Wearable art eller eller art-a-porter (eng. Wearable art , fr. Art-a-porter) er en af de former for kunst og håndværk, der sigter mod at skabe et stykke tøj eller tilbehør, der har kunstnerisk betydning. Bærbar kunst er meget svær at kalde tøj, selvom dens genstande ligner velkendte ting. Med andre ord, bortset fra den æstetiske komponent, bør et værk af "wearable art" betragtes som et seriøst og unikt kunstværk.
Når kunstneren skaber en art-a-porter, bruger kunstneren en bred vifte af materialer ( læder , plastik , metal , stof , papir , levende planter osv.), hvilket giver dem den ønskede form og farve.
Fra slutningen af det 19. århundrede til i dag har folk ofte valgt at bære tøj, der bevidst adskiller sig fra eller udfordrer haute couture- konventioner. I slutningen af det 19. århundrede, på tærsklen til den modernistiske æra , var det såkaldte kunstneriske eller æstetiske kostume (ikke kunstnerdragt) resultatet af en reformbevægelse inden for mode, i det væsentlige anti-mode. Oprindeligt forbundet med feminisme , denne tendens blev senere ejendom af generel smag, de nævnte tøj blev båret hovedsageligt af repræsentanter for den borgerlige intelligentsia i kunstneriske og litterære kredse (såvel som af kunstnere og forfattere selv). Denne mode fandt bred støtte ikke kun i Storbritannien , men også i USA , i Europa og i mindre grad i de britiske kolonier, såsom Australien . Det var baseret på ideen om forskellen mellem håndlavet og masseproduktion, og det var mere en idealists tøj, ikke en fashionistas.
I 1920'erne-1930'erne. mode blev set som en del af modkulturen. Sådanne outfits og smykker (ofte håndlavede) tjente som et alternativ til masseproduktion. Populære, som regel, var de usædvanlige blege farver, der var karakteristiske for kvindernes kjole i det sidste århundrede. I Australien i de samme årtier eksperimenterede designere med modernistiske designs på tørklæder og tekstiler ved hjælp af australske motiver (ofte botaniske). Det er klart, at håndlavet tøj i dette tilfælde var imod masseproduceret tøj. Lucy Dalgarno (1874–1945), Sydney designer, malede stoffer og brocher i 1920'erne ved hjælp af lokale motiver. Ironisk nok malede hun også batiktøj til David Jones' avancerede massemodebutik .
Det var dog kun 1960'ernes nonkonforme , anti-masse modkultur-æstetik, der bragte begrebet bærbar kunst til live. Ikke kun kunstnere, designere eller intellektuelle, men også mænd og kvinder, der leder alternative livsstile, gentænkede de velkendte forbindelser mellem tekstiler, kvindearbejde og kunsthåndværk. Denne meget oppositionelle tøjstil, drømmende, med en overvægt af blomstermønstre, er almindeligvis kendt som " hippie ". Han vidnede om afvisningen af forbrugeristisk samlet tøj såvel som populistisk politik. Dekoration med håndlavede detaljer og skilte, som oprindeligt var en individuel beskæftigelse, vandt popularitet og begyndte at blive brugt i standardtøj. Disse frafaldne designere skabte bricolager af brugte og håndlavede stoffer og outfits i originale farver og hentede inspiration fra traditionerne fra ikke-europæiske kulturer: Asien , Indien , Mellemøsten . Art-a-porter-stilen var almindelig på USA's vestkyst (især i San Francisco ), Storbritannien, Australien og New Zealand.
I 1960'erne og begyndelsen af 1970'erne begyndte tøj med "selvbiografisk indhold" at dukke op på modemarkedet. 1970'erne kan beskrives som et tumultarisk årti, hvor ru, retro og etniske motiver, rester af den sene modkulturelle hippiestil, blev assimileret af forbrugeren, kulminerende med en grovning af stilarter i anden halvdel af 1970'erne. Begrebet wearable art begynder i dag at få frastødende kitschede konnotationer og mister gradvist relevans. [en]
Den amerikanske kunstner Darla Theagarden skabte en kjole ud af papir cupcake liners med fotografier af øjne indeni. Skabelsen er navngivet suggestivt - Lovers Eye Archived September 20, 2015 at the Wayback Machine . Amerikanske Eloise Corr Danch skabte en fantastisk kjole i stil med spansk mode i det 16. århundrede fra papir. Og Jolis Paons lancerede en cocktailkjole med en tutu-nederdel, som var lavet af en masse instruktioner til mobiltelefoner [2] .
I 2015 præsenterede de hollandske designere Viktor Horsting og Rolf Snoeren [3] kollektionen "Wearable Art" på Haute Couture-udstillingen i Paris. Oprindeligt prydede maleriske reproduktioner dekoreret i en dyr baguette kostumer af kvindelige modeller, men med udseendet af to modedesignere på scenen ændrede de øjeblikkeligt deres formål. Viktor og Rolf fjernede "billederne" fra modemodellerne lige under showet og forvandlede dem til en del af scenens dekorative udsmykning. På denne måde blev modemodeller let til bevægende kunstværker, og de overdimensionerede silhuetter af kjoler, med deres kantede detaljer, lignede surrealistiske arkitektoniske fantasier.
I New Zealand blev en årlig konkurrence kaldet New Zealand Wearable Art Awards etableret i 1987. I 2001 blev begivenheden omdøbt til World of Wearable Art, eller WoW [4] . Konkurrencen er en række tematiske spektakulære catwalkshows med en demonstration af ekstremt originale kostumer og tilbehør, forenet af et fælles koncept, kombineret med koreografi , med lyd , lys og specialeffekter . Arrangementet bliver overværet af lokale og udenlandske kunstnere og designere.
Siden 1993 har der været en ny stillehavssektion, senere kaldet "Oceania", hvori der er en kategori af "wearable art". Gademodeshowet er en del af en offentlig festival etableret som et forsøg på at udtrykke den radikaliserede del af befolkningens politiske holdning til tingenes tilstand i Stillehavet. Det udviklede sig til en selvstændig begivenhed, Style Pasifika [5] , som fokuserede mindre på wearable kunst end på Pacific kreative modestile og kropskunst .
I 1998 begyndte den australske by Broome at være vært for en årlig underholdningsbegivenhed med kunstværker designet til at blive båret i en række forskellige materialer.
I 2002 afholdt Port Moody Art Center Society i British Columbia sine første årlige Wearable Art Awards, og samme år uddelte Sandy Bay , Tasmanien , Australien, sine første årlige priser " Fashion Fantasy "(Fashion Fantasia), som proklamerede krop som et lærred til det mest usædvanlige og originale tøj. [6]
Nogle kunsteksperter mener, at mode ikke er kunst. Bag al den provokativitet, hvormed outfits skabes og modeshows arrangeres, gemmer der sig en tørst efter profit og et ønske om at provokere . For sine visuelle referencer er mode påvirket af billedkunst , fotografi og film . For at understøtte hver af de mange samlinger, hun skaber hvert år, udnytter hun disse billeder så nådesløst, at deres temaer hurtigt mister deres betydning. [7]
Generelt har begrebet "wearable art" under overvejelse fået nedsættende associationer, og selve konceptet er gået af mode. Det betragtes som populistisk og er ofte forbundet med lokale kunstbegivenheder og promoveringer. Men mange små virksomheder sælger stadig denne form for personligt, kunst-foregivet tøj og smykker over internettet. [6]