Kunstner ( bulgarsk kunstner , ukrainsk kunstner, tynd, kunstnerisk person , fra ( Old Slav Khedog ), fra gotisk handugs - wise; gotisk handags - fingernem, fra handus - hånd) [1] - i daglig forstand er en kunstner en person, der laver kunst [2] . Imidlertid kalder vi ofte en kunstner for en person, der ikke kun arbejder inden for billedkunst , men også inden for andre former for kunstnerisk kreativitet, og også metaforisk: en kunstner inden for sit felt inden for ethvert område af kreativ aktivitet. Derfor er en anden definition mere acceptabel: "en kreativ person, en ekspert, en mester udstyret med kunstnerisk talent og kreativ fantasi" [3] .
Det er nødvendigt at skelne mellem begreberne æstetisk og kunstnerisk aktivitet. Tilbage i 1960'erne forklarede M. S. Kagan ved forelæsninger om æstetik forskellene mellem områderne for æstetisk og kunstnerisk bevidsthed, idet han med kridt på en tavle tegnede et diagram af to cirkler, der delvist overlapper hinanden. Efterfølgende præciserede M. S. Kagan sådanne forhold i bøgerne "Human Activity" (1974), "Aesthetics as a Philosophical Science" (1997), og understregede, at disse begreber ikke kan synonymiseres eller betragtes som kunstneriske kun som "den højeste manifestation af det æstetiske" . Et kunstværk kan kun være delvist inden for det æstetiske område eller helt gå ud over det, og æstetisk aktivitet falder til gengæld ikke sammen med kunstnerisk aktivitet. Så for eksempel at hente farvede sten på kysten eller arrangere møbler i et rum, hænge billeder på væggene er æstetiske, men ikke kunstneriske aktiviteter. Samtidig bliver en person, der tager sig af skønhed, ikke en kunstner [4] .
En afklaring er det faktum, at vi kalder kunstnerisk aktivitet en kreativ aktivitet designet til at skabe ikke kun æstetiske værdier (skønhed), men også kunstneriske billeder - "præge et objekt i et andet", skabe en ny integritet, generalisere efter tre grundlæggende principper :
Det kunstneriske billede er altid konkret, individuelt (subjektivt) og følelsesmæssigt. I dygtigt materialearbejde opstår et simpelt håndværk, en figurativ model som regel ikke. Æstetisk aktivitet frembringer ikke kunstneriske billeder, men harmoniserer kun de genstande, der faktisk eksisterer, og deres mentale modeller; ved hjælp af kunstnerisk aktivitet "dobler en person sig selv i den figurative model" og i materialet til denne eller den type kunst. Figurativ tænkning "inducerer til at fordoble det oplevede objekt, så kunstneren selv bliver indprentet i det" [7] . I den æstetiske bevidsthed - sansningen og oplevelsen af skønhed - opløses en person så at sige opløses, afpersonliggøres i det objekt, der opleves; i kunsten griber det aktivt ind i virkeligheden. Derfor er ikke ethvert billede æstetisk og kunstnerisk, et kunstnerisk billede kan være grimt, og et æstetisk er ikke nødvendigvis kunstnerisk.
Det specifikke ved menneskelig kunstnerisk aktivitet ligger i den holistiske interaktion mellem mange af dens komponenter.
Der er normalt fire hovedkomponenter:
Alle særskilt karakteriserer denne eller den slags menneskelig aktivitet. Sammen tilegner de sig et bestemt emne - kunstnerisk kreativitet, som realiseres gennem bestemte kreative metoder, metoder og teknikker i begrebet " komposition " [8] .
I de romanske sprog er der ingen sproglig og semantisk skelnen mellem begreberne "kunst" og "kunst". Kunst, kunst, dygtighed, håndværk, kunst er betegnet på samme måde (engelsk, fransk kunst, italiensk arte, tysk kunst). Derfor har der udviklet sig andre kategoriske relationer i den vesteuropæiske æstetik, hvilket især afspejles negativt i samtidskunstens teorier. For eksempel kan begrebet "kunstobjekt" betyde hvad som helst: et værk af fin eller ikke-fin kunst, dadaisme , installationer, kropskunst , færdiglavet , ofte med hverken æstetiske eller kunstneriske egenskaber. Den mest rummelige definition: "Kunstnerisk kreativitet er en del af kulturen, menneskelig aktivitet (mental og materiel) for at skabe kunstneriske billeder af den "humaniserede verden", som afspejler den højeste, åndelige virkelighed" [9] . I den ortodokse tradition omtales kunstneren ofte som Herren Gud [a] .
Menneskets primitive visuelle aktivitet var ikke æstetisk og kunstnerisk i disse ords moderne forstand på grund af synkretismen (uadskilleligheden) af de oprindelige funktioner: rituel, magisk, kognitiv, pædagogisk, kommunikativ, kreativ (teknisk). Billedernes æstetiske kvaliteter blev også udviklet og realiseret langt senere. Dette er overbevisende bevist af helleristningerne af "naturlig stil af primitive jægere" og den såkaldte "naturlige model af udyret" [11] [12] .
Selv i antikken er "kunst" stadig holistisk, hverken æstetisk eller egentlig kunst, eller kognitiv eller "produktion" (tekniske funktioner) skiller sig ud fra den. Daedalus blev betragtet som den første mytologiske kunstner , men han var på samme tid en billedhugger, en støberiarbejder og en håndværker-opfinder. I det gamle Egypten udsmykkede kunstnere grave og stenhuse, og kunstnerens håndværk var tæt forbundet med fremstilling af maling [13] . I det gamle Egypten blev skabelsen af billeder betragtet som en magisk handling, og kunstnere blev æret på linje med præster.
