Louis XIV stil

Louis XIV stil

Versailles (1661-1710).
Land Frankrig
Stiftelsesdato 1640'erne
Forfaldsdato 1710'erne
Vigtige bygninger Slottet i Versailles , Grand Trianon , katedralen i Les Invalides
 Mediefiler på Wikimedia Commons

Stilen fra Ludvig XIV , eller storstilet ( fr. Grand Manière , Le style Louis Quatorze ) er den kunstneriske stil i en af ​​de mest slående perioder i Frankrigs historie . Det blev dannet i den franske kunsts "guldalder" i anden halvdel af det 17. århundrede. Forbundet med den franske enevældes ideologi og æstetik under kong Ludvig XIVs regeringstid (1643-1715). Dens hovedtræk var en usædvanlig kombination af elementer af klassicisme og barok . Klassicismens ideer og kunstneriske former gjorde det muligt at ophøje kongen ved at sammenligne hans gerninger med de store kreationer af kejserne i Rom og barok - for at give disse former en særlig pomp, udtryk og storhed. Deraf tilnavnet "Le Grand" i betydningen "majestætisk, betydningsfuld" [1] .  

Det andet træk ved "den store stil" var kombinationen af ​​ideerne om klassicisme og akademiisme . Det var på dette tidspunkt, at Royal Academy of Painting (1648) blev oprettet i Paris gennem indsatsen fra kardinal Mazarin , det blev ledet af den første portrætmaler af kong Charles Lebrun , og Royal Academy of Sculpture " l'Académie de " peinture et de sculpture ", hvortil J.-B. Colbert i 1671 annekterede Royal Academy of Architecture " l'Académie d'architecture ". Det blev ledet af den fremragende franske arkitekt, teoretiker og lærer Francois Blondel den Ældre . Separat var der Royal Academy of Inscriptions, skabt for at forherlige kong Louis gerninger.

I 1666, ved dekret fra Ludvig XIV, blev det franske akademi i Rom oprettet for at fortsætte uddannelsen og forbedringen i kunsten af ​​franske kunstnere, der vandt den prestigefyldte Rom-pris ( fr.  Prix de Rome ). De store arkitekter i Grand Style-perioden var Louis Lévaux , François Mansart , Jules Hardouin-Mansart , Pierre Le Muet , Claude Perrault og Robert de Côtes .

Ideologiske grundlag, æstetik og de vigtigste stadier i udviklingen af ​​stil

I 1655 vendte den unge konge, som deltog i et parlamentsmøde, sig til deputerede, som ikke var opmærksomme på ham, og udtalte den sakramentale sætning: "L'Etat, c'est moi!" ( fr.  "Staten, det er mig!" ), i betydningen: det er mig, din konge, der kom i parlamentet. Senere ændrede historiografer betydningen af ​​sætningen ved at sætte en bindestreg i stedet for et komma. Endnu senere blev tilnavnet "Le Roi Soleil" - "Solkongen" (som altid skinner over Frankrig) opfundet. I statsdannelsens æra var det kun enhed omkring den kongelige trone af alle sociale kræfter, alle klasser, den katolske kirke, såvel som datidens progressive sind - politikere, filosoffer, forfattere, kunstnere - der kunne sikre den gode landets væsen og velstand [2] .

I stil med Ludvig XIV blev grundlaget for den internationale domstol og den private høviske kultur lagt, og denne stil legemliggjorde samtidig den akademiske klassicismes højdepunkt, som havde en væsentlig indflydelse på dannelsen og udviklingen af ​​klassicistiske stilarter i andre europæiske lande. "Mania of grand style", der overvinder diplomatiske og materielle barrierer, spredte sig over hele Europa. Indtil da blev det italienske ord "maniera", introduceret af G. Vasari , brugt som en æstetisk kategori, fra det 17. århundrede begyndte man at bruge den franske "Le style", hvis endelige status blev givet et halvt århundrede senere af I. I. Winkelman [3] [4] .

"Fantastisk stil kostede mange penge" (Katremer-de-Kensi). Ophøjelsen af ​​kongen, som blev sammenlignet med Alexander den Store og Julius Cæsar , og portrætteret i overensstemmelse hermed, involverede opførelsen af ​​grandiose arkitektoniske ensembler. Derfor blev arkitektur , monumental og dekorativ kunst og maleri i genren formelle portrætter hovedtyperne af kunst . I Solkongens æra var en akademisk teori om "høje genrer" i kunst ved at tage form. Stillingerne som "kongens første arkitekt" og "kongens første maler" blev introduceret. Alt byggeri og kunstnerisk arbejde var i Domstolens afdeling.

Anden halvdel af det 17. århundrede i landene i Vesteuropa er tidspunktet for dannelsen af ​​klassicismens æstetiske teori. Så den fremragende teoretiker og arkitekt François Blondel i The Course of Architecture (1675) hævdede, at grundlaget for den klassiske stil ikke ligger i efterligning af Rom, men i rationel tænkning og nøjagtig beregning af proportioner . Skaberen af ​​"Colonnaden of the Louvre" K. Perrault argumenterede med ham. I 1691 var et andet "Arkitekturkursus" O.-Sh. de Avile . Diskussioner om klassicismens natur resulterede i den berømte " Tvist om det gamle og det nye " , som strakte sig over et helt århundrede. Tilhængere af antikken som en varig og uopnåelig model ("gammel") blev modarbejdet af antikkens kritikere og tilhængere af teorien om fremskridt i litteratur og kunst ("ny").

