Orpheus (opera)

Orpheus ( italiensk  Orfeo , nogle gange italiensk  L' Orfeo, favola in musica ) er en opera af Claudio Monteverdi , skabt i 1607 til en libretto af Alessandro Strigio den Yngre . Sammen med " Orpheus and Eurydice " af Christoph Willibald Gluck betragtes det som et af de mest betydningsfulde musikværker med temaet den antikke græske myte om Orpheus [2] ; er en af ​​de tidlige operaer, der stadig jævnligt opføres i mange teatre rundt om i verden i dag. Premieren på operaen fandt sted den 24. februar 1607 i Mantua ( Italien ). Operaen blev skrevet til at blive opført ved hoffet i Mantua under det traditionelle årlige karneval.

I musikteatret i begyndelsen af ​​1600-tallet udviklede det traditionelle mellemspil - musiknumre mellem hovedstykkets akter - sig efterhånden til et fuldt musikdrama, der senere fik navnet "opera". Orpheus af Monteverdi markerede afslutningen på en periode med eksperimentering og blev det første fuldgyldige værk af den nye genre. Efter premieren blev operaen spillet igen i Mantua og muligvis i de næste par år i andre italienske byer. Partituret af Orpheus blev udgivet af Monteverdi i 1609, genudgivet i 1615. Efter komponistens død (1643) blev operaen glemt. Interessen for dette værk, genoplivet i slutningen af ​​det 19. århundrede, førte til fremkomsten af ​​dets nye udgaver og produktioner. Først var der tale om koncertopførelser af operaen inden for uddannelsesinstitutioner (institutter) og musikforeninger. Den første operaforestilling blev opført i Paris i 1911, fra det øjeblik optrådte Orpheus oftere og oftere på den musikalske scene. Efter Anden Verdenskrig begyndte autentiske forestillinger at blive favoriseret i operaen . "Orpheus" er gentagne gange blevet indspillet og opføres i stigende grad i operahuse. I 2007 blev operaens 400 års jubilæum fejret med forestillinger rundt om i verden.

I sin udgave af partituret til operaen angiver Monteverdi 41 instrumenter, som kombineret i forskellige grupper bruges til at skildre forskellige scener og karakterer. Så strygere , cembalo og langsgående fløjter repræsenterer de pastorale regioner i Thrakien, beboet af nymfer og hyrder; messinginstrumenter illustrerer underverdenen og dens indbyggere. "Orpheus" blev skabt i overgangstiden fra renæssancen til barokken , og bruger alle de musikalske præstationer fra sin tid og især modigt - polyfoni . Monteverdis nyskabelse viste sig også i den (delvise) orkestrering af partituret, forsynet med separate forfatters "ønsker" til de optrædende. På samme tid, i modsætning til orkesterpartituren i dets senere (klassiske) forstand - med præcist skrevne instrumenter med alle detaljer i tekstur , med noterede tempoer, nuancer osv., partituret af "Orpheus" (som det var almindeligt accepteret i dengang tradition) efterlod musikerne en vis frihed til improvisation .

Fødslen af ​​operagenren

I 1590 eller 1591 modtog Claudio Monteverdi, der havde tjent som musiker i Verona og Milano , en violiststilling ved hertug Vincenzo Gonzagas hof i Mantua. Talent og hårdt arbejde gjorde det muligt for Monteverdi at nå stillingen som maestro della musica i 1601 ved hoffet i Gonzaga , han var ansvarlig for hele det hertugelige hofs musikliv [3] [4] [5] .

Vincenzo Gonzagas særlige passion for musikteater udviklede sig under indflydelse af det florentinske hofs traditioner. I slutningen af ​​det 16. århundrede udviklede innovative florentinske musikere mellemspillet - et musikstykke, der fyldte tiden mellem handlinger af samtaledramaer - til en stadig mere raffineret form [3] . Anført af Jacopo Corsi skabte efterfølgerne af den berømte forening Florentine Camerata [K 1] det første værk, der generelt var relateret til operagenren: Daphne blev skrevet af Corsi og Jacopo Peri , kapelmester for den florentinske hertug , og opført i Firenze i 1598 . Dette værk kombinerede elementer af madrigalsang og monodi med danse og instrumentale passager til en enkelt dramatisk handling. Kun fragmenter af Daphne-partituret har overlevet, men adskillige andre florentinske værker fra samme periode - Emilio de Cavalieri 's Idea of ​​Soul and Body , Peris Eurydice og en anden Eurydice - Giulio Caccini  - har overlevet til denne dag fuldstændigt. Værkerne af Peri og Caccini var de første af mange musikalske fremstillinger af myten om Orpheus, der tog udgangspunkt i Ovids Metamorfoser og var de direkte forgængere for Monteverdis Orpheus [7] [8] .

