Ballet er en scenekunst, der omfatter en formaliseret form for dans .
I slutningen af middelalderen var der interesse for den klassiske fortid, som førte til renæssancen . Under renæssancen flyttede opmærksomheden fra samfundet som helhed til individet. Som et resultat begyndte dansere i denne periode at blive betragtet som ideelle mennesker.
De mest fremragende forbedringer i koreografi under renæssancen blev foretaget i bystaterne i det nuværende Italien . Ballet opstod ved domstolene som en udvikling af højtidelige forestillinger, der blev iscenesat under ferier for aristokrater. Hofmusikere og dansere deltog sammen i adelens underholdning.
Renæssancens ballet var meget fattigere end den moderne. Tutu- og pointe-sko var endnu ikke i brug. Koreografien blev skabt ud fra trinene i hofdansene. Skuespillere klædt i kostumer efter datidens hofmode. I tidlige balletter kunne publikum også deltage i dansen i de sidste akter.
I 1400-tallet var der meget få mennesker, der kunne kaldes koreografer. Nu er det kun kendt om dem, der skrev om danse, restens værker går tabt. Domenico af Piacenza (Domenico da Piacenza) eller Domenico af Ferrara (Domenico da Ferrara) var en sådan koreograf. Sammen med sine elever Antonio Cornazzano og Guglielmo Ebreo underviste han i danse for de adelige. Domenico skrev et værk, De arte saltandi et choreus ducendi ( Om kunsten at danse og danse ), som blev lavet sammen med hans elever. Domenico er nok tidens mest berømte koreograf, da mange beskrivelser af hans arbejde er tilbage efter ham.
I sin bog brugte Domenico ordet ballo i stedet for danza , selvom de begge betyder dans på italiensk. Derfor blev hans danse kendt som baletti eller balli (flertal), balletto (ental). Sandsynligvis kom det moderne ord "ballet" fra dette ord. I 1489 i Tortona (Italien) ved festerne ved Bergonzio di Bitta (Bergonzio di Botta), begyndte en dans kaldet entrée hver del af festen. Nogle ser det som den første ballet.
I det 16. århundrede dukkede såkaldte spectaculi op i Norditalien - storladne forestillinger. De omfattede ikke kun danse, men også rideforestillinger og kampe. Heraf kom ordet spektakel , brugt på fransk, når man taler om ballet.
Da Catherine de' Medici , en italiensk aristokrat, der interesserede sig for kunst, giftede sig med arvingen til den franske trone , Henry II , bragte hun sin interesse for dans til Frankrig . Hun var også den første sponsor for balletterne. Datidens balletter blev komponeret efter mytologiske temaer.
Catherine de' Medici som Frankrigs "dronningemoder" bragte storslåede spektakulier . En bemærkelsesværdig var Den polske ballet ( Le Ballet des Polonais ), som blev iscenesat til besøg af polske ambassadører i 1573 .
Måske var en af de første traditionelle balletter Dronningens komedieballet ( 1581 ) instrueret af Baldassare Baltazarini da Belgioioso ( italiensk: Baldassare Baltazarini da Belgioioso , fransk: Balthasar de Beaujoyeulx ), som var et balletdrama. Den blev set af ti tusinde tilskuere, og den varede fra 22:00 til 3:00. Så omfattede balletten ikke kun danse, men også samtaler og elementer af dramatik, og varede derfor så længe. Det er blevet kaldt baleto-comique ( comique betyder " drama ", ikke " komedie ").
Samme år etablerede afhandlingen Il Ballarino af Fabrizio Caroso , som var en guide til studiet af hofdans, både sociale og til forestillinger, Italien som et center for udvikling af danseteknik.
I løbet af de næste 50 år erstattede dans gradvist elementerne af drama fra balletten. Balletforestillinger blev nu givet ikke kun ved hoffet, men også i teatre for penge.
I løbet af denne tid spillede adelsmænd, herunder Ludvig XIV, roller af varierende betydning i balletten. Dette gjorde baggrunden og skurkerollerne mere prestigefyldte.
I 1584 dukkede Teatro d'Olympico op med et proscenium i Verona , Italien.
I 1588 udkom den første franske bog om dans , Orchésographie, af Tuano Arbaud . I den var en beskrivelse af eversion .
Ballet udviklede sig som en separat kunst med det formål at skabe forestillinger i Frankrig under Ludvig XIVs regeringstid , som havde en passion for dans og afsluttede nedgangen i dansestandarder, der begyndte i det 17. århundrede .
Da Ludvig XIV blev kronet, blev hans interesse for dans stærkt opmuntret af den italienskfødte kardinal Mazarin , som hjalp Ludvig XIV. Den unge konge fik sin balletdebut som dreng.
Den italienske komponist og koreograf Jean-Baptiste Lully ( italiensk Giovanni Baptista Lulli , 1632-1687), som kom til Frankrig efter forslag fra Mazarin, havde en betydelig indflydelse på franske forestillinger . Lully blev en af kongens yndlingsdansere og repræsenterede kongen som den bedste danser i Frankrig.
