Degas, Edgar

Den aktuelle version af siden er endnu ikke blevet gennemgået af erfarne bidragydere og kan afvige væsentligt fra den version , der blev gennemgået den 15. februar 2021; verifikation kræver 31 redigeringer .
Edgar Degas
Edgar Degas

Selvportræt. 1854-1855. Musée d'Orsay , Paris
Navn ved fødslen Hilaire-Germain-Edgar de Gas
Fødselsdato 19. juli 1834( 19-07-1834 ) [1] [2] [3] […]
Fødselssted
Dødsdato 27. september 1917( 27-09-1917 ) [1] [3] [4] […] (83 år)
Et dødssted
Land
Genre portræt [8] og genre maleri [8]
Stil impressionisme , akademiisme
Autograf
 Mediefiler på Wikimedia Commons

Hilaire-Germain-Edgar de Ha eller Edgar Degas ( fr.  Edgar Degas ; 19. juli 1834 , Paris  - 27. september 1917 ) - fransk maler, en af ​​de mest fremtrædende repræsentanter for den impressionistiske bevægelse.

Biografi og arbejde

Degas blev født den 19. juli 1834 i Paris , i en velhavende familie af borgerlig oprindelse, Auguste de Gas og Celestine Musson. Han var den ældste af fem børn. I en alder af 13 mistede Edgar sin mor, hvilket var et alvorligt slag for ham. Senere, i sin ungdom, påvirket af nye sociale ideer, ændrede Edgar sit efternavn fra de Ga til den mindre "aristokratiske" Degas .

Kunstnerens far, Auguste de Gas, ledede den franske filial af en stor bank grundlagt i Italien af ​​Edgar Degas' bedstefar, René Hilaire de Gas. Hilaire de Gas emigrerede til Italien under den franske revolution og troede, at hans liv var i fare. Edgars mor, Celestine Musson, var fra en fransk familie bosat i Amerika. Hendes far var en bomuldsbørsmægler i New Orleans.

Tidlig periode

Ønsket om at tegne begyndte at manifestere sig i Degas allerede i barndommen. Imidlertid forudsagde hans far en karriere som advokat for ham, men Edgar havde ikke et stort ønske om og evne til jura, og familiens rigdom tillod ham at male, uden at bekymre sig om mad. Degas havde ikke stort behov for penge og havde råd til ikke at sælge sine værker og arbejde på dem igen og igen og stræbe efter perfektion. Degas var en åbenlys perfektionist, der nåede i sin passion for ideel harmoni til det punkt, hvor han mistede virkelighedssansen. Allerede i begyndelsen af ​​sin lange karriere var Degas en kunstner, der, som de jokede, kun ved at tage et maleri fra sig kunne holde op med at arbejde på det.

I en alder af 20 ( 1854 ) kom Degas i lære hos den engang berømte kunstner Lamothes atelier [9] , som igen var elev af den store Ingres . I en velkendt familie så Degas tilfældigvis Ingres, og han beholdt sit udseende i lang tid, og resten af ​​sit liv beholdt han sin kærlighed til Ingres melodiske linje og klare form. Degas elskede også andre store tegnere - Nicolas Poussin , Hans Holbein  - og kopierede deres arbejde i Louvre med en sådan flid og dygtighed, at det var svært at skelne en kopi fra originalen.

Louis Lamotte var en ret kendt skikkelse på det tidspunkt, selvom i vores tid er denne kunstners arbejde næsten glemt. Lamotte var i stand til at formidle Degas' kærlighed til klare konturer, som Ingre selv satte så stor pris på på tegningen. I 1855 nåede Degas at se Ingres selv, som på det tidspunkt var 75 år gammel, og endda få råd fra ham: "Sæt streger, unge mand, så meget som muligt, fra hukommelsen eller fra naturen." Courbet og Delacroix havde en vis indflydelse på Degas arbejde, men Ingres forblev den egentlige autoritet, som han anerkendte indtil slutningen af ​​hans liv for kunstneren.

Edgar studerede værkerne af de store malermestre i Louvre , i løbet af sit liv besøgte han Italien flere gange (hvor hans slægtninge boede på sin fars side), hvor han havde mulighed for at stifte bekendtskab med mesterværkerne fra de italienske mestre Renæssance . Af særlig interesse for maleren var sådanne gamle italienske mestre som Mantegna , Bellini , Ghirlandaio og Giotto . I denne periode blev Andrea Mantegna og Paolo Veronese idoler for ham , hvis spiritualiserede og farverige maleri bogstaveligt talt slog den unge kunstner. Hans tidlige værker er kendetegnet ved en skarp og præcis tegning, skarp iagttagelse, kombineret enten med en ædel behersket måde at skrive på (skitser af hans bror, 1856-1857, Louvre, Paris; tegning af lederen af ​​baronesse Belleli, 1859, Louvre, Paris), derefter med barsk realistisk sandfærdighedsforestilling (portræt af en italiensk tiggerkvinde, 1857, privat samling).

Ved begyndelsen af ​​60'erne af det XIX århundrede åbner Edgar Degas sit eget værksted i Paris. Grundlaget for hans arbejde var portrætter, men Degas var også meget opmærksom på historiske lærreder. Mens han var i Italien, malede Degas en række portrætter, der skildrede medlemmer af hans familie. Derefter forblev portrættet i flere år en af ​​hans stærke hobbyer, vekslende med historiske temaer. Men allerede i begyndelsen af ​​1860'erne blev Degas igen interesseret i scener fra det moderne liv, og først og fremmest for hestevæddeløb.

Historiske malerier

Det var komplekse, store værker, ved hjælp af hvilke kunstneren håbede at blive berømt ved at udstille dem på Salonen. En ung kunstner, der ønsker at udstille på Salonen i første halvdel af tresserne, vender sig til historiske emner: "Unge spartanske kvinder udfordrer unge mænd til en konkurrence" (1860), "Semiramide lægger byen" (1861), " Alexander og Bucephalus" (1861-1862), "Daughter of Jephthah" (1859-1860), "Episode of the Medieval War" ("Katastrofer of Orleans") (1865). Malerierne er mørke i farven, tørre i formen. I det første af disse malerier er menneskelige figurers bevægelser på lærredet blottet for udsøgt ynde, de er skarpe og kantede, handlingen foregår på baggrund af et almindeligt hverdagslandskab.

Faktisk afsluttede Degas aldrig nogen af ​​disse værker, på trods af adskillige forberedende tegninger og olieskitser. For eksempel forsømte han i The Exercises of the Young Spartans historisk nøjagtighed for at præsentere et tema fra oldtidens historie på en anderledes og tydeligt moderne måde. Han malede hele billedet i den klassiske strenge ånd af Poussin, men gav heltenes ansigter træk fra "børnene i Montmartre", træk ved ungdommen i de parisiske forstæder, velkendt for ham. I Semiramis Building Babylon skabte Degas et spændende originalværk, men han virkede selv usikker på den rigtige retning i sin søgen. Ønsket om at opnå den ultimative perfekte kunst spillede en grusom spøg på Degas: Bevægelsen mod det ideelle blev et mål i sig selv for kunstneren. Sådanne værker gav anledning til at tale om Degas fiaskoer eller fiaskoer i denne genre. Det er dog umuligt ikke at bemærke, at han bogstaveligt talt på flere lærreder foreslog en uafhængig løsning på et problem, der var uden for magten for andre, der ikke var i stand til at fylde plottet med deres egne billeder.

