Klassisk Hollywood Cinema

Klassisk Hollywood - biograf er et  udtryk, der bruges i filmkritik til at beskrive både den fortællende og visuelle stil af filmskabelse, der blev karakteristisk for amerikansk film mellem 1910'erne (umiddelbart efter 1. verdenskrig ) og 1960'erne [1] . Som et resultat er det blevet den mest indflydelsesrige og udbredte filmstil på verdensplan [2] . Lignende eller beslægtede udtryk omfatter klassisk Hollywood-fortælling , Hollywoods guldalder , gammel Hollywood og klassisk kontinuitet [3] .

Udviklingen af ​​den klassiske Hollywood-stil

I århundreder har teatret været den eneste visuelle standard for fortællekunst . Lige siden introduktionen af ​​de første fortællende film i midten til slutningen af ​​1890'erne, har filmskabere søgt at fange energien fra levende teater på lærredet. De fleste af disse filmskabere startede som instruktører i slutningen af ​​det 19. århundrede, ligesom de fleste filmskuespillere startede i vaudeville (f.eks . The Marx Brothers [4] ) eller teatralske melodramaer. Visuelt lånte de tidlige fortællefilm kun lidt fra teatret, og deres fortællende indhold lånte meget lidt fra vaudeville og melodrama. Før fremkomsten af ​​den visuelle stil, der ville blive kendt som "klassisk kontinuitet", blev scener filmet i fuld længde med omhyggeligt indøvet koreografi for præcist at formidle plot og karakterforhold. På det tidspunkt var redigeringsmulighederne ekstremt begrænsede og bestod for det meste i at tilføje nærbilleder af objekter for at understrege krediteringerne.

The rise of silent cinema (1913 - slutningen af ​​1920'erne)

På trods af manglen på synlig realisme, der ligger i teatret, tilbyder filmen (i modsætning til teater) frihed til at manipulere tid og rum og skaber dermed en illusion af realisme – tidsmæssig linearitet og rumlig kontinuitet. I begyndelsen af ​​1910'erne, da medlemmer af den " tabte generation " blev myndige, begyndte filmindustrien at realisere sit kreative potentiale. I Sverige og Danmark skulle denne periode senere blive kendt som filmens "gyldne tidsalder"; i Amerika begyndte filmfotografer som D. W. Griffith , der endelig tog afstand fra Edison Trust , at lave sine egne film, uafhængigt af produktionsmonopolet, som pionererne for denne kreative forandring. Film over hele verden er begyndt at adoptere de visuelle og fortællende elementer, der findes i klassisk Hollywood-biograf. 1913 var et særligt frugtbart år for denne retning, da banebrydende instruktører fra flere lande skabte sådanne mesterværker som "A Mother's Heart"(D. W. Griffith), "Ingeborg Holm"( Victor Sjöström ) og The Parisian Baby ( Leonce Perret), der satte nye standarder for filmen som en form for historiefortælling. Også i dette år begyndte Yevgeny Bauer (den første rigtige filmkunstner, ifølge Georges Sadoul [5] ) [6] sin korte, men frugtbare karriere .

I verden, og i særdeleshed i Amerika, var Griffiths indflydelse på filmindustrien uden sidestykke. Ikke mindre indflydelsesrige var hans skuespillere, som tilpassede teaterkunsten til det nye miljø. I denne henseende skiller Lillian Gish , stjernen i Mother's Heart, sig særligt ud. Griffiths epos fra 1915, The Birth of a Nation , var banebrydende for biografen som et historiefortællende medium - ved at blive et mesterværk af litterær fortælling med adskillige innovative visuelle anordninger. Filmen påvirkede amerikansk biografs fremskridt så meget, at den blev forældet på få år [7] . Selvom 1913 var en global milepæl for filmproduktion, var 1917 et gennembrudsår for USA, der startede æraen med "klassisk Hollywood-biograf" præget af en fortællende og visuel stil, der i 1917 var kommet til at dominere amerikansk film .