Støttet af Ludvig XIV placerede Lully ofte kongen i hans balletter. Titlen "Solkonge" af Ludvig XIV kommer fra hans rolle i Le Ballet de la Nuit ( 1653 ) iscenesat af Lully.
I 1661 grundlagde Ludvig XIV Det Kongelige Akademi for Dans ( fransk: Académie Royale de Danse ) i Louvre-rummet. Det var den første balletskole i verden. Det udviklede sig til et kompagni senere kendt som Paris Opera Ballet. Lully, der tjente ved det franske hof, ledede Royal Academy of Dance med en jernnæve. Han var medvirkende til at sætte ballettens generelle retning for det næste århundrede.
Lullys vigtigste bidrag til balletten var hans opmærksomhed på nuancerne i kompositioner. Hans forståelse af bevægelse og dans gjorde det muligt for ham at komponere musik specifikt til balletter, med musikalske sætninger, der matchede de fysiske bevægelser. Han samarbejdede også med den franske dramatiker Molière . Sammen tog de den italienske teaterstil, commedia dell'arte ( Commedia dell'arte ), og tilpassede den i deres arbejde til det franske publikum og skabte comédie-baleto . Blandt deres vigtigste kreationer var " Handelsmanden i adelen " ( 1670 ). Pierre Beauchamp (1636-1705), en anden hofdanser og koreograf, samarbejdede også med dem og iscenesatte danseinteraktioner mellem dramatiske bevægelser. Pierre Beauchamp var Ludvig XIVs danseinstruktør.
Pierre Beauchamp fortsatte med at arbejde med danseterminologi. De tidligste referencer til nutidens balletfodstillinger findes i hans værker.
De fem positioner af benene og det valgdeltagelse, der findes i hver af positionerne, kan også forklares med, at ballet er opstået på baggrund af hofdanse. Hofdansene i det 17. århundrede involverede ofte adelsmænd, hvoraf mange blev trænet i sværdkæmpelse , så nogle fægteteknikker, såsom vendingsfodstillinger og håndstillinger , blev brugt i balletkoreografi.
Den nuværende konventionelle terminologi for klassisk ballet er på fransk, men den har bibeholdt nogle af de originale italienske navne.
I 1669 grundlagde Ludvig XIV Det Kongelige Musikakademi ( Académie Royale de Musique ), Lully blev dets leder. I 1670 forværredes Ludvig XIVs helbred til det punkt, hvor han holdt op med at danse. Efter ham forlod aristokraterne også scenen, og balletten begyndte at tage form som en beskæftigelse for professionelle, som i forvejen udelukkende blev set af overklassen fra auditoriet.
Lully blev senere den første direktør for teatret på Royal Academy of Music, da det udviklede sig til at omfatte dans. Lully bragte italiensk og fransk ballet sammen og skabte en arv, der skulle definere ballettens fremtid.
I 1672 grundlagde Lully et danseakademi ved Royal Academy of Music. Dette dansekompagni eksisterer stadig i dag som Paris Opera Ballet , og er verdens ældste kontinuerligt fungerende balletkompagni.
Lullys seriøsitet i at lære at danse førte til udviklingen af professionelle dansere, der var anderledes end de blotte hoffolk, der kunne danse. Derudover dukkede to forskellige stilarter op i balletten - den majestætiske, ædle, karakteristiske for hofballetten og den virtuose, som tidligere kun var mulig med professionelle skuespillere.
Indtil 1681 deltog kun mænd i opførelsen af balletten. I 1681 iscenesatte Lully Le Triomphe de l'Amour . En af de fire dansere, der deltog i forestillingen, var Mademoiselle La Fontaine (1665-1738), navnene på de tre andre er nu ukendte. La Fontaine, der siden dengang er blevet kendt som "dansens dronning", regnes for den første ballerina - en kvindelig professionel danser. Samtidig var de første (det vil sige ledende) dansere Louis Letang (d. ca. 1739) og Louis Pecourt (1655-1729).
I 1687 sårede Lully sig selv ved et uheld at gennembore hans fod med en stok, som slog uret , og døde af den resulterende blodforgiftning.
I løbet af denne tid blev ballet normalt opført som en del af de samme teaterproduktioner som opera, i en forestillingsform kaldet opera-ballet ( opéra-ballet ). Musikakademiet drevet af Lully skabte standarden for operaballet. Folk ville danse lige så meget eller mere, end de ville have musik. André Campra , forfatter til operaballetten La Gallant Europe ( 1697 ), besluttede at gøre den mere populær ved at forlænge dansene og forkorte skørterne på danserne, som da allerede solidt indtog deres plads som optrædende ved siden af mænd.
Nogle komponister - såsom Gluck - lavede væsentlige ændringer i ballettens sammensætning. Som et resultat blev ballet opdelt i tre typer: sérieux (alvorlig), demi-caractère (semi-karakteristisk) og comique (komisk). Balletindsatser begyndte at blive brugt i operaer som bundter.
