| Claude Monet | |
| Morgenmad på græsset . 1866 | |
| fr. Le dejeuner sur l'herbe | |
| Lærred , olie . 130×181 cm | |
| Pushkin State Museum of Fine Arts , Moskva , Rusland | |
| ( Inv. Zh-3307 ) |
Morgenmad på græsset ( fransk: Le déjeuner sur l'herbe ) er et maleri fra 1866 af den franske kunstner Claude Monet . En mindre version af maleriet er i samlingen af Pushkin State Museum of Fine Arts i Moskva ( Rusland ).
Claude Monet , en af grundlæggerne og konsekvente tilhængere af den impressionistiske bevægelse , skrev "Frokost på græsset" til en ansøgning til Paris-salonen i 1866, og også som en udfordring til Edouard Manet med hans maleri af samme navn af en ret useriøst indhold. Kunstneren arbejdede i 1865-1866 i naturen i skoven Fontainebleau nær Chailly og derefter i sit atelier i Paris . I første omgang, efter at have udført en mindre version af sammensætningen, der målte 130 × 181 centimeter , begyndte Monet at overføre den til et lærred , henholdsvis 4 gange 6 meter højt og langt . Stillet over for problemerne med at male et billede af en så enorm størrelse, omskrev han det flere gange, herunder under indflydelse af kommentarerne fra Gustave Courbet , som et resultat af, at han fuldstændig ødelagde lærredet og fuldstændig stoppede alt arbejde på det.
For i det mindste at vise noget på Salonen i 1866 skrev Monet " Kvinden i grønt " på kort tid, som blev positivt evalueret af kritikere. Alligevel blev maleriet " Kvinder i haven ", baseret på "Morgenmad", året efter ikke godkendt til visning af udstillingens jury for at "redde kunsten" fra denne "ulækre" impressionisme. Da han var i en vanskelig økonomisk situation, overlod kunstneren i 1878 den ufærdige "Morgenmad på græsset" til udlejeren af huset, som han lejede sammen med sin familie i Argenteuil , som pant i forfalden gæld . I 1884 købte Monet maleriet og skar det i tre dele. Et fragment gik tabt, efter at have rådnet under opbevaring i udlejerens kælder, mens de to andre via private hænder endte i Musée d'Orsay i Paris , hvor de er nu. En mindre version blev købt i 1904 af den russiske samler Sergei Shchukin og, efter nationaliseringen af hans galleri under sovjettiden, overført til Statens Museum for New Western Art . Senere, da museet blev opløst i 1948, blev det overført til Pushkin State Museum of Fine Arts i Moskva , hvor det nu opbevares.
Kompositionen er en scene af en picnic i skoven med 12 personer, mænd og kvinder, liggende, stående og siddende under træerne. De fleste af de mandlige figurer blev afskrevet af Monet fra figuren af hans ven og kunstner Frederic Basil , som rejste med ham til Chailly, mens de kvindelige figurer var fra hans kone Camille . Herrerne er afbildet i jakker og bukser, mens damerne er i crinolines . Mellem dem på græsset er en dug med en række forskellige retter. Begge versioner, at dømme efter de resterende fragmenter af et stort lærred, ligner hinanden, med undtagelse af nogle farveskemaer, herunder med hensyn til typen af kjoler.
