Poetisk realisme ( fransk Réalisme poétique , engelsk Poetic realism ) er en kunstnerisk bevægelse i europæisk, hovedsageligt fransk film . Den nåede sin største udtrykskraft og efterspørgsel i anden halvdel af 1930'erne - første halvdel af 1940'erne. Retningen er baseret på en poetisk ophøjet afspejling af livet og livet i middel- og lavere samfundsklasser i den beskrevne periode. Hovedeksponenterne for den poetiske realismes ideer anses for at være digteren og dramatikeren Jacques Prevert , instruktørerne Jean Renoir , Jean Vigo , Julien Duvivier , Jacques Becker , Marcel Carnet , Pierre Chenal . En række filmkritikere, ledet af forfatteren Pierre McOrlan , brugte udtrykket "social fiktion" til at navngive retningen . [en]
Den poetiske realismes rødder ligger i udtryksmidlerne og kunstneriske teknikker, der allerede er udviklet af den eksperimentelle biografs tidlige 1930'ere og i særdeleshed den franske avantgarde-biograf . Filmskabere i Tyskland , Italien , USSR var fuldstændig afhængige af politisk censur, britisk film var på grund af sprogkompatibilitet fyldt med amerikanske kommercielle produkter og var tilfreds med en lav kvote for tilstedeværelsen af sine underholdningsfilm. I perioden med voksende indflydelse fra italiensk fascisme , spansk falangisme og tysk nationalsocialisme , i lyset af svagheden i deres egen borgerlige regering, vendte franske filmskabere sig til temaet om at glorificere en "simpel" person, en karakter fra folket. Idéerne til retningen blev støttet af lederne af Folkefronten , især de franske kommunister (i 1936 blev sammenslutningen af biografdirektører for Folkefronten oprettet for at promovere og fremme nationale progressive film). De instruktører, der arbejdede i retning af poetisk realisme, delte fælles kunstneriske synspunkter, men blev aldrig formelt forenet i nogen kreative grupper.
I modsætning til socialrealisme, dokumentarfilm, er poetisk realisme karakteriseret ved "genskabelse" af virkeligheden, herunder gennem den udbredte brug af pavillonfilm. Poetiseringen af virkeligheden blev afspejlet i den øgede æstetik af ekspressive teknikker, betydningen for forfatterne af de ydre aspekter af præsentationen af værket. Plottet er ofte fantastisk. I første halvdel af 1930'erne arbejdede forfattere, der betinget kan henføres til retningen af den poetiske realisme, både i genren drama ("Street without a Name", 1934; "Mimosa Boarding House" , 1935) og i genren. af komedie ( "Marius" , 1931; "Heroic Kermess" , 1935). Med væksten i den politiske spænding i Europa blev fatalisme indbygget i maleriernes heltes verdensbillede , som under besættelsen af Frankrig forstærkedes af stemninger af nostalgi , undergang og håbløshed (" Dagen begynder ", 1939). Lad os antage en betinget kanon for konstruktionen af filmens plot. Hovedpersonen er i bred forstand en udstødt : en arbejdsløs mand, en desertør, en kriminel, der i det øjeblik, når faldets laveste punkt er nået, får den sidste chance for gensidig kærlighed og forståelse. I de fleste tilfælde ødelægger det virkelige livs grusomhed muligheden for lykke.
Jeg er ikke pessimist. Jeg er ikke en sort filmgalning. Men de film, jeg laver, afspejler altid det aktuelle øjeblik til en vis grad. Årene op til krigens udbrud var ikke særligt optimistiske. Verden var ved at falde fra hinanden, og vi var vagt klar over det ...
Marcel Carnet [2]Den italienske forfatter og kritiker Pietro Paolo Trompeo foreslog at betragte poetisk realisme i biografen som den tredje fase af naturalismen : den første er Zola 's , Guy de Maupassant 's , Alphonse Daudets og andres litterære værk , den anden er det naturalistiske drama af Antoine-teatret , Ibsens dramaturgi . "Den tredje fase er biografen, som forsøger med maksimal overbevisning at gengive de træk ved virkeligheden, som Baudelaire kaldte "livets fantastiske realiteter." [2]
Poetisk realisme havde en betydelig indflydelse på dannelsen af den nye bølge i Frankrig og neorealismen i Italien.