I 1700 udgav Raoul-Auger Feuilleux sin afhandling Choréographie, ou l'art de décrire la danse . Ordet choréographie i bogens titel kommer fra det græske khorea (at danse) og graphhein (at skrive). Fra dette ord kom ordet " koreografi ". Denne bog beskrev både scenedans og balsaldans. Det forsøgte at skabe en måde at optage danse på, der ligner indspilning af musik. Selvom denne notation aldrig blev færdiggjort og standardiseret, bruges den stadig i dag, da der ikke er udviklet noget andet system. I 1700 var mange ord, der nu almindeligvis bruges til at beskrive balletbevægelser, allerede i brug, fx cabriole , chasse , entrechat ( entrechat ), jeté , pirouette ( pirouette ), sissone .
I 1713 grundlagde Paris Opera sin egen danseskole , som underviste i danseteknikker baseret på Feuillés kompositioner. I 1713 blev Royal Academy of Dance knyttet til Paris Opera .
I 1725 udkom bogen Dansernes Mester af Pierre Rameau (1674-1748), som tidligere havde været danselærer for dronningen af Spanien. I denne bog giver Rameau formelt føddernes fem positioner for første gang.
På dette tidspunkt lagde franske dansere vægt på elegance, mens italienske dansere var opmærksomme på akrobatik . I Frankrig fortsatte historien i operaballettens dansedele, mens dansene i Italien blev indsat blot for at forhindre publikum i at lytte til den uafbrudte sang for længe.
Fremtrædende mandlige dansere på den tid er Michel Blondy (1677-1747) og Claude Balon (1676-1739). Efternavnet på sidstnævnte kan være blevet kaldt udtrykket ballon , der betegner evnen til at fryse, mens man hopper i luften. Kvinder spillede stadig en mindre vigtig rolle i ballet end mænd, da de begyndte at danse senere og skulle bære tunge kostumer. De fremragende dansere i denne generation var Marie-Thérèse de Soubliny (1666-1735) og Françoise Prévost (1680-1741), som dansede sammen med Blondy og Balon.
Prevost begyndte at gøre krav på berømmelse efter succesen med en soloproduktion af Les charactès de la Danse, der præsenterede flere romancer, hvor hun spillede begge sider. I samme produktion var to af hendes elever, som blev rivaler på scenen, involveret - Marie Salle (1701-1756) og Marie-Anne de Kupi de Camargo (1710-1770). Camargo debuterede i 1726 , sin rival Salle - i 1727 . I 1733 dansede Salle i " Pygmalion ", kun klædt i en antik tunika.
Camargo lagde vægt på ren dans. I solo-numre koncentrerede hun sig om hop og arbejdede skridt med mange udskridninger ( batteri ). Salle blev berømt for sin utrolige evne til at vise karakterer. Derfor forvandlede hun sin lærers solo til en duet, som gjorde det muligt at interagere med en partner. Både Camargo og Salle bidrog til at forkorte ballerinakostumet: de dansede i kortere nederdele, men selv disse var knap over anklen. I sådanne kortere nederdele var ballerinaer forpligtet til at bære calçons de précaution ( forsigtighed betyder "forebygge", "pas på"), så publikum ikke ville se noget "ubskønt".
I 1735 iscenesatte Jean-Philippe Rameau operaballetten "Gallant India ", som er baseret på fire kærlighedshistorier i forskellige eksotiske situationer. I den udfører danserne bestemt ballet, da dansene til balletten og dansegulvet allerede er anerkendt som forskellige fra hinanden. Vridningen af benene betragtes som en vigtig del af balletten, som derefter krævede en næsten fuldstændig (180 grader) drejning af benene.
I 1738 lagde Jean-Baptiste Lande grunden til en balletskole i Rusland. Hans danseklasser voksede til sidst til en fuldgyldig teatralsk (efter revolutionen i 1917 - udelukkende ballet) uddannelsesinstitution: Academy of Russian Ballet. A. Ya. Vaganova er en af de ældste balletskoler i verden.
I 1739 debuterede italieneren Barbara Campanini (1721–1799), der blev kendt som La Barbarina, i Paris . Mens La Carmargo lavede et fremragende entrechat-quatre, et spring, hvor benene krydser eller rammer hinanden to gange, kunne La Barbarina lave en entrechat-huit , et fire-hit spring.
Fra midten af 30'erne. I det 18. århundrede steg opmærksomheden på ballet i England. Den engelske koreograf John Weaver (1673-1760) skabte ballet d'action ( aktiv ballet ), det vil sige ballet uden at tale. Hele historien blev formidlet i den ved hjælp af danse og pantomime. Hans mest ambitiøse projekt var The Love of Mars and Venus , som involverede Louis Dupré (1697-1774), den første engelske ballerina Esther Santlow (1690-1773) og instruktøren selv. Selvom kærligheden til Mars og Venus var velanset, blev forestillingen hurtigt glemt, og Weaver modtog ikke den anerkendelse, han fortjente. Ideen om effektiv ballet blev brugt i deres produktioner af italieneren Gasparo Angiolini (1731-1803) og Dupres elev, schweizeren Jean-Georges Noverre (1727-1810), som blev kaldt " ballettens Shakespeare ".
