Anti -art er et meget brugt udtryk, der refererer til en række avantgarde- koncepter, holdninger og bevægelser, der afviser den oprindelige definition af kunst og stiller spørgsmålstegn ved kunsten som helhed. Begrebet forbindes primært med dada - den modernistiske bevægelse i kunsten i det tidlige 20. århundrede og blev første gang brugt omkring 1913-1914 af den franske og amerikanske kunstner, kunstteoretiker Marcel Duchamp , da han begyndte at skabe de første værker i readymade teknik [1] . Efterfølgende blev udtrykket vedtaget af konceptualisterne i 1960'erne for at beskrive værket af kunstnere, der forlod traditionelle kunstpraksis og skabelsen af værker beregnet til salg, såvel som mange andre kunstbevægelser, såsom postkunst i slutningen af 1950'erne eller Unge britiske kunstnere , der startede deres fælles karriere i 1988 [1] .
Antikunstværker kan udtrykke uenighed om, at der er en adskillelse mellem kunst og liv, samt sætte spørgsmålstegn ved kunstens eksistens [2] . "Anti-kunst er en åbenlys paradoksal neologisme . Mens kunst kan defineres, er anti-kunst i modstrid med definition. En integreret del af kunsten er således skabelsen, antikunsten udtrykker sig i ødelæggelse” [3] . Antikunsten virkede som en klar opposition til strømninger i det 20. århundredes kunst, især de strømninger, der bevidst søgte at afvige fra traditioner eller institutioner. Antikunst i sig selv er dog ikke en særskilt kunstbevægelse, men kan defineres ud fra en ret bred tidsramme. Således identificerede nogle strømninger i kunsten sig med anti-kunst, såsom Dada -strømmen . Theodor Adorno udtaler i sit værk "Aesthetic Theory" (1970): "... kunst skal gå ud over sin egen definition, sit eget koncept, for at forblive tro mod det. Ideen om kunstens afskaffelse gør kunsten ære , for den vidner om dens ædle stræben efter sandhed .
Anti-kunst accepterer muligvis kun kunstformer [5] . Der er dog en kontroversiel påstand om, at antikunst ikke behøver at tage form af kunst for at opfylde sin funktion som et alternativ til kunst [6] . Nogle former for antikunst søger at opdage kunstens generelt accepterede grænser, mens de udvider deres egenskaber [7] . Antikunst kan ophæve både individuelle aspekter af kunst og kunst som helhed.
Nogle eksempler på anti-kunst fortaler for at skære ned på kunstens grundlæggende byggesten. Eksempler på dette fænomen er monokrom maleri , tomme rammer, stilhed musik , aleatorisk .
Anti-art bruger også ofte innovative materialer og teknikker til at inkorporere tidligere ubrugte elementer i kunst. Eksempler på brugen af innovative teknikker og materialer i anti-kunst er ready-made , found art , release , mixed media , appropriation , happening , performance , body art [7] .
Antikunst kan modsætte sig skabelsen af et materielt kunstværk. Dette mål kan opnås gennem kunstneriske strejker eller revolutionær aktivisme [5] .
Formålet med antikunst kan også være at mindske individualismen i kunsten, gennem brug af readymades , industrielle måder at producere kunst på, anonym produktion af værker eller kunstneres afvisning af at vise værker til offentligheden [8] [9] . Kunstnere kan også danne grupper for at udviske grænserne for deres individualitet i et værk. Nogle antikunstnere ødelægger deres egne kunstværker, og skaber bevidst værker, der skal ødelægges [9] [10] . Denne tendens kan ses i selvdestruktiv kunst.
Anti-kunst kan også ophæve kunstmarkedet og elitær kunst .
Jean-Jacques Rousseau benægtede adskillelsen mellem skuespiller og tilskuer, liv og teater [11] . Karl Marx argumenterede for, at kunst er en konsekvens af klassesystemet og konkluderede således, at der i et kommunistisk samfund kun vil være mennesker, der er involveret i processen med at producere kunst, mens de ikke er kunstnere [12] .
Den første bevægelse, der satte sig i opposition til kunsten, var ubundet kunst , som dukkede op i slutningen af det 19. århundrede i Paris. Grundlæggeren af strømmen var den franske forfatter og publicist Levi Jules, som i 1882 organiserede den første udstilling af frigivne kunstnere i den berømte boheme-kabaret " Sort Kat " , og kaldte de udstillede værker for "tegninger af mennesker, der ikke kan tegne" [13] . Udstillinger blev afholdt indtil 1896 og var meget populære på grund af deres høje underholdningsniveau. I deres ønske om satire , latterliggørelse og hån producerede repræsentanter for denne bevægelse et stort antal værker, der ligner avantgardekunst fra det 20. århundrede : ready-mades [14] , monokrom maleri [15] , tomme rammer [16] , stilhedens musik.