Claude Monet (1840-1926) er en af grundlæggerne og repræsentanterne for den impressionistiske bevægelse , som opstod i Frankrig i slutningen af det 19. århundrede. Gennem hele sin lange karriere holdt Monet sig til impressionismens principper, og det er ham, der betragtes som den mest konsekvente tilhænger af denne kunstskole, såvel som en af de mest fremtrædende landskabsmalere i kunsthistorien. Det er bemærkelsesværdigt, at selve fremkomsten af udtrykket "impressionisme" er forbundet med hans kunstneriske lærred " Impression. The Rising Sun " fra 1873, nu i Musée Marmottan Monet i Paris . Oprindelsen af denne tendens går tilbage til kunstnerens ungdom, tilbragt af ham i Le Havre , hvor Monet beundrede den måde, marinemaleren Eugene Boudin maler sine malerier i det fri, og efterfølgende lærte denne kunstneriske stil af ham. Efter to år med hæren i Algier fra 1860 til 1862 tog han mod sine forældres ønske til Paris for at studere maleri. I stedet for at sidde i Louvre og kopiere Old Masters, en traditionel praksis for unge kunstnere, vendte Monet sig til ældre samtidiges arbejde, især Édouard Manet , Camille Corot og Gustave Courbet . Det var i Paris, at Monet blev nære venner med de kunstnere, der ville blive store medlemmer af den impressionistiske bevægelse, såsom Camille Pissarro , Paul Cézanne , Auguste Renoir , Alfred Sisley og Frédéric Bazille . Det menes, at grundlaget for impressionismen blev lagt af Monet og Renoir, som i slutningen af 1860'erne sammen begyndte at male deres malerier på naturtemaer kun i det fri . Som tilhænger af denne teknik alene, var Monet fascineret af den perceptuelle visning af virkeligheden for livet, især med hensyn til at skildre variationer i farveeffekterne af lys og skygge på en bestemt time og sæson. Den realistiske skildring af lyseffekter var baseret på Monets dybe forståelse af optikkens love , såvel som på hans oplevelse af sine egne observationer. Det er bemærkelsesværdigt, at Monet ofte, som afbilder naturligt lys, dissekerede det i forskellige komponenter ved hjælp af prismemetoden . Samtidig kasserede kunstneren bevidst alle sorte og grå toner fra sin palet og afviste dermed fuldstændig den akademiske tilgang til landskabsmaleriet. På samme tid, i 1866, mødte Monet sin kommende kone, Camille Donsier , som hurtigt blev en af hans modeller. kunstner, blev hun gravid og fødte sin første søn fra ham . Monets slægtninge kaldte denne adfærd uetisk, mens han selv på grund af sine innovative malerier blev bortvist fra akademiske saloner og begyndte at leve i næsten fuldstændig fattigdom [1] [2] [3] [4] .
I 1865, inspireret af en af sine ture for at studere i Fontainebleau , udtænkte Monet ideen om at male et monumentalt maleri, der måler 4 × 6 m til en ansøgning til Paris Salon i 1866 [5] [6] . Han ønskede at bevæge sig fra små former til store [7] , og det at skrive et så stort lærred blev af kunstneren betragtet som en udfordring for ham selv og på samme tid for medlemmer af offentligheden, der sarkastisk kritiserede hans malerier på Salon of the Rejected tilbage i 1863 [5] . I mellemtiden, tre år tidligere, i 1862, skabte Manet et maleri af samme navn (olie på lærred, 208 × 264,5 cm ; Musée d'Orsay ) [8] , afvist af Salonen i 1863 på grund af dets "ubskønhed" [9] ] . Fremkomsten af dette værk på Salon of the Outcast chokerede offentligheden og var præget af en skandale på grund af billedet af nøgne kvinder i en gruppe påklædte mennesker, blandt hvilke man kunne genkende ganske berømte personligheder [10] [11] . Monet opfattede sit lærred som en udfordring og samtidig en hyldest til Manet, idet han valgte det samme tema, men nærmede sig det med en anden stil, som han også ønskede at overraske seeren, men fra den anden side [12] [10] [13] . Ligesom Géricault før var Monet kun 25 år gammel på det tidspunkt, da han besluttede at skabe et værk, der ville være tre gange større end Manets "Morgenmad" og dobbelt så bredt som Courbets " Luncheon on the Hunt " [14] (olie). på lærred, 207 × 325 cm ; Wallraf-Richartz Museum ) [15] . Efter at have sat mode til at skildre picnics, tolererede Manet ikke at blive sammenlignet og placeret ved siden af Monet, "denne opkomling fra Le Havre" [16] . I mellemtiden blev malerierne af Manet og Monet ofte forvekslet, som et resultat af, at sidstnævnte måtte signere sine værker, herunder frokost på græsset, ikke bare med et efternavn, men også med et fornavn [4] [17] . Efterfølgende blev de venner [18] .