I 1758 iscenesatte Jean-Georges Noverre sin første ballet i Lyon og skrev sine teoretiske noter om dans. I 1760 udgav han sin bog Lettres sur la danse et les ballets ( Letters on Dance and Ballets ), hvor han talte om at iscenesætte en ballet d'action ( ballet in action ), hvor dansernes bevægelser var designet til at udtrykke mening og formidle en historie. Denne bog har stor betydning, pga takket være hende var det 18. århundrede en periode med forbedringer i ballettens tekniske standarder og en periode, hvor ballet blev en alvorlig dramatisk kunstform sammen med opera. For at gøre alt, hvad der sker på scenen, så sandt som muligt, valgte Noverre pantomime som hovedvejen .
Ved midten af det 18. århundrede forsøgte mange monarkiske domstole i Europa at være som Versailles . Operahuse åbnede overalt. Dansere og lærere fandt nemt arbejde.
I løbet af denne tid spillede kvindelige dansere en birolle, da de bar krinoliner, korsetter, parykker og høje hæle. Det var svært at danse i sådanne kostumer, og lædermasker forstyrrede udtryk for følelser. Noverre bidrog til forandringen i ballerinaernes traditionelle dragt og iscenesatte i 1763 Jason og Medea uden masker. Dansernes ansigtsudtryk var synlige, og forestillingens enorme udtrykskraft gjorde stort indtryk på publikum.
I 1772 holdt Maximilian Gardel op med at bruge sin maske.
I 1780 optræder John Durn, den første amerikanske danser, i Philadelphia (Pennsylvania, USA).
I 1783 skabte Catherine II det kejserlige opera- og balletteater i Skt. Petersborg , hvortil bygningen af Bolshoi Stone Theatre straks blev bygget .
I anden halvdel af det 18. århundrede var Paris Opera domineret af mandlige dansere som Duprés elev, den italienskfødte virtuos Gaetano Vestris og hans søn Auguste , berømt for sine spring. Kvinder forbedrede også deres balletteknik: Tyske Anna Heinel blev den første danser, der udførte en dobbelt piruette.
I 1789 , på Grand Théâtre de Bordeaux , iscenesatte Noverres elev Jean Dauberval (1742–1806) en af de første balletter om middelklassemennesker, Le Ballet de la Paille , for sin kone, danseren Marie-Madeleine Crepe (1760-1796) . Balletten, hvor en mor forsøgte at arrangere et fordelagtigt ægteskab for sin datter, blev kendt som " Forfængelig forsigtighed ".
Dauberval var i Bordeaux, væk fra hovedstaden, på grund af begivenhederne under den franske revolution . Her dansede italienerne Salvatore Vigano (1769-1821) og hans hustru Maria Medina i truppen under hans ledelse . Viganò, hvis teatralske genialitet er blevet sammenlignet med Shakespeares, vendte igen ballet mod koreodrama efter Noverre . For ham komponerede Beethoven sin eneste ballet - " Creations of Prometheus ".
Med den franske revolution kom en revolution i balletstilen, som det kan ses af tegningerne af Viganò og hans kone. Viganòs kostumer var meget lettere end de foregående. Hans kone ville bære lette, flydende kostumer med udskæringer svarende til den franske kejserlige linje, og begge dansere ville bære bløde, fleksible sko. I 1790'erne ophørte brugen af hælsko i ballet. Mændene havde stramme bukser til knæene og strømper, som gjorde det muligt at se figuren af danseren. Lettere tøj gjorde det nemmere at udføre piruetter og hoppebevægelser.
I 1791 optræder det første amerikanske balletkompagni i Charleston, South Carolina, USA.
I begyndelsen af 1800-tallet var balletten i en overgangsfase i udviklingen, kaldet præromantisk. I den førromantiske æra nåede mandlige dansere deres højdepunkt.
Den italienske koreograf Carlo Blasis ( 1797 (ifølge nogle kilder 1795 eller 1803 ) - 1878 ), en af Viganòs elever, underviste næste generation af dansere, så de ville komme videre i forhold til den foregående generation, og han udgav sine resultater i lærebøger i Italien og derefter i England, der beskriver ballettens finere detaljer. I 1820 skrev Carlo Blasis en elementær afhandling om dansekunstens teori og praksis . Danseteknikken fra det tidlige 19. århundrede blev beskrevet i hans Codex Terpsichore ( 1830 ). Det menes, at han er opfinderen af holdningsstillingen , opfundet på grundlag af det berømte værk af den flamske billedhugger Giambologna, der skildrer guden Merkur, let balancerer på tæerne på sin venstre fod.
Under ballettens præromantiske æra begyndte dansere først at danse på tæerne. Den tidligste afbildning af en kvinde, der danser på tæerne, er et billede fra 1821 af Fanny Bias , men det er muligt, at Geneviève Gosselin dansede på tæerne allerede i 1815 . Det er dog traditionelt antaget, at den første danser, der dansede på fingrene, var den berømte italiener Marie Taglioni ( 1804 - 1884 ), som stod på fingerspidserne i 1822 - i en alder af 18 år, og hvis før hun stod på fingrene var kun et trick, så blev det for hende et udtryksmiddel.
I 1828 debuterede Marie Taglioni ved Paris Opera.
1800-tallet var en periode med store forandringer i samfundet, og det afspejlede sig i balletten, hvor der var en overgang til romantisk ballet.