Portræt af Belleli-familien

At rejse rundt i Italien og indflydelsen fra italienske malere fra det 15. århundrede inspirerede Degas til at skabe et gruppeportræt af Belleli-familien. Klassiske traditioner i sammensætningen på dette lærred sameksisterer med karakteristiske karakterer, som positivt adskiller dette kunstnerens arbejde. Dette imponerende gruppeportræt viser tante Degas Laura med sin mand, baron Gennaro Belleli, og deres to børn. Laura er gravid med sit tredje barn, selvom den sorte kjole skjuler hendes tilstand. På dette tidspunkt fortsatte hun med at sørge for sin far, bedstefar Degas, som døde for nylig - hans portræt hænger bag Laura. Degas begyndte at male dette billede i 1858, da han besøgte sine slægtninge i Firenze. Her lavede han mange foreløbige skitser, men skrev den endelige version efter hjemkomsten til Paris i 1859. På det tidspunkt var dette portræt kunstnerens mest grandiose værk. Figurerne her er afbildet næsten i naturlig størrelse, og selve maleriet ser udførligt ud. Kompositionens kraft og dybde afslører kunstnerens ønske om at følge mønstrene fra den italienske renæssance og traditionerne fra den ældre generation af mestre, især Ingres, der engang også skabte en række fremragende portrætter i Italien. Samtidig er billedet kendetegnet ved kunstnerens friskhed og individuelle udseende. Positionerne for de personer, der står i portrættet, er utraditionelle, og generelt formidler lærredet en atmosfære af stærke familiebånd, selvom Lauras ægteskab faktisk ikke kunne kaldes lykkeligt.

Her er endnu en beskrivelse af dette maleri af en kender og kunstkender: "Sammenlignet med officiel salonportræt, for hvilken fotografisk nøjagtighed, fotografisk iscenesættelse og pålideligheden af ​​et øjebliksbillede var en uundværlig betingelse for æstetik, betød billedet i sin dristighed og sandhed. en rigtig revolution. Figurerne poserer ikke som i nutidige fotografier og salonportrætter af gennemsnitlig kvalitet. Kun Giovanna, en af ​​døtrene, ser på en imaginær seer, resten af ​​figurerne er fokuseret på hinanden. Baronessen står frit, hun har en stolt, lige og primitiv holdning. Lille Julia bliver revet væk i et øjebliks uro. Hun sidder på kanten af ​​stolen, hendes venstre ben er skjult - mesterens teknik, hvortil han formidler spontan umiddelbarhed. For datidens akademiske maleri var dette en klar vanhelligelse af helligdommen ... På dette billede er der allerede en antydning af den måde at se på, som så vil forbløffe Degas, når han i ethvert motiv hensynsløst kun vil forblive sig selv ” (E. Hüttinger).

Impressionister og Degas

I 1861 mødte Degas Edouard Manet , hvis venskab fortsatte indtil slutningen af ​​sidstnævntes liv. Som en meget autoritativ person blandt unge kunstnere, den uformelle leder af Batignolles-gruppen , introducerede Manet Degas til unge malere, som senere blev kendt som impressionisterne . I de få kredse, der forenede kunstnere, havde Degas et utvivlsomt højt ry på grund af hans manerer, fine kultur, høflighed, original, kombineret med hårdhed, charme - alt dette vakte en vis respekt for ham.

Med Edouard Manet samler Degas en generel afvisning af akademisk salonkunst. Degas var mere interesseret i det moderne liv i alle dets manifestationer end i de torturerede plots af malerierne udstillet i Salonen. Han accepterede heller ikke impressionisternes ønske om at arbejde under åben himmel og foretrak teatrets, operaens og caféernes verden. Desuden kunne han ikke lide den frie luft, idet han mente, at opmærksomheden var spredt i luften, og foretrak ubetinget det kontrollerede miljø i studiet. Da Degas' stil var baseret på fintegning, har hans malerier en troskab, der er fuldstændig atypisk for impressionismen.

Degas holdt sig til ret konservative synspunkter både i politik og i sit personlige liv og var ekstremt opfindsom i jagten på nye motiver til sine malerier ved at bruge uventede vinkler og udvidede planer ("Miss Lala at the Fernando Circus", 1879, National Gallery, London) . "Fangede øjeblikke" - så måske kan man sige om mange af Edgar Degas' værker. Dette er hans dybe indre tilhørsforhold til impressionisterne. Alle var de digtere fra en dirrende, mobil verden, alle forstod livet som en konstant bevægelse. Og hvis landskabsmalere forstod dette gennem luftens, lysets bevægelse, årstidens og årets skiften, gennem naturens konstante cyklus, så søgte Degas at formidle verdens levende essens gennem menneskets bevægelse.

1860'erne i Frankrig var præget af den unge progressive intelligentsias mæthed med det borgerlige grundlag for Napoleon III's imperium . En ny bølge af kunstnere brød de traditionelle ideer om maleri, om plots og helte af malerier, og introducerede enkle scener fra Napoleons Frankrigs liv i deres kreds. Måden og lysstyrken i deres arbejde var tæt på Edgar Degas. Han var dog, i modsætning til impressionisterne, en mere social kunstner; med afvigelse fra traditionerne for klassicisme og romantik i de gamle malerskoler i Frankrig, lagde han mere opmærksomhed ikke på abstrakte hverdagsbilleder af det moderne liv, men til emner relateret til hans samtidiges hverdag, ofte hårde arbejde.

Impressionisterne var mere opmærksomme på lys (her kan vi huske malerierne af Manet og Monet ), Edgar Degas var til gengæld mere opmærksom på bevægelse.

Selv den sikre succes med Degas' historiske maleri "The Misfortunes of the City of Orleans " i Salonen i 1865 afskrækkede ikke kunstneren fra et bevidst ønske om at skildre det moderne liv på sin nye, noget revolutionære måde på det tidspunkt.

Kritikere er ofte enige om, at trods Degas (i modsætning til impressionisternes) modvilje mod at arbejde i det fri, er deres arbejde grundlæggende meget ens generelt, hvilket igen giver os mulighed for at klassificere Edgar Degas som impressionist. Samtidig afviste Degas selv udtrykket "impressionisme", såvel som nogle principper for kreativitet hos innovative kunstnere, og mod slutningen af ​​sit liv tog han afstand fra deres samfund. Det skal huskes, at opdelingen af ​​maleri, såvel som malere efter stil, altid er meget vilkårlig. Navnene på trends og stilarter i sig selv er som regel tilfældige, dukkede op og blev rettet spontant og siger lidt om det fænomen kunst, der kaldes. Vi taler snarere om en slags impuls, der er fælles for æraen, udtrykt af hver kunstner individuelt og på en ejendommelig måde.