Louis XIVs stil er betinget opdelt i tre perioder. I den første periode, der faldt sammen med kongens barndom (1643-1660) og Anne af Østrigs regentskab , var arkitektur, indretning og dekorativ kunst domineret af den kunstneriske stil fra den tidligere æra af Ludvig XIII , der lånte fra kunsten af den italienske barok og "anden skole" i Fontainebleau . I den anden periode (1660-1690), da kongen trådte ind i det personlige styre, fik stilen i arkitekturen og andre kunstarter efterhånden nye træk. I den tredje periode (1690-1715) undergik den "store stil" betydelige ændringer takket være arkitekten J. Hardouin-Mansart og den kongelige dekoratør Jean Beren . Stilen blev lettere, mere elegant og indviklet gennem brugen af ​​arabesker og grotesk ornamentik , hvilket senere resulterede i skabelsen af ​​den franske regentsstil og Louis XV-stilen (rokoko) [5] .

Den "store stil" havde en mærkbar indflydelse på dannelsen af ​​andre historiske og regionale stiltendenser fra den " frideriske rokoko " ved den preussiske kong Frederik II 's hof til " Petrine-barokken " under den russiske kejser Peter I.

Arkitektur

Første halvdel af det 17. århundrede: forudsætninger for stilens fremkomst

Klassicismens principper i fransk arkitektur begyndte at tage form og gradvist slå rod i første halvdel og midten af ​​1600-tallet. Deres grundlag blev lagt af arkitekterne fra den franske renæssance . Samtidig blev traditioner helt tilbage til middelalderen stadig bevaret i samme periode, mens de var så stærke, at selv de klassicistiske ordener i bygningerne i første halvdel af århundredet havde en særegen fortolkning: ordenskompositionerne adlød principper for gotisk vægkonstruktion og fik en lodret aspiration usædvanlig for ordresystemer. . Blandt andre traditioner, der er nedarvet fra fortiden, skilte opdelingen af ​​bygninger i tårnformede volumener sig ud, kronet med pyramideformede tage rettet opad. En mærkbar indflydelse på den tidlige klassicisme blev udøvet af den italienske baroks teknikker og motiver , som hovedsagelig blev brugt i boligindretning [6] .

Et eksempel på tidlig klassicisme var Luxembourg-paladset i Paris (1615-1621), bygget af Salomon Debros . Udseendet af paladset, som i detaljer bevarede ligheden med slottene i det forrige århundrede, takket være en klar kompositorisk konstruktion og brugen af ​​en klar rytmisk struktur af to-lags ordener, der delte facaderne, blev kendetegnet ved monumentalitet og repræsentativitet . Tidlige eksempler på ensemblebygning i fransk arkitektur hørte også til første halvdel af 1600-tallet. Arkitekten Jacques Lemercier blev skaberen af ​​det første franske klassicistiske ensemble - komplekset af paladset, parken og byen Richelieu (begyndt i 1627) [7] .

Sammen med Lemercier var den største arkitekt i første halvdel af århundredet François Mansart . Blandt hans hovedværker kan nævnes landpaladset Maisons-Laffite (1642-1650), bygget nær Paris. I afvisningen af ​​den traditionelle planlægningsordning og den strenge orden i det indre af bygningen var klassicismens træk allerede tydeligt manifesteret. Systemet med gulvopdeling efter doriske og ioniske ordener anvendt af Mansart var et forsøg fra arkitekten på at bringe nye klassiske og gamle traditionelle arkitektoniske former til en enkelt stilløsning [8] .

Således begyndte i første halvdel af det 17. århundrede processen med modning af en ny stil, og betingelserne blev forberedt for den franske arkitekturs opblomstring i anden halvdel af århundredet [6] .

Anden halvdel af det 17. århundrede: den franske arkitekturs storhedstid

Den første bygning, hvor overvægten af ​​klassicismens kunstneriske principper over de gamle traditioner tydeligt mærkedes, var paladset Vaux-le-Vicomte (1656-1661), bygget for finansinspektøren Nicolas Fouquet , tegnet af arkitekten Louis Leveaux , landskabsarkitekt André Le Nôtre og indretning "kongens første maler" af Charles Lebrun [9] .

Drevet af misundelse anklagede den unge konge Ludvig XIV, som endnu ikke havde en storslået bolig, Fouquet for underslæb og fængslede ham. Kongen konfiskerede Vaux-le-Vicomte; teamet af Le Vaux, Le Nôtre og Lebrun gik videre for at bygge det kongelige palads i Versailles . Den arkitektoniske løsning af Vaux-le-Vicomte var påvirket af den klassicistiske stil skabt i den tidligere æra af arkitekten François Mansart den Ældre : høje tage, en facade dekoreret med store klassiske pilastre . Kuppelen, lånt fra italiensk barokarkitektur, stødte op til den oprindelige kompositoriske løsning - en stor oval sal i plan, symmetriske sidebygninger, franske vinduer med udsigt til en stor regulær park , et system af udvendige trapper og kanaler, der omgiver paladset [ 10] .