Romantikken var en reaktion mod industrialiseringens formelle restriktioner og mekanik. Tidens intelligens fik koreografer til at komponere romantiske balletter, der så lette, luftige og frie ud, hvilket skulle være en kontrast til den reduktionistiske videnskab, der ifølge Poe "bragte dryaderne ud af skovene." Disse tilsyneladende urealistiske balletter skildrede kvinder som sarte, overjordiske, luftige skabninger, der kan løftes uden besvær og næsten ser ud til at svæve i luften. Ballerinaer begyndte at bære kostumer i pastelfarver, med nederdele svævende rundt om benene. Manuskripterne handlede om temaerne forfærdelige folkloreånder.
Ballerinaerne Genevieve Gosselin, Maria Taglioni og Fanny Elsler eksperimenterede med nye teknikker, såsom fingerdans, som fik figuren til at fremstå højere og mere yndefuld. Professionelle librettister skrev historier til balletter. Lærere som Carlo Blazis beskrev balletteknik i den grundform, der stadig bruges i dag. Pointe-sko blev opfundet for at understøtte fingerdans.
I 1832 iscenesatte Filippo Taglioni ( 1777 - 1871 ), far til Maria Taglioni, balletten La Sylphide for hende . Maria Taglioni dansede rollen som Sylfen, et overnaturligt væsen, som en almindelig ung mand forelskede sig i og ødelagde. Pointedans blev brugt til at understrege overnaturlig glans og usubstantialitet. Balletten "La Sylphide" havde en enorm indflydelse på ballettens temaer, stil, teknik og kostumer. I La Sylphide bar Maria Taglioni et klokkeformet kostume med en hvalbensoverdel. Baseret på dette kostume blev en romantisk tutu designet 50 år senere .
Balletten "La Sylphide" begyndte den romantiske æra. Det har stadig ikke mistet sin betydning og opføres i teatre den dag i dag, forbliver et af de ældste i ballettens historie.
En anden kendt ballet fra begyndelsen af den romantiske æra er Giselle ( Giselle, ou Les Wilis ), opført på Paris Opera i 1841, koreograferet af Jean Coralli og Jules Perrot ( 1810 - 1892 ). Musik komponeret af Adolphe Adam. Rollen som Giselle blev spillet af Carlotta Grisi ( 1819 - 1899 ), en ny ballerina fra Italien. Giselle er bygget på kontrasten mellem den menneskelige og den overjordiske verden, og i hans anden akt var spøgelsesånderne, kaldet jeeps, klædt i hvide nederdele, som kom på mode efter Sylfen.
I 1845 iscenesatte Jules Perrault Pas de Quatre på Her Highness's Theatre, London .
Efterhånden som den nye færdighed i pointedans blev forbedret, blev kvindelige dansere vigtigere og vigtigere. Kun få mænd var fremtrædende i balletten på det tidspunkt. Nogle af dem var Jules Perrot, koreograf af Pas de Quatre , Lucien Petipa 1815 - 1898 ) og Arthur Saint-Leon ( 1821 - 1870 ), som ikke kun var en fremragende danser, men også en fremragende cellist.
I Rusland og Danmark forbedrede mænd sig sammen med kvinder, mens ballet i disse lande blev støttet af monarkiske domstole [1] . Den dansker, der satte det mest bemærkelsesværdige præg på balletten, var Auguste Bournonville. Efter at have studeret i Danmark og Paris og optrådt i Paris Opera vendte August Bournonville tilbage til Danmark. Der iscenesatte han i 1836 sin version af La Sylphide med ny koreografi og ny musik; 16-årige Lucille Gran spillede rollen som Sylfen.
Selvom ballet i moderne forstand opstod i Frankrig, tilpassede andre lande og kulturer snart denne kunstform til sig selv. Rusland har den mest anerkendte ballettradition den dag i dag.
Efter 1850 begyndte balletten at falme i Paris . Det var stadig populært, men blev hovedsageligt set som et show med smukke kvinder. I London var balletten på det tidspunkt praktisk talt forsvundet fra operahusenes scener og flyttet til scenen.
Men i Rusland og Danmark blomstrede balletten takket være mestrene August Bournonville, Jules Perrot, Arthur Saint-Leon, Enrico Cecchetti og Marius Petipa ( 1818-1910 ) , bror til den berømte danser Lucien.
Mange talentfulde dansere fra Italien optrådte i Frankrig, mens mange franskmænd kom til Rusland, før russiske dansere begyndte at optræde i St. Petersborg . En af de mest kendte dansere var Maria Danilova , som dansede fremragende på pointe og blev husket som den "russiske Taglioni". Hun døde som 17-årig i 1810 .
I 1842 fulgte Christian Johansson ( 1817-1903 ) Maria Taglioni til Rusland og blev der, og blev senere en af de mest fremtrædende lærere i Rusland.
Giselle blev første gang opført i Rusland et år efter Paris-premieren med Elena Andreyanova ( 1819-1857 ) som Giselle. Hun dansede med Christian Johansson og Marius Petipa, de mest berømte dansere i russisk ballet.
I 1848 kom Fanny Elsler og Jules Perrot til Rusland. Perrault forblev i 10 år som direktør for Saint Petersburg Imperial Russian Ballet (nu Mariinsky Ballet Company ).