| "Road to Shii...", Monet (Ordrupgaard) | "Road to Chailly", Monet (Orsay) | "Bodmer's Oak...", Monet (Metropolitan) |
Arbejdet med maleriet begyndte i foråret 1865 [5] : fra april til oktober opholdt Monet sig med ét mål - at male en picnicscene med mange figurer - i Chailly [19] , i udkanten af skoven af Fontainebleau [20] , en slags impressionistisk studie [21] . Efter at have brugt flere måneder på at vente på Basil, modellen og en af fremtidens lærreds helte, skabte Monet en række landskabsstudier , lige fra små skitser til store skitser [22] . Heraf kan der skelnes adskillige individuelle landskabskunstværker, som Monet selv anså for væsentlige blandt resten af sine værker [19] : "Vejen til Chailly gennem Fontainebleaus skov" (olie på lærred, 97 × 130,5 cm ; Ordrupgaard Museum ) [ 23] , "Road to Chailly" (olie på lærred, 43 × 59 cm ; Musée d'Orsay ) [24] , "Oak of Bodmer, Forest of Fontainebleau på vejen til Chailly" (olie på lærred, 96,2 × 129,2 cm ; Metropolitan Museum of Art ) [25] . Han arbejdede i naturen , bredt og frit, og nåede de toner, den kontrast af lys og skygge, som hverken Courbet eller Manet havde på det tidspunkt [22] . Disse skitser af store træer med skyggekastende grene og blade, skabt omtrent de samme steder, tjente som landskabsbaggrund for den fremtidige Picnic [26] [27] . Sidstnævnte værk er især bemærkelsesværdigt ved, at det forestiller Bodmer-eg, opkaldt efter den schweiziske kunstner Carl Bodmer , som udstillede et værk, der forestillede dette træ på Salonen i 1852, hvorefter det blev en favorit blandt kunstnere og fotografer, især Gustave Le Gré [28] .
Basile ankom til Chailly i august 1865 og boede der indtil september, forundrede sig over den store og smukke skovvidde og malede adskillige undersøgelser, der i format og palet lignede Monets værk: en funklende blå himmel, mørkegrønt løv, rødbrun underskov med orange highlights [29] ; blandt dem står "Landscape of Chaya" (olie på lærred, 81 × 100,3 cm ; Art Institute of Chicago ) [30] . Som arvinger til repræsentanterne for " Barbizon-skolen " Rousseau og Millet , forsynede Monet og Courbet i modsætning til dem ikke træer med antropomorfe træk og projicerede ikke deres følelser på livløse naturgenstande. Deres fokus var ikke på at "forstå træer", men på hvordan lys rammer dem og afslører deres former, farver og teksturer. Monet og Courbet ønskede at formidle skovens tilstand, når de var i den, og malede den, og opnåede næsten fotografisk nøjagtighed i maleriet [31] . Monet var selvfølgelig klar over eksistensen af landskabsfotografering og har måske endda set Le Grets værk. Når Monet og Le Gret gik hver for sig til den samme skov, fik de naturligvis det samme resultat, justeret for, at kunstneren har mere frihed og nemt kan fjerne en gren eller sten fra det rigtige sted med et penselstrøg, i modsætning til fotografen [32] [28] . En gang, mens han arbejdede, i et forsøg på at beskytte børn mod en bronzeskive, der flyver mod dem, som nogle klodsede englændere legede med, sårede Monet sit ben og gik i seng. Især for ham udviklede Basil, som medicinstuderende, et apparat, der ved hjælp af en modvægt løftede det skadede ben [29] [33] . Sådan en såret kunstner Basile fanget i værket " Improvised Hospital " (olie på lærred, 48 × 65 cm ; Musée d'Orsay ) [34] [29] [35] .
