Musik fra Sydøsteuropa
Selve ordet "musik" er af oldgræsk oprindelse ( græsk Μουσική ) og kommer fra "muserne" - i oldgræsk mytologi, Zeus ' døtre , som gav anledning til poesi, kunst og videnskab.
I det antikke Grækenland ledsagede musik forskellige livssfærer og lød ved offentlige møder og begivenheder, i ritualer, i teater og spil. Figurer af musikere findes i mytologi ( Orpheus , Philamon , Tamyris , Marsyas ) og episke digte ( Demodocus og Phemius i Odysseen ). På gamle vaser er der bevaret billeder af musikere, der spiller musikinstrumenter som harpe, cithara og lyre. Til ære for guderne komponerede de gamle grækere salmer, såsom paean nomes til ære for Apollo eller dithyrambs til ære for Dionysos.
Startende fra det 6. århundrede f.Kr. e. musik bliver genstand for filosoffers interesse. Især opdagede Pythagoras en række akustiske mønstre, der er af fundamental betydning for moderne europæisk musikteori. Aristoxenus fremsatte tesen om den empirisk-auditive opfattelse af musikalske intervaller, Platon og Aristoteles udviklede doktrinen om musikkens rolle i etisk uddannelse.
Oldtidens græske musik var overvejende monofonisk ( monodi ). Dets modale grundlag var sammensat af antikke græske tilstande, som var baseret på tetrakorder, som kunne kombineres til oktavtilstande - "harmonier". Navnene på de antikke græske oktavtilstande (lydian, dorian, etc.) er også meget brugt i moderne musikteori.
Ifølge nogle musikforskere og kritikere, især grækerne [1] [2] , var byzantinsk musik stærkt påvirket af oldgræsk musikkultur. De sovjetiske musikforskere K. K. Rozenshild og Yu. V. Keldysh fandt indflydelsen af persisk , jødisk , syrisk og armensk sang og overtog indflydelsen af senantik græsk musik. [3] Romersk indflydelse bør også bemærkes , da Byzans omfattede sådanne kulturelle centre som Alexandria og Antiokia . E. Hertsman, en forsker i byzantinsk kultur, mener, at byzantinsk musik er en fortsættelse af senantik musik. [fire]
Notationen af byzantinsk kirkemusik er en regional variation af neumental notation . Den skelner normalt mellem fire typer svarende til de fire stadier af systemets historiske udvikling:
Tonehøjden af sange optaget i systemet med mellembyzantinsk notation (og senere) er dechifreret [5] . Rytme (for eksempel irrationel forlængelse af individuelle lyde, fermata og pauser), præstationsnuancer (for eksempel dynamiske accenter, glissando, agogy ) og rig ornamentik (for eksempel ornamental mikrokromatisk og vibrato ), også "kodet" i de originale neumer , er dechifreret tvetydigt den dag i dag, er genstand for kontroverser (ofte meget skarpe) blandt byzantologer. Traditionen med musikalsk fortolkning af manuskripter af palæo-byzantinsk notation er gået tabt.