I 1852 dimitterede Lev Ivanov ( 1834-1901 ) , den første innovator født i Rusland, fra den kejserlige balletskole.
Marius Petipa var stadig hoveddanser ved Sankt Petersborg Ballet i 1862 , da han skabte sin første flerakters ballet Faraos datter til zarens kejserlige teater. Det var en utrolig egyptisk fantasi, med mumier, der kom til live og giftige slanger. Denne ballet gav anledning til andre balletter og måske det, der nu betragtes som klassisk ballet .
I 1869 blev Marius Petipa den primære direktør for St. Petersburg Imperial Russian Ballet i stedet for Saint-Leon og forblev dens direktør i de næste 30 år. Petipa skabte mange balletter af en eller flere akter til iscenesættelse på de kejserlige scener i Rusland. I 1869 rejste han til Moskva og iscenesatte dér balletten Don Quixote for Bolsjojteatret i Moskva.
Så vendte Arthur Saint-Leon tilbage til Paris og iscenesatte " Coppelia ", den sidste store ballet i Paris Opera. Den fransk-preussiske krig og belejringen af Paris førte til ballettens død i Vesteuropa.
I 1877 skabte Petipa balletten La Bayadère til det kejserlige teater i St. Petersborg.
I 1877 var der den første produktion af Swan Lake , en ballet, der nu generelt anses for at være indbegrebet af det klassiske. Svanesøen med musik af Pjotr Iljitsj Tjajkovskij var den første af den russiske ballets såkaldte "tre store". Oprindeligt skabt af østrigeren Wenzel Ratzinger ( 1827-1892 ) , blev Svanesøen redesignet af mange, blandt dem Josef Hansen ( 1842-1907 ) og Petipa i 1895 .
I 1880'erne iscenesatte Petipa to balletter i Rusland, der havde stor succes i Paris - Giselle og Coppélia (oprindelig produktion af Saint-Leon i 1870)
I 1889 skabte Petipa Amulet .
I 1890 blev Enrico Cecchetti ( 1850-1928 ) danser og leder af Imperial Ballet School. Han blev født i Rom, begge hans forældre var dansere, og han studerede med dem. Han studerede også hos Giovanni Lepri, en elev af Carlo Blasis.
I 1890 blev den italienske ballerina Carlotta Brianza ( 1867 - 1930 ) valgt af Petipa til en rolle i den nye ballet Tornerose ). Denne ballet er den anden i de tre store og en af de vigtigste klassiske balletter.
I 1892 (selvom året stadig er et åbent spørgsmål for historikere), skabte Petipa sammen med designeren Ivan Vsevolzhsky og anden instruktør Lev Ivanov balletten Nøddeknækkeren . Dette er den tredje ballet af de tre store. Den er baseret på en sødet fransk genfortælling af novellen af ETA Hoffmann. Nøddeknækkeren har enorm popularitet i hundredvis af forskellige versioner som juleballet . Nøddeknækkeren havde premiere på Mariinsky Theatre den 18. december (6. december ifølge den julianske kalender, der dengang blev brugt i Rusland) 1892.
Petipa er bedst kendt for sit samarbejde med Tjajkovskij . Petipa brugte Tjajkovskijs musik til sine danse i Nøddeknækkeren ( 1892 ), Tornerose ( 1890 ), Svanesøen (1895, med Lev Ivanov ).
I 1890'erne ophørte ballet med at være en stor kunst i Vesteuropa og eksisterede ikke i Amerika. Tre personer, alle fra Rusland, dukkede op på scenen på nogenlunde samme tid og genoplivede interessen for ballet i hele Europa og Amerika: Enrico Cecchetti , Sergei Diaghilev ( 1872-1929 ) og Agrippina Vaganova ( 1879-1951 ) .
Den klassiske tutu begyndte at dukke op omkring denne tid. Den bestod af en kort nederdel understøttet af lag af crinoline eller tyl og gjorde det muligt for benene at udføre akrobatik.
I 1895 lavede Petipa Svanesøen om , inklusive vigtige koreografiske tilføjelser. En af tilføjelserne var de berømte 32 fuettes.
I 1898 iscenesatte Petipa sin sidste ballet ved at bruge datidens seneste præstationer - " Raymonda " - en ballet i tre akter med musik af Alexander Glazunov . I stil med Tjajkovskijs balletter var Raymonda meget svær at optræde på grund af det store udvalg af danse.
I begyndelsen af det 20. århundrede begyndte man at blive træt af ideerne og principperne i Petipas ballet og ledte efter friske ideer. Russisk ballet var allerede mere berømt end fransk, og mange russiske dansere var internationalt kendte. Nok den mest bemærkelsesværdige ballerina på den tid var Anna Pavlova ( 1881-1931 ) , bedst kendt for sin opførelse af The Dying Swan ( 1907 ).
I 1907 begyndte Mikhail Fokin at forsøge at ændre reglerne vedrørende kostumer på Imperial Theatre. Han anså "åbne paraplyer" - som han kaldte ballerinaer i tutus - for kedelige og uanstændige. I hans ballet om de græske motiver "Yenis" Eunice syntes danserne at være barfodede. At have bare fødder var dengang imod reglerne for det kejserlige teater, så tæerne blev malet på dansernes sko. Derudover brugte han seriøs musik i stedet for dansemusik.