Ved hoffet i Gonzaga havde teaterforestillinger en rig historie. I 1471 blev Angelo Polizianos lyriske drama The Tale of Orpheus iscenesat her, hvor mindst halvdelen af ​​handlingen, sammen med personernes samtaler, var vokale dele. I 1598 assisterede Monteverdi hoffets musikalske afdeling med at iscenesætte Giovanni Battista Guarinis The Faithful Shepherd ; ifølge teaterhistorikeren Mark Ringer blev det "teatralske opsætningers vandskel" og gav anledning til en generel fascination af pastoralt drama i Italien [9] . Den 6. oktober 1600, efter at have ankommet til Firenze for at deltage i fejringen af ​​Marie de Medicis bryllup med kong Henrik IV af Frankrig , deltog hertug Vincenzo i en opførelse af Peris "Eurydike" [8] . Det er muligt, at hans førende hofmusikere, herunder Monteverdi, også deltog i denne forestilling. Hertugen kunne lide denne nye form for drama, og han værdsatte dens muligheder for at styrke sin prestige som protektor for kunsten [10] .

Libretto

Blandt tilskuerne til "Eurydice" i oktober 1600 var en ung advokat og diplomat, der tjente ved domstolen i Gonzaga, Alessandro Strigio [11] , søn af en berømt komponist . Den yngre Strigio, en talentfuld musiker, spillede bratsch i en alder af seksten ved bryllupsfestlighederne for hertug Ferdinand af Toscana i 1589 . Sammen med hertug Vincenzos to sønner, Francesco og Ferdinando , var han medlem af Mantuas privilegerede intellektuelle samfund, "Academy of the Enchanted" ( italiensk:  Accademia degli Invaghiti ), hvor de fleste af byens teaterforestillinger blev produceret . Det er ikke klart, hvornår Striggio begyndte at skrive librettoen til Orpheus, men i januar 1607 var arbejdet med den i fuld gang. I et brev dateret den 5. januar beder Francesco Gonzaga sin bror, som på det tidspunkt var ved det florentinske hof, om at få en virtuos kastrat blandt storhertugens sangere til at deltage i opførelsen af ​​et "skuespil med musik". " timet til at falde sammen med karnevallet i Mantua [13] .

De vigtigste kilder til Strigios libretto var bog ti og elleve af Ovids Metamorphoses og bog fire af Virgils Georgics . Fra disse værker tog han hovedmaterialet, men ikke dramaets struktur; handlingerne i første og anden akt følger nøjagtigt de tretten vers fra Metamorfoserne [14] . Da han arbejdede på librettoen, brugte Striggio også Polizianos skuespil fra 1480, Guarinis Den trofaste hyrde og Ottavio Rinuccinis libretto til Peris Eurydice . Musikforsker Harry Tomlinson finder relativt mange ligheder mellem Strigios og Rinuccinis tekster og bemærker, at nogle af talerne i Orpheus "er omskrevet tæt på indholdet og endda gentager udtryk, der bruges i Eurydike" [16] . Ifølge kritikeren Barbara Rassano Hanning var Strigios poesi ikke så raffineret som Rinuccinis, men librettoens dramaturgi er mere interessant. Rinuccini, hvis skuespil blev skrevet specielt til festlighederne omkring Medici-brylluppet, ændrede myten for at give en "lykkelig slutning" passende til lejligheden. I modsætning hertil havde Strigio, som skabte sit værk ikke til en hoffest, mulighed for at følge myten, ifølge hvilken Orfeus blev revet i stykker af vrede kvinder (Bacchantes) [15] . Faktisk skrev han en let nedtonet version, hvor Bacchanterne truer med at dræbe Orpheus, men hans død er ikke vist, hvilket efterlader slutningen åben [17] .

