Japansk maleri ( Jap. 絵画 kaiga , "billede, tegning") er en af de mest ældgamle og raffinerede japanske kunster, karakteriseret ved en bred vifte af genrer og stilarter. For japansk maleri såvel som for litteratur er det typisk at tildele naturen en førende plads og skildre den som bæreren af det guddommelige princip. [1] Et andet emne, der er meget brugt i japansk maleri, er skildringen af scener fra hverdagen og tematiske malerier, som ofte flyder over med figurer og detaljer. Denne tradition begyndte uden tvivl i den tidlige middelalder under indflydelse af Kina, men med tiden kom den til at blive set som en del af den japanske tradition, der stadig eksisterer i dag.
Det første maleri i Japan stammer fra den japanske palæolitiske periode .
Under Kofun- og Asuka - perioderne ( 4. - 7. århundrede ), sammen med indførelsen af kinesisk skrift (hieroglyffer), oprettelsen af et statsregime efter kinesisk model og udbredelsen af buddhismen , blev mange kunstværker bragt fra Kina til Japan. Derefter begyndte Japan at reproducere malerier i en stil, der ligner kinesisk.
Med den videre udvikling af buddhismen i det 6. og 7. århundrede blomstrede religiøst maleri i Japan, brugt til at dekorere de talrige templer opført af aristokratiet, men generelt, under Nara-perioden i Japan, bidraget til udviklingen af kunst og skulptur var større end i maleriet. De tidligste overlevende malerier fra denne periode inkluderer vægmalerier på de indvendige vægge i Horyu-ji-templet i Nara-præfekturet . Disse vægmalerier inkluderer historier om Buddha Shakyamunis liv .
Siden det 10. århundrede er yamato-e- retningen blevet skelnet i japansk maleri , malerierne er vandrette ruller, der illustrerede litterære værker. Siden dengang begynder optegnelser af de mest talentfulde kunstnere at dukke op i Japan, inklusive Kose Kanaoke [2] .
I det 14. - 16. århundrede udviklede sumi-e- stilen (monokrom blækmaleri).
I skarp kontrast til maleriet fra Muromachi-perioden er maleriet fra Azuchi-Momoyama-perioden (1573-1603). Hun er kendetegnet ved en polykrom stil med udstrakt brug af guld- og sølvfolie. På det tidspunkt nød Kano-skolen stor berømmelse og prestige . Dets grundlægger , Eitoku Kano , malede loftsvæggene og skydedørene til separate rum. Sådanne malede elementer tjente som dekorationer til slotte og paladser af den militære adel.
I denne periode vendte kunsten sig for første gang til hverdagens temaer - tehusenes verden, Kabuki-teatret, sumobrydere. Udseendet af træsnit var forbundet med demokratisering af kultur, da graveringer er karakteriseret ved cirkulation, billighed og tilgængelighed. Efter daglig maling blev gravering kendt som ukiyo-e . Udviklingen af gravering er forbundet med kunstneren Hisikawa Moronobu, der skildrede ukomplicerede scener fra livet for indbyggerne i tehuse, håndværkere, der kombinerede forskellige ikke-relaterede begivenheder på en gravering. Japansk gravering i 1780-1790. går ind i sin storhedstid. Suzuki Haranobu var den første til at bruge rulleteknikken, som skaber en overgang fra mørk til lys tone, varierede tykkelsen og teksturen af linjerne. Han brød sig ikke om de rigtige farver, havet i hans graveringer er lyserødt, himlen er sandet, græsset er blåt, det hele afhænger af scenens generelle følelsesmæssige stemning.
Fra anden halvdel af det 19. århundrede blev kunsten opdelt i konkurrerende europæiske og traditionelle stilarter. I Meiji-perioden gennemgik Japan store politiske og sociale forandringer gennem europæiserings- og moderniseringsprocessen orkestreret af regeringen. Den vestlige malerstil blev officielt fremmet af regeringen. Lovende unge kunstnere blev sendt til udlandet for at studere, og udenlandske kunstnere kom til Japan for at udvikle skolens kunstpensum.
Men efter den første stigning i interessen for vestlig kunststil, svingede pendulet i den modsatte retning, og der var en genoplivning af traditionel japansk stil. I 1880 blev den vestlige kunststil forbudt fra officielle udstillinger og blev stærkt kritiseret.
Taishō-æraen falder på en kort periode mellem den accelererede modernisering af Japan under Meiji-æraen (1868-1912) og den aggressive militarisme i de første år af Showa-æraen (1926-1989).
Taishō-perioden begyndte den 30. juli 1912 med kejser Mutsuhitos død (Meiji, 1852-1912) og kronprins Yoshihito's himmelfart (1879-1926). Den nye kejser valgte Taisho, som betyder "Stor retfærdighed", som mottoet for hans regeringstid. Dårligt helbred tvang ham til at gå på pension i 1921, og hans ældste søn Hirohito (1901-1989), den fremtidige kejser af Shōwa, blev udråbt til Prins Regent.
Samtidig fik udviklingen af maleriet også en ny omgang. Traditionelle genrer fortsatte med at eksistere, men var betydeligt påvirket af Vesten. Samtidig blev mange unge kunstnere interesserede i impressionisme, postimpressionisme, kubisme, fauvisme og andre kunstneriske bevægelser, der udviklede sig i vestlige lande.
Generelt kan Taisho-perioden kaldes en tid med blanding af japanske og vestlige træk og teknikker i næsten alle typer kunst og kreativitet.
Showa-æraen er en periode i japansk historie fra 25. december 1926 til 7. januar 1989, hvor Hirohito var kejser (1901-1989). Han valgte Showa, der kan oversættes til "Den oplyste verden", som motto for hans regeringstid.
I efterkrigstidens maleris historie var nogle af de mest berømte kunstnere Okumura Togyu (1889-1990), der blev berømt for at skildre hundrede udsigter over Mount Fuji, og Higashiyama Kaii (1908-1999), som blev berømt , især på grund af det faktum, at han skabte og restaurerede vægmalerier af mange japanske paladser og templer (kejserpaladset, Toshodaiji-templet osv.). I maleri i vestlig stil er den mest berømte kunstner Hayashi Takeshi (1896-1975), hvis arbejde kan spores til den stærke indflydelse fra Cezanne, Picasso, Modigliani.
| Asiatiske lande : Maleri | |
|---|---|
| Uafhængige stater |
|
| Afhængigheder | Akrotiri og Dhekelia Britisk territorium i det Indiske Ocean Hong Kong Macau |
| Uanerkendte og delvist anerkendte tilstande |
|
| |