I 1909 bragte Sergei Diaghilev ballet tilbage til Paris ved at åbne sit Ballets Russes- kompagni . Blandt danserne i Ballets Russes var de bedste unge russiske dansere - Anna Pavlova, Tamara Karsavina , Adolf Bolm ( 1884 - 1951 ), Vatslav Nijinsky ( 1889 - 1950 ), Vera Karalli . Ballet Russes åbnede i Paris den 19. maj 1909 og var en øjeblikkelig succes. De mandlige dansere, blandt dem Vaslav Nijinsky, vakte en storm af beundring, da der næsten ikke var nogen af dem tilbage i Paris på det tidspunkt. Efter den russiske revolution i 1917 emigrerede truppen fra Rusland.
Ballets Russes optrådte mest i Vesteuropa, men lejlighedsvis også i Nord- og Sydamerika. I 20 år var Sergei Diaghilev direktør for hele balletten i Vesteuropa og Amerika.
Efter en sæson med Ballets Russes grundlagde Anna Pavlova sit eget selskab med base i London og rejste meget rundt i verden og besøgte steder, hvor Ballets Russes ikke kom. Anna Pavlova besøgte mange byer i USA, også små. Hun etablerede ikke en balletskole eller kompagni i USA, men hun inspirerede mange piger til at begynde at danse med sine forestillinger.
Ballets Russes startede med stærke russiske ikoniske værker. Imidlertid blev Le Pavillon d'Armide , Armides pavillon , vist først og var stærkt påvirket af Frankrig. Vaclav Nijinsky, kendt som en af de bedste springryttere gennem tiderne, deltog i opførelsen af Le Pavillon d'Armide både i St. Petersborg og i Paris. Ballets Russes præsenterede i Paris også balletten, der tidligere var kendt som Chopiniana , da al musikken tilhørte Chopin . For det franske publikum blev det omdøbt til "Les Silphydes".
Diaghilev og komponisten Igor Stravinsky kombinerede deres talenter for at skabe balletterne Firebird og Petrusjka baseret på russisk folklore .
Enrico Cecchetti var en af Petrushka-kunstnerne, der spillede pantomime, da han allerede ikke var i særlig god fysisk form. Enrico Cecchetti blev berømt for sin rolle som den onde troldkvinde i Petipas 1890-produktion af Tornerose. Efter at han blev kendt som skaberen af sin egen måde at undervise ballet på.
I 1913 skabte Nijinsky en ny ballet , Le Sacre du Printemps (det russiske navn for Det Hellige Forår , selvom den bogstavelige oversættelse fra fransk er "Dedication of Spring"). Det var det mest kontroversielle værk af Ballets Russes. Denne ballet var baseret på værket af samme navn. Moderne balletmusik og temaet menneskeofring imponerer i høj grad publikum. Musikken blev efterfølgende brugt offentligt af Disney i hans " Fantasy ".
Den sidste vigtige opførelse af Ballets Russes i Paris var i 1921 og 1922, da Diaghilev gen-iscenesatte Petipas 1890- version af Tornerose . Hendes show i fire måneder gav ikke de investerede midler tilbage, og det var faktisk en fiasko. Tornerose vækkede dog publikums interesse for en aftenlang ballet.
I 1933, efter Diaghilevs død, grundlagde René Blum og andre Ballet Russe i Monte Carlo og fortsatte med at føre ballettraditionen videre. Blum blev senere dræbt i Auschwitz af nazisterne.
Efter den russiske revolution blev balletten i Rusland bevaret af A. V. Lunacharsky , den første folkeskolekommissær. Efter Lunacharsky tillod bolsjevikkerne ballet, hvis det var lyst og sublimt. Efter revolutionen forblev et lille antal talentfulde mennesker i landet, men dette var nok til at uddanne en ny generation. Efter stagnation i 1920'erne dukkede en ny generation af dansere og koreografer op på scenen i midten af 1930'erne.
I 1930'erne i Skt. Petersborg (dengang Leningrad) var Agrippina Vaganova kunstnerisk leder af det, der tidligere var blevet kaldt Den Kejserlige Russiske Ballet og begyndte at efterlade spor af sine aktiviteter. I 1935 blev balletkompagniet omdøbt til Kirov Ballet (nu Mariinsky Teatrets Balletkompagni). Som kunstnerisk leder gennemførte Vaganova statslige regler og ændrede slutningen af Svanesøen fra tragisk til sublim.
Vaganova krævede teknisk perfektion og præcision i dans, hun var elev af Petipa og Cecchetti og før det ledede Imperial Ballet School, omdøbt til Leningrad State Choreographic Institute, som uddannede dansere til Kirov Ballet Company. I 1957, seks år efter Vaganovas død, omdøbte regeringen Leningrad State Choreographic Institute til Academy of Russian Ballet. A. Ya. Vaganova . Da Ballet Company of the Kirov Theatre begyndte at rejse til Vesteuropa, var Vaganova allerede død. Vaganovas metode til at undervise i ballet er kendt fra hendes bog "Fundamentals of Classical Dance", som er oversat til forskellige sprog.