Klassisk Hollywood-biograf i lydens tidsalder (slutningen af ​​1920'erne-1960'erne)

Historiefortællingen og den visuelle stil i klassisk Hollywood-biograf blev videreudviklet efter overgangen til lydbiograf. Store ændringer i amerikansk filmproduktion kom fra studiesystemets vækst . Denne form for produktion, med dets almindelige "stjerne"-system, promoveret af flere nøglestudier [9] , går forud for lydbiograf. I midten af ​​1920'erne måtte de fleste af de fremtrædende amerikanske instruktører og skuespillere, der havde arbejdet selvstændigt siden begyndelsen af ​​1910'erne, blive en del af dette studiesystem for at kunne fortsætte med at arbejde.

Eksperter har ikke en utvetydig mening om begyndelsen af ​​lydbiografens æra. Anses af nogle for at være filmen The Jazz Singer , der udkom i 1927, da mellemkrigsgenerationen blev myndig, hvis interesse øgede billetkontorets indtægter af film, da de introducerede lyd [10] . Ifølge andre begyndte denne æra i 1929, da lydfilmen endelig erstattede det tavse [11] . De fleste Hollywood-billeder fra slutningen af ​​1920'erne til 1960'erne var tæt forbundet med western- , slapstick-komedie- , musical- , tegneserie- og biopiske (biografiske) genrer. Filmene blev ofte arbejdet på af de samme kreative teams og produceret af de samme studier. For eksempel arbejdede Cedric Gibbons og Herbert Stothart kun for MGM ; Alfred Newman arbejdede i 20th Century Studios i tyve år; næsten alle Cecil B. DeMilles film blev lavet på Paramount Pictures , [12] og film instrueret af Henry King blev for det meste lavet for Twentieth Century Fox. På samme måde var de fleste af datidens skuespillere kontraktansatte i et eller andet studie. Filmhistorikere bemærker, at det tog omkring et årti for film at tilpasse sig lyden og vende tilbage til stumfilms kunstneriske kvalitetsniveau - dette skete i slutningen af ​​1930'erne, da den store generation blev myndig .

Mange af de store filmmesterværker, der dukkede op i denne periode, var et produkt af stærkt reguleret filmskabelse. En af grundene til, at dette muliggjorde, var det store antal film, der blev lavet – tilgangen til dem var anderledes. Studiet kunne satse på en mellembudgetfilm med et godt manuskript og relativt ukendte skuespillere. Sådan var det med Citizen Kane (1941) af Orson Welles , som af nogle anses for at være den største film nogensinde. Udover Wells viste instruktører som Howard Hawks , Alfred Hitchcock og Frank Capra også viljen til at realisere deres kunstneriske visioner. Højdepunktet for studiesystemet kan have været 1939, med udgivelsen af ​​sådanne klassikere som The Wizard of Oz , Gone with the Wind , The Hunchback of Notre Dame , Stagecoach , Mr Smith Goes to Washington , Destry Riding Back ", " Young Mr. . Lincoln ", " Wuthering Heights ", " Only Angels Have Wings ", " Ninochka ", "Bo Geste", "Skønheder i armene", " Gunga Din ", " Kvinder ", " Farvel Mr. Chips " og " Roaring Twenties " [13] .

Kendetegn

Den visuelt-narrative stil i klassisk Hollywood-biograf udviklet af David Bordwell [14] var stærkt påvirket af renæssancens ideer . Denne stil adskiller sig på tre generelle niveauer: enheder, systemer og systemforhold.

Filmiske teknikker

Blandt de mest iboende teknikker i klassisk Hollywood-biograf er kontinuitetsredigering ., "Skønheder i armene". Den inkorporerer 180 graders reglen , et af de vigtigste visuelt-rumlige elementer i biografen. Denne teknik er i overensstemmelse med "fotograferet spil"-stilen, og skaber en imaginær 180-graders akse mellem beskueren og billedet, så seerne tydeligt kan navigere i handlingens position og retning i scenen. Efter 30 graders reglen, skal snit i den vinkel, hvorfra scenen ses, være betydelige nok til, at beskueren kan forstå formålet med perspektivændringen. Udskæringer, der ikke følger 30-gradersreglen, kendt som jump cuts , bryder illusionen om tidsmæssig kontinuitet mellem billederne. 180-graders- og 30-gradersreglerne er elementære direktiver i biografen, der går forud for den officielle start på den klassiske æra med mere end et årti, som det ses i den banebrydende franske film fra 1902 En tur til månen . Cut-up-teknikker i klassisk montage er med til at etablere eller fastholde narrativ kontinuitet, som i parallel handling , der etablerer samtidigheden af ​​handlinger forskellige steder. Springskæringer er tilladt som en akseramme, som slet ikke ændrer på vinklen, men har det klare formål at vise perspektiv tættere på eller længere fra motivet og derfor ikke griber ind i den tidsmæssige kontinuitet [15] .

