Billeder af livløse genstande er blevet fundet i kunst siden antikken . I de efterfølgende århundreder eksisterede elementer af stilleben inden for andre genrer af malerier om mytologiske, religiøse og historiske emner. Men først i tiden efter renæssancen, og frem for alt i Holland i det 17. århundrede, begyndte stilleben at blive udpeget som en særskilt genre af billedkunst [1] .
Det hollandske stilleben havde et stort antal varianter, blandt hvilke man kan skelne et blomsterstilleben, "videnskabsmand", "køkken", samt de såkaldte "dækkede borde". Monokrom "morgenmad" blev en typisk hollandsk type stilleben, som er karakteriseret ved lakonisme af indhold, tilbageholdenhed i farver og lys- og luftmiljøets samlende rolle.
De fleste af stillebenmalerne tilhører de såkaldte " Lille hollændere ". Pieter Claesz , Willem Claesz Heda , Willem Kalf , Abraham van Beijeren , Baltasar van der Ast , Willem van Aelst , Jan van Huysum og andre har arbejdet i denne genre .
Holland oplevede en hidtil uset økonomisk og kulturel opblomstring i første halvdel af det 17. århundrede. De var det vigtigste handelscenter i Nordeuropa, hollandske skibe sejlede konstant mellem hollandske havne og kolonier i Asien og Afrika. Et højt niveau blev opnået inden for samfundsvidenskab, mekanik, matematik, fysik og naturvidenskab. Takket være alle disse omstændigheder søgte de hollandske borgere at forevige deres velbefindende i kunsten [2] .
Hollandske kunstnere, der reagerede på dette krav, stolede på traditionerne fra den hollandske renæssance , især på arbejdet af Robert Campin , Rogier van der Weyden , Jan Gossaert og andre, som begyndte at bruge stillebenelementer i vid udstrækning i malerier om religiøse temaer. I 1500-tallet begyndte Bartholomeus Brein den ældre , Dirk Bouts , Peter Aartsen , Joachim Beikelar , Bartholomeus van der Helst m.fl. at skabe malerier, hvor stilleben-motiver kom i forgrunden, og scener fra Kristi liv bevægede sig i dybet. [3] .
I det 17. århundrede var malerier som regel beregnet til at dekorere interiører og havde et kammerformat. Deres plot afspejlede de hollandske borgeres hverdagsliv, og kunstnerne registrerede omhyggeligt den objektive verden omkring dem. For første gang indtog forskellige genstande deres plads i billedet, ikke på grund af den symbolske betydning, der er knyttet til dem, men udelukkende på grund af deres egen skønhed og maleriske [2] .
Stilleben som en separat gren skilte sig ud omkring 1600 [4] . Den nye genre blev kaldt " stilleven " (bogstaveligt talt "stille liv") i Holland, selvom dette udtryk først begyndte at blive brugt i midten af det 17. århundrede. Med stilleven mente hollænderne billedet af naturen, ubevægelig på billedets tidspunkt. Derfor kan man sammen med blomster, frugter, mad, fade, kranier, døde fisk og dødt vildt i de hollandske stilleben i det 17. århundrede se billeder af insekter, firben og endda fugle og dyr [5] .
I sin udvikling gennemgik det hollandske stilleben en række stadier, som hver havde sine egne detaljer. På et tidligt tidspunkt dominerede blomsterstilleben, hvilket afspejlede den hollandske fascination af blomsteravl. Den næste generations malere ( Klas , Kheda , etc.) gik videre til beskedne "morgenmad" med metal- og glasgenstande samlet på en hvid dug. Disse stilleben udmærker sig ved kortfattethed og enkelhed; alle komponenter er designet i en enkelt gråskala. De såkaldte "fisk" og "køkken" stilleben afspejlede den beskedne puritanske smag i de demokratiske lag i første halvdel af århundredet [6] .
Senere, med borgernes styrkelse og den gradvise aristokratisering, ændres også kravene til kunsten. I 1650-60, i Willem Kalfs og Abraham van Beyerens arbejde , mister stillebenet sin beskedne, enkle karakter, bliver mere luksuriøst og storslået og slående i farverigdommen. Dens konstante komponenter er eksotiske frugter, elegante glas og værdifulde smykker, badet i varmt og blødt lys [7] . I Jan-Baptiste Veniks og Melchior de Hondekuters "jagtstilleben " er der også en mærkbar stigning i dekorativitet og et ønske om ydre effekter.
Temaet og udviklingen af stilleben blev ikke kun påvirket af tiden, men også af de lokale træk i en bestemt by. Så for eksempel i det hastigt udviklende Haarlem , med dets stærke sammenslutninger af borgere, udviklede der sig en form for tonalt stilleben, og i centrum af det økonomiske og kulturelle liv i Holland - Amsterdam - opstod luksuriøse "desserter" Kalf og Streck . I Haag , centrum for havindustrien, arbejdede skaberne af "fiske"-stillebenet Pieter de Putter og Abraham van Beijeren, og i universitetsbyen Leiden arbejdede det "filosofiske" stilleben med billedet af et kranie og et timeglas, der minder om den jordiske eksistens skrøbelighed, var populært [8] [7] .
Et træk ved hollandsk maleri i det 17. århundrede var den ekstremt snævre specialisering af kunstnere. Inden for de hovedgenrer, der dominerede maleriet i denne periode - landskab, stilleben og hverdagsgenre - var der talrige undergenrer. Dette skyldtes den høje konkurrence på malermarkedet: Jo allerede der var et område, som den eller den maler specialiserede sig i, jo flere færdigheder kunne han opnå i det [9] .
En streng opdeling af stilleben i undergenrer er vanskelig, da flere motiver ofte blev kombineret i ét billede. Ikke desto mindre er det sædvanligt at udpege flere af de mest almindelige varianter af denne genre.
Blomsterstilleben ( hollandsk bloemsstilleven ) var en af de første, der skilte sig ud som en selvstændig undergenre. Ligesom andre genrer fra den æra afspejlede det de virkelige træk ved hollændernes liv i det 17. århundrede, især deres passion for blomsteravl og havearbejde. I blomsterstilleben afbildede kunstnerne tulipaner , roser , gladioler , hyacinter , nelliker , liljer , iris , liljekonvaller , forglemmigej , violer , tusindfryd , nigella , rosmarin , anemoner , mallevkolyula og andre blomster [10] .
Når du vælger blomster til stilleben, var hovedkriterierne deres skønhed og sjældenhed. Som regel blev blomster trukket fra naturen, da billedets nøjagtighed og pålidelighed blev værdsat). På samme tid kunne blomster, der blomstrede på forskellige tidspunkter, afbildes i et stilleben, så nogle gange blev tegningen af en buket forsinket i flere måneder. Et så langt arbejde betalte sig imidlertid: Blomsterstilleben blev højt værdsat og kunne endda bruges som en dyr gave på statsniveau [11] .