I 1814 foreslog de såkaldte Three Didascalas (andre betegnelser for reformen er "Chrysanthian Notation" og "New Method") [6] en metode til forenklet dechiffrering af antikke musikalske manuskripter, som er blevet udbredt i moderne græsk praksis. tilbedelse som den vigtigste. I det XX århundrede. forsøg på at tyde den byzantinske notation mangedobledes. Fra 1936 i Vesten foreslog redaktørerne (under ledelse af Egon Welles ) af Monumenta Musicae Byzantinae (MMB) serien af videnskabelige publikationer deres egen måde at tyde musikalske manuskripter på. Deres transskriptioner gør melodien som strengt diatonisk , og rytmen som "ytringsfrihed". Denne "frihed" er imidlertid i den 5-linjers moderne MMB-transskription fastsat i form af kun to varigheder - kvarte og ottendedele; således ligner MMB-redaktørernes transskriptioner stærkt de (forældede) rytmiske transskriptioner af gregoriansk sang [7] . Alternative (for det meste relateret til rytme , sjældnere melodier ) transskriptioner af byzantinske notationsmonumenter blev foreslået af fremtrædende vestlige videnskabsmænd - tyskeren Ewald Yammers (1962) [8] og hollænderen J. van Bizen [9] . Bizens metode blev udviklet af grækeren I. Arvanitis, som insisterede på binær rytme i byzantinsk stichera og irmos [10] . I Rusland blev de rytmiske transskriptioner af Arvanitis støttet af en elev af I. E. Lozovoi M. Shkolnik, som på de byzantinske monumenter anvendte det rytmiske system kendt fra russiske (senere) dobbelttegn og musikteoretiske afhandlinger [11] . I selve Grækenland blev det mest vovede forsøg på at genoprette den byzantinske kirkemusik udført af Simon Karas (1903-1999), som opdragede en hel skole af sine tilhængere (en af dens mest fremtrædende repræsentanter er Lycurgus Angelopoulos ). Tilhængere af den neo-byzantinske tradition for de "tre didascals" afviste genopbygningen af Karas og beskrev den som "uprofessionel" og endda "kættersk".
Dimitri Cantemir var den første komponist af osmannisk musik. Mange musikinstrumenter blev bragt til Balkan under osmannisk kontrol, men mange osmanniske instrumenter blev også adopteret af lokalbefolkningen. Indflydelsen af tyrkiske rytmer og melodier kan ses i balkanmusik.
Traditionelle instrumenter i tyrkisk klassisk musik i dag inkluderer tanbur , en langhalset plukket lut , nai , en fløjte med et langsgående hul for enden, kemancha , en bøjet violin, oud , en korthalset, uforet plukket lut, qanun , en plukket citer , violin og, i Mevlevi -musik, - slagtøjsinstrument kudyum og harpe .
Grækernes folkekunst er mangfoldig. Sange kan opdeles i episke, historiske, hverdagslige ballader. Blandt hverdagen er der arbejde, vuggeviser, kærlighed, bryllup, druk, tegneserier, kalender, dedikeret til folkefester. Langt de fleste historiske sange blev til i årene med den græske kamp mod det tyrkiske åg ( klefts sange ) og under dannelsen af den græske stat, hvor forherligelsen af frihed og uafhængighed blev deres hovedindhold. Fremførelsen af græske folkesange ledsages ofte af en runddans .
Navnene på folkedanse stammer fra det område, hvor de findes (for eksempel den kretensiske dans), fra en historisk begivenhed (Zalongo-dansen), fra professionens navn (hasapiko - slagterdans osv.). Eller de tager deres navne fra rytme og bevægelse (sirtos, sirtaki osv.). Folkeinstrumentering omfatter forskellige typer lut, fløjte (avlos), lire (kretensisk lire), langsgående fløjter, sækkepiber. Bouzouki, baglama, mandolin, violin er særligt populære. Sammensætningen af moderne græske folkeinstrumentorkestre omfatter også klarinetter og guitarer.
Albansk musik er en sammensmeltning af de musikalske traditioner i Sydøsteuropa og er i høj grad blevet påvirket af kulturerne hos nabofolkene på Balkan, slaver og italienere, samt tyrkisk indflydelse som følge af det osmanniske åg. Men på trods af, at Albanien var en del af det Osmanniske Rige i næsten 500 år , formåede det albanske folk at bevare deres kulturelle identitet, også i musikken.