Kinematografisystemer

Historiens logik

Den klassiske Hollywood-fortælling udvikler sig altid på grund af psykologisk motivation, det vil sige karakterens vilje og hans kamp med forhindringer på vejen mod et bestemt mål. Dette fortælleelement består normalt af en hovedfortælling (såsom en roman) sammenflettet med en eller flere sekundære fortællinger. Fortællingen er opbygget med en umiskendelig begyndelse, midte og slutning og har som regel en klar afslutning. Brugen af ​​karakterer, begivenheder, årsag-virkning-forhold, hoved- og sekundære punkter er hovedkarakteristika ved denne type historiefortælling. Heltene i klassisk Hollywood-biograf har udtalte træk, er aktive og meget målrettede. De er individer motiveret af psykologiske snarere end sociale problemer [2] . Fortælling er en kæde af årsagssammenhænge, ​​der opstår med individer - i den klassiske fortælling sker begivenheder ikke tilfældigt.

Filmisk tid

Tiden i klassisk Hollywood-biograf er kontinuerlig, lineær og ensartet, da ikke-linearitetmedfører miljøets illusoriske karakter. Den eneste tilladte tidsmanipulation i dette format er flashback . Det bruges hovedsageligt til en klar sekvens af karakterer i plottet, for eksempel som i filmen " Casablanca " [16] .

Space

Hovedreglen for klassisk kontinuitet i forhold til rummet er objektets konstans: Beskueren skal tro, at scenen eksisterer uden for den filmiske ramme for at bevare billedets realisme. Rummet i klassisk Hollywood har en tendens til at overvinde eller skjule filmens todimensionalitet ("den usynlige stil") og er stærkt fokuseret på den menneskelige krop. De fleste optagelser i klassisk biograf fokuserer på gestus eller ansigtsudtryk ( mellemstore optagelser ). André Bazin sammenlignede engang en klassisk film med et filmet skuespil i den forstand, at begivenheder ser ud til at eksistere objektivt, og kameraerne giver os kun det bedste overblik over alt, hvad der sker [17] .

Denne fortolkning af rummet består af fire hovedaspekter: centrering, balancering, frontalitet og dybde. Betydelige ansigter eller objekter er for det meste i midten af ​​billedet og er aldrig ude af fokus. Balancering refererer til visuel komposition, det vil sige, at karakterer er jævnt fordelt over hele billedet. Handlingen vendes mod beskueren (frontalitet) og sceneriet, belysning (hovedsageligt trepunktsbelysning, især lys-farvet belysning ) og kostumer er designet til at adskille forgrunden fra baggrunden (dybden).

Relationer mellem systemer

Aspekter af rum og tid er underordnet det narrative element.

Kritik

Hollywoods "guldalder" har været genstand for kritik lige fra racemæssige stereotyper (især problemet med afroamerikanere [18] [19] ) til mangel på realisme, hvilket førte til en mere realistisk filmstil efter Anden Verdenskrig [20] [21] [22] .

Indflydelse

The New Hollywood i 1960'erne og 70'erne var påvirket af romantikken fra den klassiske æra [23] , ligesom den franske New Wave [24] .