Ludvig XIV var imponeret over godset Vaux-le-Viscount og gav Louis Le Vaux til opgave at designe et stort nyt palads i Versailles for at erstatte det lille palads, der blev genopbygget fra Ludvig XIII's jagthytte. Med tidens gang blev denne bygning hovedeksemplet på Louis XIVs storslåede stil. Efter Levos død i 1670 blev bygningen videreført af Jules Hardouin-Mansart . I 1678-1687 tilføjede han to lange symmetriske bygninger (nordlige og sydlige fløje) til facaden af ​​paladset fra siden af ​​parken, hvorefter facadens samlede længde var 670 meter [11] . Facaderne demonstrerer klart principperne for den "store stil", der kombinerer elementer af klassicisme og barok. De er opdelt vandret af gesimser i tre etager – horisontalerne rimer på parterreparkens åbne rum. Den nederste etage er understreget af en let "fransk" rustikation (uden lodrette sømme); den anden - med enorme "franske" vinduer , pilastre og dobbeltsøjler af fremspringende risalitter , hvilket bringer barokspænding til kompositionen. Balustraden på taget med vekslende armaturer (krigstrofæer) og urtepotter med stenflammer rettet mod himlen skaber en barok følelse af ustabilitet og dynamik. Den triadiske struktur (centralbygningen og to sidebygninger, tre etager og tre risalitter på hver) understreger tværtimod det klassicistiske fundament [12] .

Det indre af anden sal langs hele facaden af ​​den centrale bygning fra siden af ​​parken er optaget af det store eller spejlgalleri (Galerie des Glaces), der strækker sig over 73 m - en enestående skabelse af Hardouin-Mansart. Maleriet af buerne, stukudsmykningen og ideen om at dekorere væggen overfor vinduerne med spejle tilhører kongens første maler, Charles Le Brun. Sammen med de flankerende haller af Krig og Fred (sidstnævnte ville kun blive færdiggjort under Ludvig XV ) ,  forbandt galleriet Kongens Grand Appartements med Dronningens kamre, og blev til apoteosen for Ludvig XIVs "store stil" [13] . Da Hardouin-Mansart designet rummet til Mirror Gallery, var baseret på det galleri, han tidligere havde skabt til slottet Clagny og Gallery of Apollo, skabt af Louis Leveau og Charles Lebrun i Louvre .

Tidligere i galleriet var der møbler lavet af støbt sølv, senere gik det tabt. Men i vores tid imponerer det indre af galleriet med luksusen af ​​dekoration [14] . Ud over det fortjener "Slagets Galleri" og Det Kongelige Kapel også omtale .

Hardouin-Mansart udviklede sine ideer i bygningerne i Versailles Park , herunder designet og konstruktionen af ​​Det Store Trianon (1680-1687; tidligere "Marmor Trianon") på stedet for den gamle "porcelænstrianon" bygget af L. Levo (Trianon var tidligere placeret på dette sted landsby). Den nye pavillon blev bygget i form af en peristyl med dobbeltsøjler af pink marmor af den joniske orden. Marmorgulvet er lagt i skrå tern, vægge og pilastre er ligeledes beklædt med pink marmor.

I anden halvdel af 1660'erne besluttede kong Ludvig XIV at genopbygge den østlige del af Louvre-paladset . Siden januar 1664 var "surintendenten for de kongelige bygninger" (surintendent Bâtiments du Roi) den almægtige finansminister J.-B. Colbert. Ved hans beslutning omfattede kommissionen for design af Louvres østfacade arkitekterne Louis Leveaux , Charles Lebrun og François d'Orbey og Claude Perrault . Perrault overtog de tekniske og tekniske problemer i dette projekt, men de var de vigtigste på det tidspunkt, og derfor fik den østlige facade, som lukkede Louvres " Square Courtyard ", efterfølgende hans navn: "Claude Perraults søjlegang" [ 15] .

I april 1665 ankom den italienske barokarkitekturs geni, G. L. Bernini , til Paris . Han bragte sit projekt, men det blev afvist (kongen inviterede også C. Rainaldi og Pietro da Cortona til at deltage i konkurrencen ). Ifølge en version viste klassicismen sig at være tættere på franskmændene end den frodige og pompøse italienske barok. Ifølge en anden version har J.-B. Colbert, der ledede konkurrencen, insisterede på et billigere klassicistisk projekt end Berninis barokversion (og besluttede at tilegne sig forskellen i midler) [16] .

Louvres østfacade er et mesterværk af fransk arkitektur fra det 17. århundrede. Perrault opfandt en speciel teknik til at lægge tilhuggede sten uden mørtel, som giver indtryk af et usædvanligt glat plan af væggen. Barok i denne komposition er kun til stede i ringe grad. Det skyldes til dels den nye franske "models" bevidste modstand mod den forældede italienske. I Leveaux, D'Orbe og Perraults projekt er barokken i ringe grad til stede. En kraftig søjlegang af den "store orden" (to etager høje) af dobbelt riflede søjler af den korintiske orden er installeret på den første kælderetage af glat murværk af lys, næsten hvid ardennerkalksten med aflange " franske vinduer ". Kolonnaden på anden og tredje etage danner en typisk italiensk loggia . Hele facaden af ​​betydelig længde (173 m), takket være præcist fundne proportioner og rytmen af ​​dobbeltsøjler, dygtigt "brudt" af tre risalitter : den centrale (med en trekantet fronton) og to sidesøjler, dekoreret med halvsøjler og pilastre, skaber indtryk af ægte storhed. Facadens centrale passagebue åbner udsigten til to indre gårde i paladset, som om de var spændt på én akse.