Efter ankomsten af Basil begyndte Monet aktivt at skrive gruppestudier [22] . Albert Lambron, en ven af Monet, stillede op for de mandlige figurer med Basile, og de fleste af de kvindelige figurer kan være kopieret af ham fra flere kvinder eller endda fra en - hans elskede Camille, som dog ikke gik til Chailly [ 11] [22] [4] [36] . Af Monets gruppestudier fra datiden har kun én overlevet [26] [22] : "Basil and Camille" (olie på lærred, 93 × 68,9 cm ; Alice Mellon Bruce Collection , National Gallery of Art ), som var holdt af Michel Monet , kunstnerens søn, og derefter Edward Molino [37] . En skitse af kompositionen af maleriet (papir, kridt, 30,5 × 46,8 cm ) lavet af Monet i 1865 og doneret til Basil er også opbevaret der . En foreløbig skitse af kvindefigurer er også kendt, som findes i Monets album (papir, kridt, 26 × 34 cm ; Marmottan-Monet Museum ) [39] [40] [41] [42] . I maj 1865 skrev Monet til Basil: "Jeg tænker kun på mit maleri, og hvis jeg laver en fejl, tror jeg, at jeg bliver skør" [40] [43] . Med start i Chailly og sluttede i et værksted i september 1865 skabte Monet en meget omhyggeligt skrevet mindre version af kompositionen (olie på lærred, 130 × 181 cm ; Pushkin Museum of Fine Arts ), hvilket i øjeblikket er muligt med en stor nøjagtig restaurering det originale design af hele det store lærred [22] [5] [6] [44] [45] .
Da han vendte tilbage til Paris, begyndte Monet at overføre skitsen til et lærred af virkelig monumentale dimensioner, fuldt bevidst om kompleksiteten af det kommende værk [22] [5] . Han beholdt vægten på lyse kontraster af chiaroscuro, såvel som friske og frie streger, idet han stræbte efter plottets spontanitet og scenen i naturen, det sværeste element i billedet [22] [5] . Den væsentligste forskel mellem skitsen og det endelige værk er udskiftningen af en siddende, skægløs og tynd ung mand med en ældre, skægget og portabel mand, som takket være sit bakkeskæg har en slående lighed med Courbet [26] [ 46] [5] [36] . Basilikumsfiguren tjente som grundlag for flere mænd på én gang, mindst fire [26] . Det kan også bemærkes, at kjolen på den første kvinde, der står til venstre, er blevet grå-rød i stedet for hvid med sort trim, og hun har en anden slags hat på hovedet; samtidig blev den anden stående dames orange kjole og den siddende kvindes stribede kjole efterladt ufærdige [46] . Den ekstraordinære komposition, fyldt med den livlige rytme af kvindehovedets hældning, taknemmelige blikke og strakte arme, blev en slags hyldest til Watteaus elegante maleri " Landingen på øen Cythera ", som ifølge Monet var hans favorit i Louvre [22] . På trods af det ufærdige værk samledes mere end 20 kunstnere for at se det, ifølge Basil [47] . I vinteren 1865-1866 besøgte Basile sammen med Courbet Monets atelier: Basile "var henrykt" over maleriet, men ifølge Gustave Geffroy var det Courbets kommentarer, der fik Monet til at nægte yderligere arbejde på lærredet [26 ] [48] [5] [49] . Som grev Harry Kessler skrev i sin dagbog , besøgte han i november 1903 sammen med Reisselberg kunstnerens atelier i Giverny, Monet sagde, at han efter råd fra Courbet begyndte at lave om til kvinders kjoler og som et resultat fuldstændig ødelagde lærred [50] [51] . Derefter malede Monet, for i det mindste at udstille noget på Salonen, " Kvinden i grønt " på fire dage [50] [51] (olie på lærred, 231 × 151 cm ; Bremen kunstgalleri ) [52 ] , som Camilla igen fungerede som model for . "The Woman in Green" blev optaget på udstillingen og blev sammen med "The Road to Chailly" udstillet på Salonen, hvor den blev positivt vurderet af kritikere [54] [55] .
