Musikalsk bevægelse er en metode til musikalsk uddannelse , personlig udvikling og undervisning i fri dans . Den er lige velegnet til både børn og voksne (metoden er tilpasset forskellige aldersgrupper) og er primært designet til raske mennesker, selv om der er vellykkede forsøg på at anvende dens elementer til at arbejde med problembørn, såsom dem med autisme. Undervisningen afholdes i grupper, altid med levende musik (instrumental eller vokal). Som musikmateriale bruges særligt udvalgte fragmenter af klassiske værker og folkesange (musikken kan være anderledes, men historisk er metoden udviklet på netop sådant musikmateriale).
Udøveren er forpligtet til kun at bevæge sig med musikken: Start satsen med dens begyndelse og afslut præcis med slutningen. Satsen skal afspejle karakteren af det musikalske fragment - kontrast, flydende, fremdrift osv. - eleven skal med andre ord finde bevægelse i den musik, der gættes der. Som praksis viser, kan næsten ingen af begynderne gøre dette; For at lære evnen til at "bevæge sig i musik" udviklede skaberne af metoden en speciel simulator: sådanne musikalske fragmenter blev udvalgt, hvor musikkens motoriske karakter manifesterer sig tydeligst, og der blev fundet en plastisk form, der nøjagtigt afspejler alle funktionerne i dette stykke musik.
Den korrekte udførelse af øvelsen består ikke i at kopiere den motoriske form, men i at genskabe den, hvortil eleven skal høre, føle og tilegne sig - "tage ind" - et musikstykke med alle dets træk. Først da vil udøverens plastiske gestus falde sammen med værkets musikalske intonation og blive støbt til en æstetisk perfekt og følelsesmæssigt overbevisende musikalsk-motorisk form. Opgaven med følelsesmæssigt at lytte til musik og omsætte den til ens egen krops bevægelser tjener som en impuls til udviklingen af musikalitet og personlig vækst.
Træningsøvelser inddeles i tre grupper efter sværhedsgrad - fra dem, hvor sammenhængen mellem musik og bevægelse ligger på overfladen, til dem, hvor det ikke er tydeligt. Når eleven stiger fra et niveau til et andet, mestrer den samtidig indholdet af mere og mere komplekse musikalske fragmenter og mestrer mere komplekse bevægelser. En vigtig del af metoden er de involveredes selvstændige arbejde – deres egen plastiske fortolkning af de foreslåede musikværker. Den plasticitet, der er skabt af Heptachorus, understreger musikkens centrale karakteristika - åndbarhed, flydende, elastisk. Metoden, der oprindeligt blev skabt som en del af musikundervisningen, bruges også i dansepraksis, især til undervisning i motorisk improvisation og fri eller plastisk dans.
Musikbevægelsen fylder snart 100 år. Inspiratoren for denne tradition var Isadora Duncan , og skaberne var Stefanida Rudneva og hendes venner fra Bestuzhev-kurserne . At se i det første årti af det XX århundrede. Duncans turnéoptrædener i Rusland besluttede de, uden at efterligne hende bogstaveligt, at gøre noget nær i ånden: at fremføre musik på en plastisk måde. Akkompagnementet ved deres "hvide møder" - i henhold til chitonernes farve - har altid været live ved at spille musikinstrumenter eller synge. I 1918 gav antikkens historiker F.F. Zelinsky, deres professor ved Bestuzhev-kurserne, gruppen navnet Geptakhor eller "de syvs dans" - alt efter antallet af deltagere. På dette tidspunkt underviste Rudneva og hendes ligesindede allerede i gymnastiksale og skoler efter deres egen metode, som de kaldte "musikalsk bevægelse". Snart registrerede de officielt Heptahor Studio og to-årige kurser knyttet til det, og i begyndelsen af 1920'erne. gav mange koncerter i Petrograd. Studiet blev lukket under Stalin-æraens stormløb, men Rudneva med ligesindede - L. S. Generalova, O. K. Popova, E. M. Fish og andre - formåede at bevare den musikalske bevægelse og undervise i den (nogle gange under navnet rytme) i skoler , børnehaver og kulturhuse. Nu bliver den musikalske bevægelse undervist og praktiseret i en række centre for musikalsk og plastisk udvikling og plastiske dansestudier i Moskva og St. Petersborg.
Der er en opfattelse af, at "musikalitet gives fra fødslen" og er en ret sjælden kvalitet (nogle[ hvem? ] hævder, at det kun er iboende hos ét barn ud af 10) og ikke afhænger af den musikalske uddannelse, som en person har modtaget. Ikke desto mindre, hvis musikalitet ikke forstås som analytisk, tonehøjdehøring, men som intonationshøring - det vil sige evnen til at høre et musikalsk værks udtryk såvel som motiverende komponenter - kærlighed til musik, evnen til at reagere følelsesmæssigt på den, lysten til at lytte og engagere sig i det, så er det umuligt at benægte, at det kan udvikles. Den musikalske bevægelsesmetode er med til at udvikle musikalitet gennem en plastisk gestus: at lære at forstå musikkens udtryksevne og derved trænge ind i dens dybeste essens, som selv går tilbage til bevægelse.
Musikalsk bevægelse er en måde til sanselig-kropslig opfattelse af musik, dens plastiske analyse. Den lærende tilegner sig musikkens sprog direkte gennem øvelse, uden at lære strukturen af et musikstykke eller teknikken til at spille på et instrument. Han lærer at tale det musikalske sprog på samme måde, som et barn lærer at tale sit modersmål: ikke ved at lære grammatik udenad, men på en naturlig måde i kommunikation og leg. Denne metode giver, med T. Adornos ord, en "god lytter": en, der forstår musik direkte, og ikke kun cerebralt, men med en intelligent krop. Som et resultat af en sådan forberedelse dannes evnen til plastisk at udtrykke de mest komplekse parametre for et musikalsk værk: ikke kun meter (som ofte er begrænset til dansere), men også melodi (stemme, melodiøsitet), harmoni (bevægelsesfarve) , rytme , dur-mol (lys, glædelig - mørk , trist), accent (orgelpunkt, lydstyrke, polyfoni).