Noter

  1. Musik og biograf, klassisk Hollywood . Oxford Bibliografier Online . Oxford University Press. Hentet 4. december 2019. Arkiveret fra originalen 11. april 2020.
  2. 1 2 Goldburg, Michael Klassisk Hollywood Cinema (internetarkiv) . Hentet 31. maj 2007. Arkiveret fra originalen 31. maj 2007.
  3. Den klassiske Hollywood-fortællingsstil ved Institut for Historie, University of San Diego .
  4. The Marx Brothers - Vaudeville Shows . Hentet 18. juni 2021. Arkiveret fra originalen 24. juni 2021.
  5. Georges Sadoul. Generel filmhistorie. Moskva, Iskustvo, 1958. Bind 3. s. 178
  6. [1] Arkiveret 29. august 2017. Evgenii Bauer (1865-1917)
  7. Brownlow, Kevin (1968). The Parade's Gone By... , University of California Press, s. 78. ISBN 0-520-03068-0 .
  8. 1917: Året der ændrede filmene - San Francisco Silent Film Festival . Hentet 18. juni 2021. Arkiveret fra originalen 24. juni 2021.
  9. Stjernen - Annenberg-læreren . Hentet 18. juni 2021. Arkiveret fra originalen 24. juni 2021.
  10. Hollywoods guldalder: film, skuespillere og skuespillerinder *** . www.american-historama.org . Hentet 26. juli 2018. Arkiveret fra originalen 26. juli 2018.
  11. Expressive Experimentalism in Silent Cinema 1926–1929-Lucia Maria Pier . Hentet 26. juli 2018. Arkiveret fra originalen 26. juli 2018.
  12. Studiesystemet - Annenberg Learner . Hentet 18. juni 2021. Arkiveret fra originalen 24. juni 2021.
  13. De 25 bedste film fra 1939: Et tilbageblik på "Det største år i film"|Filmforespørgsel (3. juni 2019). Hentet 18. juni 2021. Arkiveret fra originalen 24. juni 2021.
  14. Bordwell, David; Steiger, Janet; Thompson, Kristin (1985): The Classical Hollywood Cinema. Filmstil og produktionsmåde til 1960. New York: Columbia University Press. 1-59
  15. Kontinuitetsredigering i Hitchcocks bagrude . slideshare.net. Hentet 7. april 2010. Arkiveret fra originalen 11. juni 2010.
  16. The Hollywood Style - Annenberg Learner . Hentet 18. juni 2021. Arkiveret fra originalen 24. juni 2021.
  17. Bordwell: 24
  18. The Jazz Singer (1927)|UC Berkeley Library . Hentet 18. juni 2021. Arkiveret fra originalen 24. juni 2021.
  19. Hvorfor du ikke bør se The Birth of a Nation (OG HVORFOR DU BØR) | Brows Hold High på YouTube . YouTube . Hentet 18. juni 2021. Arkiveret fra originalen 24. juni 2021.
  20. Den klassiske narrative model vs. Kunstfilmen (modernistisk) model . Hentet 30. juni 2021. Arkiveret fra originalen 19. august 2019.
  21. Kokonis, Michalis Hollywoods store krise og den amerikanske film "Renaissance" . Hentet 27. maj 2019. Arkiveret fra originalen 12. april 2019.
  22. Ideen om "klassisk Hollywood-fortælling" stammer fra The Classical Hollywood Cinema (1985), af David Bordwell, Janet Staiger og Kristin Thompson . Hentet 27. maj 2019. Arkiveret fra originalen 27. maj 2019.
  23. New Hollywood-JT Esterkamp–Medium . Hentet 29. januar 2020. Arkiveret fra originalen 17. juli 2018.
  24. French New Wave: The Influencing of the Influencers – The Film Stage (28. maj 2010). Hentet 29. januar 2020. Arkiveret fra originalen 29. januar 2020.

Kilder

  • Bordwell, David . The Classical Hollywood Cinema  / Bordwell, David , Staiger, Janet , Thompson, Kristin . - New York: Columbia University Press, 1985. - ISBN 0-231-06055-6 .
  • Davis, Blair. The Battle for the Bs: 1950'ernes Hollywood and the Rebirth of Low-Budget Cinema. - New Jersey: Rutgers University Press, 2012. - ISBN 978-0813552538 .
  • Farvel, John. (2008) The Hidden Art of Hollywood . Westport Conn.: Praeger Press.
  • McGilligan, Patrick . Baggrundshistorie 1: Interviews med manuskriptforfattere fra Hollywoods guldalder (nr. 1). - University of California Press, 1985. - ISBN 978-0520056893 .
  • Salt, Barry . Filmstil og teknologi: Historie og analyse.
  • Dixon, Wheeler Winston. Cinema at the Margins. - Anthem Press, 2013. - ISBN 978-0-85728-186-9 .

Links