Alexander Korda , sandsynligvis, på grundlag af tidspunktet for filmens udgivelse, bør åbne listen over instruktører, der bruger kunstneriske teknikker af poetisk realisme. Denne retning er dog ikke typisk for britisk film som helhed. Derudover instruerede Korda i optagelserne til filmen "Marius" ( fr. "Marius" , 1931) filmatiseringen af den allerede meget succesrige produktion af stykket af franskmanden Marcel Pagnol , der deltog i optagelserne som en manuskriptforfatter og anden instruktør. Filmen i den romantiske komedie-genre fortæller om ejeren af en bar i havnekvarteret i Marseille Cæsar, hans voksne søn Marius, der er forelsket i sin barndomsveninde Fanny, men drømmer om lange sørejser. Trangen til havet vinder. Han får job som sømand på et klippeskib, der sejler . Et par år senere, efter udgivelsen af filmene "Fanny" og "Caesar" [3] , blev denne historie til en trilogi. Filmanmelder og kritiker for The Onion -bureauet Noel Murray beskriver filmen således: "Trilogien cementerede i fransk film konceptet om en "tradition for kvalitet", hvor skuespillet og afsløringen af temaet er prioriteret over ydre brillans. Selve filmene er fortællende og komiske, fulde af hverdagsgenkendelige karakterer og meget naturalistiske småting, franske, som Brie-ost eller Jacques Tati . [fire]
Jacques Fader var engageret i mange filmiske projekter, arbejdede i Hollywood i flere år , men uden at nå til enighed med MGM om at finansiere yderligere planer vendte han tilbage til Frankrig. Her skabte han på tre år tre malerier, senere anerkendt som mesterværker af poetisk realisme. The Great Game ( fransk: Le Grand Jeu , 1934) er en film om en ung pariser, der er viklet ind i det høje liv og er tvunget til at slutte sig til den franske fremmedlegion for at redde sin families ære (temaet om afvisning). Et forsøg på at opbygge en ny kærlighed ender i fiasko. Spåkonen, som ikke tidligere har taget fejl i sine profetier, forudsiger sin hurtige død. Handlingen i maleriet "Pension Mimosas" ( fransk "Pension Mimosas" , 1935) er opdelt i to tidsperioder. I den første adopterer en barnløs familie af pensionatejere på Cote d'Azur en lille dreng. Ti år senere, efter at være vokset til en ung skurk, afpresser Piero regelmæssigt penge fra sine adoptivforældre, som endelig er viklet ind i gæld. Samtidig udvikler historien om hans ulykkelige kærlighed, hvis uadskillelighed fører ham til selvmord i finalen. Toppen af Jacques Feyders værk, herunder i retning af poetisk realisme, var hans film "Heroic Kermesse" ( fransk "La Kermesse Héroïque" , 1935) - en romantisk komedie i 1600-tallets historiske kulisser, belønnet med et stort antal priser. [5] Instruktørassistenten i disse film var en anden tilhænger af "poetisk realisme", den fremtidige klassiker i instruktionen Marcel Carnet .
Pierre Chenal arbejdede og eksperimenterede i forskellige genrer og kunstneriske retninger af biografen. Af de malerier, han udførte i den poetiske realismes ånd, er det først og fremmest nødvendigt at navngive filmen "The Street without a Name" ( fransk "La Rue sans nom" , 1934). Dette er en historie om et område, hvor de fattigste arbejdere og deklasserede elementer bor , hvor fattigdom afføder fortvivlelse, fremmedhad og alkoholisme. Følgende værk af instruktøren er ekstremt præcist indskrevet i retningens kunstneriske kanoner - filmatiseringen af F. M. Dostojevskijs roman " Forbrydelse og straf " ( fransk "Crime et châtiment" , 1935): hovedpersonen er sociopaten Rodion Raskolnikov , der elsker ham Sonya Marmeladova , som støtter ham åndeligt, men ude af stand til at ændre sin skæbne (undergangstemaet). I fremtiden bevægede Chenal sig væk fra kreativiteten inden for rammerne af poetisk realisme. Oftere, især efter den tvungne emigration til Argentina , arbejdede han i thrillergenren ved at bruge film noir kunstneriske teknikker .