Genrens pionerer omfatter den flamske kunstner Jan Brueghel den Ældre (1568-1625). Det tidligste overlevende blomsterstilleben af Brueghel stammer fra 1606/07 og blev bestilt af Albrecht VII [12] . Det er kendt, at for at skrive sine værker kom Jan Bruegel specielt fra Antwerpen til Bruxelles botaniske have for at kunne undersøge og skitsere forskellige blomster. Han lavede foreløbige skitser i akvarel og blæk, skildrede blomster fra forskellige vinkler og under forskellig belysning [13] .
Blandt de første hollandske kunstnere i det 17. århundrede, der malede vaser med blomster, var Jacob (Jacques) de Gijn den Yngre (1565-1629). Hans arbejde er kendetegnet ved et aflangt lodret format af malerier, et flerlags arrangement af blomster med skiftende store og små planter, samt brugen af teknikker, der vil blive meget populære blandt kunstnere af denne genre: indlejring af en buket blomster i en niche og forestillende smådyr ved siden af en vase [14] .
Forekomsten af insekter, dyr og fugle, skaller i blomsterstilleben som hjælpedetaljer er en afspejling af traditionen med at bruge de skjulte betydninger af afbildede genstande, der har symbolsk betydning. Forskellige symboler optræder i stillebenmalerier af alle genrer.
Tilhængerne af Jacob de Gein den Yngre var Jan Baptist van Fornenburg (1585-1649) og Jacob Wauters Vosmar (1584-1641).
Fornenburg malede buketter af tulipaner, påskeliljer, roser, physalis , mens der i hans malerier er motiver af " forfængelighed af forfængeligheder " og den klassiske " blende " [15] .
Et karakteristisk træk ved Vosmars malerier er også motivet "forfængelighedens forfængelighed" i form af en hængende rose. Derudover afbildede han ofte forskellige insekter i stilleben: Fluer, sommerfugle, guldsmede og bier.
Grundlæggeren af et helt dynasti af mestre af stilleben med blomster og frugter var Ambrosius Bosschaert den Ældre (1573-1621). Dynastiet omfattede tre sønner (Johannes, Abraham og Ambrosius), to svogre (Johannes og Baltasar van der Asty) og en svigersøn (Jeronymus Swerts).
Ambrosius Bosschaert den Ældres værker ligger tæt på Jan Brueghel den Ældres værker med hensyn til naturalistisk grundighed. Det er kendt, at Bosshart også lavede bestillingsskitser af eksotiske planter fra naturen [16] . Han malede for det meste små stilleben med en buket i en vase (porcelæn eller glas) placeret i en niche eller på en vindueskarm. Et sådant arrangement af vasen understregede modstanden af dyrelivet, der kunne ses fra vinduet, og plukkede haveblomster placeret i en vase. Som følge i hans malerier er der foruden smådyr skaller.
Blandt Bosschaerts sønner viste kunstnerens talent sig tydeligst i Johannes Bosschaert (1610/11 - efter 1629). Karakteristiske træk ved hans arbejde er arrangementet af objekter langs billedets diagonal og den mat-metalliske farve.
Ambrosius Bosschaert den Yngre (1609-1645) malede stilleben med skjult symbolik; i senere værker brugte han teknikkerne til sort-hvid modellering af Utrecht-karavagisterne .
Abraham Bosschaert (1612/1613 - 1643) kopierede sine brødres teknikker.
Brødrene til Ambrosius Bosschaerts kone, Johannes og Balthasar van der Asta, fortsatte Bosschaerts traditioner.
Johannes van der Asts arbejde har været lidt studeret; kun ét maleri er i øjeblikket tilskrevet ham [17] .
Af stor betydning for udviklingen af stilleben var værket af den ældste af brødrene - Balthasar van der Ast (1593/1594 - 1657), som efterlod en rig kreativ arv - mere end 125 malerier. Han kunne godt lide at afbilde en kurv med blomster eller et fad med frugt på bordet, og i forgrunden langs bordets kant stillede han skaller, frugter og sommerfugle. Kunstneren blev især tiltrukket af usædvanlige genstande: bizarre skaller, eksotiske blomster og frugter, lyse insekter, papegøjefugle. Det var også karakteristisk for ham at bringe plot og bevægelse til stilleben [18] .
Roelant Saverey (1576-1639), også kendt som en fremragende landskabsmaler, tilhører Ambrosius Bosschaert den Ældres skole . Hans stilleben er bygget på princippet om en buket blomster placeret i en niche. Han tilføjede motiver af "forfængelighed af forfængeligheder" til malerierne, da der blev brugt et følge, en graverbille, en møgflue, en død hovedsommerfugl og andre insekter samt firben.
Ambrosius Bosschaerts arbejde påvirkede kunstnere som Anthony Claes I (1592-1636), hans navnebror Anthony Claes II (1606/1608 - 1652) og Ambrosius Bosschaert den Ældres svigersøn - Hieronymus Swerts .
I Hans Bollongiers arbejde (ca. 1600 - efter 1670) blev teknikkerne fra Utrecht karavaggisme i vid udstrækning brugt. Ved hjælp af chiaroscuro udpegede kunstneren blomster på baggrund af tusmørket.
Yderligere udvikling af blomsterstilleben blev observeret i Middelburg - mestrenes arbejde: Christoffel van den Berghe (ca. 1590 - efter 1642), som skildrede elementer af "forfængelighedens forfængelighed" i blomsterstilleben: en flaske vin, en snusdåse, en rygepibe, spillekort og et kranie; og Johannes Goodart , der i vid udstrækning brugte insekter og fugle som følge [19] .
Skolen for Dordrechtske mestre i blomsterstilleben omfatter Bartholomeus Abrahams Asstein (1607 (?) - 1667 eller senere), Abraham van Calrath (1642-1722), far til den berømte landskabs- og dyremaler Albert Cuyp , Jacob Gerrits Kuyp (1594- 1651/1652). Deres arbejde er karakteriseret ved den udbredte brug af chiaroscuro [20] .
Sammen med blomsterstilleben i Holland i det 17. århundrede udvikler en anden type stilleben sig og vinder mere og mere popularitet - billedet af dækkede borde (til gengæld opdelt i de såkaldte "banketter" ( hollandsk. banketjes ) og "morgenmad" ( hollandsk. ontbijtjes )) [21 ] [22] . Fødestedet og centrum for denne type stilleben var Haarlem . Forudsætningen for dens oprettelse var den udbredte distribution af portrætter af medlemmer af skyttelaug under en banket tilbage i 1500-tallet. Efterhånden blev billedet af det dækkede bord en selvstændig genre [23] .