Fransk-preussisk krig

I 1870 nåede bølgen af ​​den fransk-preussiske krig til Paris. Ligesom Manet meldte Degas sig frivilligt til hæren. Han gjorde tjeneste i infanteriet og artilleriet. Degas meldte sig frivilligt til et infanteriregiment, men ved den allerførste affyring viste det sig, at kunstneren ikke så godt med sit højre øje - dette var begyndelsen på en sygdom, der blev til næsten fuldstændig blindhed i slutningen af ​​hans liv. På grund af dårligt syn blev Degas overført til et artilleriregiment.

Halvfjerdserne og impressionistiske udstillinger

I slutningen af ​​krigen besøgte Degas Storbritannien og besøgte derefter USA , hvor hans slægtninge på mødre boede. I 1871, da krigen sluttede, tog kunstneren en kort tur til London, og i vinteren 1872-1873 tilbragte han flere måneder i New Orleans sammen med sine amerikanske slægtninge. En af Edgars kusiner, Estelle Musson, var blind, og Degas følte særlig sympati for hende, selv da han forudså, at han selv snart ville miste synet.

I 1873 vendte kunstneren tilbage til Paris. Hårde tider kom for ham: hans far døde og efterlod stor gæld. Ifølge andre kilder var gælden resultatet af mislykkede handler på den amerikanske bomuldsbørs fra Degas-brødrene, som arvede deres onkels mæglerkontor. For at bevare familiens omdømme betalte Degas en del af gælden fra sine penge, som han arvede, men det var ikke nok. Han måtte ikke kun sælge huset og samlingen af ​​gamle mestre, som hans far havde samlet, men også for første gang tænke på at sælge sine egne værker. Bekendtskab med impressionisterne var meget praktisk - Degas deltog i næsten alle deres udstillinger siden 1874 .

Mellem 1874 og 1886 var der otte udstillinger af impressionisterne, og Degas deltog i syv af dem, og manglede kun den næstsidste, i 1882. Som en fremragende tegner var Degas i stand til at skildre nutidens liv med en færdighed, der var værdig til penslen af ​​kunstnere fra svundne tider. Den finansielle krise, som Degas oplevede efter sin fars død, blev overvundet efter flere års intenst, dagligt arbejde, og i 1880 var Degas blevet en fremtrædende og respekteret skikkelse i den parisiske kunstverden. Efter impressionisternes sidste udstilling i 1886 stoppede kunstneren med at udstille sit værk offentligt og foretrak at sælge sine malerier til en høj pris gennem flere salgsagenter.

Dancers Degas

Den ekstraordinære popularitet af balletscenerne afbildet af Degas er let forklaret, da kunstneren viser os en verden af ​​ynde og skønhed uden at falde i overdreven sentimentalitet. Ballettens liv formidles til dem så levende, at man let kan forestille sig, hvor friske og originale disse malerier virkede for Degas' samtidige. Kunstnere, der skrev ballet før Degas, byggede enten geometrisk korrekte kompositioner eller afbildede balletstjerner, der bukker i yndefulde sløjfer. Sådanne portrætter lignede fotografier af Hollywood-filmstjerner taget til forsiden af ​​et blankt magasin.

"De kalder mig en maler af dansere," skrev Degas. Faktisk talte han ofte om dette emne. Men det er helt forkert at tro, at Degas var en erotomman. "Ballerinaer har altid kun været en undskyldning for mig for at skildre vidunderlige stoffer og fange bevægelser," sagde Degas.

Et interessant indlæg fra Edmond de Goncourts dagbog , lavet den 13. februar 1874: “I går tilbragte jeg hele dagen i atelieret hos en fantastisk kunstner ved navn Degas. Efter mange forsøg, eksperimenter, sondering i alle retninger, forelskede han sig i alt moderne, og i denne modernitet fik han blikket rettet mod vaskekoner og dansere. Faktisk er valget ikke så slemt. Alt er hvidt og pink; kvindekroppen i batist og gaze er den mest charmerende anledning til brugen af ​​lette og sarte toner... Dansere passerer for vores øjne... Billedet forestiller en balletfoyer, hvor mod baggrunden af ​​et lyst vindue, de fantastiske konturer af benene på danserne, der går ned af trappen, dukker op; blandt alle disse bølgende hvide skyer står den røde plet af tartanfluerne og den sjove koreografskikkelse i skarp kontrast. Og foran os vises yndefulde kurver af kroppe, drejninger og bevægelser af disse små piger fanget i naturen. Kunstneren viser sine malerier, fra tid til anden supplerer forklaringerne med en gengivelse af en koreografisk figur, en efterligning, i dansernes sprog, af en af ​​arabeskerne. Og det er virkelig morsomt at se, hvordan han, stående på tæerne, med hænderne hævet over hovedet, blander dansens æstetik med maleriets æstetik og taler om Velazquez' urene toner og Mantegnas silhuet.

Engang foretrak Antoine Watteau , en elsker af teatralske emner, at tegne charmerende, useriøse damer og yndefulde melankolske unge mænd i simulerede frosne positurer, som for Watteau var et synligt symbol på skønheden i en betinget og skrøbelig verden - smuk, adskilt af sin irrealitet fra hverdagen. Da Degas var en upåklagelig iagttager, lagde Degas mærke til noget, der aldrig var blevet tildelt opmærksomhed fra kunstnere fra tidligere år: håndbevægelsen af ​​en dame, der sad ved siden af ​​ham, eller en kikkert efterladt af en eller anden, eller en ensom fan glemt på en lænestol af en ung pige. Kunne Antoine Watteau tillade sig at skildre scenen, se på den gennem hundredvis af tilskuere, der sad i salen, og skildrede ikke selve handlingen, men profilen af ​​en tilfældig nabo, en ufrivillig overhørt samtale og ansigtsudtryk af samtalepartnerne? Edgar Degas opfattede teatret på denne måde. Med hensyn til temaet dansere var Degas stærkt påvirket af Honoré Daumier . I sine litografier skildrede han blot tilfældige teaterscener, der blev revet fra den generelle plan, han forvandlede sine ansigter til groteske masker, der minder om de teatralske masker i Callot .

Skrøbelige og vægtløse figurer af ballerinaer dukker op foran beskueren enten i dansetimernes tusmørke eller i lyset af spotlights på scenen eller i korte hvilestunder. Kompositionens tilsyneladende kunstløshed og forfatterens uinteresserede position skaber indtryk af et kikket fremmed liv ("Dance Class", 1873-1875; "Dancer on Stage", 1878 - begge i Musée d'Orsay, Paris; " Dancers at Rehearsal”, 1879, Pushkin Museum, Moskva; “ Blue Dancers, 1890, Musée d'Orsay , Paris). Den samme løsrivelse observeres i Degas i skildringen af ​​nøgen.

Mange gange blev det sagt om Degas løsrivelse i forhold til hans modeller. Faktisk er skildringen af ​​dansere i Degas' malerier blottet for en erotisk følelse eller en følelse af enhver personlig menneskelig kontakt. Nogle kendere af Degas' værker mener, at man kan mærke kontrasten mellem den passive objektivitet i personskildringen - og den varme, livlige følelse, der hældes ind i selve maleriet. Dette udsagn er måske tæt på objektivitet, når det kommer til farven på baggrunden, men udsagnet om, at Degas' malerier bærer både kunstnerens subtile, lidt triste ironi og hans dybe ømhed over for modeller, ligner følelsesmæssigheden i kunstkritiker selv og kan ikke bevises. Generelt er følelsessfæren i mange kunstneres malerier ikke direkte udtrykt, og alle beskrivelser af det spektrum af følelser, der synes at eksistere i et bestemt billede, er kun fantasier, der hverken kan bevises eller tilbagevises. Dette er deres styrke og svaghed.