Dadas tidlige oprindelse kan spores tilbage til den parisiske "School of Fumism" skabt af en parisisk gruppe af "udløste kunstnere" næsten fyrre år før oprettelsen af det første Dada- manifest [17] .
Dada-tendensen opstod i 1916 under Første Verdenskrig i det neutrale Zürich – eksilets verdenshovedstad, revolutionærenes, desertørernes og eventyrernes by, i den ikoniske Cabaret Voltaire – et sted i halvkælderen for fritænkere. Strømmen opstod som en reaktion på begivenhederne i Første Verdenskrig , det første storstilede chok for menneskeheden i det 20. århundrede, som ifølge kunstnere igen understregede det nytteløse ved at være til. Grundlæggeren af bevægelsen er den rumænske digter Tristan Tzara , som engang stødte på ordet "dada" i ordbogen og besluttede, at dette "fuldstændig meningsløse" ord kunne blive "det mest succesrige navn for hele bevægelsen" [18] . Rationalisme og logik blev udråbt til den globale konflikts hovedskyldige, irrationalitet, ødelæggelsen af kanonerne, usystematiskhed blev tilbudt af dadaisterne som et alternativ [19] . Dada blev foreslået som et alternativ til alle kunstneriske praksisser, såvel som af strømmen af "anti-isme". Dadaisternes vigtigste idé var ødelæggelsen og afvisningen af enhver æstetik .
I USSR var dada repræsenteret af Nichevoki litterære gruppe [20] .
Fra 1913 begyndte Marcel Duchamp , aktivt at interagere med dadaisterne, at skabe en række værker lavet i den revolutionære færdiglavede teknik [1] , der proklamerede, at enhver genstand kan blive et kunstværk efter vilje af forfatteren, der underskrev det i forbindelse med en udstilling eller et museum.
Konstruktivismen , som opstod i Sovjetrusland i 1919, blev en af retningerne for avantgarde , proletarisk , "produktionskunst", og opfordrede alle kunstnere til at opgive begrebet " kunst for kunstens skyld " i navnet på kunst, der er nyttig i hverdagen. liv, som ville tjene folket [21] [22] . Kunstens sociale funktion er blevet fuldstændig nytænket. I 1921, på 5x5=25 abstrakt kunstudstilling i Moskva, præsenterede Alexander Rodchenko den monokrome triptykon "Smooth Color" og proklamerede "the end of painting" [23] . Rodchenkos radikale synspunkter og handlinger satte en stopper for borgerlige normer og praksisser i kunsten og åbnede vejen for et nyt russisk liv og kultur [24] .
I 1920'erne fusionerede Dada med surrealismen i Frankrig og med ekspressionismen i Tyskland [25] .
Udtrykket surrealisme blev første gang brugt i 1917 af Guillaume Apollinaire i hans New Spirit-manifest, skrevet til premieren på balletparaden på Chatelet Theatre i Paris [26] , som senere blev skandaløs. Surrealismen opstod i Frankrig, men dækkede efterfølgende næsten hele verden. Et væsentligt bidrag til udviklingen af bevægelsen blev ydet af den franske forfatter og digter Andre Breton . Efter at have mødt Guillaume Apollinaire på frontlinjen af Første Verdenskrig , blev Breton introduceret til Philippe Soupault , med hvem han i 1919 udgav den første komposition skrevet i den surrealistiske automatiske skriveteknik, "Magnetiske felter". Efter offentliggørelsen i 1924 af det første surrealismemanifest fik trenden et klart program skitseret i dokumentet af Andre Breton , som blev ideologen og lederen af surrealismen. I deres filosofi stolede surrealisterne på arbejdet fra venstreorienterede teoretikere som Walter Benjamin og Herbert Marcuse , såvel som Sigmund Freuds arbejde , forbundet med metoden til fri association , analyse af drømme og det ubevidste , for at frigøre deres fantasi til det fulde. Den surrealistiske gruppe forsøgte at revolutionere menneskehedens kulturelle, sociale og politiske repræsentationer. De søgte at befri mennesket fra den falske rationalitet, der lænkede deres traditioner og strukturer. Politisk var surrealismen ultra-venstreorienteret og støttede kommunister og anarkister . I 1930'erne identificerede mange surrealister sig med kommunisterne [27] . Breton og hans kammerater støttede Leon Trotskij [28] og hans venstreopposition i nogen tid , men efter Anden Verdenskrig tog surrealisterne en kurs mod anarkisme [29] .