Uden tid med "Morgenmaden" til salonen, i april 1866, tog Monet afsted med Camille i et lille hus nær Ville d'Avray , og skrev til Armand Gauthier om hans beslutning "om at lade alt det store til side i nogen tid. ting, som de kun spiste alle mine penge, ville sætte mig i vanskeligheder” [56] [57] [5] . Kort før åbningen af Paris Salon stoppede Monet arbejdet på et næsten færdigt lærred, uden at vise det til hverken juryen eller offentligheden [58] [5] [6] . Det blev annonceret, at han frygtede afvisning, men 1866-salonens jury var liberal nok til at acceptere hans risikable bidrag. Men i dette tilfælde ville billedet helt sikkert blive et mål for de fleste kritikere, selvom det ville blive et "plein air-manifest": at kombinere alle Courbets og Manets ambitioner, men uden seksuelle overtoner eller politiske og sociale notationer [59] . Monet begyndte derefter at male til den næste Salon og opsummerede i den, hvad han havde lært, mens han arbejdede på Breakfast, samtidig med at han opgav den enorme skala, skarpe kontraster og overførte plein-air-skitser til lærred i studiet [60] . Resultatet af dette blev " Kvinder i haven " (olie på lærred, 255 × 205 cm ; Musée d'Orsay ) [61] , hvor Monet såvel som i "Morgenmad" skildrede de skiftende virkninger af naturligt lys, der han holdt så meget af [3] , og desuden dette, og de samme kvindekjoler [4] . Her har Camilla allerede poseret for tre kvindeskikkelser, og derfor kan deres ansigter ikke sammenlignes med rigtige portrætter [62] . Det er bemærkelsesværdigt, at Monet skabte hele billedet i naturen, hvortil han gravede en grøft i jorden og gradvist, efterhånden som lærredet blev fyldt op, sænkede det ned i gruben for at male alle dele fra én vinkel [63] [60] . På trods af Monets ambitioner blev hans maleri "Kvinder i en have" afvist af juryen i Salonen i 1867 i navnet "at redde kunsten" fra "denne modbydelige tendens" [62] .
Maleriet (mindre version) er i olie på lærred og måler 130 x 181 cm [6] [64] . Signeret og dateret i sort nederst til venstre: " Claude Monet 66 " [65] [66] .
Lærredet i fuld længde viser 12 figurer af fuldt påklædte mennesker, der nyder en solskinsdag i udkanten af en skov oplyst af solen i en ret teatralsk mise-en-scene, hvis baggrund er et naturligt landskab [10] [11] [3] [45] . De fleste mænds ansigter er vendt væk fra beskueren, og to damer er afbildet bagfra, hvilket gør det muligt at undersøge folderne i deres flerfarvede, grønne og gule kjoler [11] [36] . I modsætning til malerierne af den klassiske stil på Monet-lærredet, er folk fuldstændig optaget af deres samtale og kommer på ingen måde i kontakt med beskueren, liggende på jorden eller lænet op ad træerne [11] [12] . En af dem viser et udskåret hjerte, der symboliserer Camilles og Monets kærlighed, som han var nødt til at skjule for slægtninges fordømmelse, som det fremgår af manden, der sad bag et træ, hvor kunstneren sandsynligvis bragte sin egen far ud og spionerede på hans elskede [4] . Kunstneren lavede sine venners lærreder samlet til en picnic til hovedpersonerne, mens han ikke var interesseret i at male hverdagsdetaljer, men i med et frit slag at fange spillet af sollysreflekser på løv, damekjoler, en dug lagt på græs [4] [6] .
En klar, lys, lidt kølig sommer- eller forårsdag er afbildet. Den blå-blå himmel flimrer gennem det knaldgrønne løv. Solens stråler bryder stedvis igennem. Et stort samfund slog sig ned under træerne: mænd i fløjlsjakker og grå bukser typiske for tiden, damer i de bredeste krinoliner . Nogle står og sludrer, andre går, andre sætter sig for at spise eller strækker sig ud i græsset. I midten af disse grupper er en snehvid, blændende dug lagt direkte på jorden, og krystal glitrer og funkler på den, fade bliver fristende gule, og flasker stikker ud med mørke, velsmagende pletter. Den dufter af græs og træer, frisk, let og munter.Alexandre Benois , 1900 [67] .