Skildringen af ​​cafeer i Degas' værk

Det mest nøjagtige vidnesbyrd om cafeschantans tilhører aristokratens børste og hyppigt forekommende af de elegante saloner i Parc Monceau , Edgar Degas, som var foran Toulouse-Lautrec med et helt årti. Gennem den sidste tredjedel af det 19. århundrede, før filmens fremkomst, forblev caféer et yndet sted for parisere at slappe af. Disse etablissementer var meget forskellige og fandtes overalt, som biografer er i dag: på Montmartre, Strasbourg Boulevard, på Champs-Elysées og i forstæderne. De mest attraktive var selvfølgelig dem, der åbnede om sommeren, i den friske luft, i haver oplyst af hvide gaskugler.

Degas, som ikke kunne lide åbne rum, foretrak kunstig belysning, gasbelysning hjalp ham med at finde nye løsninger. Han sagde til sine impressionistiske venner: "Du har brug for et naturligt liv, jeg har brug for et kunstigt." Ikke desto mindre svarede scenerne fra cafélivet på hans lærreder den første opgave, som impressionisterne stillede dem selv - at afspejle moderniteten. Caféernes demokratiske karakter og endda en vis vulgaritet tiltrak ham. Sådan en atmosfære morede og underholdt Degas. Ekstraordinære personligheder mødtes der: bugtalere, excentrikere, patrioter, bondekvinder, sentimentale damer, epileptikere ... Typer af denne art eksisterer stadig, og hvis du tænker over det, kan enhver moderne popstjerne henføres til en af ​​disse kategorier. Degas havde ingen præferencer; han besøgte villigt både de elegante etablissementer på Champs Elysees, La Scala , Ba-Ta-Clan, Elise-Montmartre og de tvivlsomme værtshuse Belleville og La Villette, hvor usædvanlige silhuetter tiltrak ham.

Personligt liv

I sit personlige liv var Degas både reserveret og korthjertet; han fik vredeanfald. Venner og medlemmer af hans familie talte om Degas som en klodset, direkte person. Faktisk blev han engang kærligt kaldt en "bjørneunge" for hans hyppige brokken og brokken. Degas' holdning til sin egen krop var fri for konventioner. Badekarret, som vi ofte ser i hans mange senere malerier af kvinder, der vasker sig, var faktisk frimodigt placeret af ham midt i atelieret. Han var også kendt som en dygtig mimeskuespiller.

Der er dog ingen beviser for Degas' ønske om fysisk nærhed til balletdansere eller nogen af ​​hans modeller, såvel som andre oplysninger om kunstnerens personlige liv. Ingen vidste, om Degas havde en elskerinde. Degas selv talte aldrig om sine forhold til kvinder.

The Cotton Office

Efter sin tilbagevenden til Frankrig skaber Degas " Bomuldskontoret " (1873), et maleri, der er bemærkelsesværdigt i komposition, udtryk, lys og farve. Degas malede dette billede under en tur til sine slægtninge i New Orleans. Det emne, han valgte til sit lærred - et forretningskontor - var tidligere omhyggeligt undgået af alle kunstnere. Nøjagtige portrætter af karaktererne er fremragende indskrevet af Degas i atmosfæren i et forretningsmiljø, og generelt er billedet en levende skitse af hverdagen, der snarere genlyder med Emile Zolas romaner end med de fleste af nutidige Degas-maleres værker. New Orleans var på det tidspunkt den fjerdestørste by i USA, og som havn konkurrerede den med landets vigtigste havn, New York. Grundlaget for byens velstand var handel med bomuld. Degas skrev til sin ven: "Et klap. Alle her lever kun af bomuld og for bomulds skyld.” I forgrunden af ​​maleriet sidder onkel Degas, Michel Musson, en bomuldsbørsmægler; kunstnerens bror, René de Gas, er afbildet læsende i en avis, mens hans anden bror, Achille de Gas, læner sig op ad en skillevæg i baggrunden til venstre. Rene og Achilles importerede vin til New Orleans, og Degas var stolt af deres succes. Her på onklens kontor var de lige forbi et stykke tid og læner sig derfor tilbage, mens alle andre har travlt med arbejde. Selvom værket giver indtryk af spontanitet, var dets komposition gennemtænkt lige så omhyggeligt som på alle Degas lærreder. For eksempel er figurerne klædt i sort arrangeret, så de står klart frem i baggrunden og ser ud til at rage ud af billedet. Senere maler han et portræt af kunstneren Lepic ( Concorde Square ) - til en vis grad en revolutionær type portrætkunst, når hovedpersonens miljø (betinget) har ikke mindre vægt, værdi og betydning end helten fra portræt.

Telliers Etablissement

Værker fra en række Montmartre-skitser blev bestilt af Degas til en deluxe-udgave af The Cardinal Family udtænkt af Ludovic Halévy . Til dette formål samlede han mange skitser, litografier, monotyper og tegninger. Emnet interesserede Degas, og han fortsatte med at udvikle det med entusiasme i Rabelais ' ånd , hvilket er så meget desto mere mærkeligt, eftersom Alevi snart opgav sin plan. I løbet af Degas' liv blev disse hastigt fremstillede værker kun set af nogle få heldige, blandt dem var Renoir, som var henrykt over dem. Det lykkedes Vollard at få fat i flere tegninger til brug som illustrationer til Guy de Maupassants The Telliers Establishment og Pierre Louis 'Grimaces of the Courtesans . Det er kun takket være et så lykkeligt tilfælde, at denne lidet kendte side af Degas' arbejde er kommet ned til os. Under påskud af at ville efterlade mindet om sin bror ubesudlet, ødelagde René de Haas de fleste af de tegninger, han havde fundet i Edgars værksted efter hans død.

Vollard , der altid var langsom til at udføre sine planer, udgav ikke The Tellier's Establishment, med illustrationer af Degas, før i 1934. Bogen blev fantastisk; efter at have købt et eksemplar, betragtede Picasso det som en perle i sin samling. Han testamenterede det senere til Louvre, hvor det stadig er udstillet i hans personlige samling.

Pastell af Degas

Pastel består af pulveriseret farvepigment blandet med en lille mængde af et klæbrigt stof (normalt gummi arabicum) og presset til en farveblyant. Pastel kan give både en meget rig og meget svag tone, men den har en stor ulempe: Pastellaget på overfladen er ekstremt kortvarigt og kan ødelægges ved den mindste berøring. For at undgå dette behandles overfladen med en speciel sammensætning, der beskytter mønsteret, men farverne falmer mærkbart. Kunstnere begyndte at bruge pastel i slutningen af ​​det 15. århundrede, og i det 18. århundrede var pastel på en særlig måde, og frem for alt i portrætter. Så kom den periode, hvor pastellen blev glemt, og interessen for den genopstod først i anden halvdel af 1800-tallet. Nogle af de førende impressionistiske malere omfavnede pastel og værdsatte det for dets friske tone og den hastighed, hvormed det tillod dem at arbejde.