Sættet af genstande, der danner et stilleben, omfattede oprindeligt produkter, der var traditionelle for hollænderne: ost, skinke, boller, frugt, øl. Men senere i stilleben begyndte der at dukke flere og flere retter op, der var typiske til højtidelige lejligheder eller borde for velhavende byfolk: vildt, vin, tærter (den mest populære var brombærtærte ) [24] . Ud over de traditionelle sild dukkede hummere, rejer og østers op. Blandt andre delikatesser, som hollandske kunstnere kunne lide at skildre, var druer, oliven og artiskokker [22] .
Der begyndte også at blive brugt dyre fade lavet af sølv og kinesisk porcelæn, kander og tazzes . Briller var af særlig interesse for kunstnere: römer , berkemeier , pasglas, fløjteglas, venetiansk glas, akeleyglas . De mest udsøgte var bægre - " nautilus ", lavet af skallen af bløddyret af samme navn [25] .
Hyppige attributter for stilleben var en saltryster og en bordkniv. En halvskrællet citron blev ofte brugt som en farverig plet.
Et af de tidligste stilleben, der viser hollandsk borddækning, er The Laid Table af Haarlem-kunstneren Nicholas Gillis (ca. 1580 - efter 1632). I sine malerier brugte han et forhøjet synspunkt, som gjorde det muligt for ham at se på hele bordet.
Stillebenmalerier af Floris Gerrits van Schoten (ca. 1590 - efter 1655) er præget af kompleksitet, en overflod af serveringsgenstande og detaljer. Men takket være dygtigt bygget komposition og dygtig brug af chiaroscuro giver hans stilleben ikke indtryk af at være overbelastet. I en række tilfælde brugte kunstneren teknikken til at flytte accenten af stillebengruppen væk fra billedets geometriske centrum [26] .
En væsentlig figur i denne type stillebenmalerier var Floris van Dyck (1575-1651), også fra Haarlem. Der er bevaret fire stilleben tilhørende hans pensel, som er typiske "serverede borde". Centrum for van Dycks malerier var en pyramide af oste, baggrunden var opløst i en dis [27] .
Den flamske maler Clara Peters (1594-1657) specialiserede sig i denne type stilleben. På det tidspunkt var hun den eneste kvinde, der arbejdede i stillebengenren [28] . Clara Peters skabte et stort antal værker, udmærket ved den omhyggelige udførelse. Hun skildrede ofte dyre gourmetretter, hummere og østers. I nogle af sine stilleben brugte hun et sænket synspunkt, næsten på niveau med bordet.
Hans van Essen (1587/1589 - efter 1648), der blev født i Antwerpen og senere boede i Amsterdam , skabte også kompositioner i genren "dækkede borde" .
Roelof Coots (1592/1593 - 1655) fra Haarlem brugte metoden med bevidst uagtsomhed: tallerkenen eller kniven i hans malerier hang halvvejs fra bordkanten. Han var en af de første, der skabte lærreder, der ikke forestillede et dækket bord, men et bord med spor af en morgenmad, der introducerede motiver af "forfængelighedens forfængelighed" i malerierne: ure, bøger, nedfaldne druer.
Tonalt stillebenEn særlig slags stilleben - det såkaldte tonale, eller monokrome stilleben - udviklede sig i Haarlem i 1620-30. I spidsen for den nye retning stod kunstnerne Pieter Claesz og Willem Claesz Heda. I deres arbejde udviklede stilleben sig fra luksuriøse "banketter" til beskedne "morgenmad", fra festlig højtidelighed og streng orden til intimitet og malerisk "rod" [29] .
På det tidspunkt havde hollandske landskabsmalere allerede udviklet den tonale retning: deres værker var kendetegnet ved subtile gradueringer og toneovergange, og genstande syntes at opløses i en gråbrun dis [30] . Deres præstationer blev brugt af forfatterne af stilleben: malere skabte malerier i dæmpede farver, hovedsagelig ved hjælp af grå og brune nuancer. En vigtig rolle er givet til lys: det spiller på overfladen af glas- og metalbeholdere og forener genstande grupperet i forskellige planer [31] . Vi kan antage, at det var monokrome "morgenmad", der blev den første virkelig originale type hollandsk stilleben [30] .
De første stilleben af Pieter Claesz (1597/1598 - 1661) blev skrevet i traditionen med "dækket bord" (selvom en vis asymmetri og bevidst uagtsomhed allerede er mærkbar i dem). Så gik han videre til stillebens " forfængelighed af forfængeligheder ". Et af hovedelementerne i disse stilleben var en rygepibe: I Holland var de dengang glade for at ryge lange lerpiber, og moden for dem afspejlede sig både i litteraturen og i den skønne kunst [32] . Efterhånden blev temaet "morgenmad" dog hovedtemaet i Klas' arbejde. Det var i "morgenmaden", at kunstneren udviklede sin egen stil, som er kendetegnet ved et lille sæt af afbildede genstande, der farves i en enkelt sølvgrå tone med subtile chiaroscuro-graderinger og skær af lys på metal eller glasvarer [31] . Klas placerer genstande i forskellige planer og understreger på alle måder det afbildede rums tredimensionalitet. I en række tilfælde brugte han et lodret lærredsformat med et dominerende sæt af en römer eller et højt glas.
En stil, der ligner Klas, blev udviklet af Willem Klaes Heda (1594-1680/1682), men i hans værker er den tonale begyndelse mere udtalt: Hedas kompositioner er praktisk talt blottet for klare lokale farver [33] . I hans stilleben er bordet og serveringsgenstandene designet i olivengrå toner, ofte i kontrast til dugens hvidhed; separate farveaccenter er citron, skinke eller tærtebund.
Kheda bygger sammensætningen af sine "morgenmad" med enestående dygtighed og placerer objekter enten parallelt med lærredets plan eller diagonalt [34] . Efter 1630'erne brugte han i stigende grad det vertikale format på sine malerier. Den generaliserende begyndelse, ligesom Klas, er lyset, der spiller på overfladen af objekter.
Mange genstande afbildet i Khedas stilleben personificerer "forfængelighedens forfængelighed": knuste glas, væltede tazzer , tomme østersskaller. Måltidet er forbi, og dette skal ses som en hentydning til alt jordisks skrøbelighed [35] .
Den type monokrome "morgenmad" skabt af Claes og Heda blev udbredt i Holland i 1630'erne og 1640'erne.
En af Claes' tilhængere var Franchuis Elaut , også en Haarlemianer (1596-1641). Han var meget populær i sin levetid, men få af hans malerier har overlevet den dag i dag.
Kheda havde mange elever og tilhængere, blandt dem hans søn Gerrit Willems Kheda (1620-1702). Hans arbejde er kendetegnet ved et vertikalt format med dominans af et objekt placeret i midten og brugen af chiaroscuro, som skarpt fremhæver attributterne ved et stilleben på baggrund af rummets tusmørke.
En anden elev af Heda var Marten Bullema , med tilnavnet "Den stumme" ( De Stomme ). Han byggede også sine stilleben omkring en central akse og gik derefter videre til friere komposition og skildring af allerede gennemførte morgenmad [36] .
