabt karakter, og der kunne ikke være nogen direkte kommunikation med Gud og transformation af en person ved guddommelige energier. Gregory Palamas forsvarede hesychasme som en oprindelig ortodoks lære om menneskets frelse. Striden endte med Gregory Palamas sejr. Ved koncilet i Konstantinopel i 1352 blev hesychasme anerkendt som sand, og de guddommelige energier som uskabte, det vil sige manifestationer af Gud selv i den skabte verden.

Ikonerne fra tvistens tid er kendetegnet ved spænding i billedet og med hensyn til kunst - manglen på harmoni, først for nylig så populær i udsøgt hofkunst. Et eksempel på et ikon fra denne periode er det halvlange deesis - billede af Johannes Døberen fra Eremitagens samling [12] .

  • Anden halvdel af det 14. århundrede

I 50'erne. Byzantinsk ikonografi i det 14. århundrede oplever en ny stigning, ikke kun baseret på den klassiske arv, som den var i årtierne af den "palæologiske renæssance", men især på de åndelige værdier af den sejrrige hesykasme. Spændingen og dysterheden, der dukkede op i værkerne i 30-40 år, forlader ikonerne. Men nu er skønheden og perfektionen af ​​form kombineret med ideen om at forvandle verden med guddommeligt lys. Temaet lys i maleriet af Byzans har altid fundet sted på den ene eller anden måde. Lys blev symbolsk forstået som en manifestation af den guddommelige kraft, der trængte ind i verden. Og i anden halvdel af det XIV århundrede, i forbindelse med læren om hesychasme, blev en sådan forståelse af lys i ikonet så meget desto vigtigere.

Ikonet "Christ Pantokrator" fra Eremitagens samling er et vidunderligt værk fra tiden. Billedet blev skabt i Konstantinopel til klostret Pantocrator på Athos -bjerget , det nøjagtige år for dets henrettelse er kendt - 1363. Billedet overrasker både med maleriets ydre skønhed, perfektion i overførslen af ​​formen af ​​ansigtet og hænderne, og et meget individuelt billede af Kristus, tæt og åbent for mennesket. Ikonets farver ser ud til at være gennemsyret af en indre glød. Derudover er lyset afbildet i form af lyse hvide streger, der falder på ansigt og hånd. Sådan formidler den visuelle teknik læren om de uskabte guddommelige energier, der gennemsyrer hele verden. Denne tilgang bliver mere og mere udbredt.

Efter 1368 blev ikonet for selve St. Gregory Palamas (Pushkin State Museum of Fine Arts), glorificeret som en helgen, malet. Hans billede er også kendetegnet ved oplysning, individualitet (bogstaveligt talt, portrætter) og indeholder en lignende teknik til hvidtning af "motorer" eller "lys".

Tæt på billedet af Kristus fra GE er ikonet af ærkeenglen Michael fra det byzantinske museum i Athen , ikonet for Vor Frue Peribleptos, opbevaret i Sergiev Posad og mange andre. Maleriet af nogle er rigt på saftige nuancer af blomster, mens andre er noget mere strenge.

Det byzantinske riges svaghed og faren for tyrkisk erobring bidrog til en stor udvandring af kunstnere. I denne periode udfører byzantinske håndværkere ordrer i forskellige dele af den ortodokse verden, herunder i Rusland. Takket være dette opbevares mange førsteklasses byzantinske ikoner fra denne tid i indenlandske samlinger.

I Rusland blev der skabt et enormt ikon "Pris af Guds Moder", omgivet af kendetegn, der illustrerer akathisten (opbevaret i Assumption Cathedral i Moskva Kreml). Maleriet af ikonet er kendetegnet ved dets lysstyrke, usædvanligt mobile figurer, meget individuelle ansigter med skarpe funklende blikke. Forestillingens temperament kom især til udtryk i glimt af hvide streger. Ikonografien fra denne æra er generelt karakteriseret ved forhøjede intonationer og øget følelsesmæssighed som aldrig før (kvaliteten i ikonmaleri er meget behersket).

I 80-90'erne. XIV århundrede oprettes en stor deesis-tier bestående af 7 taljeikoner og bestilt i Konstantinopel til Vysotsky-klosteret i Serpukhov . I øjeblikket opbevares 6 af disse ikoner i Statens Tretyakov-galleri ("John Døberen" i Statens Russiske Museum). Dette er et eksempel på en klassiker, smuk i form af kunst, glad og oplyst i sit indhold. I Vysotsky-rækken er den enorme skala af figurerne og majestæten af ​​en klar, stor form forbløffende. Samtidig bliver psykologiseringen af ​​billedet dybere.