Gennem årene foretrækker Degas i stigende grad pasteller, ofte i kombination med monotypi, litografi eller gouache. Pastel tiltrækker mesteren med sin ædelhed, renhed og friskhed af farve, fløjlsblød tekstur overflade, livlighed og spændende slagvibration. Ingen kunne matche beherskelsen af ​​pastel med Degas, som brugte den med kraft og opfindsomhed, hvilket ingen af ​​hans samtidige opnåede. Degas er en subtil kolorist, hans pasteller er enten harmoniske, lette eller tværtimod bygget på skarpe farvekontraster. Hans malerier ser ud til ved et uheld at blive revet fra livets strøm af scener, men denne "ulykke" er frugten af ​​en gennemtænkt komposition, hvor et udskåret fragment af en figur, en bygning, understreger indtrykkets umiddelbarhed.

Degas' måde at være på var bemærkelsesværdig for dens fantastiske frihed, han anvendte pasteller med dristige, brudte streger, nogle gange efterlod papirtonen at dukke op gennem pastellen eller tilføjede streger i olie eller akvarel. En af kunstnerens opdagelser var bearbejdningen af ​​maleriet med damp, hvorefter pastellen blev blødgjort, og den kunne skygges med en pensel eller fingre. I sine senere værker, der minder om et festligt kalejdoskop af lys, var Degas besat af ønsket om at formidle scenens rytme og bevægelse. For at give malingerne en særlig glans og få dem til at lyse, opløste kunstneren pastellen med varmt vand, forvandlede den til en slags oliemaling og påførte den på lærredet med en pensel. Senere værker af Degas er også kendetegnet ved intensiteten og rigdommen af ​​farver, som suppleres af virkningerne af kunstig belysning, forstørrede, næsten plane former og pladsbegrænsningen, som giver dem en spændt dramatisk karakter (“Blue Dancers”, pastel, Statens Museum for Fine Kunster, Moskva).

Degas brugte ikke kun pastelteknikken på en ny måde, men skabte også malerier med den, der var større end andre kunstneres værker lavet i pastel. Nogle gange syede han flere ark sammen for at få overfladen i den størrelse, han havde brug for. I hans sidste værker i pastel, lavet allerede da hans syn var stærkt svækket, er majestætiske former næsten fuldstændig opløst i ilden af ​​flammende farver. Den amerikanske kunsthistoriker George Heard Hamilton skrev om disse værker af Degas: "Farven på hans malerier var kunstnerens sidste og største gave til moderne kunst. Selv med Degas, som var ved at miste synet, forblev paletten tæt på fauvisternes."

Pastelteknikken gjorde det muligt for Degas tydeligere at vise sit talent som tegner, sin kærlighed til den udtryksfulde linje. På samme tid hjalp rige toner og et "glimtende" strejf af pasteller kunstneren til at skabe den særlige farverige atmosfære, den iriserende luftighed, der så kendetegner hans arbejde. Når man ser på Degas' pasteller, indser man med særlig klarhed essensen af ​​maleriets nye erobringer. Farven her synes at opstå foran dine øjne fra en iriserende udstråling, fra en strømmende strøm af iriserende "elementarpartikler", fra en hvirvelvind af krydsende "kraftlinjer". Alt her er fuld af meningsfuld bevægelse. Strømmen af ​​linjer giver anledning til form, farve er født fra en hvirvelvind af farverige streger. Det er især mærkbart i "Blå danserne" fra Moskva-museet, hvor melodien i dansen synes at opstå fra det iriserende flimren af ​​rene toner. Blandt de ti værker af Edgar Degas, der opbevares på russiske museer, er kun ét (“Dancer at the Photographer” fra Pushkin Museum of Fine Arts) malet i olie. Resten er lavet i pasteller.

Gennem hele sit liv skabte Degas et stort antal forberedende skitser og færdige værker. Hans grafiske værker kan tjene som bevis på den kreative vækst, som kunstneren gennemgik, de demonstrerer tydeligt, hvordan mesteren skabte pastelkompositioner, der skildrer dansescener fra separate skitser, bevægelser og positurer. I disse værker er forfatterens koloristiske tilgang meget dristigere end i hans malerier. I dem brugte han farve frit og bidsk.

Senere arbejde

I slutningen af ​​1980'erne havde Degas i det væsentlige realiseret sit ønske om at "blive berømt og ukendt." Han var praktisk og i stand til at styre sin indflydelse, konstant i kontakt med mange kunstnere, og en sådan aktivitet begyndte at irritere nogle af hans kolleger. Som yderligere bevis på, at han er sikker på sit talent og rolig omkring sin position, lukker Degas sig selv i en snæver kreds af nære venner. Den er kun udstillet på få udvalgte offentlige steder, hvilket vækker interesse for den fra respektable kunstmagasiner i Paris. Degas's produktivitet vokser, antallet af færdige værker beregnet til salg, samtidig med at han omhyggeligt planlægger sin budstrategi med en gruppe pålidelige forhandlere. Den mest fremtrædende af disse var Durand-Ruel, som Degas mødte i begyndelsen af ​​70'erne. Degas var klar over presset fra den kommercielle presse og synes at have skelnet mellem markedsorienterede "råvarer", som han kaldte dem, og resten af ​​hans skrifter. Førstnævnte var primært præget af en høj grad af dekoration, sidstnævnte var klart mere avantgarde. Flere af dem endte i Theo van Goghs (Vincents bror) galleri. Selvom Degas bevægede sig længere og længere væk fra den fremtrædende og aktive rolle, han spillede i samfundet af parisiske kunstnere, steg hans indflydelse på den yngre generation. Degas havde aldrig nogen studerende, men mange kunstnere, såsom Paul Gauguin, Georges Seurat, Henri Toulouse-Lautrec, anerkendte hans indflydelse på deres kunst.

Det er ikke let at evaluere Degas' arbejde i senere år. Faktum er, at han et sted i 1886 holdt op med at bruge notesbøger, og det var fra dem, at forskere indsamlede en masse information om de tidlige perioder af hans arbejde. Siden 1990'erne har Degas' værker præget af en aldrende mand, hvis krop, sjæl og moral har gennemgået alvorlige prøvelser i de sidste syvogtyve år af hans liv. Vid og humor blev erstattet af en mere seriøs tone, kreativ produktivitet faldt gradvist på grund af forestående blindhed. Det blev bemærket, at Degas i denne periodes værker hyldede de abstrakte elementer i hans kunst fuldt ud. Farveintensiteten er steget, og stregen er blevet mere energisk og mere udtryksfuld. Selvom rummet, som før, forblev teatralsk (uvirkeligt) eller ubestemt, sparede figurerne, nu de mest var badende, heller ikke tid, de klarede deres svækkede kroppe med en vis indsats. Og alligevel har de en stærk, ubøjelig vilje hos kunstneren selv. Ofte fortolkes disse senere værker som blot et resultat af kunstnerens senile lidelser, undertrykt af progressiv blindhed, bliver intolerant, lider af melankoli og ensomhed, forvandlet til en antisemit under indflydelse af Dreyfus-sagen. Ja, alt, der er sagt ovenfor, er sandt, men det er også sandt, at Degas ikke mistede fleksibiliteten i sit sind, forblev en lys kontroversiel personlighed og ledte efter nye måder i kunsten.