Jan Jans den Eyl (1595/1596 - 1640) støttede også Hedas traditioner . I sit modne arbejde begrænsede han sig til at afbilde 4-5 genstande, oftest med et uundværligt passageglas, og foretrak et lodret format. Den Eil havde indflydelse på sin svoger Jan Jans Treck (1605/1606-1652), som også brugte olivengrå toner og et lille sæt genstande domineret af et glas.
Endnu enklere er kompositionerne af Jan Jans van de Velde (1619/1620 - efter 1663), som var påvirket af Pieter Claesz' stilleben og ofte afbildede lange rygende piber. Hans stilleben skaber en atmosfære af naturlighed, intimitet og hverdagsliv.
Paulus van den Bos ' værker (ca. 1615 - efter 1655) er kendetegnet ved kompakthed, den yderste enkelhed i kompositionen og sparsomme farver.
Philips Angel (1616 - efter 1683), Francis Geisbrechts og Joseph de Bray (? - 1664) skabte en særlig type "morgenmad" - bonde: de afbildede ost, sild, grøntsager og i stedet for glas - trækrus [37] .
Det såkaldte "køkkenstilleben" blev udbredt både i Holland og i Flandern. Malerierne af denne genre skildrede en række køkkenredskaber og produkter beregnet til at forberede middag. Til dels bevarede (efter 1500-tallets kunstnere Peter Aartsen og Joachim Beikelar ) traditionen med at skildre husets elskerinde, kokken eller tjenestefolk, men oftere og oftere flyttede de i baggrunden. I forgrunden var køkkenredskaber og kød, fisk og mange grøntsager bragt til køkkenet: græskar, majroer, rutabaga, kål, gulerødder, ærter, bønner, løg og agurker. Mere velhavende mennesker havde blomkål, meloner, artiskokker og asparges på deres borde . Mestre fra Rotterdam deltog hovedsageligt i udviklingen af genren , såvel som Haarlemianeren Floris van Schoten (som kan betragtes som grundlæggeren af denne type stilleben) og mesteren fra Middelburg François Reykhals [39] . Derudover var køkkenstilleben populær blandt kunstnerne i Delft [40] .
Floris Gerrits van Schoten er mest kendt for sine "dækkede borde", men han malede også køkkenscener. Nogle af dem er tæt på genremaleriet; andre er "rene" stilleben [41] .
En indfødt i Delft, Pieter Cornelis van Rijk (1568-1628) malede i traditionen fra det 16. århundrede, nogle gange med bibelske scener i baggrunden. Efter en rejse til Italien blev indflydelsen fra italiensk maleri mærkbar i hans malerier [42] .
Cornelis Jacobs Delff (1571-1643), en elev af van Rijk, kombinerede stilleben og genremotiver. Han brugte et forhøjet udsigtspunkt og kunne godt lide at placere køkkenredskaber i forgrunden.
Værker af genremalere, der malede scener fra hollændernes dagligdag, kommer ofte tæt på køkkenstilleben. Genremaleren og portrætmaleren Gottfried Schalken (1643-1706) skildrede således en kærlighedsscene i sit maleri "Vinprøve", men følget til det var et spisekammer med tønder vin og forsyninger.
Cornelis Pieters Bega (1631/1632 - 1664) malede også hovedsageligt genrescener. Han ejer maleriet "I køkkenet", usædvanligt ved, at kunstneren introducerer mytologiske motiver i stilleben, der forestiller en satyr , der kom på besøg hos bønderne [43] .
En gruppe mestre i den hjemlige genre, brødrene Cornelis og Herman Saftlevens (1607/1608 - 1681 og 1609-1685), Pieter de Blot (1601-1658), Hendrik Martens Sorg (1611-1670) og Eckbert van der Pool ( 1621-1664) kombinerede "køkken"-stilleben med genremotiver, men husholdningsartikler dominerede i deres malerier, og menneskelige figurer spillede en sekundær rolle.
Tæt på værker af Rotterdam-genremalere er stilleben af den berømte mester af "bondefrokoster" Philips Angel .
I modsætning til de kunstnere, der skildrede en velhavende borgers køkken med dets renlighed og orden, malede Francois Reykhals (efter 1600-1647) fattige bondekøkkener, idet han omhyggeligt skrev møblerne ud. I sit senere arbejde vendte Reykhals sig til genren "luksuriøst" stilleben [44] .
Mere end 60 værker blev viet til temaet køkkenstilleben og en anden velkendt mester i "luksuriøse" stilleben - Willem Kalf .
Haag blev fødestedet for et stilleben med fisk . Nærheden til Scheveningen fik kunstnere til ikke kun at male marinesoldater , men også til at skabe en særlig slags stillebenmalerier - malerier, der forestiller fisk og havdyr [45] . Et andet centrum for "fisk"-stilleben var Utrecht , på trods af denne bys afsides beliggenhed fra havets kyst [46] .
Grundlæggerne af denne type stilleben var Pieter de Putter, Pieter van Scheyenborg og Pieter van Noort.
Pieter de Putter (1600-1659) specialiserede sig næsten udelukkende i fiskestilleben. En sådan selvbeherskelse var et dristig skridt fra kunstnerens side; tilsyneladende var han overbevist om, at hans arbejde ville få succes med hollænderne - en nation af sømænd og fiskere [47] .
I sine værker fulgte de Putter som regel det samme mønster: han valgte et højt synspunkt, hvorfra et bord med fisk dumpet på det er tydeligt synligt, nogle gange tilføjede yderligere detaljer til stillebenet - et fiskenet, en kurv, en køkkenkniv eller en stegepande. Hans værker er kendetegnet ved et stift mønster og en nærig farve [48] .
Hovedrepræsentanten for denne trend i maleriet var de Putters elev Abraham van Beyeren (1620/1621 - 1690), som arbejdede i mange andre genrer af stilleben og også malede lystbådehavne. Han afbildede fisk i forskellige situationer: liggende i en bunke på kysten, lagt ud på et bord, hængt på kroge [49] . van Beierens stilleben udmærker sig ved deres realisme; det er ikke svært at identificere arten af fisk, der er afbildet af ham. Særligt almindeligt er billedet af en karpe ophængt i sin finne, muligvis med en symbolsk betydning [50] .
Van Beieren var en fremragende farvelægger: Den sølvgrå palet, hvori fiskeskæl holdes, blev fremhævet af individuelle klare farvepletter, og lysets skær gav billedet en særlig livlighed og udtryksfuldhed.
Måske var van Beierens elev Isaac van Duynen (1628-1677/1681), som også udviklede fiskestillebens to hovedtemaer - "fisk på kysten" og "fisk på bordet."
Pieter van Scheienborg (? - efter 1657) malede fisk på en grå eller solbrun baggrund; han ejer parrede malerier, der forestiller hav- og flodfisk [48] .