Uden tvivl er græsk værk, der tilskrives Theophanes den græske , ikoner fra deesis-niveauet i fuld længde fra slutningen af ​​det 14. århundrede, som nu står i ikonostasen af ​​Bebudelseskatedralen i Moskva Kreml. De er endnu større og mere majestætiske end ikonerne fra Vysotsky-klosteret. Billedet af Guds Moder fra denne rang er meget lig Don-ikonet for Guds Moder , også tilskrevet Theophanes. Don-ikonet er kendetegnet ved en større blødhed i udførelse og intimitet af billeder.

Kammerretningen eksisterede parallelt med store monumentale billeder. Det inkluderer billedet af Vor Frue af Pimenovskaya (80'erne af det XIV århundrede, State Tretyakov Gallery). Formernes skrøbelighed og farvens delikatesse blødgør den klassiske form. Der er en usædvanlig stor mængde varm spirituel følelse i ikonet, som har erstattet den accepterede koncentration af billeder.

  • Kunst fra det tidlige 15. århundrede.

I de sidste årtier før tyrkernes erobring af Konstantinopel i 1453, bremsede det kunstneriske liv i Byzans ikke dets intensitet. Det fortsatte med at eksistere strømme af forskellig karakter.

Det klassiske jetfly manifesterede sig i smukke oplyste billeder, for eksempel i ikonet af Anastasia the Patterner fra GE, værket af en konstantinopolitansk eller thessalonisk mester. Hendes farver er særligt blide, og hendes ansigt er kendetegnet ved ungdommens friskhed.

Kunsten af ​​en anden plan er repræsenteret af ikonet "Korsfæstelse" ( Assumption Cathedral of the Moscow Kreml ). Ikonografien er ekstremt detaljeret. Hele billedplanet er fyldt med mange scener, grupper og individuelle figurer. Ved udførelse hører dette ikon til den ekspressive bevægelse. På grund af den fortykkede, formørkede farve og lysskæret, der modigt kastes på de afbildede figurer, skabes en spændt atmosfære i ikonet, der svarer til tragedien i det afbildede plot. De karakteristiske træk ved første halvdel af det 15. århundrede er formernes lillehed, proportionernes skrøbelighed, de tynde og fleksible linjer i mellemrummene. Alt dette skaber en særlig udtryksfuldhed, endda gennemtrængende billeder, karakteristisk for det 15. århundrede.

Tværtimod er et eksempel på skønhed og harmoni givet af et lille ikon "Trinity" fra GE's samling. En ideelt bygget komposition med glatte linjer, der flyder ind i hinanden, og en klangfuld lys farve skaber en følelse af overjordisk skønhed i dette ikon [13] .

De bedste kvaliteter af byzantinsk kunst i begyndelsen af ​​det 15. århundrede blev legemliggjort i værket af den store russiske ikonmaler, St. Andrei Rublev .

Det gamle Rusland

Begyndelsen til russisk ikonmaleri blev lagt efter dåben i Rusland . Oprindeligt blev de ældste russiske stenkirker i Kiev og andre byer, såvel som deres malerier og ikoner, skabt af byzantinske mestre. Men allerede i det 11. århundrede var der sin egen ikon-malerskole i Kiev-Pechersk klosteret, som producerede de første berømte ikonmalere - St. Alypy og Gregory .

Historien om gammel russisk kunst er normalt opdelt i " præ-mongolsk " og efterfølgende, da de historiske omstændigheder i det XIII århundrede i væsentlig grad påvirkede udviklingen af ​​Ruslands kultur.

Selvom indflydelsen fra Byzans og andre ortodokse lande på russisk ikonmaleri i det XIV århundrede var stor, viste russiske ikoner deres egne originale træk endnu tidligere. Mange russiske ikoner er de bedste eksempler på byzantinsk kunst. Andre - skabt i Novgorod , Pskov , Rostov og andre byer - er meget originale, originale. Andrei Rublevs arbejde er på samme tid en vidunderlig arv fra Byzans traditioner og omfatter de vigtigste russiske træk.