I 1882 begyndte kunstnerens syn at forværres kraftigt, og Degas begyndte at vende sig til pastelteknik og derefter til skulptur. De figurer, der er afbildet på hans senere lærreder, er altid forstørret, som om kunstneren undersøger dem på meget tæt afstand. Edgar Degas var en næsten universel kunstner, ikke kun med hensyn til genrer, men også med hensyn til den teknik, han udførte sit arbejde i. Gradvist skiftede Degas næsten fuldstændigt fra olie til pastel, da denne teknik tillod ham at føle sig tæt på billedets overflade og tillod ham at belaste sit syn mindre. Men pastellen smuldrer fra billedet, det skal rettes med en speciel løsning, og som et resultat bliver farverne mørkere. Derfor opfandt Degas i sidste ende sin egen måde at lave olie på efter dens egenskaber tæt på pastel, og begyndte at male i olie ved hjælp af pastelteknikken.

Skulpturer af Degas

Degas begyndte at skulpturere små voksskulpturer i slutningen af ​​1860'erne, og efterhånden som hans syn forværredes, lagde kunstneren mere og mere opmærksomhed på netop denne genre. Temaerne for Degas' skulpturer gentog temaerne i hans malerier - dansere, badende eller galopperende jockeyer. Degas skulpturerede disse værker til sig selv, de erstattede skitser for ham, og han færdiggjorde kun nogle få skulpturer. Med tiden går Degas i stigende grad til skulptur, for her kan han stole mere på berøring end på næsten tabt syn. Degas selv beskæftigede sig ikke med metal og sten: han lavede kun skulpturer af bløde materialer udelukkende til sig selv. I figurerne af ballerinaer, badende, heste (ofte skitseret i modellering) opnåede Degas en plastisk ekspressiv transmission af øjeblikkelig bevægelse, skarphed og uventet positur, samtidig med at figurens plastiske integritet og konstruktivitet blev bevaret.

Støttet af andre billedhugger Bartolome skabte Degas et stort antal voks- og lerfigurer af dansere og heste. Degas værdsatte voks for dets foranderlighed, venner, der besøgte kunstnerens atelier, fandt nogle gange en vokskugle i stedet for skulpturen: tilsyneladende anså Degas hans arbejde for mislykket. Ingen af ​​disse skulpturer, med undtagelse af Little Dancer of Fourteen , blev nogensinde udstillet af Degas. Efter Degas' død blev omkring 70 overlevende værker fundet i hans værksted, og kunstnerens arvinger overførte dem til bronze – Degas selv arbejdede aldrig med bronze. De første prøver af disse skulpturer dukkede op i 1921. I mange år troede man, at selve voksskulpturerne, som afstøbningen var lavet af, ikke kunne bevares, men de blev opdaget i kælderen i 1954; som det viste sig, blev der brugt specialfremstillede dubletter til støbning. Året efter blev alle Degas' voksskulpturer købt af den amerikanske samler Paul Mellon, som efter at have doneret en lille del af værkerne til Louvre stadig er ejer af de fleste af dem. Der blev lavet cirka 20-25 afstøbninger af hver voksskulptur, så det samlede antal kopier er omkring 1500. Nogle af dem kan ses på store museer rundt om i verden, og nogle steder f.eks. i Ny Carlsberg Glyptotek, København , der er fuldt sæt.

Tegninger af Degas

Tegning var hjørnestenen i alt Degas' arbejde. Kunstneren udøvede sin hånd og arbejdede i traditionen fra Ingres, en af ​​de mest fremtrædende tegnere i europæisk kunsts historie. Degas blev hjulpet af en fænomenal visuel hukommelse og en medfødt følelse af plasticiteten af ​​linje og kontur. Han blev født til at tegne.

I sine tidlige tegninger opnåede Degas en fantastisk nøjagtighed og naturalisme, og brugte ofte en blyant til dette. Men i 1870'erne blev kunstnerens stil friere og mere flydende, på hvilket tidspunkt Degas næsten helt opgav blyanten og skiftede til hvidt kridt og sort kul. Den fantastiske effekt, han opnåede med denne teknik, er godt illustreret af den udaterede Two Horsemen Sketch. Degas brugte også en anden skriveteknik og kombinerede meget ofte forskellige materialer inden for det samme værk. De fleste af Degas' tegninger er skitser og skitser af menneskelige figurer, såsom Ballerina Tying a Shoe, 1880-1885. Denne tegning er lavet ikke så meget med en blyant som med trækul. Normalt lavede kunstneren en række foreløbige skitser og brugte nogle gange det samme studie til flere forskellige lærreder.

Degas' innovation

Degas kunst er kendetegnet ved en kombination af det smukke, nogle gange fantastiske, og det prosaiske. Fascineret af bylivets mangfoldighed og mobilitet maler han det moderne Paris (gader, teater, caféer, hestevæddeløb) i konstant skiftende aspekter. Degas' værker med deres strengt kalibrerede komposition (asymmetrisk, med en dynamisk fragmentering af filmrammen), med deres præcise og fleksible tegning, uventede vinkler, aktive samspil mellem figur og rum (ofte som om de var vendt vrangen ud på et plan), kombinere tilsyneladende upartiskhed og tilfældighed med omhyggelig omtanke og nøjagtig beregning uden frygt.

Degas stræbte efter den maksimale "realisme" eller "naturalisme" i sine værker. Selvom de to udtryk ofte blev byttet om, var naturalismen i virkeligheden en mere progressiv form for realisme, da den blev beriget af de seneste fremskridt inden for videnskaben. Forfatteren og journalisten Edmond Duranty, en ven af ​​Degas, opfordrede vedholdende sine venner til at følge opdagelserne i videnskaben, til at bruge innovationer, så kunstnerens kunst holdt trit med tiden. Den måde, hvorpå Degas forfulgte denne videnskabelige realisme, kan illustreres af hans holdning til visning af værker på impressionistiske udstillinger.

Ved at placere alle de enkelte kunstneres malerier i lokaler med intime farvesammensætninger, med vægge malet i ukendte toner, der komplementerede malerierne, og ved at forlænge besøgstiderne om aftenen, når gaslamper var tændt, skabte Degas og hans kolleger effekter, der handlede i overensstemmelse med seneste opdagelser af optisk fysik. Ligesom andre impressionister lagde Degas stor vægt på stel, han designede selv deres farve og form. Som Claude Monet senere forklarede , gjorde Degas dette for at "få rammen til at hjælpe og komplementere arbejdet", og dermed forbedre farverne. Degas foreskrev endda specifikt, at rammerne af hans malerier ikke skulle ændres. Da han en dag så sit maleri, sat ind i en almindelig forgyldt støbt ramme, købte han det i raseri.