I den tidlige periode af Ludvig XIVs regeringstid blev der grundlagt en kirke ved Val-de-Grâce hospitalet - kirken Val-de-Grâce (1645-1710). Templets projekt begyndte at blive udviklet af Hardouin-Mansart, Jacques Lemercier og Pierre Le Muet og afsluttet af Gabriel Leduc. Dette er den mest barokke kirkebygning i Frankrig, men meget langt fra den italienske barokstil . Kompositionen er baseret på en plan i form af et latinsk kors. Facaden følger ifølge Trent -konciliets afgørelser konceptet om de romerske barokkirker af jesuiterordenen eller Trentino-stilen, men en kæmpestor tromme over korsvejen med en uforholdsmæssig stor kuppel, der minder lidt om kuplen af College of the Four Nations af L. Levo (1668), giver templets arkitektur originalitet. Den to-etages facade af kirken er også usædvanlig, med en stærkt fremstående portiko med tvillingesøjler af den korintiske orden . Den løsnede entablatur , to store volutter på siderne og en revet fronton af det øverste lag forstærker kirkens overordnede barokke facade.

Sammensætningen af ​​den "romerske" facade af Val-de-Grâce kirken svarer til dem, der blev skabt af J. Lemercier i Sorbonne-kirken (1635-1642), L. Levo i bygningen af ​​College of the Four Nations (1661) -1665) og J. Hardouin-Mansart i katedralen for invalidehuset (1693-1706) [17] .

I sammensætningen af ​​kirken Les Invalides i Paris ( 1693-1706 ) demonstrerede arkitekten J. Hardouin-Mansart for første gang det såkaldte "franske skema" : en krydsplan, perfekt symmetri, søjlegange , en tromme omgivet af parrede søjler med en forgyldt "romersk kuppel" dekoreret med krigstrofæer, en lanterne-lanterne og et spir på samme lodrette akse. En sådan ordning forbinder mange elementer og har ingen direkte prototyper i arkitekturens historie. Portikerne og kuplen minder om Grækenland og Italien, men spiret og lanternen korrelerer sammensætningen med landene i Nordeuropas arkitekturtraditioner. Katedralens højde er 107 meter. De forgyldte trofæer i kuplen og spiret på Les Invalides-kirken, der funkler i solen, er et af vartegnene i stor højde i panoramaet af Paris. André Mauroy skrev, at Les Invalides efter hans mening repræsenterer "selve essensen af ​​fransk kunst": "Den lange facade er lige så storslået som Louvres søjlegang. Den mystiske vigende kuppel, kombinationen af ​​grønlig bronze og guld i den, charmen ved trofæerne, der dekorerer den - alt dette kombineres for at give bygningen både originalitet og klassisk perfektion .

Med tiden blev Hardouin-Mansart's "franske plan" eksemplarisk for neoklassisk arkitektur "nord for Alperne". Det blev gentaget i generelle vendinger af J.-J. Souflot i kirken St. Genevieve (Pantheon) (1758-1789) og delvist udviklet af Christopher Wren i St. Paul's Cathedral i London (1675-1708).

Et enestående arkitektonisk monument af "stor stil" er Saint-Denis-porten , bygget i 1672 i henhold til Francois Blondels projekt på ordre fra Ludvig XIV til ære for hans hærs sejre på Rhinen. Sammensætningen er baseret på en triumfbue med enkelt spænd fra de gamle romere.

Siden 1676 har F. Blondel udviklet den generelle plan for Paris, som sørgede for oprettelsen af ​​store arkitektoniske ensembler og perspektiver. Det første afsluttede projekt var "Kongepladsen" (senere Place des Vosges ), hvis konstruktion begyndte under Henrik IV , suppleret under Ludvig XIV med en rytterstatue af kong Ludvig XIII. Place Dauphine på Île de la Cité blev senere genopbygget , komplet med en rytterstatue af Henrik IV [19] .

Det næste store projekt var " Sejrspladsen " ( fr.  Place des Victoires ; 1684-1697) - et kompleks af syv store bygninger, opdelt i tre grupper af gader, der konvergerer til en oval plads (Hardouin-Mansart-projektet). En rytterstatue af Ludvig XIV af M. Desjardins blev placeret i midten af ​​pladsen (ødelagt i 1792 under den franske revolution). Place Vendôme , også designet af Hardouin-Mansart mellem 1699 og 1702, var det sidste byplanlægningsprojekt under Ludvig XIVs regeringstid . Generelt var alle byplanlægningsprojekter i denne periode kendetegnet ved facaderne af bygninger i stil med Ludvig XIV, hvilket gav pladserne et højtideligt udtryk [19] .