Naturbilledet, det naturlige lys, der er synligt på menneskers hår og skuldre, sløringen af farve på træernes omhyggeligt sporede blade - alt dette er kendetegnet ved en impressionistisk teknik, der blev stærkt udviklet i Monets arbejde og blev hans vigtigste kunstnerisk stil [68] [4] [12] . I øjeblikket vurderer kritikere maleriet som Monets mesterværk og hans debut i impressionismen, præget af en reel revolution i kunsthistorien [69] [70] . Dette bevises af kunstnerens aktive brug i dette billede af sort, som impressionisterne efterfølgende opgav, idet de mente, at det ikke eksisterer i sin rene form i naturen og kan formidles mere naturligt af refleksioner af andre farver, som i de nævnte. "Kvinder i haven" [4] .
Monet blev en anerkendt mester i impressionismen, på trods af en kreativ fiasko med "Breakfast on the Grass" [69] , et symbolsk maleri fra hans æra, som var bestemt til en tragisk skæbne [71] . I november 1920 kom hertugen af Treviso til kunstneren i Giverny på hans 80-års fødselsdag , under samtaler med hvem Monet demonstrerede mange af hans værker, herunder åkander [72] såvel som den midterste del af frokosten på kl. Græs , for første gang efter 50 år siden billedets tilblivelse [73] . Efterfølgende, baseret på samtaler med Monet, udgav hertugen af Treviso et detaljeret essay "Pilgrimsrejse til Giverny", illustreret af fotografen Pierre Shumoff [74] . Der kendes et fotografi, hvor kunstneren og hertugen er afbildet stående ved "Morgenmaden" i atelieret [75] [76] . Det var dengang, Monet fortalte ham, hvad der skete med maleriet [46] : "Dette værk er meget vigtigt for mig, så ufuldstændigt og vansiret; Jeg skulle betale huslejen, jeg pantsatte den til ejeren, som opbevarede den i sin kælder, og da jeg endelig kunne hente den, så jeg, at den havde nået at mugne” [77] .
Så i juni 1874 lejede Monet et hus i Argenteuil for 1400 francs om året af tømreren Alexander-Adonis Flamen og flyttede dertil med sin familie i oktober [78] [79] . I januar 1878 blev Breakfast overladt til Flamin som sikkerhed for Monets restance, og i de næste seks år lå lærredet sammenrullet i kælderen [80] [81] . Nogen tid senere indgik Monet korrespondance med Flamen vedrørende returneringen af maleriet, som han i marts 1884 bad sin kunsthandler Durand-Ruel om et lån til [80] [82] . Samme år tog kunstneren lærredet tilbage og skar det i tre dele [5] [6] [44] . Det højre fragment rådnede på grund af fugt og gik tabt for altid, mens de eneste to bevarede venstre ( 4,18 × 1,5 m ) og midterste ( 2,487 × 2,18 m ) dele er kommet ned til vor tid [20] [5] [83 ] [84 ] [85] [86] [45] . Efter Monet var begge værker med hans søn Michel [83] [84] . Den venstre del blev opbevaret i en privat samling i nogen tid, og siden 1931 - i Georges Wildensteins besiddelse . I 1957 donerede han maleriet til staten, hvorefter det blev tildelt Louvre og udstillet på Jeu de Paume indtil 1986, hvor det blev overført til Musée d'Orsay [83] [85] . I 1920'erne, formentlig efter Monets død, blev en strimmel med skuldre og hoved af en kvinde i stribet kjole skåret af fra midten til højre [46] . Den midterste del var i Miran Eknayans samling [20] [87] , indtil den blev accepteret af staten som betaling af arveafgift og i 1987 tilskrevet Musée d'Orsay, genforenet med venstre side [84] [86] .