I midten af 1940'erne blev en ny avantgardebevægelse af lettrisme [30] grundlagt i Paris af en rumænsk immigrant , Isiodor Izu , sammen med Gabriel Pomeran , stolt udråbt af dens grundlæggere som "den eneste strømning af den moderne kunstneriske avant- garde” . I 1947, i det første manifest af lettrisme "For en ny poesi, for en ny musik", proklamerer Izu brevet (brevet) som hovedelementet i enhver sfære af æstetik og alle former for kunstnerisk kreativitet. Lettristerne stræbte efter frigørelsen af individet gennem den udbredte formidling af kreativitet i hverdagen, gik ind for transformationen af livet som helhed, nægtede arbejdsdeling og specialisering og foreslog også transformation af alle sfærer af menneskelivet. Holistisk kunst skulle nå ud til absolut alle mennesker på kloden, uanset deres nationalitet. Lettrist poesi blev tænkt som den første rigtige internationale.
I 1956, inspireret af Gottfried Wilhelm Leibniz ' ideer om beregningen af infinitesimals og larges , begyndte Izu at udvikle ideen om et kunstværk, der i sagens natur ikke kunne skabes i virkeligheden, men som ikke desto mindre, kunne opfattes æstetisk af det menneskelige sind. .
I 1960 skabte Izu transtemporal kunst, som gjorde det muligt for seerne at deltage i skabelsen af værker, samt blive direkte en del af et bestemt værk. Hypotesen om biografens død og dens transformation til en endeløs begivenhed , udtrykt af Izu i værket "Cinema Aesthetics", blev vedtaget af en anden trend - situationisme.
I Japan i slutningen af 1950'erne, langt fra det højt kultiverede Tokyo, dukkede Kyushu-kunstgruppen op, hvis repræsentanter begyndte at bekæmpe udstillingspolitikken baseret på kunstneres personlige forbindelser og på "mester-følger"-systemet. Innovative materialer, der blev brugt i processen med at skabe værker, kom i forgrunden: materialet i sig selv blev således et kunstværk, såvel som kunstnerens interaktion med det. Repræsentanter for Kyushu-gruppen omfavnede ideerne om informalisme med stor entusiasme , klippede, tilsmudsede og knækkede materialer, hvilket ofte ødelagde arbejdet i skabelsesprocessen. Kunstnere rev og brændte lærreder, hæftede stykker af bølgepap med hæftemaskiner, brugte søm, møtrikker, fjedre, jute, skrammel i deres værker, hvorefter de begravede deres værker og begravede dem i jorden. Kyukyu-gruppen betragtes som en vigtig bestanddel af anti-kunst.
I begyndelsen af 1950'erne begyndte Lettrist International (LI) og derefter Situationist International (SI) (1957) at udvikle en ny dialektik, som var baseret på ideen om at skabe en erstatning for kunst og ødelæggelse af kunst som en separat, specialiseret aktivitet og dens transformation til struktur i hverdagen. Fra et situationistisk synspunkt kunne kunst udelukkende være revolutionær, så de så deres hovedopgave i at fuldende og supplere dadaisternes og surrealisternes arbejde og samtidig i deres ødelæggelse [31] . Situationisterne opgav fuldstændig produktionen af kunst [5] . Den Situationistiske Internationale var sandsynligvis den mest radikale, [5] [32] politiserede, [5] den mest organiserede og teoretisk baserede anti-kunststrømning, og nåede sit højdepunkt i maj 1968 i Frankrig under studenterprotester og massetræfninger. Situationisterne appellerede til den kreative ungdom og fremmede ideen om en kulturel revolution . Selvom situationisme efter det mislykkede oprør i 1968 kun viste sig at være en utopisk, ulevedygtig teori, havde denne bevægelses ideer en væsentlig indflydelse på udviklingen af verdenskultur og -politik.
I slutningen af 1960'erne og 1970'erne begyndte kunstnere at lede efter alternativer til modernismen , det var på dette tidspunkt, at den moderne , postmoderne kunsts ansigt begyndte at tage form .
Idéen om neoda blev foreslået så tidligt som i 1922 af den hollandske kunstner Theo van Doesburg under krisen i den oprindelige strøm. Efterfølgende eksisterede ideen om at genoplive Dada-trenden i ret lang tid. Begrebet neodada dukkede op på siderne af magasinet Artnews næsten 40 år senere, i 1958, og blev brugt i forhold til Jasper Johns og Robert Rauschenberg , to amerikanske kunstnere, der i deres kunst var tæt på popkunstbevægelsen , der var ved at tage fart på det tidspunkt . 33] . Neodada fremstod som en modvægt til abstrakt ekspressionisme , ofte identificeret præcist med popkunst , fluxos og ny realisme [34] .