Skulptur

På grænsen til barok og klassicisme udviklede franske billedhuggere af "den store stil" ( fr.  Grand Manière ) og deres tilhængere, hvoraf mange begyndte at arbejde for parken i Versailles: F. Girardon , A. Coisevo , P. Puget , J.-B. Tubi , J.-B. Pigalya . Skulpturen af ​​P. Puget om emnet oldtidshistorie "Milon af Croton" (1672-1683, Louvre, Paris), den skulpturelle gruppe af F. Girardon "Pluto bortfører Proserpina" (1678-1699) til søjlegangen af ​​J. Sydens Hardouin-Mansart er kendetegnet ved et ekstraordinært barokudtryk: Versailles-parkens parterre, Enkelad-fontænen af ​​G. Marcy (1675-1677). Skulpturerne i Apollongrotten (F. Girardon, 1664-1672) er dog karakteriseret ved klassisk klarhed og balance [20] .

Parrede skulpturelle grupper af " Marly Horses ", eller "Horse Tamers", blev skabt af Guillaume Coustous den Ældre i den efterfølgende æra, i 1743-1745, men deres udtryk afspejler æstetikken i Solkongens "store stil". Værkerne af Versailles-billedhuggerne og Coustous "heste" var meget succesrige, og i romantikkens æra forudså de Théodore Géricaults besættelse , hans "Race of Free Horses in Rome" (1817). Værkerne af Puget og Coust blev beundret af Eugene Delacroix og Victor Hugo [21] .

Den italienske barok geni, J. L. Bernini , skabte under sit besøg i Paris i april 1665 en marmorbuste af Ludvig XIV. Efter sin tilbagevenden til Rom skulpturerede Bernini en monumental rytterstatue af kong Louis i form af Alexander den Store. Da det blev bragt til Paris i 1685 (efter forfatterens død), fandt den franske konge det modbydeligt og ønskede at ødelægge det. Så lavede F. Girardon det om til billedet af den antikke romerske helt Mark Curtius [22] . Replikaer af dette værk i bronze blev installeret: den ene i den forreste gårdhave (court d'honneur) i Versailles, den anden i Napoleons Hof ved indgangen til Louvre-museet. En anden rytterstatue af kongen blev også lavet af Girardon i 1692. I 1699 blev den installeret i centrum af Place Louis den Store (senere: Place Vendôme ) i Paris (statuen blev ødelagt under den franske revolution i 1789). Tidligere, i 1784, blev en reduceret kopi af monumentet ved kongelig anordning placeret i Antiquarium of Louvre. Det blev gentagne gange gengivet i graveringer og blev en af ​​prototyperne på mange andre lignende monumenter fra efterfølgende epoker [23] .

Ornamental gravering og dekorativ kunst

Ornamental gravering var af stor betydning i alle franske "kongelige stilarter" , det tjente som en "bærer" af nye ideer inden for dekorativ komposition. Forskere mener, at det var i Ludvig XIV's æra, at genren selv (mere præcist: en slags grafisk kunst) af ornamental gravering blev skabt [24] [25] .

Når de arbejdede i den genre, var kunstnerne ikke reguleret af plottet og kundens krav, de gav deres fantasi frie tøjler og udarbejdede de formelle elementer af stil til perfektion. Hovedtrækkene i "den store stil" kommer faktisk bedst til udtryk ikke kun i arkitekturen, men også i kompositionerne af Jean Lepotre , J.-A. Ducerceau , Jean Beren den Ældre , Daniel Marot den Ældre [26] .

Jean Lepotre formåede at skabe sin egen stil og originale måde inden for rammerne af en stor historisk stil. De dekorative kompositioner skabt af Lepôtre fængsler med kompositionens ekstraordinære dristighed, fantasi, rigdom af dekorative former, nogle gange endda tilsyneladende for frodige og tunge, overfyldte med detaljer. Lepôtre grupperede sine fantasier efter emne og udgav dem som samlinger af raderinger . Indbundet "in-quattro" (i et fjerde ark) blev de fordelt blandt kunstnere og kunstelskere. Kunstneren grupperede dem under betingede navne: "Fontæner og pejse", "Vaser", "Møbeldetaljer", "Plafonds", "Borders", "Udskårne paneler og indramningsspejle", "Smykker". Lepôtres graveringer blev brugt af chasere, træskærer- og malermestre, medaljetagere, broderere og keramikere [27] .

Lepôtre var en af ​​de første, der aktivt brugte i sine kompositioner et ornament af typen bandelwerk  - et dekorativt motiv i form af sammenflettede bånd og sløjfer. Han kombinerede det med traditionel akantus, renæssanceskaller og guirlander og supplerede det med utrolige arkitektoniske og dekorative strukturer, mytologiske væsner og andre opfindelser. I Lepôtres fantastiske kompositioner kom hovedtrækkene i "den store stil" tydeligt til udtryk: de klassiske kompositoriske konstruktioner og den barokke formrigdom. I alt i løbet af sit liv skabte Jean Lepotre mere end to tusinde graveringer. Jean Lepotre lavede tegninger til den kongelige fabrik i Gobelins , lavede skitser af ornamental indretning til André Charles Boulles møbelværksted . Fra 1677 var han medlem af Det Kongelige Arkitektakademi. Jeans yngre bror, Antoine Lepotre  , er en arkitekt bag "den store stil". [28] .

I 1800-tallet blev Lepôtres albums købt på internationale auktioner af kunst- og industrimuseer, skoler og biblioteker som undervisningsmidler for mestre og "videnskabelige tegnere" for industrien. Især otte albums af Lepotra blev erhvervet af A. A. Polovtsov til School of Technical Drawing of Baron Stieglitz i St. Petersburg [29] .