Udgaven af ​​librettoen, som blev udført i Mantua i 1607, premiereåret, indeholder Striggios tvetydige slutning. I Striggios libretto fra 1607 afbrydes Orpheus' monolog i 5. akt ikke af Apollons tilsynekomst, men af ​​et kor af berusede Bacchanter, der synger om deres protektor, guden Bacchus , "guddommelige raseri" . Grunden til deres vrede er Orpheus og hans afkald på kvinder, han vil ikke undslippe deres raseri, og jo længere han undslipper dem, jo ​​sværere venter hans skæbne på ham. Orpheus forlader scenen, og hans skæbne er stadig uklar, kvinderne i slutningen af ​​operaen synger og danser til ære for Bacchus [18] . Monteverdis partitur, udgivet i Venedig i 1609 af Ricciardo Amadino , antyder en anden slutning. Apollon tager Orfeus med til himlen, hvor han vil finde billedet af Eurydike blandt stjernerne. Hvem der er forfatter til teksten til den nye slutning er ukendt. Forskere bemærker den ændrede stil af den alternative slutning, de fleste kommentatorer mener, at digtene ikke blev skrevet af Strigio. Det formodes at være værket af en amatør, måske Ferdinando Gonzaga, eller endda (delvis) komponisten selv. Blandt de mulige forfattere er navnet på Ottavio Rinuccini, som var librettisten til Monteverdis næste opera, Ariadne [19] . Musikhistorikeren Claude Paliska mener, at begge slutninger er ret kompatible: Orpheus unddrager sig Bacchanternes raseri og bliver reddet af Apollo [20] .

Ifølge Ringer blev Striggios originale slutning næsten helt sikkert brugt i premieren, men der er ingen tvivl om, at Monteverdi anså den reviderede slutning for at være æstetisk korrekt . Ifølge Nino Pirrotta var slutningen med Apollo  en del af den oprindelige plan for værket, men den blev ikke gennemført ved premieren, fordi det lille lokale, hvor forestillingen fandt sted, ikke kunne rumme den teatermaskine, som denne slutning krævede. I stedet blev en scene med Bacchantes introduceret; Monteverdis intentioner gik i opfyldelse, da de tekniske begrænsninger blev fjernet [21] .

En komplet oversættelse af operaens libretto til russisk med alle instrumentelle bemærkninger (ifølge udgaverne af librettoen fra 1607 og partituret fra 1609) blev lavet af M. Saponov [22] .

Sammensætning

Monteverdi havde allerede på tidspunktet for arbejdet med Orpheus tilstrækkelig erfaring med at komponere teatermusik. På det tidspunkt havde han tjent ved hoffet i Gonzaga i omkring 16 år, det meste som performer eller arrangør af scenemusik. I 1604 komponerede han til Mantua-karnevallet ballaten Love of Diana and Endymion [23] . De elementer, som Monteverdi byggede sine første operaer af - arier , strofiske (couplet) sange, recitativer , kor, danse, musikalske pauser (mellemspil) - var ikke, som dirigenten Nikolaus Arnoncourt påpegede , opfundet af ham, "han sammensatte hele lageret af de nyeste og gamle muligheder til en helt ny enhed . Musikforskeren Robert Donington skriver: "[Notaturet] indeholder intet element, der ikke var baseret på præcedens, men kommer til fuld modenhed i den nyudviklede form... Her er ordene så direkte udtrykt i musikken, som [operaens pionerer] ønskede at udtrykke dem; her er musik, der udtrykker dem ... med fuld inspiration fra et geni ” [25] . En af de nyskabelser, Monteverdi introducerede i Orpheus, som vakte opsigt blandt offentligheden, var syngende dialoger. Før Mantua-premieren rapporterede musikelskeren Carlo Magno dette til sin bror som noget "utroligt": "... alle karaktererne [på scenen] vil tale musikalsk" [19] .

Monteverdi angiver i begyndelsen af ​​udgaven af ​​partituret kravene til orkestrets sammensætning, men i overensstemmelse med tidens tradition specificerer han ikke den nøjagtige brug af instrumenter [24] . På det tidspunkt fik hver performer frihed til at træffe beslutninger baseret på det sæt værktøjer, der var til hans rådighed. Fortolkninger kunne afvige kraftigt fra hinanden. Desuden, som Harnoncourt bemærkede, var alle musikerne på det tidspunkt komponister, og de forventedes at samarbejde kreativt ved hver optræden i stedet for strengt at følge partituret [24] . Traditionen tro fik sangere lov til at dekorere deres arier. Monteverdi skrev enkle og udsmykkede versioner af nogle af ariererne, såsom Orpheus ' Possente spirto (sandsynligvis var den uornamenterede version beregnet til en sanger, der ikke kunne synge dem) [26] . Som Arnoncourt bemærker, introducerede Monteverdi, i sammenligning med andre komponister fra sin æra, en masse udsmykninger i sine værker, og "hvor han ikke skrev udsmykninger, ville han have meget lidt af dem" [27] .