Popkunst udfordrer kunstens traditioner gennem repræsentation i værker af billeder fra populærkulturen , såsom reklamer , nyheder , tegneserier , forbrugerprodukter, ofte ved at trække materiale ud af sin sædvanlige kontekst og placere det i et nyt, absurd format [35 ] [36] . Popkunst var i sin kerne både en fortsættelse og en forsagelse af dada. Mens begge strømninger udforskede lignende temaer, erstattede popkunst destruktive, satiriske og anarkistiske ideer med Dada-artefakter fra populærkulturen . Nutidens kunstnere stræbte efter at fordrive deres individualitet fra værket, ved at erstatte manuelt arbejde med maskinproduktion, stræbte de efter massereproduktion og replikering af deres værker. Den russiske version af popkunst anses for at være Sots Art , som dukkede op i USSR i 1970'erne.
Fluxus - kunstbevægelsen opstod i 1960'erne og medførte en stærk anklage om anti-kommercialisme, der er iboende i anti-kunst. Kunstnerne af den nuværende foragtede kunst sigtede mod kunstmarkedet til fordel for kreative praksisser, der satte kunstneren i front. I deres forestillinger , som fandt sted på forskellige tidspunkter på festivaler i Paris, København, Amsterdam, London og New York, forsøgte kunstnerne at udviske grænsen mellem det virkelige liv og kunst, kunstner og beskuer [37] [38] [39] . Fluxus- bevægelsen tiltrak ikke kun kunstnere, men også musikere, der arbejder i genren eksperimentel musik . Bevægelsens kunstnere overtog konceptet syntetisk kunst og arbejdede således i mange medier og teknikker som performance , happening , collage , lydkunst, videokunst , visuel poesi, figurpoesi . Strømmen eksisterer stadig og spiller en vigtig rolle i afsløringen af begrebet "kunst" [40] . Takket være en gruppe kunstnere voksede Fluxus i 1964 til en international bevægelse under postkunsten .
Konceptualismen begyndte at tage form i 1960'erne og 70'erne . Opfindelsen af udtrykket tilhører Henry Flint , en musiker og filosof, som brugte udtrykket i et essay af samme navn i 1961 [41] , dog er bevægelsens grundlægger og ideologiske inspirator den amerikanske kunstner Joseph Kossuth , som foreslået grundlæggende at gentænke funktionerne af et kunstværk og kultur [42] .
Konceptet kommer i forgrunden, kunstens mål er at formidle ideen, som involverer beskuerens intellektuelle interaktion med værket. Det fysiske udtryk og følelsesmæssige opfattelse af værket falder i baggrunden.
Moskva-konceptualismen dukkede op i USSR i begyndelsen af 1970'erne [43] [44] .
Konceptualisme har åbnet vejen for mange ikke-traditionelle medier inden for kunst og deres brede distribution: videokunst , performancekunst , actionisme , installationskunst og andre. Senere tillod teknologiudviklingen kunstnere at involvere nye teknologier i den kreative proces, hvilket bidrog til fremkomsten af computerkunst , netkunst , elektronisk kunst.
I anden halvdel af det 20. århundrede, og især i 1990'erne, dukkede neokonceptualismen op , som er en moderne fortsættelse af 1960'ernes og 1970'ernes traditioner for konceptualisme . Neokonceptualismen fortsætter med at udforske de grundlæggende spørgsmål om kunst, politik, medier og samfund.
En af de mest kendte neo-konceptualister er gruppen Young British Artists , som har haft en høj position på kunstscenen siden slutningen af 1980'erne [45] .
Det er dog ikke alle, der deler neokonceptualisternes synspunkter. I opposition til de unge britiske kunstnere dukkede en gruppe stuckistiske kunstnere op i 1999, som i dag er vokset til en international kunstbevægelse [46] . Det stackistiske manifest modsætter sig " konceptualisme , hedonisme og dyrkelsen af kunstnerens egoisme" [47] , sammenligner postmodernismen med "en abe, der har fanget sig selv i en pose med idioti" og proklamerer maleriets forrang i kunsten [47] .
Hvor paradoksalt det end kan lyde, så er antikunst i dag en alment anerkendt form for kunst, men nogle kunstnere, såsom forhandlere , benægter stadig den kunstneriske værdi af Duchamps ready- mades og proklamerer anti-anti-kunst som et alternativ til anti-kunst i deres manifester [48] [49] .