| Tilnærmet billede af maleriet "Morgenmad på græsset": venstre og midterste overlevende fragmenter i sammenligning med de tabte dele af lærredet [88] [89] | |||
En mindre udgave blev udstillet i kunsthandleren L. Latouches galleri [90] i 1866-1867 . I nogen tid var maleriet i operasangeren Jean-Baptiste Faures samling [39] [90] [91] . Hun blev udstillet på udstillingen af Monets værker i Durand-Ruel Gallery , afholdt 22. november - 15. december 1900 [92] . Der, efter at have ankommet til verdensudstillingen , blev maleriet set af kritikeren Alexandre Benois , som beskrev det som "monets måske mest geniale værk" og "et af de smukkeste i hele det XX århundrede" [93] [94 ] [95] . Så han skrev i tidsskriftet "World of Art" [67] :
Det er trist at indse, at alle museer for samtidskunst, russisk og udenlandsk, ikke er andet end arnesteder for død akademisk kunst eller modbydelig eklekticisme. Man kan ikke engang drømme om, at et sådant billede som dette "Déjeuner sous bois" af Cl. Monet, blev opkøbt af St. Petersborg eller Moskva. En dag vil sådanne malerier blive erhvervet, en dag vil historien bag livet løfte dem til kategorien klassiske værker, men så er det for sent, de vil ikke have en gavnlig effekt på de yngre generationer, der er gået i en helt anden retning , men vil hænge ved siden af sig selv Rembrandt og Titian til glæde for turister og middelmådige kopister. I mellemtiden kunne et sådant billede nu have en uendelig dybere og mere gavnlig indflydelse på vores kunstneres udvikling end de tusindvis af grimme lærreder, der fylder vores nationale museer. Monets maleri er stadig ret moderne; den er frisk, lys og overbevisende, og den indeholder mere vejledning og råd til kunstneren end alle akademierne tilsammen.
Et par år senere blev Benoits bebrejdelse tilbagevist [95] . Maleriet blev købt personligt fra Monet af Moskva - købmanden og filantropen Sergei Shchukin , som aktivt indsamlede impressionisternes værker, som stadig var uforståelige for offentligheden, og som han viste offentligt i Trubetskoy-huset [96] [97] [ 98] . Han købte værket i november 1904 [99] [100] og gav 30 tusinde francs for det gennem kunsthandleren Paul Cassirer [90] [91] . Således blev Shchukin ejer af tretten malerier af Monet [99] [101] , hvilket praktisk talt lukkede emnet for at samle impressionisterne for sig selv [100] . En af dem, der så Shchukins "Morgenmad", var kritikeren Yakov Tugendhold , som viede en detaljeret artikel til sin samling [102] .
Shchukins samling - selv før hans emigration til Tyskland i august 1918 - blev nationaliseret i overensstemmelse med dekretet fra Rådet for Folkekommissærer i RSFSR af 11. maj 1918 "Om nationaliseringen af Shchukin Art Gallery" underskrevet af Lenin [103] og helt overført til det nyoprettede State Museum of the New western art . I 1930'erne blev nogle værker solgt til udlandet, og i 1948, efter likvidationen af museet i overensstemmelse med dekret fra USSR's ministerråd nr. 672 af 6. marts 1948 "Om likvidationen af State Museum of New Western Art" underskrevet af Stalin State Hermitage Museum og Pushkin State Museum of Fine Arts , hvor "Breakfast on the Grass" endte [64] [105] [96] [97] [106] [ 107] [98] . I øjeblikket er maleriet under nummeret J-3307 i galleriet for europæisk og amerikansk kunst fra det 19.-20. århundrede [6] .
Inden for rammerne af året for kulturturisme Rusland-Frankrig fra 22. oktober 2016 til 20. februar 2017 blev Monets maleri blandt Gauguin , Picasso og Matisses værker fra Shchukin-samlingen udstillet på " Louis Vuitton Foundation " i Paris ved udstillingen " Masterpieces of Contemporary Art " under kurateret af Anna Baldassari i samarbejde med den russiske kulturminister Vladimir Medinsky , direktør for Pushkin State Museum of Fine Arts Marina Loshak , direktør for State Hermitage Museum Mikhail Piotrovsky og direktør for Statens Tretyakov-galleri Zelfira Tregulova [69] [97] [108] [109] . På åbningsdagen fik udstillingen besøg af den franske præsident François Hollande [110] , mens den russiske præsident Vladimir Putins planlagte besøg blev udskudt på grund af politiske uenigheder i forbindelse med krigene i Syrien og Ukraine [111] [112] . Den følgende måned modtog Putin lederen af Louis Vuitton , Bernard Arnault , i Kreml , og takkede ham "for den udstilling, du organiserede i Paris" [113] [114] [115] [116] .
| Claude Monet | |||||
|---|---|---|---|---|---|
| Arbejder |
| ||||
| En familie |
| ||||
| Miljø |
| ||||