Efter uafhængigheden i 1912 havde Albanien ingen professionel musikkultur før 1940'erne. Den første samling af folkemusik blev udgivet af pianisten Peter Dungui 1940. Efter etableringen af det kommunistiske regime i 1944, med aktiv bistand fra USSR, begyndte udviklingen af national kunst, herunder professionel musikkultur. Allerede i 1944 blev koret for Folkehæren i Albanien (senere Folkehærens Kunstneriske Ensemble) organiseret under ledelse af G. Avrazi, i 1960 Statens Folkesang- og Danseensembleledet af Česk Zadeya[12] . Musikskoler begyndte at åbne i byerne i Albanien; i 1947 , Art Lyceum opkaldt efter A. Y. Misya med musikafdelingen for klasser af violin, cello, folkeinstrumenter og sang. I 1950 blev den albanske statsfilharmonik åbnet i Tirana, der samler professionelle udøvende grupper: et symfoni- og blæser-militærorkester, en dansegruppe og solosangere. I 1950'erne iscenesatte den albanske filharmoniker en række værker af russiske komponister - operaen Rusalka af Dargomyzhsky (1953), Ivan Susanin af Glinka (1955), balletten The Fountain of Bakhchisaray af Asafiev (1953).
I 1956 blev National Opera and Ballet Theatre med en balletskole åbnet i Tirana, hvor en række klassiske operaer, operetter og balletter blev opført, herunder sovjetiske - " Lola " af S. N. Vasilenko, " Shurale " af F. Z. Yarullin m.fl. . Ledende kunstnere fra Nationalteatret blev uddannet i USSR og andre lande i den socialistiske lejr, herunder sangere - hædrede kunstnere fra NRA A. Mula, I. Tukichi, M. Dzhemali, L. Kachay, samt D. Atanas, G. Chako; sangere - R. Yorgandzhi, G. Heba, I. Velya; balletdansere - Ærede kunstnere fra NRA A. Aliay, Z. Khadzho, G. Vendresh, samt koreograf P. Kanachi, dirigent M. Wako.
Indtil 1950'erne var der ingen national musik af større former i Albanien. De første nationale operaer begyndte at dukke op i midten af 1950'erne (opera Mrika af P. Yakova, 1954) og i 1960'erne - Spring af T. Daiya (1960), Mindeblomst af K. Kono (1961), "Heltinde" af V. Nova (1967), "Skanderbeg" af P. Yakova (1968), "Pige fra bjergene" af N. Zorachi (1970); balletter — Khalil and Khayria af T. Daiya (1963), Delina af C. Zadeya (1964), Partisan af K. Lyara (1967), Children of the Fisherman af T. Daiya (1972), ballet for børn Fearless eaglet" Ch Zadei (1971); operetter - "Dawn" af K. Kono (1954), "Layla" af T. Daiya (1957); patriotisk oratorium af K. Trako (1961), marchkantate af T. Avrazi, ouverture over albanske folketemaer af D. Leki (1954), Symfoni 1 af Ch., "Børnesuite" for symfoniorkester T. Daya (1956) , strygekvartet T. Daya (1956), "Rondo" for strygekvartet N. Zorachi (1960), "Albansk suite" for fløjte og klaver N. Zorachi (1960), "Three Symphonic Pictures" af C. Zadei, vokal og instrumental suite af T. Harapi (1965), koncerter for klaver og orkester af T. Harapi og C. Zadei (begge 1969), for violin og orkester af N. Zorachi (1969) m.fl.
Efter det kommunistiske styres fald dukkede nye komponister op i landet, såsom Alexander Peci, musikalsk etnograf Ramadan Sokoli, Sokol Shupo, Andry Sina, Pyolumb Worpsy, Vasil Tole, opstod også nye musikalske organisationer, såsom Society of Professional Musicians og Society of New Albanian Music [13] .
Den albanske operasangerinde Inva Mula , datter af komponisten Avni Mula , nyder international anerkendelse.
Bulgarsk musik er en del af den bulgarske , balkaniske , europæiske og verdenskultur.
