| Edward Hopper | |
| Hak svaj . 1929 | |
| engelsk Hak Suey | |
| Lærred, olie. 81,3 × 96,5 cm | |
| Privat samling | |
| Mediefiler på Wikimedia Commons |
Chop Suey er et maleri fra 1929 af den amerikanske realistiske maler Edward Hopper . Det forestiller to piger, der taler på en restaurant. I november 2018 blev det solgt til en rekordpris for Hoppers malerier - 91,9 millioner dollars [1] .
Maleriet forestiller to piger, der sidder ved et bord i en restaurant. Der er endnu et par i baggrunden. De eneste sporede detaljer i maleriet er pigens ansigt, frakken, der hænger ved siden af hende, hendes ledsagers ryg, parrets træk i baggrunden, tekanden på bordet, det maskerede bundpanel på bundpanelet og restauranten skilt udenfor. Disse er alle funktioner, der bringer et sanseelement (udover syn) til en farvet hukommelse. Den summende støj fra lys udefra, stemmerne fra mennesker i baggrunden, teksturen af uld, smagen af te og lugten af cigaretrøg (holdt af en mand) og det forvirrende lys fra et maskeret vindue.
Hoppers værker er kendt for deres realistiske scener, der beskæftiger sig med temaet ensomhed og løsrivelse, men de udelader ofte den narrative kontekst. Kunstneren beskrev selv sin kunst som "at registrere [hans] mest intime indtryk af naturen", det vil sige, at han forbandt tegneprocessen med hukommelsesprocessen. Denne idé kan yderligere beskrives på andre måder, for eksempel når man tegner noget fra hukommelsen, kan nogle detaljer huskes, men alt, der er ude af fokus, er en tom baggrund. Chop Sway afspejler dette begreb om hukommelse ved at tvinge beskueren til at fokusere på bestemte elementer i maleriet og samtidig vise temaet løsrivelse.
Oversat fra kantonesisk betyder tsap sui "chancer og grænser". I midten af 1920'erne var shop suey -restauranter blevet populære blandt arbejderklassen. Hoppers malerier var ofte resultatet af en kombination af hans tidligere oplevelser, og det menes, at Chop Sway delvist var inspireret af to restauranter, kunstneren besøgte i 1920'erne [2] .
Ifølge kunstkritiker David Anfam er en "slående detalje ved Chop Sway, at den kvindelige karakter står foran sin dobbeltgænger " [3] . Andre kritikere har påpeget, at det er ret almindeligt, at piger har identiske hatte, og at det er overilet at tale om doubler, når ansigtet på et motiv ikke er synligt for seeren [4] . Billedet har ikke en enkelt central komponent, men viser det indre af cafeen som helhed. Som med mange af Hoppers værker trækker maleriet primært på virkningerne af lys og skygge.
Rolf Renner, Hoppers biograf, hævdede, at "...en del af, hvad [Hoppers] malerier symboliserer, er den død eller forfald, som alle malerier på en måde bærer på, da de ødelægger perceptionens umiddelbarhed gennem transformation til et billede" [5] .
Selvom maleriet forestiller et offentligt sted, hersker følelsen af ensomhed. Så pigen i grønt, der ser på seeren, sidder med sin ledsager, men ser ikke ud til at interagere med hende. Som parret i baggrunden, hvor manden ser fjern ud fra kvinden, der sidder over for ham. Hver menneskelig figur er isoleret og adskilt fra andre og lukket om sig selv. Dette vises ved hjælp af skjulte eller slørede ansigter, som fratager menneskehedens figurer. Dette gælder også for pigen i grønt, som den mest detaljerede figur, på trods af at du kan få et komplet billede af hendes ansigt, men på grund af tung makeup opstår der afstand.
Alabasthud med en fedtet rødme og malede læber efterlader ikke indtrykket af en kvinde, men af et dukkeansigt. Normalt i sammenhæng med stilen fra den æra (slutningen af 1920'erne), kan dette opfattes som en moderigtig og livlig stil: "tætsiddende dametrøjer, cloche-hatte og stærkt sminkede ansigter, som tidligere blev betragtet som seksuelle egenskaber , er nu blevet mainstream." [4] Men Hopper afviser, at han ved at male pigens ansigt på denne måde dehumaniserede hende. [6]
Sammensætningen af Chop Sway -maleriet inkarnerer også Hoppers begreb om hukommelse snarere end realisme. Balancen opretholdes i den midterste del af tegningen, hvor der er flere detaljer, mens andre områder er markeret med kun grove penselstrøg. Det svagt detaljerede rum i baggrunden forstærker den centrale del af billedet yderligere. Dette rum er enkelt, baggrund, ikke fast i hukommelsen. "Vægten" holdes oppe af detaljerne indeholdt mellem mønstrene på bordene, ned til detaljerne i udformningen af skiltet udenfor, den hængende jakke og den nederste vinduesbeklædning. [7]
Kunstkritiker Gail Levine spekulerede over placeringen af restauranten afbildet i maleriet: "... indretningen mindede om en billig kinesisk restaurant på anden sal, som Hoppers ofte besøgte i Columbus Circle " [8] . Det kan forklare hovedfokus på kvinden (evt. Jo, kunstnerens kone) og omgivelsernes sløvhed. Hvis dette var et sted, som Edward Hopper frekventerede, så ville der ikke være nogen grund til at fokusere på omgivelserne, men snarere på øjeblikket.
Samleren Barney Ebsworth ejede maleriet og lovede at donere det til Seattle Art Museum [9] . Men efter hans død overgik ejendomsretten til hans ejendom. I november 2018 blev maleriet solgt for 92 millioner dollars, hvilket satte en ny rekord for Hoppers arbejde [10] [11] .
| Edward Hopper | ||
|---|---|---|
| Malerier | Pigen ved symaskinen (1921) Railroad House (1925) Coast Guard Station, Two Lighthouses, Maine (1927) Automatisk (1927) Manhattan Bridge Loop (1928) Chop sway (1929) Tidlig søndag morgen (1930) Hotelværelse (1931) Værelse i New York (1932) Østenvind over Weehawken (1934) Macomba Dam Bridge (1935) White River i Sharon (1937) New York Cinema (1939) Tankstation (1940) Kontor om natten (1940) Natugler (1942) Hotellobby (1943) Palæ i Saltillo (1943) Middag (1949) Hotel ved jernbanen (1952) Lille bykontor (1953) Hotelvindue (1955) Solskin på anden sal (1960) Woman in the Sun (1961) | |
| Andet | Josephine Hoppers kone Edward Hopper House Museum | |