De dekorative kompositioner af tegneren, teaterdekoratøren og gravøren Jean Beren den Ældre fik deres eget navn i kunsthistorien: berenader. Denne kunstner formåede at skabe en original overgangsstil fra den tunge og pompøse "store stil" til stilen fra det franske regentskab fra det tidlige 18. århundrede, varsleren for rokokoen i 1730'erne-1740'erne. Beren var ikke i Italien, men der er italienske motiver i hans kompositioner: Renæssancegrotesker , mascaroner , karakterer fra det italienske gadeteater Commedia dell'arte . Berens bizarre kompositioner blev indgraveret og udgivet i serier og i separate ark. De viser indflydelsen fra barok arkitektur , flamsk barok ornamentik, men mest af alt - strukturerne i Versailles-parken: springvand, allegoriske skulpturer, vogne af Helios og masker af solguden Apollo  - Solkongens emblem. Og også: kimærer, aber, kurve med blomster og frugter, musikinstrumenter og antikke altre, blomsterguirlander. Alle elementer er forbundet af strenge af guirlander og tynde kanter, der danner rammen om denne imaginære luftarkitektur [30] .

Kunstneren lavede tegninger til gobeliner , dekoration af møbler og fajance fra slutningen af ​​det 17. - tidlige 18. århundrede, dekoration af paladsinteriør og endda udsmykning af skibe. Beren-ornamentet blev brugt til at dekorere fajanceprodukterne fra Rouen og Moustier. Hoffestligheder og teaterforestillinger på scenen i Versaillesparken, herunder opsætninger af operaer af J.-B. Lully (opera "Amadis" 1684, ballet "Arc de Triomphe" 1681) og Molières komedier . Kunstneren havde ærestitlen "kongens tegner" [31] .

Generelt, på trods af citaterne, er berenade-stilen usædvanlig og unik. Det er præget af lethed, raffinement, musikalitet. Der er ingen tvivl om, at nogle af disse kompositioner blev implementeret i teatralske produktioner, især kulisser og kostumer til produktioner og mange andre. Derfor tilskrives Berens værk den såkaldte "Versailles-stil". Teaterkulisser og kostumer, som senere gik tabt, satte sit præg på ornamentale stik [32] .

Jean Beren den Ældre blev kaldt "oraklet for smagen af ​​sin æra." Hans kompositioner blev gentaget og varieret af andre kunstnere, inklusive dem uden for Frankrig. De samlinger af graverede tegninger, han udgav, spillede en vigtig rolle i dannelsen af ​​det 18. århundredes dekorative kunst. Hans grotesker blev fortolket i deres dekorative malerier af malerne Claude Gillot og Antoine Watteau . I 1711 udkom en komplet samling af kompositioner af Jean Berin i Paris i 3 bøger (L'Œuvre de J. Berain, Ornements inventés par J. Berain og Œuvres de J. Berain contenant des ornements d'architecture).

Den enestående møbelsnedker André Charles Boulles individuelle stil trådte ind i kunsthistorien under hans navn: "boule-stil". Det afspejler også perfekt hovedtrækkene i den "store stil", der kombinerer elementer af klassicisme og barok . Produkter fra A.-Shs værksted. Boulle er kendetegnet ved stringens og monumentalitet, kombineret med pomp og elegance, tektonisk form med forfining af indretning af forskellige farver og teksturer. Buhl kombinerede rødt, eksotisk palisander og ibenholt med massive støbte dele af forgyldt bronze. De overdådigt udsmykkede interiører i "storstilen", især Versailles , krævede netop sådanne møbler: et andet ville gå tabt på baggrund af rigt dekorerede vægge af flerfarvet marmor, mosaikker, spejle og monumentale forgyldte gulvlamper og kandelabre. Hvis tidligere hofmøbelmagere blev kaldt "små snedkere" (menuisier), så var Boulle den første i 1762, der blev tildelt ærestitlen kongelig ibenholt (ébéniste du Roi) - "sorttræsarbejder" (fra det græske ebenos - ibenholt), det vil sige en mester i høj klasse, der arbejder med de dyreste materialer.

Boule erstattede reliefudskæringen med indretning, hvis teknik han opfandt selv, baseret på traditionerne fra italienske mestre i det 14.-15. århundrede. Det var ikke et simpelt indlæg , men en dyb intarsia  - at skære et materiale i tykkelsen af ​​et andet. Håndværkeren lagde materialer, der var effektivt kontrasterende i farve og tekstur, i én "pakke": rød kobber, gul messing, sølv eller mat tin, mørk kirsebærstribet skildpaddeskal, elfenben og skinnende perlemor. Derefter savede han en tegning ud i henhold til på forhånd forberedte skabeloner ved hjælp af inversion: han byttede den "første figur" (premièrefest) og baggrunden (kontrapart) af den samme tegning, skiftende lyse og mørke toner. Booles tidlige produkter er stadig ufuldkomne, intarsia-sømmene er fyldt med mastiks, men i de efterfølgende opnåede Boole ved hjælp af "pakker" en absolut sammensmeltning af baggrund og mønster [33] .