Serbien, Bulgarien, Makedonien

I middelalderens bulgarske kunst dukkede ikonmaleriet op samtidig med vedtagelsen af ​​kristendommen i 864. Byzantinsk ikonografi var prototypen, men den blandede sig hurtigt med eksisterende lokale traditioner. Keramiske ikoner er ret unikke. På bunden (keramiske fliser) blev et mønster påført med lyse farver. Disse ikoner adskilte sig fra den byzantinske skole for ikonmaleri ved deres større rundhed og livlighed i ansigtet. På grund af materialets skrøbelighed har meget få værker i denne stil overlevet til vor tid, desuden er der kun fragmenter tilbage af de fleste af dem. I det andet bulgarske imperiums æra var der to hovedtendenser i ikonmaleri: folkemusik og palads. Den første er forbundet med folketraditioner, og den anden stammer fra Tarnovo kunstskole for maleri, som var stærkt påvirket af renæssancens kunst. Den mest almindelige karakter i bulgarsk ikonmaleri er Sankt Johannes af Rylsky. I de dage, hvor Bulgarien var en del af det osmanniske imperium, var ikonografi, slavisk skrift og kristendom med til at bevare bulgarernes nationale selvbevidsthed. Den nationale genoplivning af Bulgarien bragte en vis fornyelse til ikonografien. Den nye stil, tæt på folketraditioner, var ikke i modstrid med genrens hovedkanoner. Lyse, muntre farver, karakterer i kostumer fra den moderne æra, hyppige billeder af bulgarske konger og helgener (glemt under det osmanniske åg) er kendetegnene for den bulgarske renæssances ikonografi.

Den aktuelle tilstand af ikonmaleri

Ikon malere:

Se også

Noter

  1. ↑ Hvilket ikon anses for at være det ældste? . Hentet 30. maj 2022. Arkiveret fra originalen 30. maj 2022.
  2. ↑ History of icon painting, 2002 , s. 44-48.
  3. ↑ Kolpakova, 2004 , s. 128-167.
  4. ↑ History of icon painting, 2002 , s. 48-49.
  5. ↑ History of icon painting, 2002 , s. 49-50.
  6. ↑ Kolpakova, 2004 , s. 313-343.
  7. ↑ History of icon painting, 2002 , s. 51-52.
  8. ↑ History of icon painting, 2002 , s. 53-59.
  9. ↑ History of icon painting, 2002 , s. 59-65.
  10. ↑ History of icon painting, 2002 , s. 66-76.
  11. ↑ History of icon painting, 2002 , s. 76-80.
  12. ↑ History of icon painting, 2002 , s. 80-81.
  13. ↑ History of icon painting, 2002 , s. 76-93.

Litteratur

  • Zamyatina N. A.  "Terminologi for russisk ikonmaleri." 2. udg. - M . : "Sprog i russisk kultur", 2000. 272 ​​s. — (Sprog. Semiotik. Kultur. Lille serie.) ISBN 5-7859-0070-X
  • Ikonografiens historie. Oprindelse. Traditioner. Modernitet. VI - XX århundreder / Ed. T.V. Moiseeva. - M . : "ART-BMB", 2002. - 290 s. - ISBN 5-901721-12-8 .
  • G.S. Kolpakova . Byzans kunst. Tidlige og mellemste perioder . - Sankt Petersborg. : " ABC klassikere ", 2004. - 528 s. — ISBN 5-352-00485-6 .
  • Kondakov N. P.  "Ikonografien af ​​Guds Moder. Forbindelser mellem græsk og russisk ikonmaleri med italiensk maleri fra den tidlige renæssance. M .: "Palomnik". 1999. 224 s. Genoptryk. Sankt Petersborg. Forening af R. Golike og A. Vilborg. 1910.
  • Pokrovsky N. V.  "Essays om kristen kunsts monumenter." SPb. : Liga Plus, 2000. 412 s., med illustrationer. ISBN 5-93294-001-8
  • Popova O.S. . Problemer med byzantinsk kunst. Mosaikker, fresker, ikoner. M .: "Nordpilgrim", 2006
  • Nonne Juliana (Sokolova). "En ikonmalers værk". Publishing House of the Trinity-Sergius Lavra, 1999.
  • Raushenbakh B. V.  «Rumlige konstruktioner i maleriet. Essay om de vigtigste metoder. M .: " Nauka ", 1980. 288 s., ill.
  • Sarabyanov V. D. , Smirnova E. S. "Historien om det gamle russiske maleri." M .: Orthodox St. Tikhon University for Humanities , 2007.
  • Starodubtsev O. V. "Russisk kirkekunst fra X-XX århundreder." M .: "Lepta Book", Sretensky Monastery Publishing House, 2007.
  • Filatov V.V.  "Restaurering af staffeli tempera maleri". - M. , 1986.

Links

  Gå til Wikidata-elementet  I bibliografiske kataloger