Malerierne af Pieter van Noort (ca. 1600 -?), der farverigt formidlet glansen af fiskeskæl, havde en særlig farve .
Albert Cuyp (1620-1691), bedre kendt som landskabsmaler, kan regnes blandt fiskens stillebens mestre .
Utrecht-mestrene Willem Ormea (1611-1673) og hans elev Jacob Gillig (ca. 1630-1701) var glade for "fisk"-stilleben. Willem Ormea afbildede ofte fisk på baggrund af havet (han arbejdede i samarbejde med landskabsmaleren Adam Willaerts, der malede havet). Gilligs malerier er mere traditionelle; de indeholder hovedsagelig ferskvandsfisk, friskfanget eller allerede slagtet [51] .
En vigtig plads i hollandsk maleri blev indtaget af et filosofisk og moralistisk stilleben, som fik det latinske navn " vanitas " ("forfængelighed af forfængeligheder" - en hentydning til Prædikeren ). Stilleben af denne type dukkede først op i det flamske maleri fra det 17. århundrede, og blev derefter udbredt i Holland, Italien og Spanien [52] . Forløberne for genren er de såkaldte memento mori , allegoriske billeder kendt siden middelalderen og designet til at minde om alt jordisks skrøbelighed og forgængelighed. Så først på gravsten, og senere på bagsiden af specialfremstillede portrætter, var det sædvanligt at afbilde et menneskekranie [53] [54] .
Et typisk vanitas-stilleben skildrede genstande, der på den ene eller anden måde var forbundet med menneskelivets skrøbelighed: et kranium, et slukket lys, ure, bøger, musikinstrumenter, visne blomster, rådnende frugter, væltede eller knækkede fade, spillekort og knogler, rygepiber, sæbebobler osv. Nogle gange har kunstneren i værket inkluderet et eller andet latinsk ordsprog om emnet "forfængelighedens forfængelighed" ( Vanitas vanitatum , Memento mori , Sic transit gloria mundi , etc.). Som regel blev stilleben designet i mørke farver, med en overvægt af gråbrune farver. De afbildede genstande var sædvanligvis arrangeret på en eftertrykkeligt skødesløs, kaotisk måde: dette skulle demonstrere en foragt for deres materielle værdi og også symbolisere nytteløsheden af menneskelige gerninger [22] [55] .
Leiden blev centrum for udviklingen af det "videnskabelige" stilleben (et af genrens navne) : en universitetsby, et trykkeri og calvinismens højborg. Ifølge B. R. Vipper , "i det ideologiske grundlag for denne tendens var middelalderlige ideer om alt jordisks skrøbelighed, calvinismens moraliserende tendenser og det humanistiske ideal om en vis person, der stræber efter sandhed og skønhed, ejendommeligt sammenflettet" [56] .
Det første stilleben fra det 17. århundrede, der er kommet ned til os, tilhørende genren "forfængelighedens forfængelighed", blev malet af Jacob de Gein den Yngre i 1603. Det forestiller et kranium placeret i en vægniche, over hvilken en sæbeboble svæver, der afspejler en del af det indre af kunstnerens atelier. I den øverste del af nichen læses den latinske indskrift "HUMANA VANA" ("menneskelig ballade er forgæves"); kraniet er et traditionelt symbol på døden, og sæbeboblen er en påmindelse om, hvor flygtigt alt liv er [57] .
Udviklingen af "forfængelighedens forfængelighed" stilleben var i høj grad påvirket af aktiviteten hos den leidenske maler David Bailly (1584-1657), og mestrene grupperede sig omkring ham. David Bailly ejer det berømte "Still Life with Self-Portrait and Symbols of Vanity of Vanities". På dette billede, i et relativt trangt rum, er mange genstande koncentreret - genrens attributter: bøger, et stearinlys, en mønt, et spejl, et rør, plukkede og falmende blomster, et timeglas osv. Kraniet på bordet, statuetten af den lidende Kristus og sæbebobler taler veltalende om livets forgængelighed [58] .
Baillys elev var Peter Simons Potter (1597-1652), far til den berømte dyremaler Paulus Potter . I sine stilleben brugte han det samme sæt genstande som Bailly: et kranium, bøger, et slukket lys, en rygepibe, en palet, noder og musikinstrumenter. En nyskabelse var billedet af en fjerpen med et blækhus, en globus og en taske - ting, der symboliserede det forgæves ønske om berømmelse og rejser [59] .
Baillys elever var også hans nevøer Harmen Stenwijk (1612 - efter 1655) og Peter Stenwijk , oprindeligt fra Delft. Man ved kun lidt om begge kunstnere, og deres overlevende værker er meget få i antal. Det antages dog, at Harmen Stenwijk var en af lederne af den Leidenske malerskole [60] . Hans arbejde udmærker sig ved en varmere farve end Baillys; derudover introducerer han i standardsættet af afbildede objekter et andet symbol på "forfængelighedens forfængelighed" - løbende skygger [59] .
Selv den fremragende mester i "luksuriøse" stilleben, Jan Davidsz de Heem , var under indflydelse af Bailly , som efter at have flyttet til Leiden fra Utrecht malede adskillige malerier i genren "forfængelighed af forfængelighed". De Heem kombinerede forskellige typer stilleben: vanitas , blomstermotiver og tonale [61] [62] .
De Heem og efter ham mange andre forfattere af "vanitas" tildelte kontrasten mellem lys og skygge en vigtig rolle, hvilket symboliserer kampen mellem liv og død. Så i maleriet Vanity of Vanities af Abraham van der Schor er genrens traditionelle attributter - knogler, kranier og plukkede roser - malet i lyse farver og placeret på en mørk baggrund. Chiaroscuro spiller også en vigtig rolle i Jacques de Clauves værker (1620 - efter 1679), hvor skarpt sollys står i kontrast til dystre kranier og krucifikser; og i Adrian van der Spelleds (1630-1673) stilleben, hos hvem det også skaber illusionen af bind [63] .
I anden halvdel af det 17. århundrede undergik fortolkningen af plottet nogle ændringer: fra en dyster påmindelse om den uundgåelige afslutning på stilleben blev "forfængelighedens forfængelighed" til en slags mystisk maleri, der kræver, at beskueren kender symbolik brugt i dem. Motivet om jordisk herligheds forfængelighed, jagten på videnskab og kunst [64] optræder i stigende grad i dem .
Adskillige malerier i denne genre blev skabt af eleven af Jan Davidsz de Heem , Maria van Oosterwijk (1630-1693), som for det meste malede blomsterstilleben. Derfor spiller blomster i hendes malerier af typen "forfængelighed af forfængelighed" en fremtrædende rolle sammen med kraniet, globus, bøger, fløjte, sedler og mønter. Stillebenene er ledsaget af citater som "En mand, der er født af en kvinde, er kortvarig og fuld af sorger" ( Jobs Bog ) [65] .