I begyndelsen brugte Boulle de ornamentale kompositioner af Jean Berin , Daniel og Jean Marot . Så begyndte han at arbejde på sine egne tegninger. Buhl lånte ideen om at bruge ibenholt fra Flandern, og motiverne af blomsterbuketter fra den hollandske mester Jan van Meekeren. Buhl supplerede intarsiaen med niello-gravering (niello). Til skulpturelle detaljer i Booles værksted blev der brugt motiver af karyatider , volutter , palmetter . Han tegnede og skulpturerede alle modellerne selv. I midten er en obligatorisk mascaron med solguden Apollons ansigt og grenstråler, der divergerer fra ham - Solkongens emblem.

I 1662, på ordre fra finansministeren Jean-Baptiste Colbert , på vegne af selveste Ludvig XIV, blev den "kongelige møbelfabrik", bedre kendt navn: Tapestry Manufactory , organiseret , hvor de begyndte at producere ikke kun tæpper, men også møbler, mosaikker, bronzeprodukter: lamper og møbler, under ledelse af den første kongemaler, Charles Lebrun . Siden 1664 har Beauvais-fabrikken været i drift , siden 1665 - Aubusson-fabrikken , såvel som Savonneri-fabrikken grundlagt i den tidligere æra . De kongelige fabrikkers aktiviteter bidrog til udviklingen af ​​indretningskunsten [34] .

Samlinger og lånere

I de samme år blev kongens storslåede plan udført: at lave graveringer af alle de betydningsfulde kunstværker, der blev skabt i Frankrig i årene af hans regeringstid og placeret i de kongelige samlinger. Et sådant kunstleksikon blev skabt fra 1663 og udgivet sekventielt i albums med indgraveringer på kobber i folio ("på et ark", stort format) fra 1677 til 1683. Graveringerne gengiver malerier, skulpturer, gobeliner fra de kongelige samlinger, udsigter over kongelige paladser og slotte samt samlinger af medaljer, mønter, antikke cameoer fra hertug Philippe af Orleans ' private samlinger (La collection de la maison d'Orléans ), andre samlere og lånere. Disse album blev genoptrykt, senere, under Regency-perioden, i 1727-1734 under navnet "Royal Cabinet" (Cabinet Royal). En lignende serie blev skabt i 1729-1742 under ledelse af Pierre Crozat [35] . Kongens initiativer bidrog til dannelsen af ​​kunstsamlingen, som senere dannede grundlaget for Louvre-museet . Kongen erhvervede værker af franske og italienske kunstnere. Ved slutningen af ​​Louis XIV's liv bestod det "kongelige kabinet" af over to tusinde malerier. Kongen erhvervede en del af kardinal Mazarins samling samt den engelske konge Charles I 's kunstsamling (inklusive samlingen af ​​hertugerne af Mantua Gonzaga), som blev solgt ved parlamentets beslutning efter henrettelsen af ​​kongen af ​​Cromwell [36] .

Solkongen brugte meget på krigsførelse, arkitektoniske projekter og kunstindsamling. Ved slutningen af ​​hans regeringstid begyndte staten at opleve betydelige økonomiske vanskeligheder. I 1689 udstedte kongen det berygtede "Dekret mod luksus" for at smelte alle guld- og sølvgenstande om til mønter. Soldaterne gik til den parisiske adels huse og tog nådesløst alt, hvad de ikke kunne skjule. Et stort antal uvurderlige kunstværker af de bedste franske kunstnere gik tabt: bordsæt lavet af guld og sølv, smykker. Men kongen havde stadig ikke penge nok, og dekretet blev gentaget i 1700. "Dekreter mod luksus" havde en række konsekvenser. De bidrog til væksten af ​​fajanceproduktionen i Frankrig : det tabte sølvtøj blev erstattet af fajance, produceret af fabrikker i Rouen og Moustiers . Mange genstande, der gik til grunde i Frankrig, er blevet bevaret som diplomatiske gaver på museer i andre lande, især i Wallace-samlingen i London, i Armory i Moskva [37] [38] og i St. Petersburg Hermitage .

I 1685, under indflydelse af den katolske markis de Maintenon , besluttede kongen at annullere Ediktet af Nantes om religionsfrihed. Med dens ophævelse blev en betydelig del af malerne-dekoratørerne, juvelermestrene, chaserne, emaljerne, keramikerne, væverne, der var protestanter, tvunget til at emigrere. De flyttede til Holland , England , Danmark , Rusland , Schweiz , Preussen , hvilket sikrede den intensive udvikling af kunsten i disse lande. Kunsthåndværk og handel i Frankrig faldt i forfald. Ved slutningen af ​​det 17. århundrede havde "den store stil" udtømt sine muligheder og blev i 1715, efter kongens død, erstattet af Regency -kammerstilen .