Hver af de fem operaakter svarer til en af ​​episoderne i historien, og hver afsluttes med et omkvæd. Handlingen fra Thrakien overføres til Hades og igen til Thrakien, men sandsynligvis blev "Orpheus", som det var sædvane i datidens hofunderholdning, spillet uden afbrydelser, uden et gardin mellem handlingerne. Efter datidens skik blev sceneskiftet for publikum afspejlet musikalsk: ændringer i instrumentering, tone og spillestil [28] .

Musikalske indslag

Musikforsker Hans Redlich bemærker i sin analyse af operaen, at den er et produkt af to musikalske epoker. I "Orpheus" kombineres elementer fra den traditionelle madrigal fra det 16. århundrede med den nye florentinske retning i musik, som er kendetegnet ved brugen af ​​recitativ og homofoni , i overensstemmelse med ideerne fra medlemmerne af camerataen og deres tilhængere [29 ] . I denne nye retning dominerer teksten musikken. Mens det bliver en illustration af handlingen, henledes publikums opmærksomhed primært på teksten. Sangere skulle nu være opmærksomme ikke kun på den vokale del af forestillingen, men også for at repræsentere karakterens karakter og formidle de tilsvarende følelser [30] .

Monteverdis recitativ var påvirket af Peri ("Eurydice"), men i "Orpheus" er den mindre fremherskende, end det er kutyme i datidens dramatiske musik. Den udgør mindre end en fjerdedel af musikken i første akt, omkring en tredjedel af anden og tredje akt og lidt mindre end halvdelen i de to sidste akter .

Betydningen af ​​"Orpheus" ligger ikke kun i det faktum, at det var den første opera, men også i det faktum, at "Orpheus" er det første forsøg på at anvende alle musikkens muligheder kendt på det tidspunkt i den nye genre, der opstår [32] ] . Så Monteverdi gik til dristige innovationer i brugen af ​​polyfoni , et felt, hvor Palestrina indtil da havde været den vigtigste autoritet . Monteverdi udvider og ændrer de regler, som komponister, der er tro mod Palestrinas ideer, nøje overholdt [33] . Monteverdi var ikke en orkestrator i konventionel forstand [34] ; Ringer mener, at elementet af instrumental improvisation gør hver opførelse af Monteverdis opera til "en unik oplevelse og adskiller hans værk fra den senere operakanon" [30] .

Operaen indledes med en to gange gentaget martial-klingende toccata for trompeter. Når den spilles på barokke blæseinstrumenter, kan denne lyd forbløffe moderne publikum, Redlich kalder den "knusende" [35] . En sådan begyndelse var almindelig for musikalske optrædener ved Mantua-hoffet. Koråbningen Vesper af Monteverdi ( Vespro della beate Vergine, SV 206 1610), skabt til hoffet i Gonzaga, er også akkompagneret af denne toccata [30] . Toccata spillede rollen som en hilsen til hertugen. Efter Doningtons mening, hvis den ikke var blevet skrevet, ville tilfældighederne have krævet, at hilsenen blev improviseret [25] . Den militante toccata viger for en blid ritornello , som går forud for musikkens fremkomst. I en forkortet form gentages ritornello mellem hvert af de fem vers i det indledende afsnit og i sin helhed efter det sidste vers. Dens funktion i operaen er personificeringen af ​​"musikkens magt" som sådan. Med optræden i slutningen af ​​2. akt og igen i begyndelsen af ​​5. akt, bliver det et af de tidligste eksempler på et operatisk ledemotiv . 1. akt præsenterer en pastoral idyl. To kor, højtidelige og muntre, indrammer den centrale kærlighedssang Rosa del ciel . Jubelen fortsætter i 2. akt med en sang og en dansemelodi, som ifølge Harnoncourt viser Monteverdis kendskab til fransk musik [37] .

Tegn

Indhold

Handlingen foregår i Thrakien (akt 1, 2 og 5) og Hades rige (akt 3 og 4) i mytologisk tid. En instrumental toccata går forud for udgangen af ​​Musikken, som spiller prologen. Hun byder publikum velkommen og meddeler, at hun gennem søde lyde kan "roe ethvert uroligt hjerte". Hun glorificerer sin magt og introducerer dramaets hovedperson, Orpheus, der "tæmmede vilde dyr med sin sang."