At Degas var glad for tekniske opfindelser bevises af hans graveringer, han brugte også traditionelle på en ny måde, for eksempel pastel og tempera, baseret på lim og ikke på olie. Begge disse materialer er tørre eller hurtigtørrende, uigennemsigtige, hvilket gjorde det muligt for Degas nemt at foretage ændringer i (og maskere) hans kompositioner. Ved at bruge deres ekspressive potentiale til at skildre operaens og caféernes nutidige verden, var Degas overbevist om, at disse materialers skrøbelighed er bedst egnet til at formidle scenekunstens flygtige glæder.

Manglen på en dyb tradition i denne teknik gjorde det muligt for Degas frit at bruge papir til basen, elastisk og bøjeligt, som kunne tilføjes eller fjernes under arbejdet med sammensætningen. Derudover brugte han skygge og sine egne fingre til at skabe tonale planer; ved hjælp af en pensel og vand påførte han pastelblyantpigmenter slettet til pulver for at opnå jævnt farvespil. Hans indsats blev kronet med fremkomsten af ​​et nyt vokabular af realisme, ligesom Goncourt-brødrene (Edmond-Louis-Antoine og Jules-Alfred) og Emile Zola formåede at gøre det i samtidslitteraturen. Kritikere beklagede tilfældighederne i de mærkelige udsigtspunkter, afskårne former og skrå gulve i hans malerier. Disse elementer var en del af realismen-naturalismens ideologi. Faktisk bag spontaniteten i hans kompositioner var deres omhyggelige forberedelse skjult. Degas var ifølge definitionen af ​​Edmond de Goncourt, der besøgte kunstnerens atelier, "en mand, der bedre end nogen anden formåede, ved at transskribere det moderne liv, at fange dens sjæl."

Solnedgang

Næsten ti år før sin død holdt Degas praktisk talt op med at skrive. Han boede alene. Mens Renoir og Monet nød varmen fra familiens ildsted, levede Degas mere og mere ensomt i sin ungkarlelejlighed, fyldt med en kaotisk bunke af luksuriøse og støvede lærreder, ting og sjældne tæpper. Døden tog mange af hans nærmeste gamle venner væk, og hans dårlige temperament fratog ham selskabet med de få overlevende venner. Paul Valéry, der nogle gange kom for at besøge Degas i atelieret, efterlod en beskrivelse af den dystre tilværelse af en næsten blind kunstner, der ikke længere kunne skrive, og kun malede lidt med kul. Men i en alder af 80 var han allerede en anerkendt kunstner, hans malerier blev solgt til fantastiske priser for den tid.

Edgar Degas døde den 27. september 1917 i Paris i en alder af 83, idet han var en anerkendt mester og autoritativ maler, med rette betragtet som en af ​​impressionismens lyseste repræsentanter, en original skaber. Ifølge Degas sidste testamente var begravelsen beskeden, selvom mange gamle venner samledes for at se Degas på hans sidste rejse, blandt dem var Claude Monet og kunstneren Jean-Louis Forain . Degas bad om ikke at holde sørgetaler under sin begravelse og insisterede især på, at hvis Forin skulle sige et par ord, så lad det være den enkleste sætning, som: "Han, ligesom jeg, var meget glad for at tegne."

Et krater på Merkur er opkaldt efter Edgar Degas .

Kreativ måde

Degas havde ringe interesse for landskabet, som indtog en central plads i impressionisternes arbejde, og han søgte ikke at fange på lærredet det undvigende spil af lys og skygge, som så fascinerede Monet. Degas voksede ud af traditionelt maleri, som betød så lidt for andre impressionister. Degas kan kun tilskrives impressionisme takket være det skælvende, lysende farvespil. Fælles, både for Degas og for resten af ​​impressionisterne, var måske kun en ivrig interesse for det moderne livs billedmotiver og ønsket om at fange det på lærredet på en ny, usædvanlig måde. Degas sagde selv: "Man skal have en høj idé om kunst; ikke om hvad vi laver i øjeblikket, men om hvad vi gerne vil opnå en dag. Det er ikke værd at arbejde uden." Auguste Renoir sagde om sin ven: "Degas var skarpsindig. Var den mest revolutionerende kunstner i alt nyt maleri ikke gemt bag en sort frakke, en hårdt stivet krave og en høj hat?

Skæbnens ironi, men det var i 1890'erne, efter den impressionistiske gruppes sammenbrud, at Degas' værker stilmæssigt kom nærmest impressionismen. Imidlertid var de slørede former og lyse toner, som han begyndte at bruge i disse år, mere resultatet af et gradvist tab af syn end kunstnerens ønske om de farver og former, der er karakteristiske for impressionismen. Spontanitet var ikke iboende i kunstneren, og han sagde selv: ”Alt, hvad jeg laver, har jeg lært af de gamle mestre. Jeg ved ikke selv noget om inspiration, spontanitet eller temperament. Billedernes specielle drama er meget ofte født af en uventet dristig bevægelse af linjer, en usædvanlig komposition, der minder om et øjebliksfotografi, hvor figurerne med enkelte dele af kroppen efterladt bag rammen er forskudt diagonalt ind i et hjørne, det centrale en del af billedet er et frirum ("Opera Orchestra", 1868—1869, Musée d'Orsay, Paris; Two Dancers on Stage, 1874, Gallery of the Warburg and Courtauld Institute, London; Absinthe, 1876, Musee d'Orsay , Paris). For at skabe dramatisk spænding brugte kunstneren også retningsbestemt lys, der f.eks. skildrede et ansigt opdelt af en spotlight i to dele: oplyst og skraveret ("Cafechantan in the Ambassador", 1876-1877, Museum of Fine Arts, Lyon; " Singer with a Glove”, 1878, Vogt Museum, Cambridge). Denne teknik blev efterfølgende brugt af A. de Toulouse-Lautrec i plakater for Moulin Rouge.

Hans iagttagelsesgave, hans bliks nøjagtighed og årvågenhed var uforlignelig. Og den visuelle hukommelses kraft kunne kun sammenlignes med ham af Daumier. Degas' observationsevner og fænomenale visuelle hukommelse gjorde det muligt for ham at fange gestus, stillinger med ekstraordinær nøjagtighed, at forstå karakteristiske bevægelser på farten og formidle dem med ekstraordinær sandfærdighed. Degas tænkte altid nøje sammensætningen af ​​sine malerier, og lavede ofte mange skitser og skitser, og i de sidste år af sit liv, da hans falmende syn ikke længere gav ham mulighed for at lede efter nye emner, vendte han sig igen og igen til sit yndlingsbilleder, nogle gange oversætter konturerne af figurer fra gamle lærreder ved hjælp af karbonpapir.