Noter

  1. ↑ Vlasov V. G. . "Fantastisk stil", eller stilen fra Louis XIV // Vlasov V. G. Ny encyklopædisk ordbog over kunst. I 10 bind - Sankt Petersborg: Azbuka-Klassika. - T. II, 2004. - S. 265-274
  2. ↑ Savin A.N. Age of Louis XIV. — M.: GIZ, 1930; Yurayt, 2020. - S. 3-17
  3. ↑ Vlasov V. G. . Stil // Vlasov VG New Encyclopedic Dictionary of Fine Arts. I 10 bind - Sankt Petersborg: Azbuka-Klassika. - T. IX, 2008. - S. 260-270
  4. ↑ Zedlmayr G. Kunst og sandhed. Kunsthistoriens teori og metode. - St. Petersborg: Axioma, 2000. - S. 15
  5. ↑ Ducher, 1988 , s. 120.
  6. ↑ 1 2 Bykov, Kaptereva, 1963 , s. 184.
  7. ↑ Bykov, Kaptereva, 1963 , s. 184-185.
  8. ↑ Bykov, Kaptereva, 1963 , s. 186.
  9. ↑ Bykov, Kaptereva, 1963 , s. 204.
  10. ↑ Ducher, 1988 , s. 122.
  11. ↑ Slottet i Versailles historie. Paris: Link, 1998. Hentet 1. august 2020. https://www.linkparis.com/blogs/news/palace-of-versailles-history Arkiveret 20. september 2020 på Wayback Machine
  12. ↑ Vlasov V. G. . Versailles // Vlasov VG New Encyclopedic Dictionary of Fine Arts. I 10 bind - Sankt Petersborg: Azbuka-Klassika. - T. II, 2004. - S. 522
  13. ↑ Meyer D. Versailles. Guide. - Paris: Art Fox, 1998. - S. 44
  14. ↑ McCorquodale C. Boligindretning fra antikken til i dag. — M.: Kunst, 1990
  15. ↑ Paris: Michelin et Cie, 1997, s. 212
  16. ↑ Mormando. F. Bernini: Hans liv og hans Rom. - Chicago: University of Chicago Press, 2011. - S. 255-256
  17. ↑ Ducher, 1988 , s. 124.
  18. ↑ Maurois, André. Paris // Oversat fra fransk af E. Leonidova. - M . : Kunst, 1970. - S. 29-30.
  19. ↑ 12 Texier , 2012 , s. 38-39.
  20. ↑ Meyer D. Versailles. Guide. - Paris: Art Fox, 1998. - S. 121-155
  21. ↑ Kozhina E.F. Frankrigs kunst fra det 18. århundrede. L .: Kunst, 1971. S. 88
  22. ↑ Wittkower R. Gian Lorenzo Bernini: Billedhuggeren af ​​den romerske barok. - London: Phaidon Press, 1955. - S. 89
  23. ↑ Vlasov V. G. . Cavallo // Vlasov VG New Encyclopedic Dictionary of Fine Arts. I 10 bind - Sankt Petersborg: Azbuka-Klassika. - T. IV, 2006. - S. 260
  24. ↑ Henze W. Ornament, dekor und zeichnen. - Dresden, 1958. - S. 69-72
  25. ↑ Ornamental gravering fra det 16. århundrede i Eremitagesamlingen: Udstillingskatalog. - L .: Kunst, 1981
  26. ↑ Vlasov V. G. . Ornamental gravering // Vlasov VG Ny encyklopædisk ordbog over billedkunst. I 10 bind - Sankt Petersborg: Azbuka-Klassika. - T. VI, 2007. - S. 524-529
  27. ↑ Préaud M. Inventaire du fronds français: graveurs du XVII siècle. —Tom 11. Antoine Lepautre, Jacques Lepautre og Jean Lepautre. — Paris: Bibliothèque Nationale de France, 1993
  28. ↑ Vlasov V. G. Stilarter i kunst. I 3 bind - Sankt Petersborg: Kolna. T. 2. - Navneordbog, 1996. - S. 507
  29. ↑ Vlasov V. G. Kunst- og industrimuseer, kunst- og industriskoler // Vlasov V. G. Ny encyklopædisk ordbog over billedkunst. I 10 bind - Sankt Petersborg: Azbuka-Klassika. - T. Kh, 2010. - S. 358-359
  30. ↑ Vlasov V. G. Beren, berenades // Vlasov V. G. Ny encyklopædisk ordbog over kunst. I 10 bind - Sankt Petersborg: Azbuka-Klassika. - T. II, 2004. - S. 136-138
  31. ↑ Jérome de La Gorce. Berain, dessinateur du Roi Soleil. Paris: Herscher, 1986
  32. ↑ Kimball, F. Creation of the Rococo. — Philadelphia: Philadelphia Museum of Art, 1943
  33. ↑ Vlasov V. G. "Boule", "boule-stil" // Vlasov V. G. Ny encyklopædisk ordbog over kunst. I 10 bind - Sankt Petersborg: Azbuka-Klassika. - T. II, 2004. - S. 347-349
  34. ↑ Morant A. de. Histoire des arts decoratifs des origines a nos jours. - Paris: Hachette, 1970. - S. 355-356
  35. ↑ Dubois de Saint-Gelais. Beskrivelse af tableaux du Palais Royal afec la vie des peintres à la tête de leurs ouvrages. Paris: D'Houry, 1737; 1975
  36. ↑ Kunst og historie i Paris og Versailles. - Firenze: Bonechi, 1996. - S. 56
  37. ↑ Bobrovnitskaya I. A. State Armory. - Moskva: sovjetisk kunstner, 1980. - S. 12, 22
  38. ↑ Armory. Sølv figurative kar fra det 16.-17. århundrede. - Moskva: Billedkunst, 1979. - S. 1-47

Litteratur