De gamle grækere forstod kunst som ethvert veludført arbejde, håndværk. Uden at dele begreberne materiale, æstetisk og kunstnerisk værdi, betegnede de det med ét ord "techne". A.F. Losev skrev: "De gamle opdelte generelt meget svagt kunst og håndværk, såvel som kunst og mental aktivitet, videnskab eller, som grækerne sagde, visdom ... Homer kender ikke skulptur eller maleri" som selvstændige former for kunst , men beskriver i detaljer "forskellige slags kunstneriske produkter... Homers kunst er fuldstændig identisk med håndværket, og der er ingen måde at trække en bestemt grænse mellem det ene og det andet her" [14] .
Selv i det klassiske Grækenland var guden Apollo nedladende for hele komplekset af "musikalsk" (senere: fin) og "teknisk kunst" (inklusive videnskab og kunsthåndværk) [15] . Og kun gradvist adskilte den "mekaniske kunst", som var patroniseret af Athena og Hefaistos , sig fra "musikkomplekset" .
I middelalderen afspejlede ikonmalere og freskoister, for eksempel Andrey Rublev [16] ), ifølge kirketraditionen den "transcendente", ubeskrivelige guddommelige essens, og blev derfor ikke fuldt ud betragtet som forfatterne til deres værker. Kun i Italien under renæssancen begyndte intensivt at udvikle de morfologiske processer af selvbestemmelse af forskellige typer, typer, sorter og genrer af kunst, dannelsen af personligheden af en fri kunstner-skaber, selvstændig indgår forretningsforbindelser med kunden. Samtidig blev kunstnerens ret til at "komponere historier" hævdet. Men i lang tid forblev den mimetiske (imitative) og ikke den kompositoriske funktion af billedkunst den vigtigste . "Steli"-kunst blev dannet, maleri og skulptur blev adskilt fra arkitekturens og det tekniske håndværks rum: Kunstnere frigjorde sig gradvist fra håndværksværkstedets afhængighed [17] [18] .
Ifølge kunstkritikeren N. O. Tamruchi var de fleste kunstnere i midten af 2000'erne styret af rationelle kommercielle relationer, og skabelsen af absolut ikke-kommercielle ting var et sjældent ikke-definerende fænomen i deres liv, i det samme interview, Natalia Tamruchi hævdede, at tilfælde, hvor kunstnere kunne være ligeglade med det sociale miljø, på det tidspunkt var ekstremt sjældne, da "frie kunstnere" var mere afhængige af penge og kritikere end deres kommercialiserede håndværkerkolleger:
Kunstneren, der skaber frit, er mere afhængig af pengepungen end den kreative kunsthåndværker. For håndværkeren - arkitekt eller designer - får først løn. Og de er ikke længere afhængige af dem. Hvad han vil gøre, efter at han har modtaget ordren og udført kontrakten, afhænger kun af, hvad han er i stand til. Men en freelance kunstner, hvis han ønsker at få penge for sit værk, i processen med at skabe det, skal han tage hensyn til publikums smag, galleriejerens smag, kritikernes smag, det vil sige miljøet ... Medmindre, selvfølgelig, han vil flytte, vil være en succesfuld kunstner.
- N. O. Tamruchi, magasin [kak) nr. 30-31 / 2004Kunstchefen og galleriejeren Marat Gelman [19] havde et andet synspunkt , i 2008 argumenterede han for, at i det øjeblik, hvor det ydre miljø begyndte at diktere, hvilken slags kunst hun havde brug for, modstod den samtidskunstner det:
De sfærer, der lever af kunst, begynder på et tidspunkt at ville påvirke kunsten, og i det øjeblik begynder kunstneren at bygge grænser for ikke-penetration: kend din plads.
- Marat Gelman: "Krise er ikke en hindring for kunst ..." [20]Men i et historisk aspekt indrømmede Marat Gelman , at kunstneren var nødt til at tage hensyn til politikkens og markedets særegenheder:
Historisk set er kunsten evig, og markedet har forskellige former. Og markedet giver kun mening som en måde at finansiere kunst på. Penge er kunstens blod. Engang var kirken den eneste kunde, det var nødvendigt at overholde prøverne, modtage en ordre, deltage i intriger. Så var der oplysningstiden, oplyste herskere finansierede kunst, det var nødvendigt at gætte deres smag ... Det er meget muligt, at markedet vil ændre sine former.
— Marat Gelman, kunst og penge [21] 2010'erneI begyndelsen af 2010'erne mente kunstchef Victor Misiano , at kunstnerisk praksis i Rusland afspejler den politiske situation, så det er påkrævet enten som en propagandaressource eller som en luksus- og underholdningsindustri, kuratoren fremhævede også nogle træk ved den periode, f.eks. svare På spørgsmålet om krisen var godt for russisk kunst, sagde Victor Misiano følgende:
Jeg har allerede hørt et lignende synspunkt, at krisen vil være gavnlig for den kunstneriske situation. Jeg tror dog, at hvis kunstnere tænker på markedet som den optimale kontekst for deres kunst, så er det usandsynligt, at de på tidspunktet for den økonomiske afmatning ændrer sig: de vil blot forsøge at tilpasse sig nye markedsforhold.
Samtidig er selve det faktum, at vores offentlige mening forbinder et vist positivt perspektiv med krisen, afslørende. Det betyder, at for ham sker udviklingen af kunst på den ene eller anden måde udelukkende gennem penge! Det er ikke det kunstmiljøet skal bekymre sig om.
- Victor Misiano: "En dråbe slider en sten væk" [22]