Bulgarien adopterede kristendommen i 863-864. Med etableringen af kristendommen udviklede sig også kirkesang på det gamle bulgarske sprog, men under det byzantinske herredømme (1018-1187) forsinkede indtrængen af kanoniseret byzantinsk sang i den bulgarske kirke udviklingen af bulgarsk. nationalreligiøse sange forbundet med folkegrundlaget. Efter befrielsen fra styret af Byzans og dannelsen af det andet bulgarske kongerige (1187-1396), begyndte den bulgarske kultur at blomstre. I XIII-XIV århundreder. under indflydelse af folkemusikalsk kunst blev den bulgarske sang dannet , hvoraf prøver blev bevaret i den liturgiske sang af den russisk-ortodokse kirke i det 17.-18. århundrede. Siden dengang er Zograph Trefology (1200-tallet) og Synodikon på Tsar Boril (1300-tallet) blevet bevaret - de eneste skrevne monumenter med musikalsk notation, der er kommet ned til os.
I det 17. århundrede Russiske præster inviterede bulgarske sangere til at undervise russiske korister i kirkesang.
Mange byzantinske korister er af bulgarsk oprindelse. Den mest berømte af dem er sangeren og komponisten John Kukuzel , med tilnavnet "Engelen" (han boede i et kloster i Byzans). Han skabte den neo-byzantinske neumentale notation (de såkaldte "cukuzel neumes"), som bruges i moderne kirkemusik den dag i dag. Mens komplekse, virtuose gøgesange med mønstret ornamentik blev dyrket i Byzans , udviklede der sig enklere, demokratisk kultsang i Bulgarien. Bulgarske melodier, såkaldte. "bulgarica", trænge ind i vestlig kirkemusik. Tyrkernes erobring af Bulgarien (1393-96) satte en stopper for landets uafhængighed som selvstændig stat. De bulgarske munke i klostrene på Athos-bjerget bevarede deres kirkemelodier, og de vandrende munke var distributører af bulgarske sange blandt andre slaviske folkeslag.
Der er syv hovedregioner i Bulgarien, forskellige i deres folklore : Rhodope, Thracian, Strandzha, Pirin, Shopskaya, Dobrudzhanskaya, Severnyashkaya (nordbulgarsk) Bulgariens vigtigste folkemusikinstrumenter er sækkepiber , kaval , gadulka , tambura og tapan .
Under det osmanniske styre var der ingen musikalske institutioner og musikpædagogik i Bulgarien. Kun individuelle bulgarere modtog musikalsk uddannelse i Rusland og Europa. Efter Bulgariens befrielse vendte nogle af dem tilbage til deres hjemland og skabte eksempler på original bulgarsk klassisk musik.
I 1899 skabte Emanuil Manolov den første bulgarske opera, Siromahkinya. Georgy Atanasov skrev operaerne "Altsek", "Kosara", "Forladt Vodnitsa". Panayot Pipkov skabte de første bulgarske børneoperetter "Børn og fugle" og "Schuretz og Mravki". Hans mest berømte værk er Hymne of Saints Cyril and Methodius. Nikola Atanasoff skrev den første bulgarske symfoni. Den vigtigste teoretiker inden for bulgarsk kirke- og folkemusik ved begyndelsen af det 19. og 20. århundrede var Dobri Hristov .
Turbo-folk ( serbisk. Turbo-folk , engelsk Turbo-folk ) er en musikalsk genre, en kombination af elektronisk og folkemusik, der opstod i begyndelsen af 1980'erne i Jugoslavien og i øjeblikket er populær på Balkan. Turbofolkets pionerer var de kvindelige performere Lepa Brena og Dragana Mirković . Turbofolk blomstrede i 1990'erne i Serbien - en af popularisatorerne af denne genre var den jugoslaviske præsident Slobodan Milosevic . For første gang blev et sådant udtryk brugt af sangeren Rambo Amadeus , som ironisk nok kaldte denne musik "kakofoni" [14] , der beskrev sine egne værker.