Sådanne moralistiske maksimer blev brugt i deres værker af mange mestre, der arbejdede i vanitas-genren: for eksempel den berømte landskabsmaler Jan van der Heyden (1637-1712) og den leidenske kunstner Abraham Susenir (ca. 1620 - efter 1667) inkluderet i stilleben åbnede en bibel på den ønskede side.
Malerierne af en række kunstnere fra anden halvdel af det 17. århundrede er tæt på en anden slags stilleben - den såkaldte " blende ", designet til at skabe illusionen af volumen og virkeligheden af det afbildede. Træk af "bedrag" er til stede i værker af Petrus Schotanus (ca. 1601-1675), Jurian van Streck (1632 -?), Vincent van der Winne (1629-1702), Matthias Vythos (1627-1703), Peter Ring (1615-1660 ) og Edward Collier (ca. 1640 - efter 1706). Takket være deres dygtigt opbyggede komposition og mesterlige brug af chiaroscuro, ser de afbildede genstande ekstremt naturalistiske ud [66] .
Siden antikken har kunstnere stræbt efter den mest pålidelige, illusionistiske gengivelse af naturen. Siden omkring det 15. århundrede er billeder designet til at skabe en illusion af tredimensionalitet blevet udbredt i europæisk kunst. Oftest blev genstande afbildet typiske for indretningen af en velhavende borgers hjem - bøger, skrift og toiletartikler, forskellige nipsgenstande, jagttrofæer - og kunstneren forsøgte at tegne dem, så de så ud til at stå på en hylde eller hænge. på en væg [67] . I det halvmørke indre af et hollandsk hus frembragte sådanne malerier virkningen af virkeligheden.
I 1650'erne og 1660'erne fik en særlig genre af "illusionistisk" stilleben, de såkaldte " tricks " ( hollandsk. bedriegertje ), senere navnet " trompe l'œil " i kunsthistorisk litteratur (af de franske ord " tromper " " - at bedrage og " l 'œil " - øje). De leger med ikke-eksisterende vinduer, rammer og gardiner, samt forskellige genstande placeret i et lodret plan og så at sige fastgjort med bånd eller stifter [68] .
Et af de første hollandske "tricks" - malede låg til opbevaring af billeder - blev lavet af Gerard Dou (1613-1675). Illusionen var, at en lukket boks så ud til at være åben [66] .
Mestrene i det "bedrageriske stilleben" var Rembrandts elever Samuel van Hoogstraten (1627-1678) og Heyman Dullart (1636-1684). Nogle af Hoogstratens overlevende stilleben forestiller skabslåger med genstande på. Kunstneren med enestående dygtighed formidler teksturen af forskellige materialer - læder, metal, træ. Mange af de mindste, omhyggeligt sporede detaljer giver særlig autenticitet til det afbildede.
Hogstratens arbejde vildledte virkelig folk: i kunstnerens biografi af Arnold Houbraken bemærkes det, at kejser Ferdinand III selv bukkede under for bedrag . Samme Houbraken skriver, at i selve Hogstratens hus var "tricks" overalt, og de malede genstande lignede rigtige [69] . Hvordan han blev bedraget af Hogstratens enestående dygtighed, minder i sine erindringer om Samuel Peeps [70] .
Ofte skabte forfatterne af "svindel" stilleben med skrivemateriale: breve lagt på bordet, kuverter, penneknive, læselupper osv. Cornelis Brize (1622 - efter 1670), Vallerand Vaillant (1623-1677) har lignende værker og mesteren af stilleben af typen "forfængelighed af forfængeligheder", Edward Collier [71] . Sidstnævnte ejer adskillige tricks i Hogstratens ånd [72] .
Mange mestre kombinerede i deres værker to typer stilleben - "illusionistisk" og "jagt". Denne form for "lokkedue" afbildede slået vildt og jagtudstyr. Kunstnerne søgte ikke kun at skildre de dræbte dyr og fugle så naturligt som muligt, men også at formidle tekstur og farver af fuglefjerdragt. Svindel med et jagt-tema blev skabt af brødrene Anthony Lemans (ca. 1631-1673) og Johannes Lemans (ca. 1633-1688), Jacob Biltius (1633-1681) og hans bror Cornelis Biltius , samt forfatteren af "bonde" morgenmad Philips Angel og en portrætmaler Christoffel Pearson (1631-1714) [73] .
Siden 1650'erne har en ny slags stilleben-genre vundet popularitet - "luksuriøst" stilleben ( hollandsk. pronkstilleven ). Grundlæggerne af genren var de flamske kunstnere Frans Snyders og Adrian van Utrecht [74] . Temaerne og æstetikken i denne type stilleben afspejler borgerskabets smag i anden halvdel af det 17. århundrede, deres ønske om rigdom, elegance og luksus [75] . Oftere og oftere dukker sølv- og forgyldte fade, kinesisk porcelæn , Delft-fajance , venetiansk glas , orientalske duge og tæpper, sydlige frugter, hummere og andre dyre og udsøgte retter op i malerierne, og den gennemsnitlige farve af monokrome "morgenmad" erstattes af farverigt og varmt [76] [76] [75] .
En af grundlæggerne af genren var mesteren fra Utrecht , Jan Davidsz de Heem (1606-1684). Han prøvede sig i forskellige genrer - blomster, videnskabsmand, køkken, tonalt stilleben. I 1636 flyttede kunstneren til Antwerpen og faldt under indflydelse af flamsk maleri. Siden dengang begyndte han at skabe luksuriøse stilleben, kendetegnet ved deres farverige og dekorative [77] . De præsenterer en rigtig "overflodsfest": rigt serverede borde er bogstaveligt talt sprængfyldt med al slags mad. De Heems blomsterstilleben havde også et tydeligt flamsk spor, kendetegnet ved en barok farvesymfoni [78] .
Jan Davidsz de Heem havde et værksted med et stort antal elever og assistenter. Ud over mesterens søn Cornelis de Heem (1631-1695), der lærte mange af sin fars maleteknikker, var hans direkte elever Peter de Ring, Nicholas van Gelder, Johannes Bormann, Martinus Nellius, Matthijs Naive, Jan Mortel, Simon Luttihuis , Cornelis Kick. Til gengæld opdragede Kik dygtige elever - Elias van den Broek og Jacob van Valskapelle. Fra Jan Davidsz de Heems værksted kom også Maria van Oosterwijk, en stillebenmester i forfængelighedens forfængelighed, og to mestre i det sene blomsterstilleben: Jacob Rotius (1644-1681/1682) og Abraham Mignon [79] .
En af de Heems mere fremtrædende elever var Pieter de Ring . Hans værker er domineret af lyse, mættede toner; lysspillet på forskellige genstande formidles omhyggeligt. I stedet for en signatur brugte de Ring ofte et billede af en ring ( ring betyder ring på hollandsk) [80] .