Degas' værker kombinerer med deres strengt tilpassede og samtidig dynamiske, ofte asymmetriske komposition, præcise fleksible tegning, uventede vinkler, aktive samspil mellem figur og rum den tilsyneladende upartiskhed og tilfældighed i billedets motiv og arkitektur med omhyggelig eftertanke. og beregning. "Der var ingen kunst mindre direkte end min," sådan vurderer kunstneren selv sit eget værk. Hvert af hans værker er resultatet af langsigtede observationer og hårdt, omhyggeligt arbejde med at omsætte dem til et kunstnerisk billede. I mesterens arbejde er der intet improviseret. Fuldstændigheden og omtanken i hans kompositioner får os nogle gange til at minde om Poussins malerier. Men som et resultat dukker der billeder op på lærredet, som det ikke ville være en overdrivelse at kalde personificeringen af ​​det øjeblikkelige og tilfældige. I fransk kunst i slutningen af ​​det 19. århundrede er Degas' værk i denne henseende den diametrale modsætning til Cezannes værk. I Cezanne bærer billedet al verdensordenens uforanderlighed og ligner et fuldstændigt gennemført mikrokosmos. I Degas indeholder den kun en del af den kraftfulde strøm af liv afskåret af rammen. Billederne af Degas er fulde af dynamik, de legemliggør de accelererede rytmer fra den æra, der var moderne for kunstneren. Det var passionen for at formidle bevægelse - dette bestemte ifølge Degas hans yndlingsmotiver: billeder af galopperende heste, ballerinaer til øvelse, vaskedamer og strygere på arbejde, kvinder, der klæder sig eller reder deres hår.

Sådanne metoder involverer præcise beregninger frem for frihed og inspiration, men de taler også om kunstnerens ekstraordinære opfindsomhed. I sin kreative søgen fremstår Degas som en af ​​sin tids mest vovede og originale kunstnere. I begyndelsen af ​​sin professionelle karriere beviste Degas, at han mesterligt kunne male på traditionel vis i olie på lærred, men i sine modne år eksperimenterede han meget med forskellige teknikker eller med en kombination af materialer. Han malede ofte ikke på lærred, men på pap og brugte forskellige teknikker, såsom olie og pastel, inden for det samme billede. Passionen for at eksperimentere lå i kunstnerens blod – det var ikke for ingenting, at en af ​​de iagttagere, der besøgte den impressionistiske udstilling, tilbage i 1879 skrev, at Degas "utrætteligt ledte efter nye teknikker."

Kunstnerens tilgang til gravering og skulptur var lige så kreativ. Degas' måde blev dannet under indflydelse af forskellige kunstnere. Han ærede f.eks. Ingres dybt, og han betragtede sig selv som forfatter på den traditionelle måde, som Ingres bekendte sig til. Denne indflydelse er tydeligt synlig i Degas' tidlige værker - klar, klassisk i ånden, med klart skrevne former. Som mange af sine samtidige var Degas påvirket af japansk grafik med dens usædvanlige vinkler, som han selv tyede til i sine efterfølgende værker. I Degas' malerier er der mange spor af fragmentering, uventet for europæisk kunst, på japanske kakemono-træsnit. Fotografering, som Degas var glad for, gjorde sammensætningen af ​​hans lærreder mere frisk og usædvanlig. Nogle af hans værker giver indtryk af et øjebliksbillede, men faktisk er denne følelse frugten af ​​et langt og omhyggeligt værk af kunstneren.

Edmond Goncourt skrev om Degas: "En meget følsom person, der fanger selve essensen af ​​tingene. Jeg har endnu ikke mødt en kunstner, der ved at gengive det moderne liv bedre ville fange dets ånd.” Til sidst formåede Degas at udvikle sit eget unikke syn på indtrykkene fra verden omkring os. Nogle gange kaldes han en kold, passiv iagttager, især når han skriver portrætter af kvinder, men Berthe Morisot, en af ​​tidens fremtrædende kunstnere, sagde, at Degas "oprigtigt beundrede unge butiksassistenters menneskelige egenskaber." Få andre kunstnere studerede den menneskelige krop så hårdt som Degas. De siger, at ved slutningen af ​​sessionen var Degas' modeller ikke kun dødeligt trætte af en lang posering, men også malede striber, som kunstneren, der mistede synet, påførte deres kroppe som markeringer, der hjalp ham til mere præcist at bestemme proportionerne .

"Gennem hele sit liv," skrev Paul Valéry, "søgte Degas i billedet af en nøgen skikkelse, betragtet fra alle synsvinkler, i et utroligt antal stillinger, i alle slags bevægelser, det enkelte system af linjer, der ville udtrykke med den største nøjagtighed ikke kun et givet øjeblik, men også den største generalisering. Hverken nåde eller imaginær poesi indgår i hans mål. Hans værker synger ikke noget. I værket skal et eller andet sted overlades til tilfældighederne, så der kan opstå en form for besværgelse, der begejstrer kunstneren, griber hans palet og styrer hans hånd. Men Degas, en i det væsentlige viljestærk person, aldrig tilfreds med det, der opnås med det samme, i besiddelse af et for kritisk sind og for uddannet af de største mestre, gav sig aldrig op til direkte fornøjelse ved arbejdet. Jeg kan godt lide denne stringens."

Renoir bemærkede engang, at "hvis Degas var død som halvtreds, ville han være blevet husket som en fremragende kunstner, og intet mere. Men efter halvtreds udvidede hans arbejde sig så meget, at han faktisk blev til Degas. Måske har Renoir ikke helt ret her. Da Degas fyldte 30, var han allerede i gang med at skabe lærreder, der var inkluderet i verdenskunstens skatkammer. På den anden side bemærkede Renoir korrekt, at Degas' modne værker er mere individuelle, de virkelig "udvidede" i stilen - dette adskiller dem primært fra kunstnerens tidlige værker. Ved fortsat at tro, at tegning i maleri er grundlaget for fundamentet, begynder Degas samtidig at bekymre sig mindre om konturens skønhed og klarhed og udtrykker sig ved hjælp af en række forskellige former og farverigdom.

Denne udvidelse af stilen faldt sammen med Degas' øgede interesse for pastel , som efterhånden blev hans hovedmedie til at tegne. I sine oliemalerier forsøgte Degas aldrig at skildre den ødelagte tekstur, som resten af ​​impressionisterne elskede, og foretrak at male i en rolig, jævn stil. Men i pastelarbejdet bliver kunstnerens tilgang meget dristigere, og han bruger farver lige så frit, som han brugte dem, når han arbejdede med kridt eller kul. Pastel er faktisk på grænsen mellem at tegne og male, og Degas sagde selv, at det giver ham mulighed for at blive "en kolorist med en streg."

Galleri

Noter

  1. ↑ 1 2 Edgar Degas  (hollandsk)
  2. ↑ Hilaire Germain Edgar Degas  (engelsk) - OUP , 2006. - ISBN 978-0-19-977378-7
  3. ↑ 1 2 Edgar Degas // Encyclopædia Britannica 
  4. ↑ Itaú Cultural Edgar Degas // Enciclopedia Itaú Cultural  (havn.) - São Paulo : Itaú Cultural , 1987. - ISBN 978-85-7979-060-7
  5. ↑ kunstnerliste over Sveriges Nationalmuseum - 2016.
  6. ↑ Museum of Modern Art onlinesamling 
  7. ↑ 1 2 RKDartists  (hollandsk)
  8. ↑ 1 2 http://vocab.getty.edu/page/ulan/500115194
  9. ↑ Degas, Hilaire-Germain-Edgar // Encyclopedic Dictionary of Brockhaus and Efron  : i 86 bind (82 bind og 4 yderligere). - Sankt Petersborg. , 1890-1907.

Litteratur

Links

  Gå til Wikidata-elementet  Foto, video og lyd
Tematiske steder
Ordbøger og encyklopædier
Slægtsforskning og nekropolis