Jean Vigo skabte i løbet af sit korte liv (han døde i en alder af 29 af tuberkulose ) to film i fuld længde, der blev modeller for poetisering af virkeligheden. " Nul på adfærd " - historien om begivenheder på et internat, der førte til et åbent oprør blandt elever. Hver lærer er en fuldstændig levende og virkelig person, takket være forfatterens ironi, bliver til et mindeværdigt satirisk billede. Med hensyn til teenagekarakterer bruger Vigo kun godt humør og viser en absolut forståelse for dem. Uundgåeligheden af en konflikt mellem det bureaukratiske uddannelsessystem og det ubevidste, stadig umodne ønske om frihed for instruktøren er indlysende. Optagelser blev givet til Vigo med besvær, han sagde: "Denne film er så meget mine barndomsår, at jeg hurtigt vil gå videre til noget andet." [6] Filmen blev censureret fra at blive vist i Frankrig.
Atalanta er en romantisk kærlighedshistorie mellem kaptajnen på en selvkørende pram , Jean, og en provinspige, Juliet. Beskrivelsen af en almindelig rejse gennem Frankrigs kanaler udføres af Vigo på niveau med et digt om forståelse, tålmodighed, tilgivelse. Emir Kusturica siger om filmen: "Jeg tror, at denne film af Jean Vigo fuldstændig ændrede mit syn på film. Poesi skaber biograf. Hvis du vil lave film, skal du være digter, hvis du ikke er digter, vil filmene bare være en afspejling. Jeg er overbevist om, at du hos Atalanta vil finde den perfekte balance mellem dialog og handling." [7]
Jean Renoir ydede et af de mest bemærkelsesværdige bidrag til udviklingen af retningen. I 1935, da han valgte et plot til en film, vendte han sig til det russiske litterære grundlag - A. M. Gorkys skuespil " At the Bottom " (1902). Handlingens karakterer og omstændigheder var yderst velegnede til at afsløre ideerne om poetisk realisme: helte afvist af samfundet, som på grænsen til håbløshed modtog retten til at elske, til muligheden for åndelig genfødsel. Af interesse er en sådan sammenligning af anmelderen af Criterion Collection af to filmatiseringer af stykket - filmene af Jean Renoir i 1936 og Akira Kurasawa i 1957 : "... to af de største filminstruktører gentænkte det klassiske proletariske skuespil" At the Bottom” af Maxim Gorky, hver efter sin mening og i sin tid. Renoir, der arbejdede under konfrontationen mellem Hitler og Folkefronten i Frankrig, blev tvunget til at afvige fra den mørke stemning i Gorkys kildemateriale for at mildne dets dystre perspektiver. Kurosawa, der skaber i efterkrigsverdenen, fandt ikke nogen grund til håb. Den forblev tro mod originalen med dens vægt på konflikten mellem illusion og virkelighed, et tema, som han ville vende tilbage til igen og igen. I samarbejde med de mest berømte skuespillere ( Gabin for Renoir; Mifune for Kurosawa) tilbyder hver instruktør sit eget unikke perspektiv på filmatisering, hvor (forskellige) sociale forhold og kunstneriske teknikker mødes for at skabe unikke mesterværker. [otte]
Et år senere, efter at have optaget yderligere to film, skaber Renoir endnu et mesterværk - filmen " The Great Illusion " ( fr. "La Grande illusion", 1937 ). Historien om franske militærpiloter, der faldt i tysk fangenskab under Første Verdenskrig . En af dem, adelsmanden Boeldieu, er tvunget til at træffe et moralsk valg mellem patriotisme og adelig status, aristokratisk enhed med tyskeren von Rauffenstein, som er meget loyal over for fangen. Ved at bruge krigsfangelejren som samfundsmodel udforsker Renoir forholdet mellem franske officerer fra forskellige sociale lag, der lever under opsyn af deres tyske vagter. Han er ikke interesseret i nationale, men i klasseforskelle. "Hvis en fransk bonde sidder til bords med en fransk finansmand," skrev han, "vil disse to franskmænd ikke have noget at sige til hinanden. Men hvis en fransk bonde møder en kinesisk landmand, vil de finde noget at tale om.” [9] Den franske kritiker André Bazin skrev om denne Renoir-film, at "han arvede fra litteraturen og maleriet fra sin fars æra dybde, sensualitet og en spændende følelse af virkelighed." [9]