Samtidig med de Heem vendte François Reykhals sig til genren luksuriøst stilleben . Den lyse farve på hans værker er så meget desto mere overraskende, fordi de blev skabt i perioden med dominans af tonalt maleri. Således forudså han i sit arbejde den videre udvikling af det hollandske stilleben [81] .
Ønsket om glans er også karakteristisk for Abraham van Beierens luksuriøse stilleben . Hans maleri får en særlig udtryksfuldhed på grund af den dygtige brug af kontrasten mellem varme og kolde farver og forskellige nuancer af samme farve. Sammensætningen er normalt bygget op omkring et enkelt center, som er et kar med vin eller det lyseste serveringselement - hummer. Praktisk talt i alle stilleben er der et billede af et lommeur, der ligesom i genren "forfængelighedens forfængelighed" minder om tidens forgængelighed [82] .
En af de få tilhængere af van Beieren, Abraham Susenir , overtog fra sin lærer de væsentlige træk ved hans væremåde. I lang tid blev nogle af Susenirs stilleben tilskrevet van Beieren.
Et stort antal værker i genren "luksuriøst" stilleben blev skabt af Francois Reykhals elev, den fremragende stillebenmester Willem Kalf (1619-1693). I sine tidlige værker bruger kunstneren ofte en asymmetrisk komposition og symbolik, der er typisk for vanitas stilleben: en lysestage med et uforbrændt lys, et lommeur, en væltet bæger. Efter at have oplevet Rembrandts indflydelse under en rejse til Amsterdam , begyndte Kalf at skabe lærreder mættede med farver og lys, der kombinerede varm farverighed med en mesterlig brug af chiaroscuro [81] . Værkerne fra "Amsterdam"-perioden, som mest af alt glorificerede Kalfs navn, er karakteriseret ved et lodret format, tilstedeværelsen af kinesiske porcelænsfade og et begrænset repertoire af afbildede genstande, som bestemt omfatter en sølvbakke. Stillebengruppen omfatter ofte römer, akelglas, nautilusbægre, kinesiske vaser og kander afbildet med enestående autenticitet [83] .
Kalfs arbejde afslørede nye muligheder for legemliggørelsen af den objektive verden og havde en afgørende indflydelse på den efterfølgende udvikling af stilleben. Kalfs tilhængere var Jurian van Streck, hans søn Hendrik van Streck (1659-?), Christian Jans Streep (1634-1673) og Barent van der Meer (1659-til 1702).
Jurian van Streck eksperimenterede meget med lys og farve. Hans værker er kendetegnet ved et rigt farverigt udvalg og en række tonale overgange [84] . Et andet karakteristisk træk ved van Strecks stilleben er følelsen af en persons tilstedeværelse: det virker som om han lige var rejst fra bordet [85] .
En anden tilhænger af Kalf, Peter Gerrits Rustraten (1627-1698) , gik vejen for at nærme "luksuriøse" stilleben til "svigagtige" stilleben . Derudover er der i hans værker også træk af "forfængelighedens forfængelighed" stilleben: kostbare ting i hans værker bliver tydeligt læselige symboler på forfængeligheden af alt jordisk [86] .
I anden halvdel af 1600-tallet blev stilleben med slagtet vildt udbredt, hvilket afspejlede velhavende borgeres hobby til jagt. I Amsterdam, Haarlem og Delft var stilleben i små formater med kunstfærdige detaljer særligt populære, mens kunstnere i Utrecht for det meste malede store dekorative lærreder, der ikke blot forestillede selve trofæerne, men også jagtudstyr, og nogle gange endda inkluderede et fragment af landskabet [87] .
Tilsyneladende blev begyndelsen til denne type stilleben lagt af Rembrandt , som malede billederne "Battered Bittern" (1639) og "To døde påfugle og en pige" (1639) [88] . "Jagt"-stilleben blev også skrevet af Rembrandts elev Ferdinand Bol , som mesterligt tegnede fjerdragten af fugle.
Blandt genrens pionerer var Elias Vonk (ca. 1605-1652) og hans søn Jan Vonk (ca. 1631-1663), samt Matthaus Bloom [89] .
Jan Vonk var en af de første, der vendte sig mod motivet småvildt. Dens vigtigste teknik er udvælgelsen af individuelle elementer i en stillebengruppe ved hjælp af en let accent [90] .
Matthaus Bloom , derimod, var grundlæggeren af det monumentale stilleben med jagttrofæer [91] . I fremtiden blev denne genre udviklet af Jan Weniks.
Den anerkendte mester for jagtstilleben var Willem van Aelst , også kendt som mesteren af "blomstrede" og "luksuriøse" stilleben. Han afbildede slagne vildt liggende på et marmorbord eller ophængt i en stenniche. Sammensætningen suppleres af jagtegenskaber: en pistol, en jagtsele, en vildttaske eller et horn [89] .
Emnet jagtstilleben blev berørt af den berømte landskabsmester Jan Baptist Veniks (1621-1660), som afbildede døde rådyr og svaner. Hans søn Jan Weniks (1640-1719) skabte mindst hundrede malerier, der forestiller slagne harer på baggrund af en stennche eller et parklandskab [92] . Derudover malede han komplekse, multi-figur kompositioner, der skildrer dødt spil ikke i interiøret, men på baggrund af naturen. Hans stil er karakteriseret ved en ekstremt naturalistisk gengivelse af teksturen af dyrepels og fuglefjerdragt [93] .
Jan Baptist Weenix' elever var også hans nevø Melchior de Hondekuter (1636-1695) og Willem Frederick van Rooyen (1645/1654-1742).
Melchior de Hondekuter er hovedsageligt kendt som forfatteren til de såkaldte "fuglegårde" og "fuglekoncerter", der ikke forestiller slået vildt, men levende fugle. Han skabte dog også en række jagtstilleben, både små og monumentale. Deres kendetegn er sammenstillingen af livlig og livløs natur: levende hunde og katte er afbildet ved siden af jagttrofæer [94] .
Dirk de Bry var også en tilhænger af det ceremonielle jagtstilleben, ligesom Aalst og Royen . Han repræsenterede falkejagtens trofæer, som var et yndet tidsfordriv for aristokrater og velhavende borgere [95] .
Sammen med storstilede dekorative lærreder af "jagttrofæer" blev "kammer"-jagtstilleben også meget brugt. Cornelis Lelienberg (1626 - efter 1676), Aalsts elev Willem Gau Ferguson (ca. 1633 - efter 1695), Hendrik de Fromenthue (1633/1634 - efter 1694) og Peter Harmens Verelst (1618-1678) skabte deres værker i denne stil , og også hans søn Simon Peters Verelst (1644-1721). "Kammer"-jagtstilleben blev også skabt af malere, der arbejdede i andre genrer af stilleben: Abraham Mignon, Abraham van Beyeren, Jacob Biltius. Den berømte landskabsmaler Salomon van Ruisdael (1600/1603 - 1670), som skrev "Still Life with Batten Game" (1661) og "Jagtrofæer" (1662), og genremaler, elev af Adrian van Ostade, Cornelis Dusart (1660) -1704) hyldede [96] .