Balletten var populær blandt offentligheden. Både Moskvas ballettrop fra Bolshoi Theatre og Leningrad ballettrup fra Kirov Theatre optrådte aktivt. Ideologisk pres førte til skabelsen af balletter af socialistisk realisme, hvoraf de fleste ikke imponerede offentligheden - de blev senere udelukket fra begge teatres repertoire.
Nogle værker fra denne æra var dog bemærkelsesværdige. Blandt dem er Romeo og Julie af Sergei Prokofiev og Leonid Lavrovsky . I balletten Flames of Paris , som har alle de karakteristiske træk ved den socialistiske realismes kunst, blev corps de ballet aktivt brugt for første gang. Balletversionen af Bakhchisarai-fontænen baseret på Pushkins digt med musik af Boris Asafiev og koreografi af Rostislav Zakharov var også vellykket .
Den berømte ballet Askepot med musik af Prokofiev er også et produkt af den sovjetiske ballet. Under sovjettiden var disse produktioner for det meste ukendte uden for Sovjetunionen i den socialistiske lejr. Efter Sovjetunionens sammenbrud blev de mere berømte. Ballets Russes i Frankrig, ballet fik mere indflydelse, især i USA .
I 1911 blev det første balletkompagni i Amerika, Chicago Opera Ballet, grundlagt.
I 1929 dukkede Dorothy Alexander Concert Group op, som senere blev Atlanta Civic Ballet.
I 1933 grundlagde Adolph Bolm San Francisco Ballet.
Fra Paris flyttede Fokine efter en uenighed med Diaghilev til Sverige og derefter til USA og bosatte sig endelig i New York. Han mente, at traditionel ballet var lidt mere end en smuk atletisk præstation. For Fokine var dette ikke nok. Ud over teknisk kunst krævede han tilstedeværelsen af drama, udtryksfuldhed og historicitet. Efter hans mening bør koreografen udforske æraen, hvor balletten opføres, og dens kultur og opgive den traditionelle tutu til fordel for en kostume, der svarer til epoken.
Fokine iscenesatte Scheherazade og Cleopatra . Han redesignede også Petrushka og ildfuglen . Et af hans mest berømte værker var The Dying Swan udført af Anna Pavlova. Udover sine talenter som ballerina havde Pavlova teatralsk evne til at matche Fokines idé om ballet som drama.
Den unge danser og koreograf med Ballets Russes var Georgy Melitonovich Balanchivadze, hvis navn senere blev franskgjort som George Balanchine ( George Balanchine ). Han iscenesatte flere værker på Ballets Russes, mest berømt Apollon Musagète (senere Apollon ) ( 1928 ), en neoklassisk klassiker . Det var en enakters ballet i græsk stil. Efter Diaghilevs død forlod Balanchivadze Ballets Russes, rejste alene i kort tid, og blev i slutningen leder af Ballets 1933-kompagniet, som dog snart lukkede. Lincoln Kirstein inviterede Balanchivadze til Amerika. Kirstein vidste næsten intet om balletter, og Balanchivadze vidste næsten intet om Amerika, bortset fra at kvinder som Ginger Rogers optræder der. Balanchivadze besluttede at acceptere tilbuddet og fandt en ballet i Amerika. Så begyndte Kirstein at liste de balletter, han gerne ville se i Amerika, og den første på listen var Pocahontas .
I 1933 eller 1934 grundlagde Kirstein og Balanchivadze School of American Ballet i Hartford, Connecticut, som gav sin første forestilling, en ny produktion kaldet Serenade , samme år. Balanchivadze udviklede en eksemplarisk teknik i USA ved at grundlægge en skole i Chicago. I 1934 flyttede School of American Ballet til New York, hvilket var vigtigere. Balanchivadze tilpassede balletten til nye medier, film og tv. En produktiv arbejder, Balanchivadze skabte også nye balletter. Han skabte originale fortolkninger af Shakespeares dramaer - Romeo og Julie , Den glade enkemand , En skærsommernatsdrøm . I balletten Jewels brød Balanchivadze med fortælletraditionen og dramatiserede temaet i stedet for grafisk præsentation.
Barbara Karinska, en emigrant fra Rusland, var en dygtig kostumedesigner og samarbejdede med Balanchivadze. Hun hævede rollen som kostumedesign fra en accessorisk til en vigtig del af en balletforestilling. Hun introducerede en skrå kant og forenklede den klassiske balletnederdel, som gav danserne ekstra bevægelsesfrihed. Med omhyggelig opmærksomhed på detaljer dekorerede hun nederdele med perler, broderi og applikationer.
Takket være Balanchivadze kom balletten til Amerika. Nu, delvist takket være Balanchivadze, er ballet blevet en af de mest bevarede danse i verden. Der er en populær misforståelse i Amerika, at ballet kom fra Rusland.
| klassisk ballet | ||
|---|---|---|
| Ballet erhverv |
| |
| ballet kostume | ||
| ballet teori | ||
| Ekspressive midler |
| |