To år senere når Jean Renoir, med udgivelsen af filmen "The Rules of the Game" ( fransk "La Règle du jeu" , 1939), ifølge de fleste kritikere [10] toppen i sit arbejde. Formelt set er der tale om et romantisk drama fra livet i "højsamfundet" med en kærlighedspolygon. På jagt efter et plot henvendte Renoir sig uventet til Pierre de Marivaux og Alfred de Musset 's værker , hvis kreativitetsperioder er adskilt af mere end et århundrede. I dem fandt han den ønskede balance mellem prosa og poesi. [11] En af de førende filmkritikere , Roger Ebert , sagde om filmen: "Det er et magisk, undvigende værk, der for altid har fulgt Citizen Kane i alle vurderinger af store film. Det er så enkelt og indviklet, så usofistikeret og ondt, så uskyldigt og farligt, at du ikke bare kan se det, du er nødt til at absorbere dets ånd." [12]
Julien Duvivier , primært kendt for at iscenesætte filmen "Den store vals" , i en række malerier fra 1930'erne, arbejdede han levende i den poetiske realismes ånd. Af disse nævnes " Glorious Company " ( fransk "La belle équipe" , 1936) og " Pepé le Moko " ( fransk "Pépé le Moko" , 1937) oftest . Den første er historien om fem arbejdsløse, der uventet vandt toppræmien i det nationale lotteri og besluttede i fællesskab at investere disse penge i køb af en værtshus. Men livets virkelighed ødelagde hurtigt det idylliske partnerskab. Mændenes venskab - heltene fra Devivier - tillader dem ikke at opfylde deres drøm om at organisere et værtshus, da de har noget forskellige økonomiske interesser. Kritikere hævder, at filmens plot i episk form fortæller om den hurtige stigning og det forestående sammenbrud af den franske folkefront . Faktisk blev filmen optaget i juni-juli 1936, hvilket faldt sammen med de første dage af Leon Blums regering . [13] Maleriet "Pepe le Moko" ( le Moko er et slangudtryk for en indfødt Marseille ) fortæller skæbnen for en kriminel, der forsøger at flygte fra politiet i Algier . Med hensyn til stemning og kunstneriske metoder er filmen blevet nævnt som et af de første eksperimenter i film noir .
Marcel Carnet ydede det største bidrag til udviklingen af den poetiske realisme. Malerier " Tågedæmning " ( fransk "Le Quai des brumes" , 1938), " Dagen begynder " ( fransk "Le Jour Se Lève" , 1939), " Paradisets børn " ( fransk "Les Enfants du paradis" , 1945 ) blev eksempler på brugen af teknologi og kunstneriske teknikker i retningen. Filmen " Juliet, eller nøglen til drømme ", som blev filmet i 1950, bekræfter perfekt de accepterede kanoner. Den fængslede Michel finder sin ophøjede kærlighed, Juliet, i sine drømme. Men omstændighederne i billedet af en dæmonisk aristokrat ødelægger lykke. Michel trækker sig permanent tilbage til landsbyen, hvor indbyggerne er blottet for minder.
Luchino Visconti fungerede som bindeled mellem Frankrigs poetiske realisme og Italiens neorealisme . I slutningen af 1930'erne arbejdede han i flere år som assistent for Jean Renoir, da han filmede sit bedste værk, herunder The Grand Illusion og The Rules of the Game. Det var Renoir, der foreslog, at Visconti skulle filmatisere i sin version af James Cains roman The Postman Always Rings Twice [14] , som allerede var blevet iscenesat tre år tidligere af en anden mester i poetisk realisme , Pierre Chenal . Redaktøren af filmen "Obsessione" ( fransk "Ossessione" , 1943) Mario Serandrei kommenterede filmen: "Dette er en speciel slags film, jeg ser denne for første gang og vil kalde den neorealisme ", og dermed den første til at bruge navnet på en hel biografretning. [fjorten]
Ivan Pyryev er en streng tilhænger og eksponent for socialistisk realisme . Samtidig er det umuligt ikke at værdsætte den høje grad af indflydelse på hans film af ideerne om at poetisere livet i visse sociale lag , primært bønderne : " Grisen og hyrden " (1941) og " Kubanske kosakker " (1949). Den sovjetiske kritik, som ligger inden for de foreskrevne ideologiske rammer, noterer sig den sublime fortællestil om de mest almindelige hverdagselementer. Avisen "Sovjetkunst": "Den romantiske intonation, den poetiske struktur af filmen "Kuban Cossacks", realistisk i sin essens, fuldstændigheden af udtrykket af forfatterens inspiration, følelser og tanker, ikke begrænset af en bevidst betinget " måde", heltemod, tekster, humor, lyd i et og samme værk - alt dette er en manifestation af vores livs rigdom. [15] Naturligvis blev stemninger af dekadence og vantro udelukket fra sovjetiske film.