Første akt

Orpheus og Eurydice kommer ud med nymfer og hyrder, der fungerer som et græsk kor , og kommenterer handlingen. En af hyrderne meddeler, at i dag er det bryllup mellem Orfeus og Eurydike; koret reagerer majestætisk først ( Vieni, Imeneo, deh vieni… ), og derefter i en glædelig dans ( Lasciate i monti… ). Orpheus og Eurydice synger om deres kærlighed til hinanden, før de begiver sig ud med gæsterne til bryllupsceremonien i templet. Den del af koret, der blev tilbage på scenen, fortæller, hvordan Orfeus blev forvandlet af kærlighed, ham for hvem suk var mad og gråd var en drink, forvandlet til en glad person.

Akt II

Orpheus vender tilbage med hovedkoret og roser naturens skønhed sammen med ham. Orpheus reflekterer over sin tidligere ulykke, men erklærer: "Efter sorg er man mere tilfreds, efter at være blevet såret, er man lykkeligere." Pludselig kommer Budbringeren ind med nyheden om, at Eurydice fik et dødeligt slangebid, mens hun plukkede blomster. Koret synger sympatisk: "Ah, en bitter sag, ah, en uhellig og grusom skæbne!", og Budbringeren straffer sig selv for at bringe dårlige nyheder ("For evigt vil jeg forlade og i en ensom hule vil jeg leve efter min sorg" ). Efter arien ("Er du død, mit liv, og jeg trækker vejret?"), annoncerer Orfeus sin hensigt om at stige ned i underverdenen og overbevise dens hersker om at tillade Eurydike at vende tilbage til livet, ellers vil han selv blive der. Orfeus går, og koret genoptager sin klagesang.

Tredje akt

Orpheus går med Hope til underverdenens porte. Ved at pege på inskriptionen på porten ("Forlad håbet, alle jer, der går ind her") [K 4] skiltes Nadezhda med ham. Orpheus mødes med færgemanden Charon, som nægter at tage ham over Styx . Orpheus forsøger at overbevise Charon og synger en sang, der er smigrende for ham ( Possente spirto e formidabil nume ), men færgemanden er ubarmhjertig. Men da Orpheus begynder at spille sin lyre, falder Charon i søvn. Orpheus tager båden og krydser floden for at komme ind i Underverdenen, mens et kor af ånder synger, at naturen ikke har noget forsvar mod mennesket: "Han tæmmede havet med et skrøbeligt træ og foragtede vindenes vrede."

Fjerde akt

I underverdenen beder Proserpina, Plutos kone, dybt berørt af Orpheus' sang, sin mand om at løslade Eurydike. Pluto er enig, men stiller en betingelse for Orfeus: hele tiden mens han vil føre Eurydike til de levendes verden, må han ikke se sig tilbage, ellers vil han miste sin kone. Orpheus forlader dødsriget og trækker Eurydike med sig. Han ser frem til sin lykke, men som tiden går, begynder tvivlen at overvinde ham: "Hvem vil overbevise mig om, at hun følger mig?" Måske har Pluto af misundelse bedraget ham? Orfeus ser sig omkring, Eurydice synger fortvivlet ( Ahi, vista troppo dolce e troppo amara! ) og forsvinder. Orpheus forsøger at følge hende, men bliver holdt tilbage af en usynlig kraft. Åndekoret synger, at Orpheus, efter at have overvundet Underverdenen, til gengæld blev besejret af sine lidenskaber.

Akt fem

Da han vender tilbage til sit hjemland Thrakien, sørger Orpheus over sit tab i en lang monolog, synger om Eurydikes skønhed og beslutter sig for, at Amors pil aldrig vil ramme hans hjerte igen. Backstage ekko gentager sine afsluttende linjer. Pludselig stiger Apollo ned fra skyerne fra himlen og irettesætter Orpheus: "Hvorfor spilder du din gave på vrede og tristhed?" Han inviterer Orpheus til at forlade verden og slutte sig til ham i himlen, hvor han vil se billedet af Eurydice i stjernerne. Orfeus svarer, at det ville være uværdigt ikke at følge en så klog fars råd, og sammen klatrer de op. Hyrdekoret konkluderer, at "den, der sår i lidelse, skal høste nådens frugter". Operaen slutter med en kraftig dans af det moreske .