En specifik variation af stilleben er malerier, der opstod i anden halvdel af det 17. århundrede, der skildrer forskellige repræsentanter for jordens fauna - slanger, firben, edderkopper, larver, sommerfugle - i deres naturlige miljø. Grundlæggerne af genren var Otto Marseus van Skrik (1619/1620-1678) og Matthias Vythos (1627-1703) [97] .
Det er kendt, at Screek på sin ejendom holdt et terrarium med insekter, edderkopper, slanger og andre dyr, som han afbildede i sine malerier. Han kunne godt lide at skabe komplekse kompositioner med eksotiske planter og dyr og introducerede filosofiske overtoner i dem. For eksempel, i Dresden-maleriet The Snake at the Bird's Nest, samler sommerfugle nektar fra blomster, en trøske fanger sommerfugle og fodrer dem til sin kylling, og en anden kylling bliver slugt af en slange, der jages af en hermelin [98] .
Vythos foretrak at afbilde vilde planter i forgrunden af malerierne, blandt hvilke livet myldrer. Hans værker fanger omhyggeligt det mystiske, normalt utilgængelige for den menneskelige øjenverden [97] .
Willem van Aelst har flere værker dedikeret til afbildning af planter og dyr. Hans elev Rachel Reusch begyndte sin kreative karriere med at efterligne Skrik, men udviklede derefter sin egen stil, som er præget af billedet af små levende væsner på baggrund af et gyldent landskab [99] .
Melchior de Hondekuter (1636-1695) blev berømt som en kunstner, der skildrede en bred vifte af dyr og fugle. Hans "fuglegårde" og "menagerier" er ikke stilleben i streng forstand, men for hollænderne i det syttende århundrede var de i samme kategori som billeder af blomster eller frugter [100] .
Dyrestilleben blev også skabt af kunstnere som Willem Frederik van Rooyen, Christian Jans Streep, der arbejdede som Screak, og Abraham de Hoes.
I anden halvdel af 1600-tallet kom blomster-frugt-stilleben på mode igen. De var præget af pragt, dekorativitet og lys farve. En stor indflydelse på det sene stilleben var maleriet af mesteren af "luksuriøse" stilleben, Jan Davidsz de Heem [101] .
Kunstneren fra Delft, Willem van Aalst (1626/1627 - efter 1683), som omfavnede de mest forskelligartede typer stillebenmalerier i sit arbejde, skabte blomster-frugt-stilleben i traditionen fra Balthasar van der Ast og hans onkel, maler Evert van der Aalst [102] . Van Aalst var en subtil kolorist og mestrede maleteknikken til perfektion. Han udviklede sine egne metoder til at påføre flere lag maling på hinanden, takket være hvilke han opnåede en enestående farverigdom og en række af dens nuancer [103] . En anden nyskabelse, som van Aelst bragte til det blomsteragtige stilleben, var den asymmetriske sammensætning af buketten [104] .
Van Aalst havde talrige tilhængere, der for det meste blev tilhængere af det "intime" stilleben, idet de fulgte vejen til at forenkle kompositionen og reducere antallet af afbildede genstande. Abraham de Lust, Willem Frederick van Rooyen, Simon Peters Verelst, Hendrik de Fromenthue og Dirk de Bry arbejdede i denne stil .
I lighed med Aalsts tilgang er forsøg på at gå til en ny billedlig måde også synlige i Justus van Huysum den Ældres (1659-1716) værker. Han forsøgte sig i en lang række genrer, fra portræt til landskab, men opnåede størst succes med at skildre blomster og frugter [106] .
Justus van Huysum introducerede sin søn Jan van Huysum (1682-1749) til maleriet, i hvis værk det sene stilleben nåede sit højeste højdepunkt. Populariteten af hans værker var så høj, at deres omkostninger var hundredvis af gange højere end prisen på malerier af Rembrandt, Steen, Aalst og Cuyp [105] .
Jan van Huysum malede to typer blomsterstilleben: iscenesatte buketter på en mørk baggrund og mere dekorative "luksus"-buketter beregnet til at dekorere velhavende hjem. I dem bruger han ligesom Jan Davidsz de Heem en lys baggrund, som på det tidspunkt var en nyskabelse inden for stillebenmaleriet.
Van Huysums stilleben er kendetegnet ved deres farverige, subtile nuancer, store farvesammensætning og det fineste håndværk i at udarbejde detaljer. Kunstneren afslører dygtigt hver blomsts og frugts egenskaber og viser dem i forskellige aspekter [107] .
Sammen med de Heem og van Huysum var repræsentanten for den "lette" måde at blomstre stilleben på den tyske kunstner, der arbejder i Holland Abraham Mignon . Han malede også blomster på en mørk baggrund og foretrak roser. Hans buketter er elegante, farverige og som udstillet. Mignons arbejde er kendetegnet ved dekorativitet og glat penselføring [107] . Nogle gange føjede han genreelementer til stillebenet: hans vaser svajede og faldt nogle gange. Katte, egern, fugle, sommerfugle, myrer og snegle blev brugt som underholdende detaljer [108] .
En meget original kunstner var Adrian Korte fra Middelburg - "den rene soliststemme i finalen af den hollandske symfoni af stilleben" [109] . Han fulgte ikke den generelle tendens og stræbte ikke efter prangende og dekorativitet. Korte malede små stilleben, elegante og kortfattede, bygget på kontrasten fra en mørk baggrund og en lys genstand [110] . Det centrale emne i sammensætningen kunne være en flok asparges, en skive citron, stikkelsbær - beskedne hverdagsting. Ikke desto mindre, oversvømmet med lys, der falder fra oven, virker de evige og tidløse [111] .
I hollandsk maleri fra det 17. århundrede blev grundlaget for en ny genre, stilleben, lagt, som i figurativ form legemliggjorde en persons verdensbillede i hans forhold til den objektive verden og naturen. Hollandske kunstnere udvidede markant rækken af emner omfattet af kunst; direkte appel til den omgivende virkelighed blev den vigtigste faktor, der påvirkede den nye genre på seeren [112] . Det hollandske stilleben fangede dog ikke bare virkeligheden: det formidlede subtilt sammenhængen mellem ting og fænomener i en persons åndelige liv. Malerierne gik i dialog med samtidige, informerede dem om vigtige moralske sandheder, mindede dem om alle tings skrøbelighed og tvang dem til at tænke over meningen med menneskelivet [75] .
I de følgende årtier faldt hollandsk maleri. Æstetikken i det hollandske stilleben havde dog stor indflydelse på kunstnere fra andre europæiske lande, især Tyskland og Frankrig [7] . Den tekniske dygtighed og særlige vision af verden, der ligger i de hollandske kunstnere i den såkaldte "Golden Age", blev et forbillede for mange generationer af malere.